Drama
நாடகம் என்பது நாடகத்தில் அல்லது வானொலி அல்லது தொலைக்காட்சியில் நிகழ்த்தப்படும் ஒரு நாடகம், ஓபரா, மைம், பாலே போன்ற செயல்திறனில் குறிப்பிடப்படும் குறிப்பிட்ட புனைகதை முறையாகும். பொதுவாக கவிதைகளின் ஒரு வகையாகக் கருதப்படும் இந்த நாடக முறை அரிஸ்டாட்டிலின் கவிதைகள் (கிமு 335)-நாடகக் கோட்பாட்டின் ஆரம்பகால படைப்பிலிருந்து காவியம் மற்றும் பாடல் முறைகளுடன் வேறுபடுகிறது. "நாடகம்" என்ற சொல் "செயல்" அல்லது "செயல்" என்று பொருள்படும் கிரேக்க வார்த்தையிலிருந்து வருகிறது (கிளாசிக்கல் கிரேக்கம், டிராமா), இது "நான் செய்கிறேன்" (கிளாசிக்கல் கிரேக்கம், டிராவோ) என்பதிலிருந்து பெறப்பட்டது. நாடகத்துடன் தொடர்புடைய இரண்டு முகமூடிகள் நகைச்சுவைக்கும் சோகத்திற்கும் இடையிலான பாரம்பரிய பொதுவான பிரிவைக் குறிக்கின்றன. ஆங்கிலத்தில் (பல ஐரோப்பிய மொழிகளில் இதே போன்ற வழக்கு இருந்தது), விளையாட்டு அல்லது விளையாட்டு என்ற சொல் (ஆங்கிலோ-சாக்சன் பிளேயன் அல்லது லத்தீன் லுடஸ் மொழிபெயர்ப்பு) வில்லியம் ஷேக்ஸ்பியரின் காலம் வரை நாடகங்களுக்கான நிலையான சொல்லாக இருந்தது-அதன் படைப்பாளர் ஒரு நாடகக் கலைஞரை விட ஒரு நாடகத் தயாரிப்பாளராக இருந்தார் மற்றும் கட்டிடம் ஒரு நாடகத்தை விட ஒரு நாடக இல்லமாக இருந்தது. ஒரு குறிப்பிட்ட வகை நாடகத்தை குறிக்க மிகவும் குறுகிய அர்த்தத்தில் "நாடகம்" பயன்படுத்துவது நவீன சகாப்தத்திலிருந்து தொடங்குகிறது. இந்த அர்த்தத்தில் "நாடகம்" என்பது நகைச்சுவை அல்லது சோகம் அல்லாத ஒரு நாடகத்தைக் குறிக்கிறது-எடுத்துக்காட்டாக, சோலாவின் தெரேஸ் ராக்வின் (1873) அல்லது செக்கோவின் இவானோவ் (1887). திரைப்பட மற்றும் தொலைக்காட்சித் துறைகள், திரைப்பட ஆய்வுகளுடன் சேர்ந்து, அந்தந்த ஊடகங்களில் "நாடகத்தை" ஒரு வகையாக விவரிக்க ஏற்றுக்கொண்டது இந்த குறுகிய உணர்வாகும். "ரேடியோ நாடகம்" என்ற சொல் இரு புலன்களிலும் பயன்படுத்தப்பட்டுள்ளது-முதலில் ஒரு நேரடி நிகழ்ச்சியில் ஒளிபரப்பப்பட்டது. வானொலியின் வியத்தகு வெளியீட்டின் மிகவும் உயர்ந்த புருவம் மற்றும் தீவிரமான முடிவைக் குறிக்கவும் இது பயன்படுத்தப்படலாம். நாடகத்தில் நாடகத்தை இயக்குவது, பார்வையாளர்களுக்கு முன் ஒரு மேடையில் நடிகர்களால் நிகழ்த்தப்படுகிறது, கூட்டு தயாரிப்பு முறைகள் மற்றும் ஒரு கூட்டு வடிவ வரவேற்பு ஆகியவற்றை முன்மொழிகிறது. மற்ற இலக்கிய வடிவங்களைப் போலல்லாமல், வியத்தகு நூல்களின் அமைப்பு, இந்த கூட்டுத் தயாரிப்பு மற்றும் கூட்டு வரவேற்பால் நேரடியாக பாதிக்கப்படுகிறது. மைம் என்பது ஒரு கதையின் செயல் உடலின் இயக்கத்தின் மூலம் மட்டுமே சொல்லப்படும் நாடகத்தின் ஒரு வடிவமாகும். நாடகத்தை இசையுடன் இணைக்கலாம்ஃ ஓபராவில் உள்ள வியத்தகு உரை பொதுவாக முழுவதும் பாடப்படுகிறது; சில பாலே நடனங்களில் "உணர்ச்சி, தன்மை மற்றும் கதைச் செயலை வெளிப்படுத்துகிறது அல்லது பின்பற்றுகிறது". இசையில் பேசும் உரையாடல் மற்றும் பாடல்கள் இரண்டும் அடங்கும்; மேலும் சில வகையான நாடகங்களில் தற்செயலான இசை அல்லது இசைத் துணை உரையாடலை அடிக்கோடிட்டுக் காட்டுகிறது (மெலோட்ராமா மற்றும் ஜப்பானிய நோ, எடுத்துக்காட்டாக). நெருக்கமான நாடகம் என்பது நிகழ்த்தப்படுவதை விட, படிக்கப்பட வேண்டிய ஒரு வடிவமாகும். மேம்பாட்டில், நாடகம் செயல்திறனின் தருணத்திற்கு முன்பே இல்லை; கலைஞர்கள் பார்வையாளர்களுக்கு முன் தன்னிச்சையாக ஒரு வியத்தகு ஸ்கிரிப்டை உருவாக்குகிறார்கள். மேற்கத்திய நாடகத்தின் வரலாறு கிளாசிக்கல் கிரேக்க நாடகம் மேற்கத்திய நாடகம் கிளாசிக்கல் கிரேக்கத்தில் தோன்றியது. ஏதென்ஸ் நகர-மாநிலத்தின் நாடக கலாச்சாரம் மூன்று வகையான நாடகங்களை உருவாக்கியது-சோகம், நகைச்சுவை மற்றும் நையாண்டி நாடகம். கிமு 5 ஆம் நூற்றாண்டில், டயோனிசஸ் கடவுளைக் கொண்டாடும் விழாக்களின் ஒரு பகுதியாக நடைபெற்ற போட்டிகளில் அவை நிறுவனமயமாக்கப்பட்டிருந்தாலும், அவற்றின் தோற்றம் தெளிவற்றதாகவே உள்ளது. வரலாற்றாசிரியர்கள் பல பண்டைய கிரேக்க நாடக ஆசிரியர்களின் பெயர்களை அறிந்திருக்கிறார்கள், குறைந்தபட்சம் தெஸ்பிஸ் அல்ல, அவர் ஒரு நடிகரின் ("ஹைபோகிரைட்ஸ்") கண்டுபிடிப்புக்கு பெருமைப்படுகிறார், அவர் பேசுகிறார் (பாடுவதை விட) மற்றும் ஒரு கதாபாத்திரத்தை ஆள்மாறாட்டம் செய்கிறார் (தனது சொந்த நபரைப் பேசுவதை விட), கோரஸ் மற்றும் அதன் தலைவருடன் ("கோரிஃபியஸ்") தொடர்பு கொள்ளும்போது, அவர்கள் நாடகமற்ற கவிதைகளின் (திதிராம்பிக், பாடல் மற்றும் காவியம்) செயல்திறனின் பாரம்பரிய பகுதியாக இருந்தனர். எவ்வாறாயினும், ஐந்து நாடக ஆசிரியர்களின் படைப்புகளில் ஒரு சிறிய பகுதி மட்டுமே இன்றுவரை எஞ்சியுள்ளதுஃ சோகவாதிகள் எஸ்கிலஸ், சோஃபோக்கிள்ஸ் மற்றும் யூரிபிட்ஸ் மற்றும் காமிக் எழுத்தாளர்கள் அரிஸ்டோபேன்ஸ் மற்றும் 4 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியில் இருந்து மெனாண்டர் ஆகியோரின் முழுமையான நூல்கள் நம்மிடம் உள்ளன. கிமு 472 இல் சிட்டி டயோனிசியா போட்டியில் முதல் பரிசை வென்றபோது, அவர் 25 ஆண்டுகளுக்கும் மேலாக நாடகங்களை எழுதி வந்திருந்தாலும், எஸ்கிலஸின் வரலாற்று சோகம் தி பெர்சியன்ஸ் எஞ்சியிருக்கும் மிகப் பழமையான நாடகமாகும். சோகங்களுக்கான போட்டி ("அகோன்") கிமு 534 ஆம் ஆண்டிலேயே தொடங்கியிருக்கலாம்; அதிகாரப்பூர்வ பதிவுகள் ("டிடாஸ்கலியி") கிமு 501 முதல் நையாண்டி நாடகம் அறிமுகப்படுத்தப்பட்டபோது தொடங்குகின்றன. சோகமான நாடகக் கலைஞர்கள் நாடகங்களின் ஒரு முக்கோணத்தை முன்வைக்க வேண்டியிருந்தது (தனிப்பட்ட படைப்புகள் கதை அல்லது கருப்பொருளால் இணைக்கப்பட வேண்டிய அவசியமில்லை என்றாலும்), அவை வழக்கமாக மூன்று துயரங்களையும் ஒரு நையாண்டி நாடகத்தையும் கொண்டிருந்தன (இருப்பினும் விதிவிலக்குகள் செய்யப்பட்டன, கிமு 438 இல் யூரிபிடிஸின் அல்கெஸ்டிஸைப் போல). கிமு 487 முதல் கிமு 486 வரை நடந்த போட்டியில் நகைச்சுவைக்கு பரிசு வழங்கப்பட்டது. ஐந்து நகைச்சுவை நாடகக் கலைஞர்கள் சிட்டி டயோனிசியாவில் போட்டியிட்டனர் (இருப்பினும் பெலோபொன்னேசியப் போரின் போது இது மூன்றாகக் குறைக்கப்பட்டிருக்கலாம்), ஒவ்வொருவரும் ஒரு நகைச்சுவையை வழங்கினர். பண்டைய கிரேக்க நகைச்சுவை பாரம்பரியமாக "பழைய நகைச்சுவை" (கிமு 5 ஆம் நூற்றாண்டு), "நடுத்தர நகைச்சுவை" (கிமு 4 ஆம் நூற்றாண்டு) மற்றும் "புதிய நகைச்சுவை" (கிமு 4 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதி முதல் கிமு 2 ஆம் நூற்றாண்டு வரை) என பிரிக்கப்பட்டுள்ளது. கிமு 270 மற்றும் 240 க்கு இடையில் ரோமானிய குடியரசு (கிமு 1) பல கிரேக்க பிரதேசங்களுக்குள் விரிவடைந்ததைத் தொடர்ந்து, ரோம் கிரேக்க நாடகத்தை எதிர்கொண்டது. குடியரசின் பிந்தைய ஆண்டுகளிலிருந்தும், ரோமானியப் பேரரசின் (கிமு 27-கிபி 476) வழியாகவும், நாடகம் ஐரோப்பா முழுவதும், மத்தியதரைக் கடலைச் சுற்றி இங்கிலாந்தை அடைந்தது; ரோமானிய நாடகம் அதற்கு முந்தைய எந்த கலாச்சாரத்தையும் விட மிகவும் மாறுபட்டதாகவும், விரிவானதாகவும், அதிநவீனமாகவும் இருந்தது. கிரேக்க நாடகம் ரோமானிய காலம் முழுவதும் தொடர்ந்து நிகழ்த்தப்பட்டாலும், கிமு 240 ஆம் ஆண்டு வழக்கமான ரோமானிய நாடகத்தின் தொடக்கத்தைக் குறிக்கிறது. எவ்வாறாயினும், பேரரசின் தொடக்கத்திலிருந்தே, முழு நீள நாடகத்தின் மீதான ஆர்வம் பரந்த அளவிலான நாடக பொழுதுபோக்குகளுக்கு ஆதரவாக குறைந்தது. ரோமானிய இலக்கியத்தின் முதல் முக்கியமான படைப்புகள் கிமு 240 முதல் லிவியஸ் ஆண்ட்ரோனிகஸ் எழுதிய துயரங்கள் மற்றும் நகைச்சுவைகள் ஆகும். ஐந்து ஆண்டுகளுக்குப் பிறகு, க்னேயஸ் நேவியஸும் நாடகம் எழுதத் தொடங்கினார். இரு எழுத்தாளர்களிடமிருந்தும் எந்த நாடகமும் தப்பிப்பிழைக்கவில்லை. இரண்டு வகைகளிலும் இசையமைத்த இரண்டு நாடக ஆசிரியர்களும், ஆண்ட்ரோனிகஸ் அவரது சோகங்களுக்காகவும், நேவியஸ் அவரது நகைச்சுவைகளுக்காகவும் மிகவும் பாராட்டப்பட்டனர்; அவர்களின் வாரிசுகள் ஒன்று அல்லது மற்றொன்றில் நிபுணத்துவம் பெற்றனர், இது ஒவ்வொரு வகை நாடகத்தின் அடுத்தடுத்த வளர்ச்சியையும் பிரிக்க வழிவகுத்தது. கிமு 2 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், நாடகம் ரோமில் உறுதியாக நிறுவப்பட்டது மற்றும் எழுத்தாளர்களின் சங்கம் (கொலீஜியம் கவிஞர்) உருவாக்கப்பட்டது. எஞ்சியிருக்கும் ரோமானிய நகைச்சுவைகள் அனைத்தும் ஃபேபுலா பல்லியாட்டா (கிரேக்க பாடங்களை அடிப்படையாகக் கொண்ட நகைச்சுவைகள்) மற்றும் இரண்டு நாடக ஆசிரியர்களிடமிருந்து வந்தவைஃ டைட்டஸ் மக்கியஸ் பிளாடஸ் (பிளாடஸ்) மற்றும் பப்ளியஸ் டெரென்டியஸ் ஆஃபர் (டெரன்ஸ்). கிரேக்க ஒரிஜினல்களை மறுசீரமைப்பதில், ரோமானிய நகைச்சுவை நாடக வல்லுநர்கள் நாடகத்தை அத்தியாயங்களாகப் பிரிப்பதில் கோரஸின் பங்கை ஒழித்து, அதன் உரையாடலுக்கு இசைத் துணையை அறிமுகப்படுத்தினர் (பிளாட்டஸின் நகைச்சுவைகளில் மூன்றில் ஒரு பங்கிற்கும், டெரன்ஸின் மூன்றில் இரண்டு பங்கிற்கும் இடையில்). அனைத்து காட்சிகளின் செயல்பாடும் ஒரு தெருவின் வெளிப்புற இடத்தில் அமைக்கப்பட்டுள்ளது மற்றும் அதன் சிக்கல்கள் பெரும்பாலும் காது கேளாமையிலிருந்து பின்பற்றப்படுகின்றன. இரண்டில் மிகவும் பிரபலமான பிளாட்டஸ், கிமு 205 மற்றும் 184 க்கு இடையில் எழுதினார், மேலும் அவரது இருபது நகைச்சுவைகள் எஞ்சியுள்ளன, அவற்றில் அவரது கேலிச்சித்திரங்கள் மிகவும் பிரபலமானவை; அவரது