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Maria Ó – para os mais próximos ela é Maria Fernanda ou Fefê – é cantora, violonista e educadora musical. Passou a infância e a adolescência em São José dos Campos e aos 18 anos, a contragosto dos pais, rumou para a capital, onde aprofundou seus estudos em música. Há dez anos morando em São Paulo, a artista apresenta seu disco de estreia, Dança Três, no palco do Itaú Cultural, no dia 1º de junho de 2017, às 20h.
Em entrevista para o Fala com Arte, a cantora conta sobre sua trajetória, influências e processo de criação e gravação do primeiro álbum.
Eu estudava numa escola muito pequena, com pouquíssimos alunos. E rolava muita música ali – os pais dos meus colegas eram bem boêmios, sempre organizavam festas, e eu curtia aquilo, curtia tocar, cantar… E meus pais sempre incentivaram esse meu gosto. Quando pedi um violão, na hora eles disseram: "Vamo aí!". Eu tinha 12 anos quando comecei a estudar violão popular e por volta dos 16 resolvi me apresentar em barzinhos. E aí eu tocava os clássicos: Cássia Eller, Djavan, Lenine, Zeca Baleiro, Paulinho Mosca, coisas que escutávamos lá em São José.
Já em São Paulo, além de continuar estudando violão na Escola de Música do Estado de São Paulo (Emesp), você integrou o Grêmio Recreativo de Resistência Cultural Kolombolo Diá Piratininga. Como foi essa experiência?
O Kolombolo foi um lugar importante mesmo. Eles desenvolvem um trabalho muito grande com o samba paulista. Quem me falou de lá foi a Anita Galvão, amiga e cantora que conheci na Emesp. Ela me contou que eles davam uma aula sobre compositores e eu fui. Eu já compunha bastante nessa época, mas não samba. Lá eu me aproximei um pouco mais da percussão: eu tocava um pouquinho de pandeiro, de cavaco, de tambor. Comecei a compor alguns sambas, frequentava sambadas.
Era massa, ali vivi o samba paulista. Com o Kolombolo, eu me apresentei pela primeira vez em São Paulo. Foram as primeiras experiências de palco, com um grupo, o que era mais confortável. Tudo isso me aproximou muito da cultura popular e influenciou a minha construção musical. A canção "Filho de Ogum" [do disco Dança Três] eu compus quando estava lá.
Sobre o que você costuma falar em suas composições?
Normalmente escrevo coisas bem autobiográficas. Acaba que sempre é assim. Vi uma entrevista do Chico César em que ele dizia: "Quando a gente observa, ainda é a gente". O diálogo que eu vejo, sou eu que estou contando. Eu, com as minhas experiências, com o que eu penso. Eu falo muito de amor, das minhas relações amorosas, de relações afetivas que têm sempre essa temática do "três". E falo não só de amor, mas de amor dentro de um cotidiano. O disco, especificamente, fala muito disso: de São Paulo, desse cotidiano que eu acho, por vezes, muito perverso. A última música do CD, "Novembro", fala sobre um desejo de sair disso.
Como foi o processo de elaboração e de gravação do disco?
Sempre falaram para eu gravar e essa ideia ficava na minha cabeça, mas nunca com força o suficiente. Mas aí chegou uma hora que não deu mais: existia aquela necessidade de estar para o outro, de tirar aquilo de você – e tirar aquilo de você não é só escrever a música, tocar e deixar em casa, guardado: tirar de você é, de fato, mostrar. Isso é meio contraditório para mim, pois eu gosto de me mostrar e ao mesmo tempo não. Mas aí uma hora virou papo sério. O Igor Caracas, produtor musical do álbum, e o Guilherme Kafé, coprodutor, mais do que toparam – eles disseram: "Vamos fazer o disco?".
