Drive (film, 2011)
, ou Sang-froid au Québec, est un thriller américain réalisé par Nicolas Winding Refn et sorti en 2011. Adapté du roman homonyme publié par James Sallis en 2005, le scénario du film, qui est écrit par Hossein Amini, traite de la double vie d'un homme, interprété par Ryan Gosling, cascadeur le jour et chauffeur pour criminels la nuit.

Le réalisateur a expliqué qu'il avait été influencé par Bullitt (1968) et Le Jour du fléau (1975), et que  est un hommage à Alejandro Jodorowsky. La thématique du film est, quant à elle, largement inspirée de Driver (1978).

 est projeté pour la première fois le  lors de la  édition du Festival de Cannes, où il connaît un certain succès critique et où Nicolas Winding Refn reçoit le prix de la mise en scène. Il bénéficie également de nombreuses nominations à la  des Satellite Awards (2011) et à la  des Critics' Choice Movie Awards (2012), quatre aux BAFTA Awards 2012, une nomination aux César du cinéma 2012 et une aux Oscars 2012, la presse considérant cependant que le film est « boudé » par cette dernière cérémonie.  a été présenté à différents festivals avant sa sortie en salles. Il a réalisé une recette mondiale de  à la mi-février 2012 et se place  du box-office américain en 2011.

Synopsis 
Un jeune mécanicien taciturne (Ryan Gosling) travaille dans un petit garage de Los Angeles et effectue à l'occasion des cascades pour des acteurs hollywoodiens. Mais de nuit, il sert aussi de conducteur ( en anglais) à des membres du crime organisé. Le patron du garage, Shannon (Bryan Cranston), voudrait le voir participer à des courses professionnelles de stock-car et, pour concrétiser cela, finit par solliciter le soutien financier du mafieux Bernie Rose (Albert Brooks). Ce dernier accepte à condition de voir les compétences du conducteur et d'associer au projet un dénommé Nino (Ron Perlman), un mafieux juif patron d'une pizzeria.

Peu de temps après avoir emménagé, le Conducteur sympathise avec ses nouveaux voisins, Irene (Carey Mulligan) et son fils, Benicio (Kaden Leos). Le Conducteur ne rencontre le mari d'Irene et le père de Benicio, Standard (Oscar Isaac), que quand ce dernier sort de prison. Standard, heureux de retrouver son épouse et son fils, annonce qu'il est désormais bien déterminé à rester honnête ; mais les sbires d'un dénommé Cook (James Biberi), qui garantissait sa protection en prison, viennent le tabasser et menacent de s'en prendre aux siens s'il ne va pas braquer un prêteur sur gage pour rembourser les milliers de dollars dus à son ancien protecteur.

Voulant protéger Irene et Benicio, le Conducteur propose son aide à Standard. Ils commettent le braquage avec Blanche (Christina Hendricks), une complice imposée par Cook, mais l'opération tourne mal et Standard est tué par le prêteur sur gage. Le Conducteur vient néanmoins de récupérer  de dollars, au lieu des  prévus, mais il est aussitôt poursuivi par une automobile dont il ne parvient à se défaire qu'avec difficulté. Il comprend alors qu'il est impliqué dans une affaire extrêmement fâcheuse. Dans la chambre d'un motel où il a trouvé refuge avec Blanche, il interroge avec brutalité cette dernière, qui, en fin de compte, lui avoue que le véhicule qui les a poursuivis appartenait aux hommes de Cook, qui devaient se débarrasser de Standard et du Conducteur pour récupérer Blanche et l'argent. Deux criminels arrivent peu après, prévenus par Blanche qui leur a donné l'adresse ; Blanche est malencontreusement abattue, mais le Conducteur parvient à tuer ses agresseurs et s'en tire avec une blessure au bras.

Il retrouve ensuite Cook dans un club de strip tease qui, après lui frappé la main avec un marteau, lui avoue que le véritable cerveau de l'opération est Nino. Alors que le Conducteur s'explique avec Irene dans le couloir de leur immeuble, le tueur à gages envoyé par Nino sort de l'ascenseur et, pour justifier sa présence, invoque une simple erreur d'étage. Tous trois se retrouvent dans l'ascenseur et le Conducteur comprend rapidement que l'homme est un assassin. Il embrasse longuement Irene pour diminuer la vigilance du tueur et attaque soudainement le sicaire, le tuant en lui écrasant la tête à coups de talon. Pendant ce temps, Nino, dans sa pizzeria, explique à Bernie Rose que l'argent appartient en réalité à un mafieux italien de la côte Est (plus précisément de Philadelphie), et que s'il lui a volé , par l'intermédiaire du braquage ayant tourné à un véritable fiasco, c'était notamment pour se venger des propos antisémites qu'il a subi de sa part. Craignant que la mafia italienne ne remonte jusqu'à lui, Nino ordonne à Bernie d'éliminer toutes les personnes qui sont liées, de près ou de loin, à cette affaire, à commencer par Cook, puis Shannon.

