Nas vésperas do São João, os caminhos que levam ao Teatro Martim Gonçalves estão tomados por um tipo de burburinho que só floresce nessa cidade. Ao longo das ruas comerciais do centro, crianças e sacolas de compra disputam os braços de mães apressadas, enquanto feirantes disparam berros a quilômetros de distância, provocando insistentes revoadas de pombos. Robôs de brinquedo coabitam com bombinhas juninas e cachorros teimam em pedir a última parte do milho cozido ao cidadão saciado. Sinal fecha, sinal abre, e os corpos se arremessam de um lado a outro das ruas, passando tão perto dos carros que parece milagre não produzirmos diariamente dezenas de mutilados.
Em meio a essa geleia geral desponta a brancura fuliginosa da Escola de Teatro da UFBA. Guardado em seus muros está o Martim Gonçalves, teatro à italiana de proporções consideráveis. Sobre o palco impõe-se uma imensa sala de estar à moda antiga. Ali estão as paredes altas cobertas de cores pastéis, um janelão que dá para um jardim imaginário, uma lareira de onde arde um fogo cenográfico (brando), uma escadaria, umas cinco cadeiras acolchoadas em veludo, um tapete e um ou dois abajures de mesa. Enfiados em vestidos longos e paletós costurados sob medida, os atores de Harildo Déda sobrevivem graças à invenção do ar-condicionado.
Como em grande parte dos textos realistas, As Pequenas Raposas acompanha a decadência moral de uma família burguesa, neste caso os Hubbard’s, habitantes do sul estadunidense.
Montar uma peça realista, de maneira realista, sobre uma sociedade e uma época radicalmente distintas das nossas, jamais constituiu um problema fundamental. Se o fosse, não viveríamos tão intensamente o fulgor de certos romances fantásticos ou filmes sci-fi. Mas a capacidade de comunicação dessas histórias está justamente naquilo que ultrapassa sua condição alegórica, preservando ao mesmo tempo a distância tranquilizadora da representação. Isso explica o sucesso de The Little Foxes, tanto nas telas de cinema quanto nos teatros da Broadway.
O cinema tem o realismo por essência, como defendia o crítico francês André Bazin[1]. Tanto que se chega a ele por subtração: retira-se cenários construídos, elege-se uma locação real; retira-se a empostação na voz, assume-se a proximidade do close-up. Já no teatro, o realismo é alcançado por adição: no palco vazio um enorme cenário é erigido; o fogo na lareira vem de um refletor; a voz deve soar “natural”, mas empostada o bastante para que chegue às últimas fileiras. Curiosamente, o realismo teatral só é conquistado através de uma rigorosa artificialidade. Por isso, ao fazê-lo, deve-se ter em mente a supressão da distância entre a peça e o espectador, quero dizer, o caminho que este terá de percorrer entre a assimilação da informação exposta e a vivência pessoal da história fabulada. O realismo necessita, mais que qualquer outra forma estética, de uma poderosa relação de confiança e identidade, na qual a imagem refletida no espelho seja tão fiel que nos ponha assustados. Tal pacto é o que faz chegar em todos os cantos do mundo a Rússia de Tchekhov e o Alabama de Hellman, o Brasil de Plínio Marcos e a Noruega ibseniana.
A saga Star Wars, por exemplo, nos leva facilmente a galáxias distantes. Nela podemos sentir (e compreender) as paixões de um robozinho que só se comunica por apitos. O mesmo se dá em Borges, seja quando evoca uma Buenos Aires cósmica ou certos sonhos labirínticos que nunca imaginaríamos ter. É assim que os Hubbard’s do Alabama podem soar a nós, brasileiros, tão familiares quanto os Flinstones ou tão desconhecidos quanto os nossos vizinhos de porta, dependendo do tratamento que se dê ao traço alegórico intrínseco a qualquer fabulação.
Mas Harildo e sua equipe deslocam a peça do seu contexto original como quem desloca o tacape de um índio às galerias de um museu. Nesse movimento, tão cuidadoso quanto desastrado, sacrificam o brilho da vivência direta do realismo, e o que resta em nossas mãos é a mera alegoria esquelética, pretensamente desejosa de abordar temas que a mídia espontânea e o jornalismo contemporâneos exploram com muito mais rapidez e sagacidade. Aqui, a distância do processo de tradução, que deveria ajudar-nos na passagem da fábula para a vivência pessoal, é grande demais. É com muito esforço que o espectador deverá passar as duas horas e meia de espetáculo tentando capturar qualquer fagulha de identificação com aqueles personagens, interpretados por atores baianos fazendo de conta serem norte-americanos, quando no fundo são