Filme sonoro - Sound film - qaz.wiki
Filme sonoro - Sound film
Filme com som sincronizado
"Imagens faladas" redireciona aqui. Para o canal de televisão britânico, veja a Talking Pictures TV .
Cartaz de 1908 anunciando os filmes sonoros de Gaumont . O Chronomégaphone , projetado para grandes salas, empregava ar comprimido para amplificar o som gravado.
Um filme sonoro é um filme com som sincronizado , ou som tecnologicamente acoplado à imagem, em oposição a um filme mudo . A primeira exibição pública conhecida de filmes sonoros projetados ocorreu em Paris em 1900, mas décadas se passaram antes que os filmes sonoros se tornassem comercialmente práticos. Era difícil conseguir uma sincronização confiável com os primeiros sistemas de som em disco , e a amplificação e a qualidade de gravação também eram inadequadas. As inovações em som em filme levaram à primeira exibição comercial de curtas metragens usando a tecnologia, que ocorreu em 1923.
Os primeiros passos na comercialização do cinema sonoro foram dados em meados da década de 1920. No início, os filmes sonoros que incluíam diálogos sincronizados, conhecidos como " imagens faladas " ou " talkies ", eram exclusivamente curtas. Os primeiros filmes de longa-metragem com som gravado incluíam apenas música e efeitos. O primeiro longa-metragem apresentado originalmente como falado foi The Jazz Singer , que estreou em 6 de outubro de 1927. Um grande sucesso, foi feito com Vitaphone , que era na época a marca líder em tecnologia de som em disco. O som no filme, no entanto, logo se tornaria o padrão para filmes falados.
No início dos anos 1930, os talkies eram um fenômeno global. Nos Estados Unidos, eles ajudaram a garantir a posição de Hollywood como um dos mais poderosos centros culturais / comerciais de influência do mundo (ver Cinema dos Estados Unidos ). Na Europa (e, em menor grau, em outros lugares), o novo desenvolvimento foi tratado com desconfiança por muitos cineastas e críticos, que temiam que o foco no diálogo subvertesse as virtudes estéticas únicas do cinema sem som. No Japão , onde a tradição do cinema popular integrou o cinema mudo e a performance vocal ao vivo, as imagens faladas demoraram a se enraizar. Por outro lado, na Índia, o som foi o elemento transformador que levou à rápida expansão da indústria cinematográfica nacional .
1,1 Primeiros passos
2 Inovações cruciais
2,1 Som avançado no filme
2,2 Som no disco avançado
2,3 Gravação e amplificação eletrônica Fidelity
3 Triunfo dos "talkies"
3,1 Transição: Europa
3,2 Transição: Ásia
4,2 Trabalho
4,3 Comércio
4,4 Qualidade estética
4,5 Forma cinematográfica
8,1 Escritos históricos
8,2 Filmes históricos
Mais informações: Cinetoscópio
Imagem de The Dickson Experimental Sound Film (1894 ou 1895), produzida por WKL Dickson como um teste da versão inicial do Cinetofone de Edison , combinando o Cinetoscópio e o fonógrafo .
Eric MC Tigerstedt (1887–1925) foi um dos pioneiros da tecnologia de som no filme. Tigerstedt em 1915.
A ideia de combinar imagens em movimento com som gravado é quase tão antiga quanto o próprio conceito de cinema. Em 27 de fevereiro de 1888, alguns dias depois que o pioneiro da fotografia Eadweard Muybridge deu uma palestra não muito longe do laboratório de Thomas Edison , os dois inventores se encontraram em particular. Muybridge afirmou mais tarde que, nesta ocasião, seis anos antes da primeira exibição comercial de filmes, ele propôs um esquema para o cinema sonoro que combinaria seu zoopraxiscópio de fundição de imagens com a tecnologia de som gravado de Edison. Nenhum acordo foi alcançado, mas dentro de um ano Edison encomendou o desenvolvimento do Kinetoscope , essencialmente um sistema "peep-show", como um complemento visual para seu fonógrafo cilíndrico . Os dois dispositivos foram reunidos como Kinetophone em 1895, mas a visualização individual em gabinete de filmes logo ficou obsoleta devido ao sucesso na projeção de filmes. Em 1899, um sistema de filme sonoro projetado conhecido como Cinemacrophonograph ou Phonorama, baseado principalmente no trabalho do inventor suíço François Dussaud, foi exibido em Paris; semelhante ao Kinetophone, o sistema exigia o uso individual de fones de ouvido. Um sistema aprimorado baseado em cilindro, Phono-Cinéma-Théâtre, foi desenvolvido por Clément-Maurice Gratioulet e Henri Lioret da França, permitindo que curtas-metragens de teatro, ópera e balé fossem apresentados na Exposição de Paris em 1900. ser os primeiros filmes exibidos publicamente com projeção de imagem e som gravado. Fonorama e mais um sistema de filme sonoro - Théâtroscope - também foram apresentados na Exposição.
Três grandes problemas persistiram, fazendo com que filmes e gravações de som seguissem caminhos separados por uma geração. O principal problema era a sincronização: as imagens e o som eram gravados e reproduzidos por dispositivos separados, que eram difíceis de iniciar e manter em conjunto. O volume de reprodução suficiente também foi difícil de alcançar. Embora os projetores de cinema logo permitissem que o filme fosse exibido para grandes públicos de teatro, a tecnologia de áudio antes do desenvolvimento da amplificação elétrica não conseguia projetar satisfatoriamente para preencher grandes espaços. Por fim, havia o desafio de registrar a fidelidade. Os sistemas primitivos da época produziam som de qualidade muito baixa, a menos que os artistas estivessem posicionados diretamente na frente dos pesados ​​dispositivos de gravação (buzinas acústicas, na maior parte), impondo limites severos sobre o tipo de filmes que poderiam ser criados ao vivo som gravado.
Cartaz com Sarah Bernhardt e nomes de dezoito outros "artistas famosos" mostrados em "visões vivas" na Exposição de Paris de 1900 usando o sistema Gratioulet-Lioret.
Os inovadores cinematográficos tentaram lidar com o problema fundamental de sincronização de várias maneiras. Um número cada vez maior de sistemas de cinema confiava em discos de gramofone - conhecidos como tecnologia de som no disco . Os próprios discos eram frequentemente chamados de "discos berlinenses", em homenagem a um dos principais inventores da área, o alemão-americano Emile Berliner . Em 1902, Léon Gaumont demonstrou seu som em disco Chronophone, envolvendo uma conexão elétrica que ele havia patenteado recentemente, para a Sociedade Francesa de Fotografia . Quatro anos depois, a Gaumont lançou o Elgéphone, um sistema de amplificação de ar comprimido baseado no Auxetofone, desenvolvido pelos inventores britânicos Horace Short e Charles Parsons. Apesar das altas expectativas, as inovações sonoras da Gaumont tiveram apenas um sucesso comercial limitado. Apesar de algumas melhorias, eles ainda não abordavam de forma satisfatória os três problemas básicos do filme sonoro e também eram caros. Por alguns anos, o Cameraphone do inventor americano EE Norton foi o principal concorrente do sistema Gaumont (as fontes divergem sobre se o Cameraphone era baseado em disco ou cilindro); acabou falhando por muitos dos mesmos motivos que impediram o cronofone.
Em 1913, Edison introduziu um novo aparelho de som sincronizado baseado em cilindro conhecido, assim como seu sistema de 1895, como Kinetophone. Em vez de filmes sendo exibidos para espectadores individuais no gabinete do cinetoscópio, eles agora eram projetados em uma tela. O fonógrafo era conectado ao projetor de filmes por um intrincado arranjo de roldanas, permitindo - em condições ideais - a sincronização. No entanto, as condições raramente eram ideais, e o novo e aprimorado Kinetophone foi aposentado após pouco mais de um ano. Em meados da década de 1910, o crescimento da exibição comercial de filmes sonoros havia diminuído. Começando em 1914, O Fotodrama da Criação , promovendo a concepção das Testemunhas de Jeová da gênese da humanidade, foi exibido nos Estados Unidos: oito horas de imagens projetadas envolvendo slides e ação ao vivo, sincronizadas com palestras gravadas separadamente e apresentações musicais reproduzidas no fonógrafo.
Enquanto isso, as inovações continuaram em outra frente significativa. Em 1900, como parte da pesquisa que ele estava conduzindo na photophone , o físico alemão Ernst Ruhmer registrou as flutuações da transmissão do arco-luz como vários tons de bandas claras e escuras em um rolo contínuo de filme fotográfico. Ele então determinou que poderia reverter o processo e reproduzir o som gravado a partir dessa tira fotográfica, direcionando uma luz brilhante através da tira de filme em execução, com a luz variável resultante iluminando uma célula de selênio. As mudanças no brilho causaram uma mudança correspondente na resistência do selênio às correntes elétricas, que foi usado para modular o som produzido em um receptor de telefone. Ele chamou essa invenção de fotofone , que resumiu como: "É realmente um processo maravilhoso: o som se torna eletricidade, torna-se luz, causa ações químicas, torna-se luz e eletricidade novamente e, finalmente, som."
Ruhmer começou uma correspondência com Eugene Lauste , nascido em Londres e nascido na França , que havia trabalhado no laboratório de Edison entre 1886 e 1892. Em 1907, Lauste recebeu a primeira patente para tecnologia de som em filme , envolvendo a transformação de som em ondas de luz que são registradas fotograficamente diretamente na celulóide . Conforme descrito pelo historiador Scott Eyman,
Era um sistema duplo, ou seja, o som estava em um pedaço de filme diferente da imagem ... Em essência, o som era captado por um microfone e traduzido em ondas de luz por meio de uma válvula de luz, uma fina fita de metal sobre uma pequena fenda. O som que chegava a essa fita seria convertido em luz pelo tremor do diafragma, focalizando as ondas de luz resultantes através da fenda, onde seria fotografado na lateral do filme, em uma tira com cerca de um décimo de polegada de largura.