Après avoir découvert le cadavre de Shannon, le Conducteur se lance à la poursuite de la voiture de Nino et réussit à précipiter le véhicule du criminel du haut d'une corniche qui longe une plage. Puis, il noie Nino dans l'océan. Pour régler une bonne fois pour toute cette affaire, le Conducteur appelle Bernie, qui lui donne rendez-vous dans un restaurant asiatique afin qu'il récupère le sac contenant l'argent du braquage, qui devait initialement retourner aux mains de Nino. Après cet appel, il contacte Irene pour lui avouer que les instants passés avec elle et son fils ont été les meilleurs de sa vie, mais qu'il doit partir et ne pourra probablement pas revenir. Le Conducteur va rendre l'argent en échange de la sécurité d'Irene et Benicio. Au moment où il sort le sac contenant l'argent du coffre de sa voiture, Bernie le poignarde dans le ventre ; le Conducteur riposte en lui transperçant le cou à l'aide d'un couteau. Après un long moment de récupération, il abandonne le corps de Bernie et le sac d'argent sur le parking du lieu de rendez-vous, à savoir le restaurant, et quitte la ville au volant de sa voiture pour une destination inconnue.

Fiche technique 
 Titre original et français : 
 Titre québécois : Sang-froid
 Réalisation : Nicolas Winding Refn
 Scénario : Hossein Amini, d'après le roman Drive de James Sallis
 Musique : Cliff Martinez
 Direction artistique : Christopher Tandon
 Décors : Lisa K. Sessions et Beth Mickle
 Costumes : Erin Benach
 Photographie : Newton Thomas Sigel
 Montage : Matthew Newman
 Production : Michel Litvak, John Palermo, Marc Platt, Gigi Pritzker et Adam Siegel ; Frank Capra III et Garrick Dion (coproduction)
 Production déléguée : David Lancaster, Bill Lischak, Linda McDonough, Jeffrey Stott et Gary Michael Walters
 Production exécutive : Chris Ranta
 Sociétés de production : Bold Films, Odd Lot Entertainment, Marc Platt Productions et Seed Productions
 Sociétés de distribution : FilmDistrict (États-Unis) ; Alliance Vivafilm (Canada) ; Wild Side Films / Le Pacte (France)
 Budget : 
 Pays de production : 
 Langue originale : anglais
 Format : couleurs —  — 2,39:1  — son DTS / Dolby Digital / SDDS
 Genre : thriller
 Durée : 95 minutes
 Dates de sortie :
 France :  (Festival de Cannes) ;  (sortie nationale)
 États-Unis : 
 Belgique : 
 Classification : 
 France : interdit en salles aux moins de 12 ans (CCOC), puis aux moins de 16 ans pour les diffusions télévisées
 Royaume-Uni :interdit aux moins de 18 ans (BBFM)
 États-Unis : les mineurs (17 ans ou moins) doivent être accompagnés d’un adulte (MPAA)

Distribution 
 Ryan Gosling ( : Franck Lorrain ;  : Frédéric Paquet) : le Conducteur
 Carey Mulligan ( : Victoria Grosbois ;  : Camille Cyr-Desmarais) : Irene
 Bryan Cranston ( : Gérard Dessalles ;  : Jacques Lavallée) : Shannon, le garagiste employeur du Conducteur
 Ron Perlman ( : Bernard Bollet ;  : Denis Mercier) : Nino, un mafieux juif patron d'une pizzeria
 Albert Brooks ( : Richard Leblond ;  : Manuel Tadros) : Bernie Rose, l'associé de Nino
 Oscar Isaac ( : Philippe Bozo ;  : Nicolas Charbonneaux-Collombet) : Standard Gabriel Guzman, le mari d'Irene
 Christina Hendricks ( : Charlotte Correa ;  : Nathalie Coupal) : Blanche
 James Biberi ( : Nessym Guetat ; VQ : Tristan Harvey) : Chris Cook
 Kaden Leos : Benicio, le fils d'Irene et de Standard
 Version française 
 Société de doublage : Studio Chinkel
 Direction artistique : Julien Kramer
 Adaptation des dialogues : Franck Hervé
 Enregistrement et mixage : Frédéric Le Grand
 Sources et légendes : Version française () sur AlloDoublage et Version québécoise () sur Doublage.qc.ca

Production

Genèse 
 est l'adaptation cinématographique du roman homonyme de James Sallis, publié en 2005 aux États-Unis. Le producteur, Marc E. Platt, pose une option pour l'adaptation du livre après en avoir lu une critique dans Publishers Weekly.

Marc E. Platt s'intéresse au côté énigmatique et réservé du personnage, qui vit selon son propre code de conduite et qui rappelle certains héros, interprétés par Steve McQueen ou Clint Eastwood, que Platt décrit comme .

Scénario 

Le scénariste Hossein Amini est engagé pour adapter le roman en scénario. , explique Amini. L'adaptation en film grand public est difficile car le roman, construit sur une histoire non linéaire, présente de nombreux flashbacks. Amini doit trouver un fil directeur afin de rendre le déroulement de l'action plus linéaire, tout en restant cohérent vis-à-vis de la vision de Sallis (où le point de vue est celui du conducteur au volant de sa voiture). Le scénariste est conscient qu'un braquage qui tourne mal est une action vue maintes fois au cinéma, mais l’intérêt apporté par le livre 

Une première adaptation de  est annoncée début 2008, avec Neil Marshall à la réalisation et Hugh Jackman dans le rôle principal. Universal Studios avait essayé d'en faire une adaptation quelques années auparavant dans l'optique de créer une franchise. En février 2010, Marshall et Jackman ne font plus partie du projet.