உரையாடலின் புத்திசாலித்தனம் மற்றும் பல்வேறு கவிதை மீட்டர்களைப் பயன்படுத்தியதற்காக அவர் பாராட்டப்பட்டார். கிமு 166 மற்றும் 160 க்கு இடையில் டெரன்ஸ் எழுதிய ஆறு நகைச்சுவைகளும் தப்பிப்பிழைத்துள்ளன; அவரது கதைக்களங்களின் சிக்கலானது, அதில் அவர் அடிக்கடி பல கிரேக்க அசல் கதைகளை இணைத்தார், சில நேரங்களில் கண்டிக்கப்பட்டது, ஆனால் அவரது இரட்டைக் கதைகள் மாறுபட்ட மனித நடத்தையின் அதிநவீன விளக்கக்காட்சிக்கு உதவியது. ஆரம்பகால ரோமானிய சோகம் எதுவும் எஞ்சியிருக்கவில்லை, இருப்பினும் அது அதன் நாளில் மிகவும் மதிக்கப்பட்டது; குவிண்டஸ் என்னியஸ், மார்கஸ் பாகுவியஸ் மற்றும் லூசியஸ் அக்கியஸ் ஆகிய மூன்று ஆரம்பகால துயரங்களைப் பற்றி வரலாற்றாசிரியர்கள் அறிவார்கள். பேரரசின் காலத்திலிருந்தே, இரண்டு துயரவாதிகளின் படைப்புகள் எஞ்சியுள்ளன-ஒருவர் அறியப்படாத எழுத்தாளர், மற்றவர் ஸ்டோயிக் தத்துவஞானி செனெகா. செனெகாவின் ஒன்பது துயரங்கள் எஞ்சியுள்ளன, இவை அனைத்தும் ஃபேபுலா கிரெபிடாட்டா (கிரேக்க மூலங்களிலிருந்து தழுவி எடுக்கப்பட்ட துயரங்கள்); அவரது ஃபைட்ரா, எடுத்துக்காட்டாக, யூரிபிடிஸின் ஹிப்போலிடஸை அடிப்படையாகக் கொண்டது. ஃபேபுலா பிரேடெக்ஸ்டாவின் (ரோமானிய பாடங்களை அடிப்படையாகக் கொண்ட துயரங்கள்) ஒரே உதாரணமான ஆக்டேவியாவை எழுதியவர் யார் என்று வரலாற்றாசிரியர்களுக்குத் தெரியாது, ஆனால் முந்தைய காலங்களில் சோகத்தில் ஒரு கதாபாத்திரமாக செனெகா தோன்றியதால் அது தவறாக காரணம் என்று கூறப்பட்டது. ஆரம்பகால இடைக்காலத்தில் தொடங்கி, தேவாலயங்கள் வருடாந்திர கொண்டாட்டங்களை உயிர்ப்பிக்க, வழிபாட்டு நாடகங்கள் என்று அழைக்கப்படும் விவிலிய நிகழ்வுகளின் நாடகமயமாக்கப்பட்ட பதிப்புகளை அரங்கேற்றின. இதற்கு மிகப் பழமையான உதாரணம் ஈஸ்டர் டிராப் யாரைத் தேடுகிறீர்கள்? (குவெம்-குவேரிடிஸ்) (). இரண்டு குழுக்கள் லத்தீன் மொழியில் பதிலளிக்கப் பாடுவார்கள், இருப்பினும் கதாபாத்திரங்களின் ஆள்மாறாட்டம் எதுவும் இல்லை. 11 ஆம் நூற்றாண்டில், இது ஐரோப்பா முழுவதும் ரஷ்யா, ஸ்காண்டிநேவியா மற்றும் இத்தாலி வரை பரவியது; இஸ்லாமிய சகாப்த ஸ்பெயின் தவிர. 10 ஆம் நூற்றாண்டில், டெரென்ஸின் நகைச்சுவைகளை மாதிரியாகக் கொண்டு லத்தீன் மொழியில் ஆறு நாடகங்களை ஹ்ரோஸ்விதா எழுதினார், ஆனால் அவை மத விஷயங்களைக் கையாண்டன. அவரது நாடகங்கள் ஒரு பெண் நாடக ஆசிரியரால் இயற்றப்பட்ட முதல் நாடகம் மற்றும் கிளாசிக்கல் சகாப்தத்திற்குப் பிந்தைய முதல் அடையாளம் காணக்கூடிய மேற்கத்திய நாடகம் ஆகும். பின்னர், பிங்கனின் ஹில்டெகார்ட் ஓர்டோ வர்சுடம் () என்ற இசை நாடகத்தை எழுதினார். ஆரம்பகால மதச்சார்பற்ற நாடகங்களில் மிகவும் பிரபலமான ஒன்று 13 ஆம் நூற்றாண்டில் பிரெஞ்சு மொழியில் ஆடம் டி லா ஹாலே எழுதிய அரசவை ஆயர் ராபின் மற்றும் மரியன் ஆகும். ஆங்கிலத்தில் முதன்முதலில் அறியப்பட்டவற்றில் ஒன்றான தி இன்டர்லூட் ஆஃப் தி ஸ்டூடன்ட் அண்ட் தி கேர்ள் (), தி பாய் அண்ட் தி பிளைண்ட் மேன் போன்ற சமகால பிரெஞ்சு கேலிச்சித்திரங்களுக்கு தொனியிலும் வடிவத்திலும் மிக நெருக்கமானதாகத் தெரிகிறது. இடைக்காலத்தின் பிற்பகுதியில் பிரான்ஸ் மற்றும் ஜெர்மனியில் இருந்து பல நாடகங்கள் தப்பிப்பிழைத்தன, கிட்டத்தட்ட ஒவ்வொரு ஐரோப்பிய நாட்டிலும் ஒருவித மத நாடகம் நிகழ்த்தப்பட்டது. இந்த நாடகங்களில் பல நகைச்சுவை, பிசாசுகள், வில்லன்கள் மற்றும் கோமாளிகளைக் கொண்டிருந்தன. இங்கிலாந்தில், வர்த்தக சங்கங்கள் உள்ளூர் மொழியில் "மர்ம நாடகங்களை" நிகழ்த்தத் தொடங்கின, அவை பல பிளேலெட்டுகள் அல்லது "போட்டிகளின்" நீண்ட சுழற்சிகளைக் கொண்டிருந்தன, அவற்றில் நான்கு உள்ளனஃ யார்க் (48 நாடகங்கள்), செஸ்டர் (24), வேக்ஃபீல்ட் (32) மற்றும் "என்-டவுன்" (42) என்று அழைக்கப்படுகின்றன. வேக்ஃபீல்ட் சுழற்சியில் இருந்து இரண்டாவது ஷெஃபர்ட்ஸ் நாடகம் ஒரு திருடப்பட்ட ஆடுகளின் கேலிக்கூத்தான கதையாகும், அதன் கதாநாயகன் மாக், தனது புதிதாகப் பிறந்த குழந்தை ஒரு தொட்டிலில் தூங்கும்போது கடந்து செல்ல முயற்சிக்கிறார்; அவர் திருடிய மேய்ப்பர்கள் இயேசுவின் பிறப்புக்கு வரவழைக்கப்படும்போது அது முடிவடைகிறது. ஒழுக்க நாடகங்கள் (ஒரு நவீன சொல்) 1400 ஆம் ஆண்டில் ஒரு தனித்துவமான வியத்தகு வடிவமாக வெளிப்பட்டது மற்றும் இங்கிலாந்தில் ஆரம்பகால எலிசபெத் சகாப்தத்தில் செழித்தது. எழுத்துக்கள் பெரும்பாலும் வெவ்வேறு நெறிமுறை இலட்சியங்களைக் குறிக்கப் பயன்படுத்தப்பட்டன. உதாரணமாக, ஒவ்வொரு மனிதனும் நல்ல செயல்கள், அறிவு மற்றும் வலிமை போன்ற புள்ளிவிவரங்களை உள்ளடக்கியது, மேலும் இந்த தன்மை பார்வையாளர்களுக்கு நன்மைக்கும் தீமைக்கும் இடையிலான