Em 1908, Lauste comprou um fotofone de Ruhmer, com a intenção de aperfeiçoar o dispositivo em um produto comercial. Embora o som no filme eventualmente se tornasse o padrão universal para cinema com som sincronizado. Lauste nunca explorou com sucesso suas inovações, que chegaram a um beco sem saída efetivo. Em 1914, o inventor finlandês Eric Tigerstedt recebeu a patente alemã 309.536 por seu trabalho de som em filme; naquele mesmo ano, ele aparentemente demonstrou um filme feito com o processo para um público de cientistas em Berlim. O engenheiro húngaro Denes Mihaly submeteu seu conceito Sound-on-film Projectofon ao Tribunal Real de Patentes da Hungria em 1918; o prêmio de patente foi publicado quatro anos depois. Quer o som fosse capturado em cilindro, disco ou filme, nenhuma das tecnologias disponíveis era adequada para fins comerciais de grande porte, e por muitos anos os chefes dos grandes estúdios de cinema de Hollywood viram poucos benefícios na produção de filmes sonoros.
Inovações cruciais
Uma série de desenvolvimentos tecnológicos contribuíram para tornar o cinema sonoro comercialmente viável no final dos anos 1920. Duas envolviam abordagens contrastantes para a reprodução ou reprodução sincronizada de som:
Som avançado no filme
Em 1919, o inventor americano Lee De Forest recebeu várias patentes que levariam à primeira tecnologia de som óptico em filme com aplicação comercial. No sistema de De Forest, a trilha sonora era gravada fotograficamente na lateral da tira do filme para criar uma cópia composta, ou "casada". Se a sincronização adequada de som e imagem for alcançada na gravação, pode-se contar com isso na reprodução. Nos quatro anos seguintes, ele aprimorou seu sistema com a ajuda de equipamentos e patentes licenciadas de outro inventor americano na área, Theodore Case .
Na Universidade de Illinois , o engenheiro de pesquisa polonês Joseph Tykociński-Tykociner estava trabalhando de forma independente em um processo semelhante. Em 9 de junho de 1922, ele deu a primeira demonstração americana relatada de um filme com som em filme para membros do Instituto Americano de Engenheiros Elétricos . Como com Lauste e Tigerstedt, o sistema de Tykociner nunca seria aproveitado comercialmente; no entanto, o de De Forest logo o faria.
Anúncio de jornal para uma apresentação de curtas Phonofilm em 1925, promovendo sua distinção tecnológica: sem fonógrafo.
Em 15 de abril de 1923, no Rivoli Theatre de Nova York, aconteceu a primeira exibição comercial de filmes com som sobre filme, que se tornaria o padrão futuro. Consistia em um conjunto de curtas-metragens de duração variada e apresentando algumas das estrelas mais populares da década de 1920 (incluindo Eddie Cantor , Harry Richman , Sophie Tucker e George Jessel, entre outros) fazendo apresentações em palco como vaudevilles , atos musicais e discursos que acompanharam a exibição do longa-metragem mudo Bella Donna . Todos eles foram apresentados sob a bandeira da De Forest Phonofilms . O set incluiu o curta-metragem de 11 minutos From far Seville estrelado por Concha Piquer . Em 2010, uma cópia da fita foi encontrada na Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos , onde atualmente está preservada. Os críticos presentes ao evento elogiaram a novidade, mas não a qualidade do som que recebeu críticas negativas em geral. Naquele mês de junho, De Forest entrou em uma longa batalha legal com um funcionário, Freeman Harrison Owens , pelo título de uma das patentes essenciais da Phonofilm. Embora De Forest tenha vencido o caso nos tribunais, Owens é hoje reconhecido como um inovador central no campo. No ano seguinte, o estúdio de De Forest lançou o primeiro filme dramático comercial rodado como um filme falado - Old Sweet Song de duas bobinas , dirigido por J. Searle Dawley e apresentando Una Merkel . No entanto, o estoque da phonofilm no comércio não eram dramas originais, mas documentários de celebridades, atos de música popular e apresentações de comédia. O presidente Calvin Coolidge , o cantor de ópera Abbie Mitchell e estrelas do vaudeville como Phil Baker , Ben Bernie , Eddie Cantor e Oscar Levant apareceram nas fotos da empresa. Hollywood permaneceu desconfiado, até mesmo temeroso, da nova tecnologia. Como disse o editor da Photoplay , James Quirk , em março de 1924: "As fotos faladas são perfeitas, diz o Dr. Lee De Forest. O óleo de rícino também." O processo de De Forest continuou a ser usado até 1927 nos Estados Unidos para dezenas de Phonofilms curtos; no Reino Unido, foi contratado por mais alguns anos para curtas e longas-metragens da British Sound Film Productions, uma subsidiária da British Talking Pictures, que comprou os ativos principais da Phonofilm. No final de 1930, o negócio da Phonofilm seria liquidado.
Na Europa, outros também estavam trabalhando no desenvolvimento de som em filme. Em 1919, o mesmo ano em que DeForest recebeu suas primeiras patentes no campo, três inventores alemães, Josef Engl (1893–1942), Hans Vogt (1890–1979) e Joseph Massolle (1889–1957), patentearam o Tri-Ergon sistema de som. Em 17 de setembro de 1922, o grupo Tri-Ergon fez uma exibição pública de produções sound-on-film - incluindo um talkie dramático, Der Brandstifter ( The Arsonist ) - antes de um público convidado no Alhambra Kino em Berlim. No final da década, Tri-Ergon seria o sistema de som europeu dominante. Em 1923, dois engenheiros dinamarqueses, Axel Petersen e Arnold Poulsen, patentearam um sistema que gravava som em uma tira de filme separada correndo paralelamente ao rolo de imagem. A Gaumont licenciou a tecnologia e a colocou brevemente em uso comercial com o nome Cinéphone.
A competição doméstica, no entanto, eclipsou o Phonofilm. Em setembro de 1925, o esquema de trabalho de De Forest e Case fracassou. Em julho seguinte, Case se juntou à Fox Film , o terceiro maior estúdio de Hollywood , para fundar a Fox-Case Corporation. O sistema desenvolvido por Case e seu assistente, Earl Sponable, que recebeu o nome de Movietone , tornou-se assim a primeira tecnologia de som sobre filme viável controlada por um estúdio de cinema de Hollywood. No ano seguinte, a Fox comprou os direitos norte-americanos do sistema Tri-Ergon, embora a empresa o tenha considerado inferior ao Movietone e virtualmente impossível de integrar os dois sistemas diferentes com vantagem. Em 1927, também, a Fox contratou os serviços de Freeman Owens, que tinha experiência especial na construção de câmeras para filmes de som sincronizado.
Som no disco avançado
Paralelamente às melhorias na tecnologia de som no filme, várias empresas estavam fazendo progresso com sistemas que gravavam o som do filme em discos fonográficos. Na tecnologia de som em disco da época, uma mesa giratória de fonógrafo é conectada por um intertravamento mecânico a um projetor de filme especialmente modificado , permitindo a sincronização. Em 1921, o sistema de som em disco Photokinema desenvolvido por Orlando Kellum foi empregado para adicionar sequências de som sincronizadas ao fracassado filme mudo Dream Street de DW Griffith . Uma canção de amor, interpretada pela estrela Ralph Graves, foi gravada, assim como uma sequência de efeitos vocais ao vivo. Aparentemente, cenas de diálogo também foram gravadas, mas os resultados foram insatisfatórios e o filme nunca foi exibido publicamente incorporando-as. Em 1º de maio de 1921, Dream Street foi relançado, com canção de amor adicionada, no teatro da prefeitura de Nova York, qualificando-o - embora aleatoriamente - como o primeiro longa-metragem com uma sequência vocal gravada ao vivo. Não haveria outros por mais de seis anos.
Cartaz para a Warner Bros. ' Don Juan (1926), o primeiro grande filme a estrear com um sincronizado full-length trilha sonora . O engenheiro de gravação de áudio George Groves , o primeiro em Hollywood a ocupar o cargo, supervisionaria o som em Woodstock , 44 anos depois.
Em 1925, Sam Warner da Warner Bros. , então um pequeno estúdio de Hollywood com grandes ambições, viu uma demonstração do sistema de som em disco Western Electric e ficou suficientemente impressionado para persuadir seus irmãos a concordarem em experimentar o uso desse sistema em New Vitagraph Studios , da cidade de York , que eles haviam comprado recentemente. Os testes foram convincentes para a Warner Brothers, se não para os executivos de algumas outras empresas de cinema que os testemunharam. Consequentemente, em abril de 1926, a Western Electric Company celebrou um contrato com a Warner Brothers e WJ Rich, um financista, dando-lhes uma licença exclusiva para gravar e reproduzir imagens sonoras sob o sistema Western Electric. Para explorar esta licença, a Vitaphone Corporation foi organizada com Samuel L. Warner como seu presidente. Vitaphone , como esse sistema era agora chamado, foi apresentado publicamente em 6 de agosto de 1926, com a estréia de Don Juan ; o primeiro longa-metragem a empregar um sistema de som sincronizado de qualquer tipo, sua trilha sonora continha uma partitura musical e efeitos sonoros adicionados , mas nenhum diálogo gravado - em outras palavras, foi encenado e rodado como um filme mudo. Acompanhando Don Juan , no entanto, estavam oito curtas de apresentações musicais, principalmente clássicas, bem como uma introdução filmada de quatro minutos por Will H. Hays , presidente da Motion Picture Association of America , todos com som gravado ao vivo. Esses foram os primeiros verdadeiros filmes sonoros exibidos por um estúdio de Hollywood. Warner Bros.' The Better 'Ole , tecnicamente semelhante a Don Juan , foi lançado em outubro.
O som no filme acabaria vencendo o som no disco devido a uma série de vantagens técnicas fundamentais:
Sincronização: nenhum sistema de bloqueio era completamente confiável e um erro do projecionista, uma quebra do filme reparada de maneira incorreta ou um defeito no disco da trilha sonora pode resultar no som ficar séria e irrecuperavelmente fora de sincronia com a imagem
Edição: os discos não podiam ser editados diretamente, limitando severamente a capacidade de fazer alterações em seus filmes após o corte de lançamento original
Distribuição: os discos fonográficos acrescentaram despesas e complicações à distribuição do filme
Desgaste: o processo físico de reprodução dos discos os degradou, exigindo sua substituição após aproximadamente vinte exibições
No entanto, nos primeiros anos, o som no disco tinha uma vantagem sobre o som no filme de duas maneiras substanciais:
Produção e custo de capital: geralmente era mais barato gravar som em disco do que em filme e os sistemas de exibição - toca-discos / intertravamento / projetor - eram mais baratos de fabricar do que os complexos projetores de leitura de padrões de imagem e áudio exigidos pelo som no filme
Qualidade de áudio: os discos fonográficos, em particular os da Vitaphone, tinham faixa dinâmica superior à maioria dos processos de som no filme da época, pelo menos durante as primeiras reproduções; enquanto o som no filme tendia a ter uma melhor resposta de frequência , isso era compensado por uma maior distorção e ruído
À medida que a tecnologia de som no filme melhorou, essas duas desvantagens foram superadas.