Gravamos no Klaus Haus Studio, estúdio do Klaus Sena. Ele ouviu o som e gostou, e então começamos. Isso foi há quase três anos. Foi um processo superlongo. Tem a pré-produção, que era eu, o Igor e o Kafé fazendo os primeiros arranjos, dando forma para as músicas. O que já é muito louco porque até então eu sempre conheci minhas músicas "voz e violão" e de repente elas tomaram forma, viraram outra coisa. O processo de gravação é muito duro: é muito profundo em várias questões. É um trabalho coletivo, de troca em todas as esferas, de muita escuta e muita paciência. Processo de desapego total – nem sempre acontece o desapego, e tudo bem também porque são escolhas. Gravar as vozes também foi a maior loucura porque é o meu lugar a ser trabalhado. Tem a ver com eu me assumir cantora, me assumir artista, me assumir Maria Ó.
Quais músicas você destaca no CD?
Não é uma questão de gostar mais, mas acho que dentro do processo do disco algumas músicas me chamam atenção. Tem "Milonga de Fim de Festa", que é uma das que falam bem claramente do cotidiano, da relação afetiva no cotidiano e que está linda. O Igor fez uma percussão fera, o Kafé fez um violão barítono lindo e ainda tem a Mari Corado no violino. É a quarta música do disco e eu gosto muito dela.
"Filho de Ogum" é uma música massa também, que tem uma força. Contou com a participação das meninas nas cordas: da Rebeca Friedmann, da Mathilde Porto e da Mariana Corado, e arranjo do Kafé. Essas músicas que envolvem mais gente, querendo ou não, são demais. É gostoso de fazer, as pessoas vão topando, vão na camaradagem, vão no amor, na verdade. É muito bom quando as pessoas topam tocar no seu disco, quanto topam te produzir.
E também "Dança Três", a música título do disco. O álbum, na verdade, ia se chamar Três, mas pesquisando descobrimos que iam sair uns dois CDs com esse nome, então mudamos. Eu gosto desse nome Dança Três. E é uma história mesmo, um romancezinho que aconteceu, gostosinho, que não rolou e que passou. A letra da música é isso: "Passou, passou, passou, passou…". Essas três músicas dizem bastante sobre a pluralidade do disco: cada uma é uma coisa diferente.
Dança Três é recheado de influências regionais. De onde elas vêm?
O disco, de fato, passa por diferentes geografias, já que os dois produtores, o Igor e o Klaus, são de Fortaleza. Então eles trazem as experiências deles de lá, além das próprias experiências musicais, já que eles vivem na música há muito tempo. O Kafé, coprodutor, é de Osasco e eu trago coisas de São José dos Campos e de São Paulo. A experiência no Kolombolo, de alguma maneira, também acrescenta nesse sentido. E tem ainda as influências daquilo que a gente escuta ao longo da vida, que vem de vários lugares. Acho que o disco tem homogeneidade no tema, mesmo na instrumentação, no arranjo e até no andamento das músicas. Mas ele é um disco bem plural em relação aos ritmos. Tem ijexá, tem samba, tem ciranda, tem milonga, tem coisas que a gente não sabe o que é, e acho que isso vem das nossas experiências todas.
O que você trouxe de São José dos Campos?
De São José eu trago uma carga afetiva enorme. Eu passei muitas coisas lá que não estão no disco, exatamente, mas que fazem parte da minha vida e influenciam a maneira como eu olho as coisas. Quando eu morava lá, aos 16 anos, tive um linfoma que voltou depois, quando eu tinha mais ou menos 18 anos. Querendo ou não, isso é um acontecimento na vida e acaba perpassando a minha produção. Está presente na maneira como eu me relaciono, em como me coloco para o outro, nas coisas que escrevo, no que penso da vida. Não sei se é só por isso, mas eu sou meio intensa, meio louca nas relações. Tenho uma urgência em relação à vida, em estar junto.
Quando eu quis vir para São Paulo, minha mãe não queria. Tinha medo que eu ficasse doente. Quando consegui vir, eu rompi, não com São José, mas com aquele lugar-conforto. Fui criada lá. Foi onde comecei a ouvir música. Lá se escutavam muito Zeca Baleiro, Paulinho Mosca, Chico César. Fora Leandro e Leonardo, quando tudo começou. Com 3 anos de idade eu sabia tudo. Meu primeiro violãozinho vem daí. Faz parte do meu imaginário. Em São José, eu morei em uma chácara. A gente ia muito à roça. Tinha aquela paisagem. São José me deu a conexão com o mar, com a cachoeira, porque fica do lado de Ubatuba, de Caraguá. É um porto seguro. A cidade me permitiu muitos caminhos, apesar de ser conservadora e complicada em diversos aspectos.