மோதலை வலுப்படுத்துகிறது. விடாமுயற்சியின் கோட்டை (-1425) பிறப்பு முதல் இறப்பு வரை ஒரு தொல்பொருள் உருவத்தின் முன்னேற்றத்தை சித்தரிக்கிறது. ஒரு தாமதமான "கலப்பின அறநெறி" மற்றும் ஒரு ஆங்கில பழிவாங்கும் நாடகத்தின் ஆரம்ப எடுத்துக்காட்டுகளில் ஒன்றான ஹோரெஸ்டெஸ் (), ஓரஸ்டெஸின் பாரம்பரியக் கதையை இடைக்கால உருவக பாரம்பரியத்திலிருந்து ஒரு வைஸ் உடன் ஒன்றிணைக்கிறது, மாறி மாறி நகைச்சுவை, ஸ்லாப்ஸ்டிக் காட்சிகளை தீவிரமான, சோகமானவற்றுடன் இணைக்கிறது. கிறிஸ்துமஸ் பருவத்தில் நிகழ்த்தப்பட்ட மம்மர்ஸ் நாடகத்தின் நாட்டுப்புற நாடகங்களும் இந்தக் காலகட்டத்தில் முக்கியமானவையாக இருந்தன. எட்டாம் ஹென்றியின் ஆட்சியின் போது நீதிமன்ற முகமூடிகள் குறிப்பாக பிரபலமாக இருந்தன. எலிசபெத் மற்றும் ஜாகோபியன் 16 மற்றும் 17 ஆம் நூற்றாண்டுகளில் இங்கிலாந்தில் நாடகத்தின் பெரிய மலர்களில் ஒன்று ஏற்பட்டது. இந்த நாடகங்களில் பல வசனத்தில் எழுதப்பட்டன, குறிப்பாக அயாம்பிக் பென்டமீட்டர். ஷேக்ஸ்பியரைத் தவிர, கிறிஸ்டோபர் மார்லோ, தாமஸ் மிடில்டன் மற்றும் பென் ஜான்சன் போன்ற எழுத்தாளர்களும் இந்தக் காலகட்டத்தில் முக்கிய நாடக எழுத்தாளர்களாக இருந்தனர். இடைக்காலத்தைப் போலவே, வரலாற்று நாடகங்கள் கடந்த கால மன்னர்களின் வாழ்க்கையை கொண்டாடியது, டியூடர் முடியாட்சியின் உருவத்தை மேம்படுத்தியது. இந்தக் காலகட்டத்தின் எழுத்தாளர்கள் தங்கள் கதைக்களங்களில் சிலவற்றை கிரேக்க புராணங்கள் மற்றும் ரோமானிய புராணங்களிலிருந்தோ அல்லது புகழ்பெற்ற ரோமானிய நாடக ஆசிரியர்களான பிளாடஸ் மற்றும் டெரன்ஸ் போன்றவர்களின் நாடகங்களிலிருந்தோ வரைந்தனர். ஆங்கில மறுமலர்ச்சி நகைச்சுவை மறுமலர்ச்சி நகைச்சுவை 1660 முதல் 1710 வரை மறுசீரமைப்பு காலத்தில் இங்கிலாந்தில் எழுதப்பட்டு நிகழ்த்தப்பட்ட ஆங்கில நகைச்சுவைகளைக் குறிக்கிறது. பழக்கவழக்கங்களின் நகைச்சுவை மறுசீரமைப்பு நகைச்சுவைக்கு ஒத்ததாக பயன்படுத்தப்படுகிறது. பியூரிடன் ஆட்சியால் பொது திரையரங்கம் தடை செய்யப்பட்ட பிறகு, 1660 ஆம் ஆண்டில் இரண்டாம் சார்லஸின் மறுசீரமைப்புடன் திரையரங்குகள் மீண்டும் திறக்கப்பட்டது ஆங்கில நாடகத்தின் மறுமலர்ச்சியை சமிக்ஞை செய்தது. மறுசீரமைப்பு நகைச்சுவை அதன் பாலியல் வெளிப்பாடு, நகர்ப்புற, காஸ்மோபாலிட்டன் புத்திசாலித்தனம், நிமிடம் வரை மேற்பூச்சு எழுத்து மற்றும் நெரிசலான மற்றும் பரபரப்பான கதைக்களங்களுக்கு பெயர் பெற்றது. அதன் நாடகக் கலைஞர்கள் சமகால பிரெஞ்சு மற்றும் ஸ்பானிஷ் மேடை, ஆங்கில ஜாகோபியன் மற்றும் கரோலின் நாடகங்கள் மற்றும் கிரேக்க மற்றும் ரோமானிய பாரம்பரிய நகைச்சுவைகளிலிருந்தும் கூட சுதந்திரமாக திருடி, பல்வேறு கதைக்களங்களை சாகச வழிகளில் இணைத்தனர். பார்வையாளர்கள் நாடகங்களுக்கு உள்ளேயும் இடையில் உள்ள "மாறுபாட்டை" மதிப்பதால், ஒரு நாடகத்தில் தொனியின் வேறுபாடுகள் கோபப்படுவதை விட பாராட்டப்பட்டன. மறுசீரமைப்பு நகைச்சுவை இரண்டு முறை உச்சத்தை அடைந்தது. 1670 களின் நடுப்பகுதியில் பிரபுத்துவ நகைச்சுவைகளின் ஆடம்பரத்துடன் இந்த வகை கண்கவர் முதிர்ச்சிக்கு வந்தது. 1680 களில் முதல் தொழில்முறை பெண் நாடக ஆசிரியரான அப்ரா பெனின் சாதனை ஒரு முக்கியமான விதிவிலக்காக இருந்தாலும், இந்த குறுகிய பொற்காலத்தைத் தொடர்ந்து இருபது மெலிந்த ஆண்டுகள் தொடர்ந்தன. 1690 களின் நடுப்பகுதியில், பரந்த பார்வையாளர்களை இலக்காகக் கொண்ட ஒரு சுருக்கமான இரண்டாவது மறுசீரமைப்பு நகைச்சுவை மறுமலர்ச்சி எழுந்தது. கோல்டன் 1670கள் மற்றும் 1690களின் உச்சக்கட்ட காலங்களின் நகைச்சுவைகள் ஒருவருக்கொருவர் கணிசமாக வேறுபடுகின்றன. ஜான் ட்ரைடன், வில்லியம் வைச்சர்லி மற்றும் ஜார்ஜ் எதெரெஜ் ஆகியோரின் உணர்ச்சியற்ற அல்லது "கடினமான" நகைச்சுவைகள் நீதிமன்றத்தில் உள்ள சூழ்நிலையை பிரதிபலித்தன, மேலும் இடைவிடாத பாலியல் சூழ்ச்சி மற்றும் வெற்றியின் ஒரு பிரபுத்துவ ஆணாதிக்க வாழ்க்கை முறையை வெளிப்படையாகக் கொண்டாடின. ரோசெஸ்டரின் ஏர்ல், நிஜ வாழ்க்கை மறுசீரமைப்பு ரேக், அரசவை மற்றும் கவிஞர், எதெரெஜின் தி மேன் ஆஃப் மோடில் (1676) ஒரு கலகக்கார, நகைச்சுவையான, அறிவார்ந்த மற்றும் பாலியல் ரீதியாக தவிர்க்கமுடியாத பிரபுத்துவமாக சித்தரிக்கப்படுகிறார், கவர்ச்சியான மறுசீரமைப்பு ரேக் பற்றிய எதிர்காலத்தின் யோசனைக்கான ஒரு வார்ப்புரு (உண்மையில் மறுசீரமைப்பு நகைச்சுவையில் ஒருபோதும் மிகவும் பொதுவான பாத்திரம் அல்ல). மறுமலர்ச்சி நகைச்சுவையில் அப்போதும் இப்போதும் சமன் செய்யப்பட்ட மோசமான குற்றச்சாட்டை ஆதரிக்கும் ஒற்றை நாடகம் அநேகமாக வைச்சர்லியின் தலைசிறந்த படைப்பான தி கண்ட்ரி வைஃப் (1675) ஆகும், அதன் தலைப்பில் ஒரு மோசமான பஞ்ச் உள்ளது மற்றும் அதன் மோசமான "சீனா காட்சி" தொடர்ச்சியான நீடித்த இரட்டை நுழைவாயில்கள் ஆகும். 