O terceiro conjunto crucial de inovações marcou um grande passo à frente tanto na gravação ao vivo de som quanto em sua reprodução eficaz:
O engenheiro elétrico da Western EB Craft, à esquerda, demonstrando o sistema de projeção Vitaphone . Um disco Vitaphone tinha um tempo de execução de cerca de 11 minutos, o suficiente para se equiparar a um rolo de filme de 35 mm de 1.000 pés (300 m).
Gravação e amplificação eletrônica Fidelity
Em 1913, a Western Electric , divisão de manufatura da AT&T, adquiriu os direitos do audion de Forest , o precursor do tubo de vácuo triodo . Nos anos seguintes, eles o desenvolveram em um dispositivo previsível e confiável que possibilitou a amplificação eletrônica pela primeira vez. A Western Electric então se ramificou no desenvolvimento de usos para o tubo de vácuo, incluindo sistemas de som e um sistema de gravação elétrica para a indústria fonográfica. A partir de 1922, o ramo de pesquisa da Western Electric começou a trabalhar intensamente em tecnologia de gravação para sistemas de som sincronizados de som em disco e som em filme para filmes.
Os engenheiros que trabalharam no sistema de som no disco foram capazes de aproveitar a experiência que a Western Electric já tinha em gravação de discos elétricos e, portanto, foram capazes de fazer um progresso inicial mais rápido. A principal mudança necessária era aumentar o tempo de reprodução do disco para que pudesse corresponder a um rolo padrão de 1.000 pés (300 m) de filme de 35 mm. O projeto escolhido usou um disco de quase 16 polegadas (cerca de 40 cm) de diâmetro girando a 33 1/3 rpm. Isso poderia ser reproduzido por 11 minutos, o tempo de execução de 1000 pés de filme a 90 pés / min (24 quadros / s). Por causa do diâmetro maior, a velocidade mínima da ranhura de 70 pés / min (14 polegadas ou 356 mm / s) era apenas ligeiramente menor do que a de um disco comercial padrão de 10 polegadas e 78 rpm. Em 1925, a empresa apresentou publicamente um sistema bastante aprimorado de áudio eletrônico, incluindo microfones condensadores sensíveis e gravadores de linha de borracha (nomeados em homenagem ao uso de uma faixa de amortecimento de borracha para gravação com melhor resposta de frequência em um disco mestre de cera). Em maio daquele ano, a empresa licenciou o empresário Walter J. Rich para explorar o sistema para filmes comerciais; ele fundou a Vitagraph, na qual a Warner Bros. adquiriu meia participação, apenas um mês depois. Em abril de 1926, a Warners assinou um contrato com a AT&T para o uso exclusivo de sua tecnologia de som para filmes para a operação Vitaphone redobrada, levando à produção de Don Juan e seus curtas-metragens nos meses seguintes. Durante o período em que a Vitaphone teve acesso exclusivo às patentes, a fidelidade das gravações feitas para os filmes da Warners foi nitidamente superior às feitas para os concorrentes de som em filme da empresa. Enquanto isso, o Bell Labs - o novo nome para a operação de pesquisa da AT&T - trabalhava em um ritmo furioso em uma sofisticada tecnologia de amplificação de som que permitiria que as gravações fossem reproduzidas em alto - falantes no volume que enche o teatro. O novo sistema de alto-falantes com bobina móvel foi instalado no Warners Theatre de Nova York no final de julho e sua apresentação de patente, para o que a Western Electric chamou de receptor nº 555, foi protocolada em 4 de agosto, apenas dois dias antes da estreia de Don Juan .
No final do ano, a AT&T / Western Electric criou uma divisão de licenciamento, Electrical Research Products Inc. (ERPI), para lidar com os direitos da tecnologia de áudio relacionada a filmes da empresa. A Vitaphone ainda tinha exclusividade legal, mas tendo prescrito o pagamento de royalties, o controle efetivo dos direitos estava nas mãos da ERPI. Em 31 de dezembro de 1926, a Warners concedeu à Fox-Case uma sublicença para o uso do sistema elétrico da Western; em troca do sublicenciamento, a Warners e a ERPI receberam uma parte das receitas relacionadas à Fox. As patentes de todas as três empresas foram licenciadas cruzadas. A tecnologia superior de gravação e amplificação estava agora disponível para dois estúdios de Hollywood, buscando dois métodos muito diferentes de reprodução de som. O novo ano veria finalmente o surgimento do cinema sonoro como um meio comercial significativo.
Triunfo dos "talkies"
Em fevereiro de 1927, um acordo foi assinado por cinco empresas cinematográficas de Hollywood: Famous Players-Lasky (que em breve fará parte da Paramount ), Metro-Goldwyn-Mayer , Universal , First National e os pequenos, mas prestigiosos produtores de Cecil B. DeMille Distributing Corporation (PDC). Os cinco estúdios concordaram em selecionar coletivamente apenas um fornecedor para conversão de som e, em seguida, esperaram para ver que tipo de resultados os principais candidatos teriam. Em maio, a Warner Bros. vendeu de volta seus direitos de exclusividade para o ERPI (junto com a sublicencia da Fox-Case) e assinou um novo contrato de royalties semelhante ao da Fox para o uso da tecnologia Western Electric. A Fox e a Warners avançaram com o cinema sonoro, movendo-se em diferentes direções, tanto tecnológica quanto comercialmente: a Fox mudou-se para os cinejornais e, em seguida, trilhas de dramas, enquanto a Warners se concentrou em filmes falados. Enquanto isso, a ERPI buscava monopolizar o mercado ao inscrever os cinco estúdios aliados.
Anúncio de jornal de um teatro totalmente equipado em Tacoma, Washington, exibindo The Jazz Singer , na Vitaphone, e um cinejornal da Fox, na Movietone , juntos na mesma conta.
As grandes sensações do filme sonoro do ano aproveitaram todas as vantagens de celebridades preexistentes. Em 20 de maio de 1927, no Roxy Theatre de Nova York , a Fox Movietone apresentou um filme sonoro da decolagem do célebre voo de Charles Lindbergh para Paris, gravado no início daquele dia. Em junho, um noticiário de som da Fox retratando suas boas-vindas de retorno na cidade de Nova York e Washington, DC, foi exibido. Estes foram os dois filmes sonoros mais aclamados até à data. Em maio, também, a Fox havia lançado o primeiro filme de ficção hollywoodiano com diálogos sincronizados: o curta They Coming to Get Me , estrelado pelo comediante Chic Sale . Depois de relançar alguns sucessos silenciosos, como Seventh Heaven , com música gravada, a Fox lançou seu primeiro longa-metragem Movietone original em 23 de setembro: Sunrise , do aclamado diretor alemão FW Murnau . Como no caso de Don Juan , a trilha sonora do filme consistia em uma trilha sonora e efeitos sonoros (incluindo, em algumas cenas de multidão, vocais "selvagens" não específicos).
Então, em 6 de outubro de 1927, Warner Bros. ' Estreou The Jazz Singer . Foi um grande sucesso de bilheteria para o estúdio de nível médio, ganhando um total de US $ 2,625 milhões nos Estados Unidos e no exterior, quase um milhão de dólares a mais do que o recorde anterior para um filme da Warners. Produzido com o sistema Vitaphone, a maior parte do filme não contém áudio gravado ao vivo, contando, como Sunrise e Don Juan , com partitura e efeitos. Quando a estrela do filme, Al Jolson , canta, no entanto, o filme muda para o som gravado no set, incluindo suas apresentações musicais e duas cenas com discurso improvisado - uma do personagem de Jolson, Jakie Rabinowitz (Jack Robin), abordando um público de cabaré; o outro, uma troca entre ele e sua mãe. Os sons "naturais" das configurações também eram audíveis. Embora o sucesso de The Jazz Singer se deva em grande parte a Jolson, já estabelecido como uma das maiores estrelas da música dos Estados Unidos, e seu uso limitado de som sincronizado dificilmente o qualifique como um filme sonoro inovador (muito menos o "primeiro"), os lucros do filme foram provas suficientes para a indústria de que valia a pena investir na tecnologia.
O desenvolvimento do cinema de som comercial ocorreu aos trancos e barrancos antes de The Jazz Singer , e o sucesso do filme não mudou as coisas da noite para o dia. A reação da influente colunista de fofocas Louella Parsons a The Jazz Singer foi muito errada: "Não tenho medo de que o estridente filme sonoro atrapalhe nossos cinemas", enquanto o chefe de produção da MGM, Irving Thalberg, chamou o filme de "um bom truque, mas isso é tudo o que foi. " Só em maio de 1928 o grupo de quatro grandes estúdios (o PDC havia desistido da aliança), junto com a United Artists e outros, assinou com a ERPI para conversão de instalações de produção e teatros para filmes sonoros. Foi um compromisso assustador; reformar um único cinema custava até US $ 15.000 (o equivalente a US $ 220.000 em 2019) e havia mais de 20.000 cinemas nos Estados Unidos. Em 1930, apenas metade dos cinemas tinha som.
Inicialmente, todos os cinemas com fio ERPI tornaram-se compatíveis com o Vitaphone; a maioria estava equipada para projetar bobinas Movietone também. No entanto, mesmo com acesso a ambas as tecnologias, a maioria das empresas de Hollywood demorou a produzir seus próprios recursos falantes. Nenhum estúdio além da Warner Bros. lançou nem mesmo um filme parcialmente falado até que o Film Booking Offices of America (FBO), de baixo orçamento, estreou The Perfect Crime em 17 de junho de 1928, oito meses depois de The Jazz Singer . FBO tinha vindo sob o controlo efectivo de um concorrente Western Electric, General Electric 's RCA divisão, que estava olhando para comercializar seu novo sistema sound-on-film, Photophone . Ao contrário do Movietone da Fox-Case e do Phonofilm de De Forest, que eram sistemas de densidade variável, o Photophone era um sistema de área variável - um refinamento na forma como o sinal de áudio era inscrito no filme que acabaria se tornando o padrão. (Em ambos os tipos de sistemas, uma lâmpada especialmente projetada, cuja exposição ao filme é determinada pela entrada de áudio, é usada para gravar o som fotograficamente como uma série de linhas minúsculas. Em um processo de densidade variável, as linhas variam escuridão; em um processo de área variável, as linhas são de largura variável.) Em outubro, a aliança FBO-RCA levaria à criação do mais novo grande estúdio de Hollywood, RKO Pictures .