Quand Ryan Gosling signe, les producteurs lui laissent le choix du réalisateur et il propose le Danois Nicolas Winding Refn, réalisateur de la trilogie Pusher et de Bronson (2008), dont il est fan. Jusqu'à ce que les producteurs le contactent, Refn restait sur un projet qui venait d'échouer, ce qui le déprimait ; il rencontre Gosling pour se concerter autour d'un dîner à propos de la réalisation du film , mais Refn est fortement grippé et son absence de conversation provoque un réel malaise. Gosling raccompagne Refn chez lui en voiture ; pendant le trajet, Gosling allume la radio pour pallier le silence ambiant ; celle-ci passe Can't Fight This Feeling du groupe REO Speedwagon, Refn se met à pleurer et dit à Gosling : . Lors de la première lecture du scénario, Refn est davantage intrigué par le concept de cet homme à la double personnalité, cascadeur le jour et chauffeur pour criminels la nuit, que par l'histoire en elle-même. Sur le tournage, Refn affirme avoir  avec Gosling.

Refn structure le film à la manière d'un conte des frères Grimm, avec un début très pur qui bascule vers quelque chose de noir au ton psychotique, voire moralisateur. Refn explique ce basculement en disant que ces deux parties dépendent étroitement l'une de l'autre, chacune ayant besoin de l'autre pour pouvoir se justifier. La scène de l'ascenseur représente un condensé de ce découpage, magnifiquement pure au début et très violente à la fin.

Casting 

Hugh Jackman, pressenti pour le rôle principal, doit y renoncer en raison d'un conflit d'emploi du temps. Le producteur Marc E. Platt contacte Gosling pour jouer dans le film et lui explique qu'il se trouve parmi les premiers noms d'une liste de personnes de talent, auteurs, réalisateurs et acteurs, qui l'inspirent et avec qui il souhaite travailler. Après avoir reçu le premier scénario de , Gosling désire rencontrer Platt. L'acteur a toujours été intéressé pour tourner dans un film d'action, mais regrette que ce genre ait tendance à toujours faire la part belle à l’action au détriment des personnages. Le personnage du conducteur lui plaît immédiatement, car il repose sur un caractère très fort et sur une histoire d'amour complexe. Pour la productrice Gigi Pritzker, Ryan Gosling a, sous un calme apparent, un tempérament de feu. Elle trouve intéressant de le voir endosser le rôle du conducteur, qu'elle décrit être aux antipodes de ce que l'acteur a déjà pu interpréter auparavant : avec ce personnage, il . Les premiers producteurs donnent à Gosling le choix du réalisateur, une première pour l'acteur, qui pense à Nicolas Winding Refn, qui accepte finalement de réaliser le film.

Lorsque Refn commence à sélectionner le reste de la distribution, il ne souhaite pas se baser sur les vidéos de castings ou des auditions, mais préfère rencontrer les acteurs à son domicile. Refn cherche d'abord une actrice pour le rôle d'Irene, une mère latino-américaine dans la vingtaine élevant son fils de sept ans. Mais il ne parvient pas à trouver la personne qu'il faut parmi les actrices qu'il rencontre, qu'elles soient connues ou pas. Après avoir vu Bronson (2008) et Le Guerrier silencieux (, 2010) de Refn, Carey Mulligan explique avoir envoyé un courriel à son agent car elle désire travailler avec un réalisateur comme Refn, sans savoir que le projet est en préproduction. Elle reçoit le scénario trois semaines plus tard, en août 2010, et dit être tombée amoureuse de l'histoire. Lorsque Refn reçoit Mulligan, il n'a vu aucun de ses films, mais la choisit dès qu'elle apparaît. Refn constate que Mulligan donne à l'histoire d’amour une dimension beaucoup plus intéressante, à la Roméo et Juliette, mais sans la politique présente dans la pièce de théâtre. Refn ajuste alors le scénario afin que le rôle convienne à Mulligan.

Refn, fan de la série télévisée Breaking Bad, contacte Bryan Cranston qu'il considère comme un acteur d'exception. Mais il apprend que Cranston a déjà été contacté pour d'autres projets et, afin de l'intéresser, il développe le rôle de Shannon. Sans donner de nouvelles à Refn, Cranston fait une liste de points positifs et négatifs pour déterminer s'il interprétera le rôle ou non. Flatté par l'intérêt que le réalisateur lui porte, il finit par accepter. Pour l'acteur, le point déterminant est le scénario : il apprécie le personnage qui lui est confié, et la présence de Gosling et Refn sur le projet finit de le convaincre.

Christina Hendricks obtient le rôle secondaire de Blanche. Pour essayer de trouver un personnage réel, Refn cherche une actrice de films pornographiques, mais il n'arrive pas à trouver une actrice possédant un jeu correct. Après avoir rencontré Hendricks sur un conseil de sa femme, il décide de l'auditionner. Connue pour son rôle dans Mad Men, Refn apprécie le côté attachant qu'elle dégage, et Hendricks trouve fantastique le scénario du film. À l'origine, ce devait être Jacinda Barrett qui devait interpréter ce personnage.

Bernie Rose, un violent mafieux, est interprété par Albert Brooks, auquel ont immédiatement pensé Refn et Gosling, bien que ce dernier déclare que, selon lui, l'acteur ne serait pas d'accord pour jouer un personnage violent et sombre, ainsi que pour participer à un film qu'il ne réalise pas lui-même. Refn évoque son audition : . Brooks apprécie chez Bernie Rose son style et sa personnalité triste : 

Nino, l'antagoniste principal, est interprété par Ron Perlman, l'un des derniers acteurs à rejoindre la distribution. À l’origine, ce personnage n'est pas très développé. Refn se demande pourquoi Perlman veut se joindre à la distribution et celui-ci explique simplement que le personnage lui ressemble : , car .