1690 களில் மறுசீரமைப்பு நகைச்சுவையின் இரண்டாவது அலையின் போது, வில்லியம் காங்க்ரீவ் மற்றும் ஜான் வான்ப்ரூக் ஆகியோரின் "மென்மையான" நகைச்சுவைகள் ஒரு வலுவான நடுத்தர வர்க்க உறுப்புடன் சமூக ரீதியாக மாறுபட்ட பார்வையாளர்களையும், பெண் பார்வையாளர்களையும் ஈர்க்கும் வகையில் அமைக்கப்பட்டன. நகைச்சுவை கவனம் பழைய தலைமுறையை விட இளம் காதலர்களிடமிருந்து திருமண உறவுகளின் மாறுதல்களுக்கு மாறுகிறது. காங்க்ரீவின் லவ் ஃபார் லவ் (1695) மற்றும் தி வே ஆஃப் தி வேர்ல்ட் (1700) ஆகியவற்றில், ஒருவருக்கொருவர் தங்கள் ஈர்ப்பை சோதிக்கும் கொடுக்கல் வாங்கல் ஜோடிகளின் தொகுப்புகள் திருமணத்திற்கு முன்னதாக நகைச்சுவையான திருமணத்திற்கு முந்தைய விவாதங்களாக மாறிவிட்டன, பிந்தையவரின் புகழ்பெற்ற "ப்ரோவிசோ" காட்சியில் உள்ளது போல. வான்ப்ரூக்கின் தி புரோவோக்ட் வைஃப் (1697) ஒரு லேசான தொடுதல் மற்றும் மிகவும் மனிதநேயத்துடன் அடையாளம் காணக்கூடிய கதாபாத்திரங்களைக் கொண்டுள்ளது, அதே நேரத்தில் தி ரீலேப்ஸ் (1696) அதன் மோசமான புத்திசாலித்தனம் மற்றும் இருண்ட பக்கத்துடன் ஆடம்பரமான மற்றும் பாதிக்கப்பட்ட பர்லெஸ்க் ஃபோப் லார்ட் ஃபோப்பிங்டனின் தன்மைக்காக பாராட்டப்பட்டது. மறுசீரமைப்பு நகைச்சுவைக்கான சகிப்புத்தன்மை அதன் மாற்றியமைக்கப்பட்ட வடிவத்தில் கூட 17 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதிக்குள் தீர்ந்துவிட்டது, ஏனெனில் பொதுக் கருத்து நாடக எழுத்தாளர்களை விட வேகமாக மரியாதைக்குரியதாகவும் தீவிரமாகவும் மாறியது. ஐந்து ஆண்டுகளாக காங்க்ரீவின் முதல் நகைச்சுவையான தி வே ஆஃப் தி வேர்ல்டின் 1700 இல் மிகவும் எதிர்பார்க்கப்பட்ட அனைத்து நட்சத்திர பிரீமியரில், பார்வையாளர்கள் அந்த நுட்பமான மற்றும் கிட்டத்தட்ட மனச்சோர்வடைந்த படைப்புகளுக்கு மிதமான உற்சாகத்தை மட்டுமே வெளிப்படுத்தினர். பாலியல் மற்றும் புத்திசாலித்தனத்தின் நகைச்சுவை உணர்ச்சிபூர்வமான நகைச்சுவை மற்றும் முன்மாதிரியான ஒழுக்கத்தின் நாடகத்தால் மாற்றப்படவிருந்தது. 19 ஆம் நூற்றாண்டின் நோர்வே நாடக ஆசிரியர் ஹென்ரிக் இப்சென் மற்றும் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் ஜெர்மன் நாடக பயிற்சியாளர் பெர்டோல்ட் பிரெக்ட் ஆகியோரின் முக்கிய மற்றும் புதுமையான பங்களிப்புகள் நவீன நாடகத்தில் ஆதிக்கம் செலுத்துகின்றன; ஒவ்வொன்றும் பின்பற்றுபவர்களின் பாரம்பரியத்தை ஊக்குவித்தன, இதில் நவீன சகாப்தத்தின் மிகச்சிறந்த நாடக எழுத்தாளர்கள் பலர் அடங்குவர். இரண்டு நாடக ஆசிரியர்களின் படைப்புகளும், அவற்றின் வெவ்வேறு வழிகளில், நவீன மற்றும் யதார்த்தவாத, முறையான பரிசோதனை, மெட்டா-நாடகத்தன்மை மற்றும் சமூக விமர்சனத்தை உள்ளடக்கியது. வகையின் பாரம்பரிய தத்துவார்த்த சொற்பொழிவைப் பொறுத்தவரை, இப்சனின் படைப்புகள் "தாராளவாத சோகத்தின்" உச்சக்கட்டமாக விவரிக்கப்பட்டுள்ளன, அதே நேரத்தில் பிரெக்ட் ஒரு வரலாற்று நகைச்சுவையுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது. நவீன சகாப்தத்தின் பிற முக்கிய நாடக ஆசிரியர்களில் அன்டோனின் ஆர்டௌட், ஆகஸ்ட் ஸ்ட்ரிண்ட்பெர்க், அன்டன் செக்கோவ், ஃபிராங்க் வெடெகிண்ட், மாரிஸ் மேட்டர்லிங்க், ஃபெடரிகோ கார்சியா லோர்கா, யூஜின் ஓ 'நீல், லுய்கி பிராண்டெல்லோ, ஜார்ஜ் பெர்னார்ட் ஷா, எர்ன்ஸ்ட் டோலர், விளாடிமிர் மாயகோவ்ஸ்கி, ஆர்தர் மில்லர், டென்னசி வில்லியம்ஸ், ஜீன் ஜெனெட், யூஜின் அயோனெஸ்கோ, சாமுவேல் பெக்கெட், ஹரோல்ட் பிண்டர், ஃபிரெட்ரிக் டுரென்மாட், டேரியோ ஃபோ, ஹெய்னர் முல்லர் மற்றும் கேரில் சர்ச்சில் ஆகியோர் அடங்குவர். ஓபரா வெஸ்டர்ன் ஓபரா என்பது ஒரு வியத்தகு கலை வடிவமாகும், இது மறுமலர்ச்சியின் போது கிளாசிக்கல் கிரேக்க நாடகத்தை புதுப்பிக்கும் முயற்சியில் எழுந்தது, இதில் உரையாடல், நடனம் மற்றும் பாடல் ஆகியவை இணைக்கப்பட்டன. மேற்கத்திய பாரம்பரிய இசையுடன் வலுவாக பின்னிப் பிணைந்திருப்பதால், கடந்த நான்கு நூற்றாண்டுகளில் ஓபரா மகத்தான மாற்றங்களைச் சந்தித்துள்ளது, மேலும் இது இன்றுவரை ஒரு முக்கியமான நாடக வடிவமாகும். 