Dorothy Mackaill e Milton Sills em The Barker , o talkie inaugural do First National . O filme foi lançado em dezembro de 1928, dois meses depois que a Warner Bros. adquiriu o controle acionário do estúdio.
Enquanto isso, a Warner Bros. havia lançado mais três filmes falados, todos lucrativos, se não no nível de The Jazz Singer : em março, apareceu Tenderloin ; foi anunciado pela Warners como o primeiro longa em que os personagens falaram seus papéis, embora apenas 15 de seus 88 minutos tivessem diálogo. Glorious Betsy veio em abril, e The Lion and the Mouse (31 minutos de diálogo) em maio. Em 6 de julho de 1928, o primeiro longa-metragem totalmente falado, Lights of New York , estreou. O filme custou à Warner Bros. apenas US $ 23.000 para ser produzido, mas arrecadou US $ 1,252 milhão, uma taxa recorde de retorno que ultrapassou 5.000%. Em setembro, o estúdio lançou outro filme parcialmente falado de Al Jolson, The Singing Fool , que mais que dobrou o recorde de ganhos do Jazz Singer com um filme da Warners. Este segundo sucesso na tela de Jolson demonstrou a capacidade do filme musical de transformar uma música em um sucesso nacional: em nove meses, o número de Jolson " Sonny Boy " tinha acumulado 2 milhões de discos e 1,25 milhão de partituras vendidas. Setembro 1928 também viu o lançamento de Paul Terry 's Tempo de jantar , entre as primeira desenhos animados produzidos com som sincronizado. Logo depois de vê-lo, Walt Disney lançou seu primeiro filme de som, o curta Steamboat Willie , do Mickey Mouse .
Ao longo de 1928, quando a Warner Bros. começou a obter enormes lucros devido à popularidade de seus filmes sonoros , os outros estúdios aceleraram o ritmo de sua conversão para a nova tecnologia. Paramount, líder do setor, lançou seu primeiro talkie no final de setembro, Beggars of Life ; embora tivesse apenas algumas linhas de diálogo, demonstrou o reconhecimento do estúdio do poder do novo meio. Interference , o primeiro all-talk da Paramount, estreou em novembro. O processo conhecido como "glândula de cabra" rapidamente se espalhou: trilhas sonoras, às vezes incluindo um punhado de diálogo ou música pós-dublada, eram adicionadas aos filmes que haviam sido filmados e, em alguns casos, lançados como silêncios. Alguns minutos cantando podem qualificar um filme tão recente como um "musical". ( Dream Street de Griffith tinha sido essencialmente uma "glândula de cabra".) As expectativas mudaram rapidamente, e o som "modismo" de 1927 tornou-se o procedimento padrão em 1929. Em fevereiro de 1929, dezesseis meses após a estreia do The Jazz Singer , a Columbia Pictures tornou-se o último dos oito estúdios que seriam conhecidos como " majores " durante a Idade de Ouro de Hollywood a lançar seu primeiro longa-metragem de fala parcial, A Filha do Lobo Solitário . No final de maio, o primeiro longa-metragem totalmente colorido e falado, Warner Bros. ' Continue com o Show! , estreou.
No entanto, a maioria dos cinemas americanos, especialmente fora das áreas urbanas, ainda não estava equipada para som: enquanto o número de cinemas sonoros cresceu de 100 para 800 entre 1928 e 1929, eles ainda eram amplamente superados pelos cinemas mudos, que na verdade haviam crescido em número também, de 22.204 para 22.544. Os estúdios, em paralelo, ainda não estavam totalmente convencidos do apelo universal dos talkies - até meados de 1930, a maioria dos filmes de Hollywood era produzida em versões duplas, mudas e faladas. Embora poucos na indústria tivessem previsto isso, o filme mudo como meio comercial viável nos Estados Unidos logo seria pouco mais do que uma memória. Points West , um Hoot Gibson Western lançado pela Universal Pictures em agosto de 1929, foi o último filme mainstream puramente silencioso lançado por um grande estúdio de Hollywood.
Transição: Europa
The Jazz Singer teve sua estréia de som europeu no Piccadilly Theatre em Londres em 27 de setembro de 1928. De acordo com o historiador de cinema Rachael Low , "Muitos na indústria perceberam imediatamente que uma mudança na produção de som era inevitável." Em 16 de janeiro de 1929, estreou o primeiro longa-metragem europeu com performance vocal sincronizada e trilha sonora gravada: a produção alemã Ich küsse Ihre Hand, Madame ( I Kiss Your Hand, Madame ). Sem diálogos, contém apenas algumas canções executadas por Richard Tauber . O filme foi feito com o sistema sound-on-film controlado pela empresa germano-holandesa Tobis , herdeira corporativa da empresa Tri-Ergon . Com o objetivo de comandar o emergente mercado europeu de filmes sonoros, a Tobis fechou um acordo com seu principal concorrente, a Klangfilm, uma subsidiária conjunta dos dois maiores fabricantes de eletricidade da Alemanha. No início de 1929, Tobis e Klangfilm começaram a comarketing suas tecnologias de gravação e reprodução. Quando o ERPI começou a conectar cinemas em toda a Europa, Tobis-Klangfilm afirmou que o sistema Western Electric infringia as patentes Tri-Ergon, retardando a introdução da tecnologia americana em muitos lugares. Assim como a RCA entrou no ramo do cinema para maximizar o valor de seu sistema de gravação, Tobis também estabeleceu suas próprias operações de produção.
Durante 1929, a maioria dos principais países europeus do cinema começou a se juntar a Hollywood na transição para o som. Muitos dos talkies europeus que criaram tendências foram filmados no exterior, enquanto as produtoras alugavam estúdios enquanto os seus próprios estavam sendo convertidos ou quando visavam deliberadamente mercados que falavam idiomas diferentes. Um dos dois primeiros filmes falados dramáticos de longa-metragem da Europa foi criado em um tipo ainda diferente de reviravolta na produção cinematográfica multinacional: O Círculo Carmesim foi uma coprodução entre a empresa Efzet-Film do diretor Friedrich Zelnik e a British Sound Film Productions (BSFP). Em 1928, o filme foi lançado como o mudo Der Rote Kreis na Alemanha, onde foi rodado; O diálogo em inglês foi aparentemente dublado muito mais tarde usando o processo De Forest Phonofilm controlado pela matriz corporativa do BSFP. Foi apresentado a uma exibição comercial britânica em março de 1929, assim como um filme parcialmente falado feito inteiramente no Reino Unido: The Clue of the New Pin , uma produção do British Lion usando o sistema de som em disco British Photophone. Em maio, Black Waters , uma British and Dominions Film Corporation promovida como a primeira all-talker do Reino Unido, recebeu sua exibição comercial inicial; foi filmado completamente em Hollywood com um sistema de som em filme Western Electric. Nenhuma dessas fotos teve muito impacto.
A estrela de Blackmail (1929) criada em Praga , Anny Ondra , era uma das favoritas da indústria, mas seu forte sotaque se tornou um problema quando o filme foi refeito com som. Sem capacidade de pós- dublagem , seu diálogo foi simultaneamente gravado fora das telas pela atriz Joan Barry. A carreira de Ondra no cinema britânico acabou.
O primeiro talkie dramático europeu de sucesso foi o Blackmail totalmente britânico . Dirigido por Alfred Hitchcock , de 29 anos , o filme estreou em Londres em 21 de junho de 1929. Originalmente rodado em modo mudo, Blackmail foi refeito para incluir sequências de diálogo, junto com uma trilha sonora e efeitos sonoros, antes de sua estréia. Uma produção da British International Pictures (BIP), foi gravada na RCA Photophone, a General Electric tendo comprado uma participação da AEG para que pudessem acessar os mercados Tobis-Klangfilm. A chantagem foi um sucesso substancial; a resposta crítica também foi positiva - o notório mesquinho Hugh Castle, por exemplo, chamou-a de "talvez a mais inteligente mistura de som e silêncio que já vimos".
Em 23 de agosto, a modesta indústria cinematográfica austríaca lançou um talkie: G'schichten aus der Steiermark ( Histórias da Estíria ), uma produção Eagle Film – Ottoton Film. Em 30 de setembro, estreou o primeiro filme falado dramático de longa-metragem inteiramente alemão, Das Land ohne Frauen ( Terra Sem Mulheres ). Uma produção da Tobis Filmkunst, cerca de um quarto do filme continha diálogos, estritamente segregados dos efeitos especiais e da música. A resposta foi nada assombrosa. O primeiro filme falado da Suécia, Konstgjorda Svensson ( Artificial Svensson ), estreou em 14 de outubro. Oito dias depois, Aubert Franco-Film estreou com Le Collier de la reine ( O Colar da Rainha ), filmado no estúdio Épinay perto de Paris. Concebido como um filme mudo, recebeu uma trilha sonora gravada por Tobis e uma única sequência falada - a primeira cena de diálogo em um longa-metragem francês. Em 31 de outubro, Les Trois masques ( As Três Máscaras ) estreou; um filme da Pathé -Natan, é geralmente considerado o primeiro longa-metragem falado francês, embora tenha sido filmado, como Blackmail , no estúdio Elstree , nos arredores de Londres. A produtora havia contratado a RCA Photophone e a Grã-Bretanha passou a ter a instalação mais próxima com o sistema. O Braunberger-Richebé talkie La Route est belle ( The Road Is Fine ), também filmado em Elstree, veio algumas semanas depois.
Antes que os estúdios de Paris estivessem totalmente equipados com som - um processo que se estendeu até 1930 - vários outros filmes falados franceses foram filmados na Alemanha. O primeiro longa-metragem totalmente falado em alemão, Atlantik , estreou em Berlim em 28 de outubro. Mais um filme feito por Elstree, era bem menos alemão do que Les Trois masques e La Route est belle eram franceses; uma produção BIP com um cenarista britânico e diretor alemão, também foi filmada em inglês como Atlantic . O inteiramente alemã Aafa-Film produção é você que eu tenho amado ( Dich hab ich geliebt ) abriu três e meia semanas mais tarde. Não foi o "Primeiro Filme Falado da Alemanha", como dizia o marketing, mas foi o primeiro a ser lançado nos Estados Unidos.