E o que é São Paulo para você?
São Paulo é um mix. Hoje em dia eu me cuido para não ficar negando a cidade. "Ah, São Paulo é muito ruim. São Paulo é nocivo, faz mal". De fato, temos que tomar cuidado com o ritmo da cidade. Mas logo que vim aproveitei muito. Ia ao teatro, ao cinema toda segunda-feira, depois comecei a frequentar a noite, a fazer meus vínculos e eu ficava muito encantada com tudo. São Paulo é isso. Aqui também conheci as brigas políticas, aprendi a militar. A gente toma conhecimento das coisas e precisa tomar partidos, se responsabilizar. Em São José eu vivia uma vida meio alheia, não se debatia muito.
Acho que às vezes vou, me envolvo com São Paulo, depois me afasto. Eu me envolvo, me encanto e me afasto. É uma cidade intensa, as relações são intensas – mesmo que às vezes elas demorem para ser construídas. Eu gosto de São Paulo mas não tenho a pretensão de viver aqui para sempre, não. Acho que falta um horizonte, falta poder olhar para longe. Aqui a paisagem é toda de concreto. Agora estou tentando participar mais da cidade. É cansativo, mas tem muita coisa legal acontecendo. E é importante porque ou a gente se envolve com a cidade ou a gente se afasta.
Acho que gênero não cabe muito. Por exemplo: é um samba? Não sei, já não cabe tanto assim. Acho que a música nova, esta música brasileira de agora, Céu, Tulipa Ruiz, Kiko Dinucci, Juçara Marçal, Alessandra Leão, Liniker, As Bahias e a Cozinha Mineira, é tudo: é pop, é samba, é reggae. É música brasileira. Então se fosse para me definir em relação à gênero eu diria que faço música brasileira, porque é isso. Agora, meu som está em construção. Dança Três é o primeiro disco e eu aprendi que meu som pode ser outras coisas. A gente acabou de concluir e às vezes penso que faria várias coisas diferentes. Talvez explorar outros lugares, outras texturas. É tudo supernovo e ainda estou me reconhecendo nisso, achando meu lugar.
Zenaide Paludo se tornou contadora de histórias sem querer. "Foi lá em Curitiba", ela conta. "Durante a faculdade, uma amiga perguntou se eu queria contar a história da cidade para um público de crianças que visitavam o Parque Universidade Livre do Meio Ambiente." Hoje atriz e educadora, Zenaide via a amiga contando a história de Curitiba para as crianças e ficava encantada com seu jeito de captar a atenção dos ouvintes. Chamada pelo desafio, foi assim que teve sua primeira experiência na contação de histórias e, desde então, a utiliza como recurso fundamental em seus projetos de arte-educação. Nos dias 11 e 12 de março de 2017, Zenaide esteve no Itaú Cultural junto do músico João Jorge e promoveu uma oficina de contação de histórias, misturando brincadeiras, música e cultura popular.
Zenaide em ação no Itaú Cultural
Em roda, as crianças tinham à sua disposição uma série de objetos que ganhavam novas funções e, a partir dessas novas utilidades, o grupo começou a criar uma história. "Foi uma improvisação. As crianças e os adultos iam falando o que parecia tal objeto, e fomos contando uma história e incluindo personagens", Zenaide conta. O momento de criação foi incrementado com músicas e brincadeiras, como a ciranda. Segundo a artista, a brincadeira é a chave da arte-educação para crianças.
O brincar na arte-educação
Durante a faculdade de artes cênicas no Paraná, Zenaide foi convidada para dar aula a um grupo de crianças em situação de risco, em um projeto da prefeitura da cidade de Araucária. "Eu percebi que dar aula de teatro àquele público exigia de mim mais do que apenas dar uma aula. Eu tinha de ser uma contadora de histórias, uma palhaça – e muito mais interessante do que a rua, já que era um projeto que as crianças frequentavam voluntariamente", explica. Ela passou a estudar e buscar materiais que atraíssem as crianças, percebendo que, quanto mais destas iam para a aula, maior resultado tinha o seu trabalho.