19 ஆம் நூற்றாண்டின் ஜெர்மன் இசையமைப்பாளர் ரிச்சர்ட் வாக்னரின் முக்கிய செல்வாக்கு ஓபரா பாரம்பரியத்தில் குறிப்பிடத்தக்கது. அவரது பார்வையில், அவரது காலத்தின் நாடகங்களில் இசைக்கும் நாடகத்திற்கும் இடையே சரியான சமநிலை இல்லை, ஏனென்றால் இந்த படைப்புகளில் உள்ள வியத்தகு அம்சங்களை விட இசை மிகவும் முக்கியமானது என்று தோன்றியது. பாரம்பரிய நாடகத்துடனான தொடர்பை மீட்டெடுக்க, அவர் "இசை நாடகங்கள்" என்று அழைத்த படைப்புகளில் இசை மற்றும் நாடகத்தின் சமமான முக்கியத்துவத்தை வலியுறுத்துவதற்காக ஓபராடிக் வடிவத்தை முழுமையாக புதுப்பித்தார். சீன ஓபரா சற்றே நீண்ட காலப்பகுதியில் மிகவும் பழமைவாத வளர்ச்சியைக் கண்டுள்ளது. பான்டோமைம் பான்டோமைம் (முறைசாரா முறையில் "பான்டோ") என்பது குடும்ப பொழுதுபோக்கிற்காக வடிவமைக்கப்பட்ட ஒரு வகை இசை நகைச்சுவை மேடை தயாரிப்பு ஆகும். இது இங்கிலாந்தில் உருவாக்கப்பட்டது மற்றும் இன்னும் ஐக்கிய இராச்சியம் முழுவதும், பொதுவாக கிறிஸ்துமஸ் மற்றும் புத்தாண்டு பருவத்திலும், ஒரு சிறிய அளவிற்கு, பிற ஆங்கிலம் பேசும் நாடுகளிலும் நிகழ்த்தப்படுகிறது. நவீன பான்டோமைம் பாடல்கள், நகைச்சுவைகள், ஸ்லாப்ஸ்டிக் நகைச்சுவை மற்றும் நடனம் ஆகியவற்றை உள்ளடக்கியது, பாலினத்தை கடக்கும் நடிகர்களைப் பயன்படுத்துகிறது, மேலும் நன்கு அறியப்பட்ட விசித்திரக் கதை, கட்டுக்கதை அல்லது நாட்டுப்புறக் கதையை அடிப்படையாகக் கொண்ட ஒரு கதையுடன் மேற்பூச்சு நகைச்சுவையை ஒருங்கிணைக்கிறது. இது நாடகத்தின் பங்கேற்பு வடிவமாகும், இதில் பார்வையாளர்கள் இசையின் சில பகுதிகளுடன் பாடுவார்கள் என்றும் கலைஞர்களுக்கு சொற்றொடர்களை உச்சரிப்பார்கள் என்றும் எதிர்பார்க்கப்படுகிறது. இந்தக் கதைகள் கட்டுக்கதைகள் மற்றும் நாட்டுப்புறக் கதைகளின் பாரம்பரியத்தில் பின்பற்றப்படுகின்றன. வழக்கமாக, ஒரு பாடம் கற்றுக்கொள்ளப்படுகிறது, மேலும் பார்வையாளர்களின் உதவியுடன், ஹீரோ/கதாநாயகி நாள் சேமிக்கிறார். இந்த வகையான நாடகம் முகமூடி மற்றும் மீண்டும் காமேடியா டெல் 'ஆர்ட்டில் காணப்படும் பங்கு கதாபாத்திரங்களைப் பயன்படுத்துகிறது, இந்த கதாபாத்திரங்களில் வில்லன் (டாக்டர்), கோமாளி/வேலைக்காரன் (ஆர்லேச்சினோ/ஹார்லெக்வின்/பொத்தான்கள்), காதலர்கள் போன்றவை அடங்கும். இந்த நாடகங்கள் பொதுவாக தார்மீக சங்கடங்களுக்கு முக்கியத்துவம் அளிக்கின்றன, மேலும் நன்மை எப்போதும் தீமைக்கு எதிராக வெற்றி பெறுகிறது, இந்த வகையான நாடகம் பலரைச் சென்றடைவதற்கான மிகவும் பயனுள்ள வழியாக அமைகிறது. கிளாசிக்கல் தியேட்டர் காலத்தைச் சேர்ந்த மேற்கத்திய கலாச்சாரத்தில் பான்டமைம் ஒரு நீண்ட நாடக வரலாற்றைக் கொண்டுள்ளது. இது இத்தாலியின் 16 ஆம் நூற்றாண்டின் காமேடியா டெல் 'ஆர்ட் பாரம்பரியத்திலிருந்தும், 17 ஆம் நூற்றாண்டின் முகமூடிகள் மற்றும் இசை மண்டபம் போன்ற பிற ஐரோப்பிய மற்றும் பிரிட்டிஷ் மேடை மரபுகளிலிருந்தும் ஓரளவு உருவானது. 19 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதி வரை பான்டோமைமின் ஒரு முக்கியமான பகுதி ஹார்லெக்வினேட் ஆகும். பிரிட்டனுக்கு வெளியே "பான்டோமைம்" என்ற சொல் பொதுவாக இங்கு விவாதிக்கப்பட்ட நாடக வடிவத்தை விட பிரதிபலிப்பதைக் குறிக்கப் பயன்படுத்தப்படுகிறது. மைம் மைம் என்பது ஒரு நாடக ஊடகமாகும், அங்கு ஒரு கதையின் செயல் பேச்சைப் பயன்படுத்தாமல், உடலின் இயக்கத்தின் மூலம் சொல்லப்படுகிறது. மைமின் செயல்திறன் பண்டைய கிரேக்கத்தில் நிகழ்ந்தது, மேலும் இந்த வார்த்தை பான்டோமிமஸ் என்ற ஒற்றை முகமூடி நடனக் கலைஞரிடமிருந்து எடுக்கப்பட்டது, இருப்பினும் அவர்களின் நிகழ்ச்சிகள் அமைதியாக இருக்க வேண்டிய அவசியமில்லை. இடைக்கால ஐரோப்பாவில், மம்மர் நாடகங்கள் மற்றும் பின்னர் டம்ப்ஷோக்கள் போன்ற மைமின் ஆரம்ப வடிவங்கள் உருவாகின. பத்தொன்பதாம் நூற்றாண்டின் முற்பகுதியில் பாரிஸ், ஜீன்-காஸ்பர்ட் டெபுராவ் நவீன காலங்களில் நாம் அறிந்த பல பண்புகளை உறுதிப்படுத்தியது, வெள்ளை முகத்தின் அமைதியான உருவம் உட்பட. கமேடியா டெல் 'ஆர்ட் மற்றும் ஜப்பானிய நோஹ் தியேட்டரால் வலுவாக ஈர்க்கப்பட்ட ஜாக் கோபியோ, தனது நடிகர்களின் பயிற்சியில் முகமூடிகளைப் பயன்படுத்தினார். அவரது மாணவரான எட்டியென் டெக்ரௌக்ஸ், இதனால் மிகவும் ஈர்க்கப்பட்டார், மேலும் மைம் மற்றும் சுத்திகரிக்கப்பட்ட கார்போரியல் மைமின் சாத்தியக்கூறுகளை ஆராய்ந்து மேம்படுத்தத் தொடங்கினார், இது இயற்கையின் பகுதிகளுக்கு வெளியே மிகவும் சிற்ப வடிவமாக மாறியது. ஜாக் லெகோக் தனது பயிற்சி முறைகள் மூலம் மைம் மற்றும் உடல் நாடகத்தின் வளர்ச்சிக்கு குறிப்பிடத்தக்க பங்களிப்பை வழங்கினார். சில பாலேக்கள் "இயக்கத்தின் கோடுகள் மற்றும் வடிவங்களை" வியத்தகு நடனம் வலியுறுத்துகிறது, இது உணர்ச்சி, தன்மை மற்றும் கதைச் செயலை வெளிப்படுத்துகிறது அல்லது பின்பற்றுகிறது ". இத்தகைய பாலேக்கள் கதாபாத்திரங்களைக் கொண்ட மற்றும் "ஒரு கதையைச் சொல்லும்" நாடகப் படைப்புகள், "பாலேயில் நடன அசைவுகள்" பெரும்பாலும் அன்றாட உடல் வெளிப்பாட்டின் வடிவங்களுடன் நெருக்கமாக