O primeiro talkie soviético, Putevka v zhizn ( The Road to Life ; 1931), trata da questão dos jovens sem-teto. Como disse Marcel Carné , "nas imagens inesquecíveis dessa história simples e pura podemos discernir o esforço de uma nação inteira".
Em 1930, os primeiros talkies poloneses estrearam, usando sistemas de som em disco: Moralność pani Dulskiej ( A Moralidade da Sra. Dulska ) em março e os romanos Niebezpieczny falante ( Dangerous Love Affair ) em outubro. Na Itália, cuja outrora vibrante indústria cinematográfica se tornou moribunda no final dos anos 1920, o primeiro filme falado, La Canzone dell'amore ( A Canção do Amor ), também foi lançado em outubro; dentro de dois anos, o cinema italiano estaria revivendo. O primeiro filme falado em tcheco também estreou em 1930, Tonka Šibenice ( Tonka da Forca ). Vários países europeus com posições menores no campo também produziram seus primeiros filmes falados - Bélgica (em francês), Dinamarca, Grécia e Romênia. A robusta indústria cinematográfica da União Soviética lançou seus primeiros recursos sonoros em dezembro de 1930: Entusiasmo de não ficção de Dziga Vertov tinha uma trilha sonora experimental e sem diálogos; O documentário de Abram Room , Plan velikikh rabot ( O Plano das Grandes Obras ), tinha música e locuções faladas. Ambos foram feitos com sistemas de som em filme desenvolvidos localmente, dois dos cerca de duzentos sistemas de som de filme então disponíveis em algum lugar do mundo. Em junho de 1931, o drama de Nikolai Ekk Putevka v zhizn ( O Caminho para a Vida ou Um Começo na Vida ), estreou como o primeiro filme verdadeiramente falado da União Soviética.
Em grande parte da Europa, a conversão de locais de exibição ficou bem atrás da capacidade de produção, exigindo que os filmes falados fossem produzidos em versões silenciosas paralelas ou simplesmente exibidos sem som em muitos lugares. Enquanto o ritmo de conversão foi relativamente rápido na Grã-Bretanha - com mais de 60 por cento dos cinemas equipados para som no final de 1930, semelhante ao número dos EUA - na França, em contraste, mais da metade dos cinemas em todo o país ainda estavam projetando em silêncio por final de 1932. De acordo com o estudioso Colin G. Crisp, "a ansiedade em ressuscitar o fluxo de filmes mudos foi freqüentemente expressa na imprensa industrial [francesa], e uma grande parte da indústria ainda via o silêncio como uma perspectiva artística e comercial viável até cerca de 1935. " A situação era particularmente aguda na União Soviética; em maio de 1933, menos de um em cada cem projetores de cinema no país ainda estava equipado para som.
Transição: Ásia
Diretor Heinosuke Gosho 's Madamu para nyobo ( a mulher do vizinho e Mina ; 1931), uma produção da Shochiku estúdio, foi o primeiro sucesso comercial e crítico importante do cinema som japonês.
Durante as décadas de 1920 e 1930, o Japão foi um dos dois maiores produtores mundiais de filmes, junto com os Estados Unidos. Embora a indústria cinematográfica do país tenha sido uma das primeiras a produzir recursos sonoros e falados, a mudança completa para o som ocorreu muito mais lentamente do que no Ocidente. Parece que o primeiro filme sonoro japonês, Reimai ( Dawn ), foi feito em 1926 com o sistema De Forest Phonofilm. Usando o sistema Minatoki de som em disco, o estúdio Nikkatsu líder produziu um par de filmes falados em 1929: Taii no musume ( A Filha do Capitão ) e Furusato ( Cidade Natal ), este último dirigido por Kenji Mizoguchi . O estúdio rival Shochiku iniciou a produção bem-sucedida de sons sonoros em filme em 1931, usando um processo de densidade variável chamado Tsuchibashi. Dois anos depois, no entanto, mais de 80% dos filmes feitos no país ainda eram silenciosos. Dois dos principais diretores do país, Mikio Naruse e Yasujirō Ozu , não fizeram seus primeiros filmes sonoros até 1935 e 1936, respectivamente. Em 1938, mais de um terço de todos os filmes produzidos no Japão foram filmados sem diálogos.
A popularidade duradoura do meio mudo no cinema japonês deveu-se em grande parte à tradição do benshi , um narrador ao vivo que acompanhava uma exibição de filme. Como o diretor Akira Kurosawa descreveu mais tarde, os benshi "não apenas recontaram a trama dos filmes, eles aumentaram o conteúdo emocional ao interpretar as vozes e efeitos sonoros e fornecer descrições evocativas de eventos e imagens na tela ... Os narradores mais populares eram estrelas por si mesmas, as únicas responsáveis ​​pelo patrocínio de um determinado teatro. " A historiadora de cinema Mariann Lewinsky argumenta,
O fim do cinema mudo no Ocidente e no Japão foi imposto pela indústria e pelo mercado, não por qualquer necessidade interna ou evolução natural ... O cinema silencioso era uma forma altamente prazerosa e totalmente madura. Não faltou nada, menos no Japão, onde sempre havia a voz humana fazendo os diálogos e os comentários. Os filmes sonoros não eram melhores, apenas mais econômicos. Como dono de um cinema, você não precisava mais pagar os salários de músicos e benshi. E um bom benshi era uma estrela que exigia pagamento de estrela.
Da mesma forma, a viabilidade do sistema benshi facilitou uma transição gradual para o som - permitindo que os estúdios distribuíssem os custos de capital da conversão e seus diretores e equipes técnicas se familiarizassem com a nova tecnologia.
Alam Ara estreou em 14 de março de 1931, em Bombaim. O primeiro talkie indiano foi tão popular que "a ajuda da polícia teve de ser convocada para controlar as multidões". Foi filmado com a câmera de sistema único Tanar, que gravou o som diretamente no filme.
O idioma mandarim Gēnǚ Hong mǔdān (歌女紅牡丹, Singsong menina Red Peony ), estrelado borboleta Wu, estreou como primeiro talkie característica da China em 1930. Em fevereiro daquele ano, a produção foi aparentemente concluída em uma versão sonora de O diabo Playground , sem dúvida qualificando-o como o primeiro filme australiano falado; no entanto, a exibição para a imprensa, em maio, do vencedor do Commonwealth Film Contest, Fellers, é a primeira exibição pública verificável de um talkie australiano. Em setembro de 1930, uma canção interpretada pela estrela indiana Sulochana , trecho do longa-metragem mudo Madhuri (1928), foi lançada como curta com som sincronizado, a primeira do país. No ano seguinte, Ardeshir Irani dirigiu o primeiro filme com fala indiana, Hindi-Urdu Alam Ara , e produziu Kalidas , principalmente em Tamil com um pouco de Telugu. Mil novecentos e trinta e um também viu o primeiro filme em idioma bengali, Jamai Sasthi , e o primeiro filme totalmente falado em telugu, Bhakta Prahlada . Em 1932, Ayodhyecha Raja se tornou o primeiro filme em que Marathi foi falado a ser lançado (embora Sant Tukaram tenha sido o primeiro a passar pelo processo oficial de censura); o primeiro filme em língua gujarati, Narsimha Mehta , e talkie todo em tamil, Kalava , também estreou. No ano seguinte, Ardeshir Irani produziu o primeiro talkie em língua persa, Dukhtar-e-loor . Também em 1933, os primeiros filmes em língua cantonesa foram produzidos em Hong Kong - Sha zai dongfang ( A Noite de Núpcias do Idiota ) e Liang xing ( Consciência ); em dois anos, a indústria cinematográfica local havia se convertido totalmente para o som. A Coreia, onde pyonsa (ou byun-sa ) teve um papel e status semelhantes aos do benshi japonês, em 1935 se tornou o último país com uma indústria cinematográfica significativa a produzir seu primeiro filme falado: Chunhyangjeon (春香 傳/ 춘향전 ) é baseado sobre o conto popular pansori do século XVII " Chunhyangga ", do qual até quinze versões de filmes foram feitas em 2009.
Show Girl in Hollywood (1930), um dos primeiros filmes sonoros sobre a produção de filmes sonoros, retrata microfones pendurados nas vigas e várias câmeras disparando simultaneamente em cabines à prova de som. O pôster mostra uma câmera sem estande e sem tampas, como pode ser ao gravar um número musical com trilha sonora pré-gravada.
No curto prazo, a introdução da gravação de som ao vivo causou grandes dificuldades na produção. As câmeras eram barulhentas, então um gabinete à prova de som foi usado em muitos dos primeiros filmes falados para isolar o equipamento barulhento dos atores, à custa de uma redução drástica na capacidade de mover a câmera. Por um tempo, a fotografia com várias câmeras foi usada para compensar a perda de mobilidade e técnicos de estúdio inovadores muitas vezes encontravam maneiras de liberar a câmera para fotos específicas. A necessidade de permanecer dentro do alcance dos microfones estáticos significava que os atores muitas vezes também tinham que limitar seus movimentos de forma não natural. Show Girl in Hollywood (1930), da First National Pictures (da qual a Warner Bros. havia assumido o controle graças à sua lucrativa aventura no som), dá uma olhada nos bastidores de algumas das técnicas envolvidas na filmagem de filmes falados. Vários dos problemas fundamentais causados ​​pela transição para o som foram logo resolvidos com novos invólucros de câmera, conhecidos como " dirigíveis ", projetados para suprimir o ruído e microfones de boom que poderiam ser mantidos fora do quadro e movidos com os atores. Em 1931, uma grande melhoria na fidelidade de reprodução foi introduzida: sistemas de alto-falantes de três vias nos quais o som era separado em frequências baixas, médias e altas e enviado respectivamente para um grande "woofer" de graves, um driver de médios e um tweeter de agudos . "
Houve consequências, também, para outros aspectos tecnológicos do cinema. A gravação e a reprodução adequadas do som exigiam a padronização exata da velocidade da câmera e do projetor. Antes do som, 16 quadros por segundo (fps) era a suposta norma, mas a prática variava muito. As câmeras costumavam ser giradas a menos ou em excesso para melhorar as exposições ou para obter um efeito dramático. Os projetores geralmente funcionavam rápido demais para reduzir o tempo de execução e espremer programas extras. A taxa de quadros variável, no entanto, tornou o som inaudível, e um novo padrão estrito de 24 fps foi logo estabelecido. O som também forçou o abandono das barulhentas luzes de arco usadas para filmar em interiores de estúdio. A mudança para iluminação incandescente silenciosa, por sua vez, exigiu uma mudança para um estoque de filme mais caro. A sensibilidade do novo filme pancromático proporcionou qualidade tonal de imagem superior e deu aos diretores a liberdade de filmar cenas em níveis de luz mais baixos do que antes.