Zenaide, que já trabalhou com crianças de escolas públicas e particulares, com outros professores, com idosos e até com crianças em Angola, na África, conta que a abordagem varia de público para público, mas defende que não existe uma técnica específica e que, independentemente do método adotado, nada precisa ser forçado. Ela fala sobre a experiência que teve em Diadema, cidade na Grande São Paulo, quando dava aula a crianças de 7 a 12 anos: "Eu sempre utilizava o livro, mas como uma brincadeira: o livro como um brinquedo". As atividades ocorriam em bibliotecas públicas, lugares que até então não eram frequentados pelas crianças. "Eu não cheguei e falei: 'Pessoal, vamos pegar o livro?'. Não, eu só utilizei o espaço como cenário. Não peguei nenhum livro na mão, eu dava brincadeiras dentro de uma biblioteca", explica.
>><< Segundo a educadora, a ideia é se aproximar dos alunos através de uma abordagem indireta e atípica, que valoriza o lúdico. "Talvez seja muito assustador para a criança que ela tenha de estudar tanta coisa e não possa brincar", diz. "Mas, se ela entende que brincando também chega ao aprendizado, ninguém sofre. Eu acho que a arte-educação tem essa função, e seria interessante que todas as disciplinas aproveitassem isso. É brincando que a gente chega lá."
Com prazer, o retorno do trabalho
"Quando eu era criança, morava num sítio com os meus pais e a gente sempre ia na casa dos vizinhos à noite. Era uma coisa comum no interior. Eles acendiam uma fogueira e, em volta dela, começávamos a contar histórias. Era sempre muito prazeroso", conta Zenaide sobre suas primeiras experiências, ainda na infância, como espectadora de histórias contadas. Hoje, ainda que a educadora lance mão de diversos recursos – uso de figurinos e adereços, manipulação de objetos, jogos e brincadeiras –, a contação de histórias é um dos elementos centrais nas atividades que propõe. "Quando você conta uma história, é como se tivesse dando colo à criança. Ela envolve muito", diz. "E, se você gosta da história que está contando, não tem erro! Você não precisa de nenhum recurso."
Com paciência e dedicação, o trabalho tem resultado. Em Salvador, Zenaide ministrou um curso de formação de leitor para pedagogas: "Naquele caso, a gente precisava fazer com que as professoras entendessem que seus alunos só leriam se elas lessem". Entre os aspectos abordados nas aulas, a partilha de material era essencial. "Eu compartilhava textos que chamavam minha atenção e mostrava a elas: 'Olha como também é salvador fazer a leitura de algo que mexe com a gente!'. Eu puxava por esse aspecto. Levava pequenos contos, contos de que eu gostava muito. Demorou para que elas também compartilhassem textos dos quais gostavam. Eu não pedia, mas eventualmente aconteceu."
Em Diadema acontecia uma situação semelhante. "Eu não pedia lição de casa às crianças, não pedia que elas escrevessem nada. Mas então uma criança chegou com uma poesia para mim, dizendo: 'Olha o que eu escrevi!'. Isso pra mim é o reflexo do meu trabalho. Se o aluno faz uma poesia espontaneamente, é porque chegou a mensagem." Zenaide ressalta ainda que o processo tem de ser prazeroso: "Eu mostrava o meu prazer por aquilo. Se você não tem prazer no que está fazendo, dificilmente a criança vai te ouvir".
Garotas Suecas vive novo momento
A banda paulista Garotas Suecas foi formada em 2005 e, atualmente, se apresenta no formato de um quarteto. Após a saída do então vocalista e compositor do grupo, Guilherme Saldanha, os outros integrantes dividem o vocal, colocando em prática o conceito de horizontalidade com o qual simpatizam.
foto: Fausto Chermont
Um dos destaques da banda são os clipes com produção cuidadosa. Atualmente formada por Tomaz Paoliello, Fernando Freire, Irina Bertolucci e Nico Paoliello, a Garotas Suecas está em processo de desenvolvimento do seu terceiro disco e se apresenta no Itaú Cultural em 25 de maio. O guitarrista Tomaz conversou com o Fala com Arte sobre a nova dinâmica e o amadurecimento do grupo, além de aspectos preciosos para o processo de criação do quarteto.