தொடர்புடையவை, [இதனால்] கிட்டத்தட்ட அனைத்து நடனத்திலும் உள்ளார்ந்த ஒரு வெளிப்பாட்டு தரம் உள்ளது, மேலும் இது செயல் மற்றும் உணர்ச்சிகள் இரண்டையும் வெளிப்படுத்த பயன்படுகிறது; மைம் பயன்படுத்தப்படுகிறது. உதாரணங்களில் பியோட்டர் இலிச் சைக்கோவ்ஸ்கியின் ஸ்வான் லேக் அடங்கும், இது ஓடெட்டின் கதையைச் சொல்கிறது, ஒரு இளவரசி ஒரு தீய மந்திரவாதியின் சாபத்தால் ஸ்வானாக மாறியது, செர்ஜி ப்ரோகோஃபியேவின் பாலே ரோமியோ அண்ட் ஜூலியட், ஷேக்ஸ்பியரின் புகழ்பெற்ற நாடகத்தை அடிப்படையாகக் கொண்டது, மற்றும் இகோர் ஸ்ட்ரவின்ஸ்கியின் பெட்ருஷ்கா, இது மூன்று பொம்மைகளின் காதல் மற்றும் பொறாமைகளின் கதையைச் சொல்கிறது. படைப்பாற்றல் நாடகம் படைப்பாற்றல் நாடகம் நாடக நடவடிக்கைகள் மற்றும் விளையாட்டுகள் முதன்மையாக குழந்தைகளுடன் கல்வி அமைப்புகளில் பயன்படுத்தப்படுகிறது. அமெரிக்காவில் அதன் வேர்கள் 1900 களின் முற்பகுதியில் தொடங்கின. வின்ஃப்ரெட் வார்டு கல்வியில் படைப்பு நாடகத்தின் நிறுவனர் என்று கருதப்படுகிறார், இல்லினாய்ஸின் எவன்ஸ்டனில் நாடகத்தின் முதல் கல்வி பயன்பாட்டை நிறுவினார். ஆசிய நாடகம் இந்தியா இந்திய நாடகத்தின் ஆரம்ப வடிவம் சமஸ்கிருத நாடகமாகும். கிபி 1ஆம் நூற்றாண்டுக்கும் 10ஆம் நூற்றாண்டுக்கும் இடைப்பட்ட காலத்தில் இந்திய வரலாற்றில் ஒப்பீட்டளவில் அமைதி நிலவியது, அப்போது நூற்றுக்கணக்கான நாடகங்கள் எழுதப்பட்டன. 10 மற்றும் 11 ஆம் நூற்றாண்டுகளில் தொடங்கிய இஸ்லாமிய வெற்றிகளுடன், நாடகம் ஊக்கமளிக்கப்படவில்லை அல்லது முற்றிலும் தடை செய்யப்பட்டது. பின்னர், உள்நாட்டு மதிப்புகள் மற்றும் கருத்துக்களை மீண்டும் வலியுறுத்தும் முயற்சியில், கிராம நாடகம் துணைக் கண்டம் முழுவதும் ஊக்குவிக்கப்பட்டது, 15 ஆம் நூற்றாண்டு முதல் 19 ஆம் நூற்றாண்டு வரை பல்வேறு பிராந்திய மொழிகளில் வளர்ந்தது. பக்தி இயக்கம் பல பிராந்தியங்களில் நிகழ்ச்சிகளில் செல்வாக்கு செலுத்தியது. பிராந்திய மொழிகளைத் தவிர, அஸ்ஸாம் பிரஜாவலி என்று அழைக்கப்படும் செயற்கை கலப்பு இலக்கிய மொழியில் வைஷ்ணவ நாடகத்தின் எழுச்சியைக் கண்டது. சங்கர்தேவின் படைப்புகளில் அங்கியா நாட் என்று அழைக்கப்படும் ஒரு தனித்துவமான நாடக வடிவம் உருவானது, அதன் ஒரு குறிப்பிட்ட விளக்கக்காட்சி பாவோனா என்று அழைக்கப்படுகிறது. 19ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதி முதல் 20ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதி வரை பிரிட்டிஷ் பேரரசின் கீழ் காலனித்துவ ஆட்சியின் போது நவீன இந்திய நாடகம் உருவானது. சமஸ்கிருத நாடகத்தின் ஆரம்பகால உயிர்வாழும் துண்டுகள் கிபி 1 ஆம் நூற்றாண்டைச் சேர்ந்தவை. முந்தைய காலகட்டங்களின் தொல்லியல் சான்றுகளின் செல்வம் நாடகத்தின் பாரம்பரியம் இருந்ததற்கான எந்த அறிகுறியையும் வழங்கவில்லை. பண்டைய வேதங்கள் (கிமு 1500 முதல் கிமு 1000 வரையிலான உலகின் இலக்கியத்தின் ஆரம்பகால எடுத்துக்காட்டுகளில் ஒன்றான பாடல்கள்) அதன் குறிப்பு எதுவும் இல்லை (ஒரு சிறிய எண்ணிக்கை உரையாடல் வடிவத்தில் இயற்றப்பட்டிருந்தாலும்) மற்றும் வேத காலத்தின் சடங்குகள் நாடகமாக வளர்ந்ததாகத் தெரியவில்லை. பதஞ்சலியின் மகாபாஷியாவில் சமஸ்கிருத நாடகத்தின் விதைகள் என்னவாக இருந்திருக்கலாம் என்பதற்கான ஆரம்பகால குறிப்பு உள்ளது. கிமு 140 முதல் இலக்கணத்தைப் பற்றிய இந்த ஆய்வுக் கட்டுரை இந்தியாவில் நாடகத்தின் தொடக்கத்திற்கான சாத்தியமான தேதியை வழங்குகிறது. சமஸ்கிருத நாடகத்திற்கான சான்றுகளின் முக்கிய ஆதாரம் நாடகம் குறித்த ஒரு ஆய்வுக் கட்டுரை (நாட்டியசாஸ்திரம்) ஆகும், இது ஒரு தொகுப்பாகும், அதன் தொகுப்பு தேதி நிச்சயமற்றது (மதிப்பீடுகள் கிமு 200 முதல் கிபி 200 வரை) மற்றும் அதன் ஆசிரியர் பாரத முனிக்குக் காரணம். பண்டைய உலகில் நாடகத்தின் மிக முழுமையான படைப்பாக இந்த ஆய்வுக் கட்டுரை உள்ளது. இது நடிப்பு, நடனம், இசை, வியத்தகு கட்டுமானம், கட்டிடக்கலை, ஆடை அலங்காரம், முத்திரைகள், நிறுவனங்களின் அமைப்பு, பார்வையாளர்கள், போட்டிகள் மற்றும் நாடகத்தின் தோற்றம் பற்றிய புராணக் கதைகளை வழங்குகிறது. அதன் நாடகம் சமஸ்கிருத இலக்கியத்தின் மிக உயர்ந்த சாதனையாக கருதப்படுகிறது. இது நாயகன் (நாயகன்), கதாநாயகி (நாயிகா) அல்லது கோமாளி (விதுசகா) போன்ற பங்கு கதாபாத்திரங்களைப் பயன்படுத்தியது. நடிகர்கள் ஒரு குறிப்பிட்ட வகைகளில் நிபுணத்துவம் பெற்றிருக்கலாம். இது மன்னர்கள் மற்றும் கிராம சபைகளால் ஆதரிக்கப்பட்டது. புகழ்பெற்ற ஆரம்பகால நாடக ஆசிரியர்களில் பாசா, காளிதாசர் (விக்ரமம் மற்றும் ஊர்வசி, மாளவிகா மற்றும் அக்னிமித்ரா மற்றும் சகுந்தலாவின் அங்கீகாரம் ஆகியவற்றிற்கு