Como David Bordwell descreve, as melhorias tecnológicas continuaram em um ritmo rápido: "Entre 1932 e 1935, [Western Electric e RCA] criaram microfones direcionais, aumentaram a faixa de frequência de gravação de filme, reduziram o ruído de solo ... e ampliaram a faixa de volume." Esses avanços técnicos muitas vezes significavam novas oportunidades estéticas: "Aumentar a fidelidade da gravação ... aumentava as possibilidades dramáticas de timbre vocal, altura e volume". Outro problema básico - notoriamente falsificado no filme Cantando na chuva de 1952 - era que alguns atores da era muda simplesmente não tinham vozes atraentes; embora essa questão fosse freqüentemente exagerada, havia preocupações relacionadas com a qualidade vocal geral e o elenco dos performers por suas habilidades dramáticas em papéis que também exigiam talento para cantar além do seu. Em 1935, a regravação dos vocais pelos atores originais ou diferentes na pós-produção, um processo conhecido como "looping", tornou-se prático. O sistema de gravação ultravioleta introduzido pela RCA em 1936 melhorou a reprodução de sibilantes e notas altas.
Exemplo de uma trilha sonora de área variável - a largura da área branca é proporcional à amplitude do sinal de áudio em cada instante.
Com a adoção indiscriminada de filmes falados por Hollywood, a competição entre as duas abordagens fundamentais para a produção de filmes sonoros foi logo resolvida. Ao longo de 1930-1931, os únicos grandes jogadores que usaram som em disco, Warner Bros. e First National, mudaram para a gravação de som em filme. A presença dominante da Vitaphone em cinemas equipados com som, no entanto, significou que por anos todos os estúdios de Hollywood pressionaram e distribuíram versões de som em disco de seus filmes junto com as impressões de som em filme. A Fox Movietone logo deixou o Vitaphone em desuso como método de gravação e reprodução, deixando dois grandes sistemas americanos: o fotofone RCA de área variável e o próprio processo de densidade variável da Western Electric, uma melhoria substancial no Movietone com licença cruzada. Por iniciativa da RCA, as duas empresas-mãe tornaram seus equipamentos de projeção compatíveis, o que significa que os filmes filmados com um sistema poderiam ser exibidos em cinemas equipados para o outro. Isso deixou um grande problema - o desafio Tobis-Klangfilm. Em maio de 1930, a Western Electric venceu um processo austríaco que anulou a proteção de certas patentes da Tri-Ergon, ajudando a trazer a Tobis-Klangfilm para a mesa de negociações. No mês seguinte, um acordo foi fechado sobre licenciamento cruzado de patentes, compatibilidade total de reprodução e a divisão do mundo em três partes para o fornecimento de equipamentos. Como um relatório contemporâneo descreve:
Tobis-Klangfilm tem os direitos exclusivos de fornecer equipamentos para: Alemanha, Danzig, Áustria, Hungria, Suíça, Tchecoslováquia, Holanda, Índias Holandesas, Dinamarca, Suécia, Noruega, Bulgária, Romênia, Iugoslávia e Finlândia. Os americanos têm direitos exclusivos para os Estados Unidos, Canadá, Austrália, Nova Zelândia, Índia e Rússia. Todos os outros países, entre eles Itália, França e Inglaterra, estão abertos a ambas as partes.
O acordo não resolveu todas as disputas de patentes, e novas negociações foram realizadas e acordos assinados ao longo da década de 1930. Durante esses anos, também, os estúdios americanos começaram a abandonar o sistema Western Electric pela abordagem de área variável da RCA Photophone - no final de 1936, apenas Paramount, MGM e United Artists ainda tinham contratos com a ERPI.
A capa cruel de Photoplay , dezembro de 1929, com a participação de Norma Talmadge . Como afirma o historiador de cinema David Thomson , "o som provou a incongruência de sua beleza de salão e voz de cortiço".
Embora a introdução do som tenha levado a um boom na indústria cinematográfica, ela teve um efeito adverso na empregabilidade de uma série de atores de Hollywood da época. De repente, aqueles sem experiência de palco foram considerados suspeitos pelos estúdios; como sugerido acima, aqueles cujos sotaques pesados ​​ou vozes discordantes haviam sido ocultados anteriormente estavam particularmente em risco. A carreira da grande estrela do silêncio, Norma Talmadge, efetivamente chegou ao fim dessa forma. O célebre ator alemão Emil Jannings voltou à Europa. Os espectadores acharam a voz de John Gilbert uma combinação estranha com sua personalidade fanfarrão, e sua estrela também desapareceu. O público agora parecia perceber certas estrelas da era do cinema mudo como antiquadas, mesmo aquelas que tinham o talento para ter sucesso na era do som. A carreira de Harold Lloyd , um dos comediantes mais famosos dos anos 1920, declinou vertiginosamente. Lillian Gish partiu, de volta ao palco, e outras figuras importantes logo deixaram de atuar inteiramente: Colleen Moore , Gloria Swanson e o casal performático mais famoso de Hollywood, Douglas Fairbanks e Mary Pickford . Como a atriz Louise Brooks sugeriu, havia outros problemas também:
Os chefes de estúdio, agora forçados a decisões sem precedentes, decidiram começar pelos atores, os menos palatáveis, a parte mais vulnerável da produção cinematográfica. Foi uma oportunidade esplêndida, de qualquer forma, para quebrar contratos, cortar salários e domar as estrelas ... Eu, eles deram tratamento salarial. Eu poderia ficar sem o aumento que meu contrato exigia, ou desistir, [o chefe do estúdio da Paramount BP] Schulberg disse, usando o questionamento de se eu seria bom para os talkies. Questionável, digo eu, porque falei um inglês decente com uma voz decente e vim do teatro. Então, sem hesitação, parei.
Buster Keaton estava ansioso para explorar o novo meio, mas quando seu estúdio, MGM, fez a mudança para o som, ele rapidamente perdeu o controle criativo. Embora vários dos primeiros talkies de Keaton tenham obtido lucros impressionantes, eles eram artisticamente sombrios.
Várias das maiores atrações do novo meio vieram do vaudeville e do teatro musical, onde performers como Al Jolson , Eddie Cantor , Jeanette MacDonald e os Irmãos Marx estavam acostumados às demandas do diálogo e da música. James Cagney e Joan Blondell , que se uniram na Broadway, foram trazidos para o oeste pela Warner Bros. em 1930. Alguns atores foram astros importantes durante a era do silêncio e do som: John Barrymore , Ronald Colman , Myrna Loy , William Powell , Norma Shearer , a equipe de comédia de Stan Laurel e Oliver Hardy , e Charlie Chaplin , cujos City Lights (1931) e Modern Times (1936) empregaram o som quase exclusivamente para música e efeitos. Janet Gaynor se tornou uma estrela de topo com o som sincronizado, mas sem diálogos, Seventh Heaven e Sunrise , assim como Joan Crawford com Our Dancing Daughters (1928), tecnologicamente similar . Greta Garbo foi a única falante não nativa de inglês a manter o estrelato de Hollywood em ambos os lados da grande divisão sonora. Filme mudo extra Clark Gable , que recebeu extenso treinamento de voz durante sua carreira no palco anterior, passou a dominar o novo meio por décadas; da mesma forma, o ator inglês Boris Karloff , tendo aparecido em dezenas de filmes mudos desde 1919, descobriu que sua estrela ascendeu na era do som (embora, ironicamente, tenha sido um papel não falado em Frankenstein de 1931 que fez isso acontecer, mas apesar de ter um ceceio , ele se viu muito procurado depois). A nova ênfase no discurso também fez com que os produtores contratassem muitos romancistas, jornalistas e dramaturgos com experiência em escrever bons diálogos. Entre aqueles que se tornaram roteiristas de Hollywood durante a década de 1930 estavam Nathanael West , William Faulkner , Robert Sherwood , Aldous Huxley e Dorothy Parker .
À medida que as imagens faladas surgiam, com suas faixas musicais pré-gravadas, um número cada vez maior de músicos de orquestras de cinema ficava sem trabalho. Mais do que apenas sua posição como acompanhantes de filmes foi usurpada; de acordo com o historiador Preston J. Hubbard, "Durante a década de 1920, apresentações musicais ao vivo em teatros de estreia se tornaram um aspecto extremamente importante do cinema americano". Com o advento dos filmes falados, essas apresentações em destaque - geralmente encenadas como prelúdios - também foram eliminadas em grande parte. A Federação Americana de Músicos publicou anúncios em jornais protestando contra a substituição de músicos ao vivo por dispositivos mecânicos de tocar. Um anúncio de 1929 que apareceu na Pittsburgh Press apresenta uma imagem de uma lata rotulada "Canned Music / Big Noise Brand / Garantido para não produzir nenhuma reação intelectual ou emocional" e diz em parte:
Este é o caso de Art vs. Mechanical Music nos cinemas. O réu é acusado perante o povo americano de tentativa de corrupção da apreciação musical e desestímulo à educação musical. Teatros em muitas cidades estão oferecendo música mecânica sincronizada como um substituto para a música real. Se o público que vai ao teatro aceitar essa corrupção de seu programa de entretenimento, um declínio deplorável na Arte da Música será inevitável. As autoridades musicais sabem que a alma da Arte se perde na mecanização. Não pode ser de outra forma, porque a qualidade da música depende do humor do artista, do contato humano, sem o qual a essência do estímulo intelectual e do êxtase emocional se perde.
No ano seguinte, cerca de 22.000 músicos de cinema norte-americanos perderam seus empregos.