Oscar Isaac interprète le rôle d'un Latino-Américain, Standard Gabriel Guzman, marié à Irene. Il sort de prison une semaine après la rencontre du conducteur et d'Irene. Dans le roman, le mari d'Irene est un Mexicain qui fait partie d'un gang. Isaac a modifié, avec le réalisateur, l'histoire du personnage pour lui donner plus de profondeur, et rendre l'histoire plus convaincante. L'objectif du personnage est d'ouvrir un restaurant, mais ses erreurs passées le placent dans une position délicate.

Financement 
La phase de financement dure quatre mois. Les grands studios de cinéma refusent tous le projet. Refn et Gosling rencontrent alors des studios indépendants. Refn se rend en 2010 au marché du film de Cannes en parallèle du Festival de Cannes. Manuel Chiche de Wild Side Films accorde une avance sur les droits de diffusion en France, viennent ensuite l'Allemagne et les pays scandinaves. Ils arrivent ainsi à lever 16 millions de dollars US.

Lieux de tournage 

Le film, doté d'un budget de 15 millions de dollars, est tourné dans différents lieux de Los Angeles, en Californie. Les lieux de tournage sont repérés par Refn lorsque Gosling le conduit dans la ville le soir. Beth Mickle, la directrice artistique, est embauchée sur les recommandations de Gosling après avoir travaillé avec lui en 2006 sur le film Half Nelson de Ryan Fleck. Avant le tournage, Mickle supervise une équipe de 40 personnes, travaillant jusqu'à 18 heures par jour. Il s'agit du film au budget le plus important auquel elle participe :  par rapport à .

Il est vite acquis que le Park Plaza Hotel de Los Angeles sera l'un des lieux de tournage principaux (il servira aux scènes du couloir, de l’ascenseur et du strip club). Mickle et son équipe imaginent pour le personnage de Gosling un immeuble qui comprend un couloir et un ascenseur qui le lie à l’appartement d'Irene. La scène d'ouverture évite certaines zones du quartier d'affaires Downtown Los Angeles. Le Los Angeles Times note que lorsque les bâtiments étincelants sont montrés, ils sont vus de loin. Mickle crée l'appartement de Bernie Rose dans un bâtiment abandonné et transforme un petit atelier de carrosserie de Los Angeles en concession (celle de Shannon) ; elle fait peindre les murs du garage d'un bleu électrique et installe plusieurs voitures anciennes dans la salle d'exposition. Quelques scènes extérieures se déroulent à Echo Park (ou à proximité) indiqué par la télévision comme étant le lieu de résidence de Standard Gabriel et sa famille au moment du hold-up mortel.

Réalisation 

Refn emménage dans une maison à Los Angeles avec toute la distribution et le scénariste Amini, afin de travailler quotidiennement sur le scénario et le film, et visionner les scènes réalisées et le montage. Avec un scénario initial de 81 pages, Refn et Gosling réduisent le nombre des dialogues durant le tournage.

Préférant garder un film bien construit et authentique, Refn évite l'usage d'images de synthèse, conditionné par le manque de moyens pour financer la création de telles images<ref>{{article|langue=en|url=http://www.virginmedia.com/movies/news/story/2011/09/16/drive-director-avoided-cgi-to |titre=Drive director avoided CGI to create more 'grounded' film |périodique=Virgin Media|date=16 septembre 2011|consulté le=17 septembre 2011}}</ref>. De nombreux cascadeurs sont crédités, dont Gosling qui a réalisé l'une des cascades. Lors de la production, Gosling répare la Chevrolet Malibu de 1973 utilisée dans le film.

En cohérence avec le style visuel de Refn, l'objectif grand angle est privilégié. Le directeur de la photographie Newton Thomas Sigel, connaissant le travail de Refn, cherche à incorporer tous les éléments qui font sa marque de fabrique tout en essayant de la faire évoluer. Pour cela, la sensation du grand-angle est conservée, avec une importante profondeur de champ, tout en l'adaptant à beaucoup de décors et de situations. La vitesse joue un rôle important. La photographie est réalisée de façon que l'action semble intemporelle. Refn, du fait qu'il est daltonien, demande à Sigel que l'image soit très contrastée.

Le tournage se déroule sur six semaines. Le film est tourné avec la caméra numérique Arriflex Alexa. Les scènes de bagarres sont tournées avec deux caméras, avec Sigel à la caméra A, et Greg Lundsgaard à la caméra B sur Steadicam. Selon Lancaster, le producteur exécutif,  contient des  Refn a tourné les scènes de nuit à partir d'un hélicoptère dans Bunker Hill à Los Angeles. Le tournage se termine en novembre 2010.

Bien que l'histoire se passe en 2010, à l'époque de la réalisation, une atmosphère des années 1980 s'en dégage grâce aux voitures, à la musique, aux décors, et à la construction.

 Scène d'ouverture 

La scène d'ouverture de course-poursuite est filmée depuis l'habitacle de la Chevrolet Impala. Dans une interview, Refn compare cette scène à une plongée où la voiture n'est jamais perdue de vue afin que le public adopte le point de vue du conducteur. À cause d'un budget de réalisation limité et d'un délai de tournage serré, la réalisation de la scène se fait en deux jours. Pour Refn, le quartier d'affaires Downtown Los Angeles a beaucoup changé, en mieux ; pour garder une atmosphère lugubre, Refn évite certaines zones et tourne la scène en faible angle, avec un minimum de lumière.