Vocês já trabalharam com muita gente ao longo da carreira. Há alguém que vocês gostam de destacar como fundamental para a banda?
Tivemos muitos excelentes parceiros, sem os quais não teríamos feito tudo o que fizemos. Para encarar esse formato de banda é necessário gostar de trabalhar junto e compartilhar. Nesse caminho tivemos produtores, técnicos de som, de luz, figurinistas, diretores, músicos convidados, bandas parceiras, assessores de imprensa, empresários, todos que nos ajudaram e ajudam muito.
Como foi a reformulação da banda? Ela trouxe alguma mudança na dinâmica do grupo?
A banda é um sistema que funciona de certa maneira, é uma conversa constante. A saída de um membro sempre traz mudanças na forma como interagimos nessa conversa. Musicalmente mudamos, principalmente porque agora todos nós cantamos. Resolvemos radicalizar essa ideia de horizontalidade, de ausência de protagonismo, que já era importante para a banda. Agora todos nós somos cantores principais e de apoio, e instrumentistas base e solo.
Como está sendo o processo criativo do novo disco?
Está sendo o mais tranquilo dos nossos discos até agora. É o nosso trabalho menos referente, nos baseamos muito na nossa própria experiência como instrumentistas e compositores. Sempre trabalhamos muito "estudando" outros artistas e sons. Agora resolvemos deixar que todo esse repertório flua mais naturalmente. Nós mesmos estamos produzindo o disco e gravando no Estúdio Freak, do Nico Paoliello, membro da banda. Isso dá também uma tranquilidade para criarmos muito mais em estúdio. Essa tranquilidade de processo contrasta com a fase difícil que estamos vivendo no Brasil e no mundo. Alguns dos temas que chamam nossa atenção aparecem nas músicas, certamente mais políticas que as outras. Acho que esses dois lados vão aparecer de forma bem clara no disco.
Uma das marcas registradas do grupo são os clipes, sempre bem produzidos. Por que vocês consideram importante essa valorização do trabalho audiovisual?
O rock, e a música pop de maneira mais geral, é baseado em mais do que a camada sonora. O que dizemos, o que vestimos, tudo que mostramos faz parte do trabalho artístico. Nós todos [membros da banda] nos formamos descobrindo músicas pelos clipes na TV. Desde o começo valorizamos esse formato exatamente porque foi importante para nós. Tivemos a sorte também de encontrar excelentes parceiros para fazer nossos clipes, amigos que compartilhavam da nossa visão. Gostamos de pensar representações visuais para o que fazemos junto com essas pessoas, e o clipe é um veículo excelente para isso. Finalmente, sempre gostamos de atuar, mesmo não tendo nenhum preparo para isso. A gravação é sempre divertida.
Há algum fator além da música que o grupo goste de acompanhar? Como redes sociais e cenografia do palco? Como disse, o processo artístico e conceitual de uma banda vai além da execução das músicas. Gostamos de controlar todas as partes do processo. O legal de ser uma banda independente é ter controle total sobre tudo, chamar apenas as pessoas de que gostamos para trabalhar conosco e mexer em tudo. Figurino, luz, cenografia, som, clipe etc.
Como vocês se enxergam hoje em comparação ao início da carreira? Muito mais seguros do que queremos fazer. Quando começamos, éramos muito despretensiosos, também por ingenuidade. Ficávamos felizes em conseguir marcar um show e tocar bem nele. Conforme a banda cresceu, o nível das nossas próprias expectativas também cresceu, o que logicamente gera tensão e ansiedade. Hoje sabemos muito bem o que queremos e do que somos capazes, o que nos devolveu um pouco daquela despretensão sem a dose de ingenuidade. Estamos tocando e cantando melhor do que nunca por causa disso. Acho que também temos nossas melhores composições, adultas pero sin perder la ternura.
Eu nunca morei no Japão, mas já fui umas três vezes para lá; já mudei de casa também umas 15 vezes, de casa, cidade, bairro… Acredito que essas referências da minha vida influenciam bastante no meu trabalho. Não muito esteticamente falando, mas na parte de não se apegar demais às coisas. Então estou fazendo um estilo de que gosto, mas consigo logo na sequência fazer outra coisa, mesmo tendo de desapegar do estilo que estava usando antes. É diferente de antigamente, quando os artistas queriam muito abraçar um estilo e seguir nele a vida inteira. Acho legal – pensando no momento em que vivemos hoje, da internet, de as coisas serem muito rápidas – o artista ousar mais e experimentar mais.