Estreando 01 de fevereiro de 1929, MGM 's The Broadway Melody foi o primeiro talkie de grande sucesso de um estúdio diferente Warner Bros. eo primeiro filme sonoro para ganhar o Oscar de Melhor Filme .
Em setembro de 1926, Jack L. Warner , chefe da Warner Bros., foi citado ao afirmar que filmes falados nunca seriam viáveis: "Eles não levam em consideração a linguagem internacional dos filmes mudos e a participação inconsciente de cada espectador na criação da peça, da ação, do enredo e do diálogo imaginado para si mesmo. " Para o benefício de sua empresa, ele provaria que estava muito errado - entre os anos fiscais de 1927–28 e 1928–29, os lucros da Warners saltaram de $ 2 milhões para $ 14 milhões. O filme de som, na verdade, foi uma dádiva clara para todos os principais participantes do setor. Durante o mesmo período de doze meses, os lucros da Paramount aumentaram em $ 7 milhões, os da Fox em $ 3,5 milhões e os da Loew's / MGM em $ 3 milhões. A RKO, que nem existia em setembro de 1928 e cuja produtora-mãe, FBO, fazia parte das ligas menores de Hollywood, no final de 1929 foi estabelecida como uma das empresas de entretenimento líderes da América. Alimentando o boom estava o surgimento de um novo gênero cinematográfico importante possibilitado pelo som: o musical. Mais de sessenta musicais de Hollywood foram lançados em 1929 e mais de oitenta no ano seguinte.
Mesmo quando o crash de Wall Street em outubro de 1929 ajudou a mergulhar os Estados Unidos e, por fim, a economia global em uma depressão , a popularidade dos talkies a princípio pareceu manter Hollywood imune. A temporada de exibição de 1929–30 foi ainda melhor para a indústria cinematográfica do que a anterior, com as vendas de ingressos e os lucros gerais atingindo novos máximos. A realidade finalmente apareceu no final de 1930, mas o som havia claramente garantido a posição de Hollywood como um dos campos industriais mais importantes, tanto comercial quanto culturalmente, nos Estados Unidos. Em 1929, as receitas de bilheteria de filmes representavam 16,6% dos gastos totais dos americanos com recreação; em 1931, o número havia chegado a 21,8%. O negócio do cinema comandaria números semelhantes na próxima década e meia. Hollywood também dominou o palco maior. A indústria cinematográfica americana - já a mais poderosa do mundo - estabeleceu um recorde de exportação em 1929 que, pela medida aplicada do total de metros de filme exposto, foi 27% maior do que no ano anterior. As preocupações de que as diferenças de idioma prejudicariam as exportações de filmes dos EUA acabaram sendo infundadas. Na verdade, o custo da conversão de som foi um grande obstáculo para muitos produtores estrangeiros, relativamente subcapitalizados para os padrões de Hollywood. A produção de várias versões de talkies destinados à exportação em diferentes idiomas (conhecido como " Versão em Língua Estrangeira "), bem como a produção da " Versão Sonora Internacional " mais barata , uma abordagem comum no início, em grande parte cessou em meados de 1931, substituído por pós- dobragem e legendagem . Apesar das restrições comerciais impostas na maioria dos mercados estrangeiros, em 1937, os filmes americanos ocupavam cerca de 70% do tempo de tela em todo o mundo.
Cartaz para Acabaram-se os otários (1929), realizado em português. O primeiro talkie brasileiro foi também o primeiro em língua ibérica .
Assim como os principais estúdios de Hollywood ganharam com o som em relação aos concorrentes estrangeiros, fizeram o mesmo em casa. Como descreve o historiador Richard B. Jewell, "A revolução do som esmagou muitas pequenas empresas e produtores cinematográficos que não conseguiam atender às demandas financeiras da conversão de som." A combinação do som e da Grande Depressão levou a uma sacudida total no negócio, resultando na hierarquia das Cinco Grandes empresas integradas (MGM, Paramount, Fox, Warners, RKO) e os três estúdios menores também chamados de "majors" (Columbia , Universal, United Artists) que predominaria ao longo dos anos 1950. O historiador Thomas Schatz descreve os efeitos auxiliares:
Como os estúdios foram forçados a simplificar as operações e contar com seus próprios recursos, seus estilos de casas individuais e personalidades corporativas passaram a ter um foco muito mais nítido. Assim, o período divisor de águas desde a chegada do som ao início da Depressão viu o sistema de estúdio finalmente se fundir, com os estúdios individuais chegando a um acordo com suas próprias identidades e suas respectivas posições dentro da indústria.
O outro país em que o cinema sonoro teve um grande impacto comercial imediato foi a Índia . Como disse um distribuidor da época: "Com o advento dos filmes falados, o filme indiano tornou-se uma peça de criação definida e distinta. Isso foi alcançado pela música". Desde o início, o cinema sonoro indiano foi definido pelo musical - Alam Ara apresentava sete canções; um ano depois, Indrasabha apresentaria setenta. Enquanto as indústrias cinematográficas europeias lutavam uma batalha sem fim contra a popularidade e a força econômica de Hollywood, dez anos após a estreia de Alam Ara , mais de 90% dos filmes exibidos nas telas indianas foram feitos dentro do país.
A maioria dos filmes falados da Índia foi filmada em Bombaim , que continua sendo o principal centro de produção, mas a produção de filmes de som logo se espalhou por todo o país multilíngue. Poucas semanas depois da estreia de Alam Ara em março de 1931, a Madan Pictures, sediada em Calcutá, havia lançado o hindi Shirin Farhad e o bengali Jamai Sasthi . O Hindustani Heer Ranjha foi produzido em Lahore , Punjab , no ano seguinte. Em 1934, Sati Sulochana , o primeiro filme falado em Kannada a ser lançado, foi filmado em Kolhapur , Maharashtra ; Srinivasa Kalyanam se tornou o primeiro filme falado em Tamil realmente filmado em Tamil Nadu . Assim que os primeiros recursos falados apareceram, a conversão para a produção de som completa aconteceu tão rapidamente na Índia quanto nos Estados Unidos. Já em 1932, a maioria das produções de longa-metragem eram de som; dois anos depois, 164 dos 172 filmes indianos eram filmes falados. Desde 1934, com a única exceção de 1952, a Índia está entre os três principais países produtores de filmes do mundo todos os anos.
Na primeira edição de 1930 de sua pesquisa global The Film Till Now , o analista de cinema britânico Paul Rotha declarou: "Um filme em que a fala e os efeitos sonoros estão perfeitamente sincronizados e coincidem com sua imagem visual na tela é absolutamente contrário aos objetivos do cinema. É uma tentativa degenerada e equivocada de destruir o uso real do filme e não pode ser aceita como estando dentro dos verdadeiros limites do cinema. " Essas opiniões não eram raras entre aqueles que se preocupavam com o cinema como forma de arte; Alfred Hitchcock, embora tenha dirigido o primeiro filme falado comercialmente bem-sucedido produzido na Europa, sustentou que "as imagens mudas eram a forma mais pura de cinema" e zombou de muitos dos primeiros filmes sonoros como entregando pouco além de "fotos de pessoas falando". Na Alemanha, Max Reinhardt , produtor de teatro e diretor de cinema, expressou a convicção de que os filmes falados, "trazendo para as telas peças de teatro ... tendem a fazer dessa arte independente uma subsidiária do teatro e realmente torná-la apenas um substituto do teatro em vez de uma arte em si ... como reproduções de pinturas. "
Westfront 1918 (1930) foi celebrado por sua expressiva recriação de sons de campo de batalha, como o gemido fatal de uma granada invisível em vôo.
Na opinião de muitos historiadores e aficionados do cinema, tanto na época como posteriormente, o cinema mudo atingiu o auge estético no final dos anos 1920 e os primeiros anos do cinema sonoro entregaram pouco que fosse comparável ao melhor dos silêncios. Por exemplo, apesar enfraquecendo em relativa obscuridade uma vez sua época tinha passado, cinema silencioso é representado por onze filmes em Time Out ' Centenário do Cinema Top One Hundred poll s, realizada em 1995. O primeiro ano em que a produção de filmes de som predominou filme mais silenciosa - não apenas nos Estados Unidos, mas também no Ocidente como um todo - foi 1929; ainda assim, os anos de 1929 a 1933 são representados por três imagens sem diálogo ( Pandora's Box [1929], Zemlya [1930], City Lights [1931]) e zero talkies na enquete Time Out . ( City Lights , como Sunrise , foi lançado com uma trilha sonora gravada e efeitos sonoros, mas agora é comumente referido por historiadores e profissionais da indústria como um "silencioso" - diálogo falado considerado como o fator de distinção crucial entre cinema dramático silencioso e sonoro.) O primeiro filme sonoro a ser lançado é o francês L'Atalante (1934), dirigido por Jean Vigo ; o primeiro filme sonoro de Hollywood a se qualificar é Bringing Up Baby (1938), dirigido por Howard Hawks .
O primeiro filme de som a receber aprovação quase universal da crítica foi Der Blaue Engel ( O anjo azul ); com estreia em 1º de abril de 1930, foi dirigido por Josef von Sternberg em versões em alemão e inglês para o estúdio UFA de Berlim . O primeiro talkie americano a ser amplamente homenageado foi All Quiet on the Western Front , dirigido por Lewis Milestone , que estreou em 21 de abril. O outro drama sonoro internacionalmente aclamado do ano foi Westfront 1918 , dirigido por GW Pabst para a Nero-Film of Berlin. O historiador Anton Kaes aponta para isso como um exemplo da "nova verossimilhança [que] tornou anacrônica a antiga ênfase do cinema mudo no olhar hipnótico e no simbolismo da luz e sombra, bem como sua preferência por personagens alegóricos". Os historiadores culturais consideram o francês L'Âge d'Or , dirigido por Luis Buñuel , que apareceu no final de 1930, de grande importância estética; na época, seu conteúdo erótico, blasfemo e antiburguês causou escândalo. Rapidamente banido pelo chefe de polícia de Paris, Jean Chiappe , ficou indisponível por cinquenta anos. O primeiro filme sonoro agora reconhecido pela maioria dos historiadores do cinema como uma obra-prima é Nero-Film's M , dirigido por Fritz Lang , que estreou em 11 de maio de 1931. Conforme descrito por Roger Ebert , "Muitos dos primeiros talkies sentiram que tinham que falar o tempo todo, mas Lang permite que sua câmera vagueie pelas ruas e mergulhe, proporcionando uma visão panorâmica. "
"Filmes falados são tão pouco necessários quanto um livro de canto." Essa foi a declaração direta do crítico Viktor Shklovsky , um dos líderes do movimento formalista russo , em 1927. Enquanto alguns consideravam o som irreconciliável com a arte do cinema, outros o viam como a abertura de um novo campo de oportunidade criativa. No ano seguinte, um grupo de cineastas soviéticos, incluindo Sergei Eisenstein , proclamou que o uso de imagem e som em justaposição, o chamado método contrapontístico, elevaria o cinema a "... poder e altura cultural sem precedentes. Esse método pois a construção do filme sonoro não o confinará ao mercado nacional, como deve acontecer com a fotografia de peças, mas dará uma possibilidade maior do que nunca para a circulação no mundo de uma ideia expressa filmicamente ". No que diz respeito a um segmento do público, no entanto, a introdução do som trouxe um fim virtual a tal circulação: Elizabeth C. Hamilton escreve: "Os filmes mudos ofereceram às pessoas surdas uma rara oportunidade de participar de um discurso público, o cinema , em termos de igualdade com os ouvintes. O surgimento do filme sonoro separou os surdos dos ouvintes mais uma vez. "
Imagem de lutadores de sumô de Melodie der Welt (1929), "um dos primeiros sucessos de uma nova forma de arte", na descrição de André Bazin . "Isso jogou a terra inteira na tela em um quebra-cabeça de imagens e sons visuais."