 Scène de l'ascenseur 
L'une des scènes sans dialogue est la séquence de l’ascenseur. Refn la définit comme le cœur qui irrigue le reste du film. Pour Matt Barone du magazine Complex, il s'agit d'. Pour cette scène, Refn fait appel au réalisateur Gaspar Noé, lui demandant comment il avait procédé pour simuler l'écrasement d'une tête dans Irréversible (2002).

La scène de l'ascenseur est le point de transition du film, de la romance à la violence. La scène commence par un baiser entre le conducteur et Irene ; il s'agit d'un baiser d'adieu, avant qu'il ne se transforme en  et ne dévoile son côté sombre en piétinant violemment la tête d'un tueur à gages. Bien évidemment, cela modifie le regard d'Irene sur le conducteur. Refn mélange la tension sexuelle et la violence dans un espace confiné afin d'augmenter l'intensité de la scène ; pour lui, il ne s'agit pas de sexualité, mais plutôt de poésie et de pureté, comme un moment sacré. La violence du conducteur est également une forme de poésie. Refn étant plus intéressé dans l'action qui précède la violence  qu'à la violence elle-même, qu'il compare à l'orgasme.

 Scènes de conduite 

Les scènes de conduite sont filmées avec une plateforme auto-caméra, la biscuit-rig (la plateforme biscuit), développée pour le film Pur Sang, la légende de Seabiscuit (Seabiscuit, 2003), qui permet à un pilote de conduire la voiture, ce qui laisse à Gosling la possibilité de se concentrer sur le jeu. , rapporte Sigel.

 Scène du strip club 
La scène du strip club se déroule dans une pièce remplie de miroirs. Pour ne pas filmer le reflet de la caméra, le chef machiniste Alex Klabukov a fixé une plateforme circulaire au plafond, qui permettra de filmer la salle à 360°. La scène violente est baignée dans une ambiance violette à l'aide d'appliques de 40 à 60 watts.

Dans cette scène, le personnage principal arrive dans les loges du strip-club, où l'on voit de nombreuses stripteaseuses, et casse la main de Cook avec un marteau, le propriétaire de club interprété par James Biberi. Le conducteur menace ensuite le propriétaire avec un marteau, puis lui fait avaler une balle de .

 Bande originale 

La bande originale a une place prépondérante dans . Elle sort en France sur le label français Record Makers et aux États-Unis sur le . La plupart des morceaux dans un style synthwave sont composés par Cliff Martinez, qui a travaillé sur la bande originale de Sexe, Mensonges et Vidéo (, 1989), bande originale dont Refn est particulièrement fan. La musique contient des titres avec une ambiance des années 1980 des claviers et des compositions descriptives. Refn désire une musique électronique et de temps en temps abstraite pour que les spectateurs puissent voir les choses du point de vue du chauffeur. Il donne un échantillon de chansons qu'il aime à Martinez et lui demande de composer dans cette veine-là ; il en résulte une bande originale . Matt Newman, monteur attitré de Winding Refn, suggère à ce dernier que la chanson d'ouverture du film soit Nightcall, du compositeur de musique électronique français Kavinsky.

Winding Refn cherche dans le catalogue du musicien et mixeur américain , et choisit  du groupe américano-canadien Desire, dans lequel Jewel joue, et A Real Hero du groupe français College parce qu'il imagine  comme un conte de fée. Au climax du film, la mélodie au synthétiseur de la chanson  (littéralement, « un vrai héros » en français) fait référence à . Ce titre illustre la transition, la scène de l'ascenseur avec le changement de statut du conducteur. Dans un premier temps, Jewel s'inquiète d'un titre peut-être trop littéral. Mais il est convaincu en visionnant le film, trouvant également que Under Your Spell est utilisé .

Johnny Jewel explique à Nicolas Winding Refn que la musique doit être considérée comme un élément de base du film et que pour certaines scènes, la basse doit être évitée afin d'être utilisée spécialement pour les parties émotionnelles ou de mauvais augure, ce qui renforcera son effet. Jewel pense que la musique devrait être dans un registre onirique. Pour s'aider dans le processus d'écriture, il évoque des mélodies ; le mixeur effectue une procédure où il a souligné de nombreuses phrases du roman, puis imprimés ces mots en gros caractères et les a accrochés sur les murs où sont dessinées des images lors du visionnement du film.

 Pistes 

 Classements 
La bande son connaît un grand succès en France puisqu'elle se classe à la 13ème place du classement des ventes d'albums et reste dans celui-ci pendant plus de 70 semaines.

 Accueil 
 Promotion 
Prévu comme une production du type blockbuster,  est ensuite catégorisé comme film indépendant. Avant le tournage, Refn se déplace au festival de Cannes 2010 pour vendre les droits de diffusion et sort à cette occasion des posters promotionnels de son long métrage. En novembre 2010,  acquiert les droits de distribution pour l'Amérique du Nord. Les distributeurs ont été si désireux d'acquérir les droits du film qu'ils ont commencé à négocier pour l'acheter avant même d'en avoir vu une seule séquence ; ils pensent pouvoir faire appel au réseau de distribution du cinéma de genre et d'art et essai. La sortie est alors programmée pour le  aux États-Unis.