>><< Você tem personagens que se repetem em determinadas situações. Eles têm alguma história?
Eu tenho uma bonequinha chamada Mizulina. Ela aparecia mais algum tempo atrás; agora de vez em quando eu a desenho, mas uso muito para passar alguma mensagem, quando quero passar alguma ideia… Então, por exemplo, usei a Mizulina na época em que houve o desastre de Mariana, e é como se ela representasse uma esperança ou algo de bom por vir. Isso porque ela nasceu com rabiscos que fui fazendo quando meu filho mais velho ficou doente. Descobrimos que ele tinha uma doença incurável, uma doença autoimune, e foi no hospital em que fiquei com ele por uma semana que ela nasceu. O mais interessante é que não é um desenho depressivo ou uma coisa que represente a dor ou um momento ruim, mas é um desenho que representa a passagem do ruim para algo melhor.
Além do que já disse, tenho a sensação de que a poluição visual pode gerar uma organização em alguns pontos de onde você olha e, quando a plataforma do artista é grande, tipo um muro de 10 por 4 metros, ou mesmo esse banco, que tem quase 20 metros, ele agrada aos olhos no meio de tantos pedaços de informação. Não é apenas uma parede enorme cinza. Existiram naquele pedaço grande um estudo e uma organização visual. Acho que agrada porque a pessoa passa e vê aquilo como uma surpresa – porque a arte de rua surpreende, você não escolheu estar lá, você não escolheu ver aquilo como numa galeria, em que você entra e escolhe; então ela surpreende, ela pode passar uma imagem boa, ruim, triste… Mas, enfim, ela foi pensada.
Lançamento da PretaLab (Foto: Ian de Farias/Mídia NINJA)
A atividade principal do Olabi, atualmente, é o Clube Maker. São encontros e atividades que pretendem expandir as discussões referentes à tecnologia para além de onde já estão, nos grandes centros. A ideia é ser um lugar de experimentação, onde as pessoas compartilham ferramentas, marcas e conhecimento na área de manufatura digital. A nossa missão, na realidade, é trabalhar para a diversidade na produção dessas novas tecnologias, e para isso a gente tenta não trabalhar apenas com a linguagem conhecida nesse mundo geek, como o "arduíno", mas sim entender um pouco o que pode ser interessante para as pessoas que são iniciantes e que não têm o menor contato com esse mundo.
Eu comecei a pensar que gostaria de fazer um projeto que estimulasse essas meninas, só que na época eu imaginava um negócio um pouco mais ligado à formação, tentar criar um coletivo, um grupo, em que as mulheres pudessem trocar entre nós mesmas esses conhecimentos. Mas quando comecei a pensar na viabilidade disso foi um pouco difícil, porque eu não conhecia tantas meninas no Rio que estivessem nessa pegada, nesse mundo. Pelo menos dentro da minha bolha, eu nunca tinha conseguido contar nem dez meninas – não que não houvesse interesse… Estou falando de meninas que poderiam ser tutoras, porque eu acho que o interesse sempre teve.
Partindo um pouco dessa ideia de que as tecnologias não são neutras e estão cada vez mais permeando a nossa vida em tudo o que a gente faz, e se a gente não entender melhor como essas coisas funcionam, se as mulheres negras não estiverem nesse processo, se não existirem políticas para que elas estejam nesse processo, vamos perder totalmente nosso poder de integração no mundo. Então, se partirmos desse lugar em que as tecnologias não são neutras e estão carregadas de visões políticas, econômicas e culturais de quem as cria – e em que esse poder hoje está centrado mais nas mãos de homens, brancos, heterossexuais, classe média/ricos –, a gente já potencializa uma grande desigualdade se não faz nada em relação a isso, porque o mundo é cada vez mais digital… Se você não tem essa sapiência, se não consegue intervir nesse mundo, sempre vai estar à margem das decisões da sociedade.