Em 12 de março de 1929, estreou o primeiro longa-metragem falado na Alemanha. A produção inaugural do Tobis Filmkunst, não foi um drama, mas um documentário patrocinado por uma empresa de navegação: Melodie der Welt ( Melodia do Mundo ), dirigido por Walter Ruttmann . Este também foi talvez o primeiro longa-metragem em qualquer lugar a explorar significativamente as possibilidades artísticas de juntar o filme ao som gravado. Conforme descrito pelo estudioso William Moritz, o filme é "intrincado, dinâmico, de ritmo acelerado ... justapondo [ing] hábitos culturais semelhantes de países ao redor do mundo, com uma trilha orquestral excelente ... e muitos efeitos sonoros sincronizados". O compositor Lou Lichtveld estava entre uma série de artistas contemporâneos atingidos pelo filme: " Melodie der Welt tornou-se o primeiro documentário sonoro importante, o primeiro em que sons musicais e não musicais foram compostos em uma única unidade e em que a imagem e o som são controlados por um e o mesmo impulso. " Melodie der Welt teve uma influência direta no filme industrial Philips Radio (1931), dirigido pelo cineasta de vanguarda holandês Joris Ivens e com trilha sonora de Lichtveld, que descreveu seus objetivos audiovisuais:
Para reproduzir as impressões semimusicais de sons de fábrica em um mundo complexo de áudio que mudou da música absoluta para os ruídos puramente documentais da natureza. Neste filme todas as etapas intermediárias podem ser encontradas: como o movimento da máquina interpretado pela música, os ruídos da máquina dominando o fundo musical, a própria música é o documentário, e aquelas cenas onde o som puro da máquina vai só.
Muitos experimentos semelhantes foram realizados por Dziga Vertov em seu Entuziazm de 1931 e por Chaplin em Tempos Modernos , meia década depois.
Alguns diretores comerciais inovadores imediatamente perceberam as maneiras pelas quais o som poderia ser empregado como parte integrante da narrativa cinematográfica, além da função óbvia de gravar o discurso. Em Blackmail , Hitchcock manipulou a reprodução do monólogo de um personagem para que a palavra "faca" saltasse de um som embaçado, refletindo a impressão subjetiva da protagonista, que está desesperada para ocultar seu envolvimento em um esfaqueamento fatal. Em seu primeiro filme, Paramount Applause (1929), Rouben Mamoulian criou a ilusão de profundidade acústica ao variar o volume do som ambiente em proporção à distância dos tiros. A certa altura, Mamoulian queria que o público ouvisse um personagem cantando ao mesmo tempo que outro orava; de acordo com o diretor, "Eles disseram que não podíamos gravar as duas coisas - a música e a oração - em um microfone e um canal. Então eu disse ao homem do som: 'Por que não usar dois microfones e dois canais e combinar os duas trilhas na impressão? '"Esses métodos acabariam se tornando o procedimento padrão no cinema popular.
Um dos primeiros filmes comerciais a aproveitar ao máximo as novas oportunidades proporcionadas pelo som gravado foi Le Million , dirigido por René Clair e produzido pela divisão francesa de Tobis. Estreando em Paris em abril de 1931 e em Nova York um mês depois, o filme foi um sucesso de crítica e popular. Comédia musical com enredo barebones, é memorável por suas realizações formais, em particular, seu tratamento enfaticamente artificial do som. Conforme descrito pelo estudioso Donald Crafton,
Le Million nunca nos deixa esquecer que o componente acústico é tanto uma construção quanto os cenários caiados. [Ele] substituiu o diálogo com atores cantando e falando em dísticos rimados. Clair criou confusões provocantes entre o som na tela e fora dela. Ele também experimentou truques de áudio assíncronos, como na famosa cena em que uma perseguição atrás de um casaco é sincronizada com os aplausos de uma multidão invisível de futebol (ou rúgbi).
Essas e outras técnicas se tornaram parte do vocabulário do filme de comédia sonora, embora como efeitos especiais e "cores", não como base para o tipo de design abrangente e não naturalista alcançado por Clair. Fora do campo da comédia, o tipo de jogo ousado com som exemplificado por Melodie der Welt e Le Million seria muito raramente perseguido na produção comercial. Hollywood, em particular, incorporou o som em um sistema confiável de produção de filmes baseado em gênero , no qual as possibilidades formais do novo meio eram subordinadas aos objetivos tradicionais de afirmação de estrelas e narrativa direta. Conforme predito com precisão em 1928 por Frank Woods , secretário da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas , "Os filmes falados do futuro seguirão a linha geral de tratamento até então desenvolvida pelo drama mudo ... As cenas faladas exigirão diferentes manipulação, mas a construção geral da história será a mesma. "
Categoria: Produção de som de filme para artigos relacionados ao desenvolvimento de gravação de som cinematográfica
Lista de sistemas de som de filmes
Palco de som
Bibliografia bem organizada de Film Sound History de artigos e recursos online; parte do site FilmSound
Hollywood Goes for Sound charts mostrando a transição para a produção de som pelos estúdios de Hollywood, 1928–1929; parte do site Terra Media
Progressive Silent Film List (PSFL) / Early Sound Films lista abrangente e detalhada da primeira geração de filmes sonoros de todo o mundo; parte do site Silent Era
Recording Technology History extensa cronologia de desenvolvimentos, incluindo subsites, por Steven E. Schoenherr; veja, em particular, Motion Picture Sound
Uma Bibliografia Selecionada de Som e Música para Imagens em Movimento, compilada por Miguel Mera, Royal College of Music, Londres; parte do site da School of Sound
The Silent Film Bookshelf links para documentos de origem primária e secundária cruciais, alguns dos quais cobrem a era de transição para o som
Sound Stage — The History of Motion Picture Pesquisa ilustrada informativa de som ; parte do site do American WideScreen Museum
J. Domański "Sincronização matemática de imagem e som em um filme de animação"
1913 adicionar para Vivaphone
Ensaio de 1934 do cineasta e teórico Vsevolod Pudovkin "Asynchronism as a Principle of Sound Film"
O ensaio "Diálogo e Som" do historiador e crítico de cinema Siegfried Kracauer ; publicado pela primeira vez em seu livro Theory of Film: The Redemption of Physical Reality (1960)
O ensaio "The Film to Come" do produtor e compositor Guido Bagier; publicado pela primeira vez em Film-Kurier , 7 de janeiro de 1928
Manual técnico para projetistas, cobrindo todos os principais sistemas dos Estados Unidos; emitido pela RCA Photophone, 1930
Cronologia de "Desenvolvimento Histórico de Filmes Sonoros" , do pioneiro do cinema sonoro EI Sponable; publicado pela primeira vez no Journal of the Society of Motion Picture Engineers , abril / maio de 1947
"Senhora, você vai falar?" artigo sobre a história das primeiras pesquisas dos Laboratórios Bell em filmes sonoros, de Stanley Watkins, engenheiro elétrico da Western; publicado pela primeira vez na Bell Laboratories Record , agosto de 1946
Manifesto corporativo "Merger of the Sound Film Industry - The Founding Agenda of Tobis" publicado pela primeira vez no Film-Kurier , 20 de julho de 1928
Artigo "The Official Communiqué: Foundations of the Sound-Film Accord Sales Prospects for the German Electronics Industry", publicado pela primeira vez na Film-Kurier , 23 de julho de 1930
Instruções de operação para equipamento de reprodução síncrona manual técnico para o sistema de projetor de som teatral Western Electric; emitido pelo ERPI, dezembro de 1928
Artigo "Resultado de Paris: Acordo assinado / intercambialidade total - globo dividido em três zonas de patentes - troca de patentes" publicado pela primeira vez na Film-Kurier , 22 de julho de 1930
Resenha de " The Singing Fool " do crítico e teórico de cinema Rudolf Arnheim , ca. 1929
Ensaio de 1929 "Sound-Film Confusion" de Rudolf Arnheim
Ensaio "Sound Here and There" do compositor Paul Dessau ; publicado pela primeira vez em Der Film , 1º de agosto de 1929
Ensaio "Som no Cinema" do diretor Alberto Cavalcanti ; publicado pela primeira vez em Filmes , novembro de 1939
"Teoria do Filme: Som" ensaio de 1945 da teórica e crítica do cinema Béla Balázs
"O que o rádio significou para os filmes falados ", ensaio presciente do engenheiro de som da Universal Charles Feldstead; publicado pela primeira vez na Radio News , abril de 1931
Trechos de Ben Bernie e todos os rapazes de ca. 1924 Filme de som Phonofilm; no site do The Red Hot Jazz Archive
A Few Minutes with Eddie Cantor 1924 Filme de som Phonofilm; no Archive.org
Filme sonoro de Theodore Case de Gus Visser e seu pato cantante de 1925; no YouTube
Presidente Coolidge, tirada no gramado da Casa Branca 1924 Filme de som da Phonofilm; no Archive.org
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