L'avant-première a lieu le , en compétition au festival de Cannes 2011. Après la projection à la presse, le film reçoit d'abondantes félicitations et est qualifié de , mais l'un des critiques dira que le film . Il a été accueilli sous les applaudissements des critiques cinématographiques et par 15 minutes de standing ovation lors de la projection publique. Xan Brooks du Guardian considère le film comme un péché mignon. Le jury remet à Refn le prix de la mise en scène. est également diffusé au festival du film de Los Angeles le , lors du gala de projection de son programme. Il fait partie d'une sélection de plus de  métrages, courts métrages et clips vidéos, venus de plus de , présentés durant ce festival. Puisque la date de sortie de  est repoussée de plusieurs jours,  le remplace comme film de clôture du festival international du film de Melbourne. Le film est également diffusé au cours de la présentation du studio FilmDistrict au Comic-Con. Une diffusion secrète est organisée à l’ de Londres à la mi-août 2011. En septembre, une présentation spéciale a lieu lors du festival international du film de Toronto, où Gosling présente également Les Marches du pouvoir ().

Le marketing du film évoque un film d'action. Cela a décidé une spectatrice américaine, Sarah Deming, à porter plainte contre le film pour publicité mensongère et pour  : pour elle, la bande-annonce suggérait une production semblable à , alors qu'il y a  dans le film, et certaines scènes de violence concernent des membres de la communauté juive, comme le mafieux Nino. Les poursuites sont abandonnées en  au motif que les arguments soutenus par Sarah Deming ne sont pas valables et que le film ne comporte aucun message subliminal antisémite. La spectatrice prévoit toutefois de faire appel.

 Accueil critique  a été extrêmement bien reçu par les critiques, que ce soit les anglophones, avec 93 % d'avis favorables, basé sur 208 commentaires sur l'agrégateur de critiques Rotten Tomatoes et une moyenne de  sur le site Metacritic, ou les francophones, avec une note moyenne de  sur recensement de 26 titres de presse par AlloCiné. Même si pour les avis critiques lors du Festival de Cannes, l'avis est mitigé, avec une note de  selon l'agrégateur de critique Screen International et des avis biaisés selon l'agrégateur de Le Film français. Les prestations de Gosling et de Brooks, ainsi que l'esthétique du film, ont généralement été très appréciées par les critiques.

Pour Peter Travers de , il n'est pas étonnant que le film remporte au Festival de Cannes le prix de mise en scène, car . Le critique déclare que  et en conclut qu'il est face à . Peter Debruge de  salue  pour être parvenu à sortir d'un effet visuel et narratif plat, ce que d'autres films au thème similaire n'étaient pas arrivés à faire. Cependant, Debruge attendait plus de scènes de conduite et trouve Mulligan mal choisie pour incarner Irene. Le critique du , Roger Ebert écrit : . Chris Lackner du  trouve le film rafraîchissant, avec des changements de rythmes différents qui évitent la routine des films hollywoodiens. Le journaliste du , Roger Moore, considère  comme  et, sur la base de ce qu'il a vu dans ce film, exprime sa hâte de voir les futures collaborations entre Gosling et Refn.

Le chroniqueur A. O. Scott du  estime que les rôles secondaires sauvent le film de l'ennui : . Une autre critique négative vient du magazine  par David Edelstein : il compare  à Conan (2011) en faisant référence à un film  et réputé pour être niais. Edelstein a ensuite reproché à Gosling son choix d'apparaître dans le film () et pense que la plupart des téléspectateurs viendront voir le film uniquement pour la popularité des acteurs du film. Michael Phillips du  trouve que la séquence d'ouverture est l'une des plus saisissantes de l'année 2011, mais ajoute que  se termine en un . Neil Rosen de NY1 fait écho à ces critiques, les scènes de violence du film ne sont ni convaincantes ni intéressantes.

En France, Caroline Vié, de 20 minutes, écrit : , pour ce polar qui . Pour Christophe Chafefeaud de Studio Ciné Live, Ryan Gosling  en créant . Ces sourires . Le réalisateur se situe  et . Il souligne que . Il conclut que . Pour Jean-François Rauger du Monde, . Rauger note d'ailleurs la . La bande originale qui en . En concluant que .

Pour Florence Colombani du magazine Le Point, . Jacques Morice de Télérama explique qu' et que  décrite par le titre . Il ajoute que . Olivier Séguret de Libération, explique que . Yannick Vely de Paris Match explique que  Michel Ciment de Positif trouve le film sec et violent, mais en même temps mélancolique et rempli de lyrisme ce qui permet de révéler un . Philippe Rouyer de la même revue trouve que la simplicité apparente du film est un leurre, avec un récit lisse et sans zone d'ombre mais que l'image présente une dualité des personnages. Rouyer se demande pourquoi Refn ne filme jamais l'extérieur des voitures conduites par le conducteur — la volonté de rester près du personnage, la sensation d'être dans une prison ou dans un refuge. Vincent Malausa de la revue Cahiers du cinéma, suggère que le début du film est à un niveau élevé et que l'on ne peut être que déçu par la suite. Malausa apprécie particulièrement la dialectique de l'extase et du manque que le film arrive à véhiculer. Cependant, il n'apprécie pas la scène de l’ascenseur trouvant qu'à ce moment-là, le film  Même si les Cahiers, moins d'un an après la critique, revirent leur jugement à la baisse.
 
En Allemagne, Carsten Baumgardt, de , note que le film est , avant de souligner que le scénariste s’inscrit ostensiblement dans la norme des films de série B. Baumgardt commente qu'avec , le . Le critique de  trouve que le réalisateur 

En Espagne, Carlos Boyero de , écrit que  est . Selon lui,  Nando Salvá de  explique que Refn, dans ses précédents films et dans , fait une fixation sur des .

 Box-office 

Le film a réalisé de meilleures recettes cumulées à l'étranger qu'aux États-Unis. Le box-office mondial atteint, en fin de distribution,  et  aux États-Unis, soit au total .

Le film, doté d'un budget assez modeste au regard des critères hollywoodiens (15 millions de dollars), réussit un bon démarrage au box-office américain, atteignant la troisième place et réalisant  de recettes. Après 21 semaines de diffusion, le film totalise 35 millions de dollars de recettes. Pour l'année 2011, le film se place  du box-office américain, alors que le film n'est classé que 16 semaines sur 52. La France est le deuxième pays en termes de recettes avec plus de 13 millions de dollars. Le film a démarré à la deuxième place avec , avant d'atteindre le million d'entrées (1,04 million d'entrées) lors de la troisième semaine, pour finir avec près de . Suivent ensuite le Royaume-Uni avec  et la Belgique ().

 Distinctions 

Sauf mention contraire, les informations ci-dessous sont issues de la page « Distinctions » du film sur l'Internet Movie Database.

En sélection officielle du Festival de Cannes 2011, le film se voit décerner le prix de la mise en scène pour son réalisateur Nicolas Winding Refn.  est nommé à huit reprises aux Satellite Awards 2011 et aux Critics' Choice Movie Awards 2012, quatre fois aux BAFTA Awards 2012, une fois aux César du cinéma 2012 et une aux Oscars 2012. La presse considère cependant que le film est « boudé » par cette dernière cérémonie. La prestation d'Albert Brooks a attiré l'attention de nombreuses cérémonies de récompenses.

 Récompenses 
 Festival de Cannes 2011 : prix de la mise en scène
 Utah Film Critics Association 2011
 Meilleur film
 Meilleur acteur dans un second rôle pour Albert Brooks
 Meilleure photographie pour Newton Thomas Sigel
 Satellite Awards 2011 :
 Meilleur acteur pour Ryan Gosling
 Meilleur acteur dans un second rôle pour Albert Brooks
 Meilleur réalisateur pour Nicolas Winding Refn
 Meilleur son pour Dave Patterson, Lon Bender, Robert Fernandez, Victor Ray Ennis
 Black Film Critics Circle 2011 : Meilleur acteur dans un second rôle pour Albert Brooks
 Critics' Choice Movie Awards 2012 : Meilleur film d'action

 Nominations 
 Satellite Awards 2011 :
 Meilleur film
 Meilleure musique de film pour Cliff Martinez
 Meilleure photographie pour Newton Thomas Sigel
 Meilleur montage pour Mat Newman
 Critics' Choice Movie Awards 2012 :
 Meilleur film
 Meilleur acteur pour Ryan Gosling
 Meilleur acteur dans un second rôle pour Albert Brooks
 Meilleur réalisateur pour Nicolas Winding Refn
 Meilleure photographie
 Meilleur montage
 Meilleure musique de film
 British Academy Film Awards 2012 :
 Meilleur film
 Meilleur réalisateur
 Meilleur montage
 Meilleure actrice dans un second rôle pour Carey Mulligan
 Golden Globes 2012 :
 Meilleur acteur dans un second rôle pour Albert Brooks
 César 2012 : Meilleur film étranger
 David di Donatello 2012 : Meilleur film étranger
 Oscars 2012 : Meilleur montage de son
 Union de la critique de cinéma 2012 : grand prix

 Analyse 

Les journalistes et critiques de cinéma ont reconnu dans  une  qui rend  dans la lignée d'œuvres comme Bullitt (1968). Une étude sur les personnages fait ressortir les thèmes principaux du film : . Il combine la bande dessinée gore, le film noir, une esthétique de série B et le spectacle hollywoodien, ce qui offre . D'autres comparaisons ont été faites au travail de Walter Hill, John Carpenter, Michael Mann, Nathanael West, J. G. Ballard et Mike Davis, ou à la violence de l'œuvre de David Cronenberg : . Le film est dédié au réalisateur franco-chilien Alejandro Jodorowsky et inclut quelques questions sur l'existentialisme. est un essai néo-noir, extrêmement violent et très stylisé, avec un visuel européen et des influences . Pour Refn,  devient un film de super-héros au cours de la scène de l'ascenseur, lorsque le chauffeur tue le méchant.  fait également référence à la culture populaire des années 1970 et 1980 au travers de films comme Le Jour du fléau (, 1975) et Police fédérale Los Angeles (, 1985). D'autres influences peuvent être vues dans le générique d'ouverture avec le néon lumineux et les chansons rétros : . Le titre du film, habillé de rose , est inspiré par la police d'écriture de Risky Business (1983).

La principale inspiration pour Winding Refn vient des Contes de l'enfance et du foyer des frères Grimm. Son but est de structurer le film comme un conte de fée : condensé dans son  et avec des personnages archétypés. Le conducteur est comme . Refn explique que  Pour jouer avec le thème populaire du conte de fée, le conducteur protège ce qui est bon, alors que dans un même temps il tue les gens dépravés avec violence. Refn est également inspiré par des films comme Le Point de non-retour (, 1967), Macadam à deux voies (, 1971),  (, 1978), Le solitaire (, 1981) et  (1987). Les crimes dans les réalisations de Jean-Pierre Melville influencent la cinématographie du réalisateur. Le script d'Amini a une tendance naturelle à imposer une sorte de code moral du criminel, où même ceux qui s'y conforment ne sont presque jamais récompensés de leurs efforts, comme on le voit lorsque le conducteur aide Standard, Irene et son fils, ce qui reste l'intérêt principal dans l'esprit du personnage. Dans leurs voitures, les personnages non seulement s'échappent et commettent des meurtres, mais ils essayent d'être en paix et recherchent une liaison amoureuse.

Le personnage principal, le conducteur (), est comparé à l’Homme sans nom (), un personnage interprété par Clint Eastwood dans les westerns de Sergio Leone, car la plupart du temps, il ne parle pas. Vincent Malausa de la revue Cahiers du cinéma relève que le personnage du conducteur rappelle le film  de George Andrew Romero. La faible présence de dialogue du conducteur est conçue pour attendrir le personnage. Refn Winding a choisi de donner au personnage très peu de dialogues et de lui faire écouter de la musique pop au volant, ce qui lui permet de reprendre le contrôle quand il le faut. Un critique a noté que si le conducteur manque de psychologie, il le rend à travers ses actions et ses costumes élégants. La garde-robe du conducteur a été inspirée par le groupe Kiss et le film expérimental de Kenneth Anger, . Il porte une veste en satin avec un scorpion d'or brodé dans le dos ; Refn voit le blouson comme l'armure du personnage, et le logo comme une amulette. Pour le critique Peter Canavese, la veste est une référence à la fable Le Scorpion et la Grenouille, mentionnée dans le film, qui à son tour évoque l'utilisation de la fable dans le film d'Orson Welles Dossier secret. Pour Michel Ciment, la veste blanche représente le côté angélique et le scorpion doré le côté maléfique du personnage, alors que pour Philippe Rouyer le scorpion doré ramène en permanence à une symbolique trouble de sexualité et de mort.

Le critique Éric Neuhoff trouve au film un humour féroce, à la manière de Quentin Tarantino, avec, entre autres, les répliques du mafieux Bernie Rose lorsqu'il explique avoir été un producteur de films européens. Vincent Malausa de la revue Cahiers du cinéma pense que Refn s'est débarrassé de son influence kubrickienne, particulièrement présente dans  (2008) ou Le Guerrier silencieux (Valhalla Rising, 2010).

Le réalisateur de Drive cite volontiers Bullit comme inspiration, dans le cadre de la promotion du film, car Bullit est un film policier très connu. Néanmoins, l'influence d’American Gigolo (1980) est manifeste, dès le générique de début et particulièrement dans la bande-son. Il est notable qu’American Gigolo était lui-même inspiré de Pickpocket (1959).

 Éditions vidéo et exploitation télévisuelle  est sorti en DVD et Blu-ray le 30 janvier 2012 aux États-Unis, et le 17 janvier 2012 sur iTunes,  et Xbox Live.

En France, le film, distribué par Wild Side Films et Le Pacte, et édité par Wild Side Video, est sorti le .

En octobre et novembre 2012, Canal+ diffuse le film en France sous la même classification qu'au cinéma. En février 2013, le CSA décide passer la signalétique de la catégorie III à la catégorie IV, c'est-à-dire déconseillé au moins de 16 ans, et demande l'application de cette nouvelle signalétique lors des éventuelles rediffusions.

 Projet de suite 
James Sallis, l'auteur du roman , a écrit une suite intitulée Driven, qui est parue en . Le réalisateur Nicolas Winding Refn exprime alors son intérêt pour en réaliser l'adaptation cinématographique, expliquant : . Refn dit en outre qu'il a l'intention de réaliser la suite avec deux conducteurs, le second étant une contrepartie au personnage de Ryan Gosling, en comparant le nouveau pilote à Lex Luthor et au Professeur Moriarty, antagonistes respectifs de Superman et de Sherlock Holmes. Gosling manifeste également son intérêt pour reprendre le rôle dans une suite, mais pas pour refaire le même film.

Cependant, fin mai 2013, Refn annonce : , c'est-à-dire la participation de Ryan Gosling et de lui-même. Lorsqu'on lui demande quels conseils il donnerait au réalisateur qui reprendrait son flambeau, il déclare : 

 Influence culturelle 
En 2012, les développeurs du studio Dennaton Games avouent que le film a beaucoup influencé leur jeu Hotline Miami.

En 2014, le rappeur français Booba reprend des éléments du film, dans le clip vidéo de sa chanson OKLM.

En 2014, le Palmashow (duo d'humoristes français composé de Grégoire Ludig et David Marsais) parodie plusieurs éléments du film dans son sketch Le drive ; un conducteur, qui est interprété par Grégoire Ludig, possède un cure-dent et une tenue vestimentaire très semblable au personnage principal du film. De plus, la musique emblématique de Drive, Nightcall, est également reprise.

En 2021, Les Kassos, dans le septième épisode de leur cinquième saison, Fougasse 2.0 & Conduire, tournent également en dérision le personnage principal de Drive.

 Notes et références 
 Notes 

 Références 

 Annexes 

 Articles connexes 
 Film noir
 James Sallis

 Liens externes 
 Deauville : Drive de Nicolas Winding Refn sur L'Intermède''

Film américain sorti en 2011
Thriller (film) américain
Film réalisé par Nicolas Winding Refn
Adaptation d'un roman américain au cinéma
Film se déroulant à Los Angeles
Film tourné à Los Angeles
Automobile au cinéma
Ascenseur au cinéma
Film nommé aux Oscars
Film avec un prix de la mise en scène au Festival de Cannes
Film interdit aux moins de 12 ans en France
Film classé R aux États-Unis
Film avec une musique composée par Cliff Martinez
Noyade dans la fiction