புகழ்பெற்றவர்), சூத்திரகா (சிறிய களிமண் வண்டிக்கு பிரபலமானவர்), அஸ்வகோசா, டான்டின் மற்றும் பேரரசர் ஹர்ஷா (நாகனந்தா, ரத்னவாலி மற்றும் பிரியதர்சிகா ஆகியோருக்கு பிரபலமானவர்) ஆகியோர் அடங்குவர். சகுந்தலா (ஆங்கில மொழிபெயர்ப்பில்) கோதேயின் ஃபாஸ்ட்டை (1808-1832) பாதித்தது. நடமாடும் நாடகம் இந்தியாவில் ஒரு தனித்துவமான நாடக வடிவம் உருவாகியுள்ளது, அங்கு முழு குழுவினரும் இடத்திலிருந்து இடத்திற்கு நாடகங்களை நிகழ்த்துகிறார்கள், தற்காலிக அரங்குகள் மற்றும் உபகரணங்களுடன், குறிப்பாக நாட்டின் கிழக்குப் பகுதிகளில். வங்காளத்தில் சைதன்ய மஹாபிரபுவின் வைஷ்ணவ இயக்கத்தில் தோன்றிய ஜாத்ரா ("பயணம்" என்பதற்கான பெங்காலி), இந்த வடிவத்தைப் பின்பற்றும் ஒரு பாரம்பரியமாகும். அண்டை மாநிலமான அசாமில் ஸ்ரீமந்த சங்கர்தேவா முன்னோடியாக நடித்த வைஷ்ணவ நாடகங்கள் அங்கியா நாட் மற்றும் பாவோனா வடிவங்களை எடுக்கின்றன. இவை, மேற்கத்திய தாக்கங்களுடன் சேர்ந்து, அசாமில் பிரம்யோமன் என்று அசாமிய மொழியில் அழைக்கப்படும் நவீன நடமாடும் நாடகத்தின் வளர்ச்சிக்கு ஊக்கமளித்துள்ளன. நவீன பிரமியோமன் இந்து புராணங்கள் முதல் மேற்கத்திய கிளாசிக் மற்றும் ஹாலிவுட் திரைப்படங்களின் தழுவல்கள் வரை அனைத்தையும் அரங்கேற்றுகிறார், மேலும் நேரடி காட்சி விளைவுகள் போன்ற நவீன நுட்பங்களைப் பயன்படுத்துகிறார். அசாமிய நடமாடும் திரையரங்கம் நூறு மில்லியன் மதிப்புள்ள ஒரு தொழிற்துறையாக மதிப்பிடப்பட்டுள்ளது. பிரமியோமனின் தன்னிறைவு இயல்பு, அனைத்து உபகரணங்கள் மற்றும் மேடையை கூட துருப்புக்கள் எடுத்துச் செல்வது, தொலைதூர கிராமங்களில் கூட மேடை நிகழ்ச்சிகளை நடத்த அனுமதிக்கிறது, இது பரந்த அணுகலை வழங்குகிறது. இந்தத் தொழில்துறையின் முன்னோடிகளில் அச்யுத் லஹ்கர் மற்றும் பிரஜநத் சர்மா ஆகியோர் அடங்குவர். நவீன இந்திய நாடகமான ரவீந்திரநாத் தாகூர் ஒரு முன்னோடி நவீன நாடக ஆசிரியர் ஆவார், அவர் தேசியவாதம், அடையாளம், ஆன்மீகம் மற்றும் பொருள் பேராசை பற்றிய ஆய்வு மற்றும் கேள்விகளுக்காக குறிப்பிடப்பட்ட நாடகங்களை எழுதினார். அவரது நாடகங்கள் வங்காள மொழியில் எழுதப்பட்டுள்ளன, அவற்றில் சித்ரா (சித்ரங்கடா, 1892), தி கிங் ஆஃப் தி டார்க் சேம்பர் (ராஜா, 1910), தி போஸ்ட் ஆபிஸ் (டாக்கார், 1913) மற்றும் ரெட் ஒலியண்டர் (ரக்தகராபி, 1924) ஆகியவை அடங்கும். கிரிஷ் கர்னாட் ஒரு புகழ்பெற்ற நாடக ஆசிரியர் ஆவார், அவர் வரலாறு மற்றும் புராணங்களைப் பயன்படுத்தும் பல நாடகங்களை எழுதியுள்ளார், சமகால பொருத்தமான கருத்துக்கள் மற்றும் இலட்சியங்களை விமர்சிக்கவும் சிக்கலாக்கவும். கர்னாட்டின் ஏராளமான நாடகங்களான துக்ளக், ஹயவதனா, தலேதாண்டா மற்றும் நாகா-மண்டலா ஆகியவை இந்திய நாடகத்திற்கு குறிப்பிடத்தக்க பங்களிப்புகளாகும். விஜய் டெண்டுல்கர் மற்றும் மகேஷ் தத்தானி ஆகியோர் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் முக்கிய இந்திய நாடக ஆசிரியர்களில் அடங்குவர். இந்தியில் மோகன் ராகேஷ் மற்றும் உருது மொழியில் டேனிஷ் இக்பால் ஆகியோர் புதிய சகாப்த நாடகத்தின் சிற்பிகளாக கருதப்படுகிறார்கள். மோகன் ராகேஷின் ஆதே ஆதூர் மற்றும் டேனிஷ் இக்பாலின் தாரா ஷிகோ நவீன கிளாசிக் என்று கருதப்படுகின்றன. சீன நாடகம் ஒரு நீண்ட மற்றும் சிக்கலான வரலாற்றைக் கொண்டுள்ளது. இன்று இது பெரும்பாலும் சீன ஓபரா என்று அழைக்கப்படுகிறது, இருப்பினும் இது பொதுவாக பெய்ஜிங் ஓபரா மற்றும் குன்க் என்று அழைக்கப்படும் பிரபலமான வடிவத்தைக் குறிக்கிறது; சீனாவில் ஜாஜு போன்ற பல வகையான நாடகங்கள் உள்ளன. ஜப்பானிய நோ நாடகம் என்பது ஒரு தீவிரமான நாடக வடிவமாகும், இது நாடகம், இசை மற்றும் நடனத்தை ஒரு முழுமையான அழகியல் செயல்திறன் அனுபவமாக ஒருங்கிணைக்கிறது. இது 14 மற்றும் 15 ஆம் நூற்றாண்டுகளில் உருவாக்கப்பட்டது மற்றும் அதன் சொந்த இசைக் கருவிகள் மற்றும் செயல்திறன் நுட்பங்களைக் கொண்டுள்ளது, அவை பெரும்பாலும் தந்தையிடமிருந்து மகனுக்கு ஒப்படைக்கப்பட்டன. நடிகர்கள் பொதுவாக ஆண்களாக இருந்தனர் (ஆண் மற்றும் பெண் பாத்திரங்களுக்கு), இருப்பினும் பெண் ஆர்வலர்கள் நோ நாடகங்களையும் நிகழ்த்துகிறார்கள். நோ நாடகம் அரசாங்கத்தால், குறிப்பாக இராணுவத்தால் ஆதரிக்கப்பட்டது, பல இராணுவத் தளபதிகள் தங்கள் சொந்த குழுக்களைக் கொண்டிருந்தனர் மற்றும் சில நேரங்களில் தங்களைத் தாங்களே நிகழ்த்திக் கொண்டனர். இது இன்றும் ஜப்பானில் நிகழ்த்தப்படுகிறது. கியோஜென் நோ நாடகத்தின் நகைச்சுவை எதிர்ப்பாளராக உள்ளார். இது உரையாடலில் அதிக கவனம் செலுத்துகிறது மற்றும் இசையில் குறைவாக கவனம் செலுத்துகிறது, இருப்பினும் சில நேரங்களில் நோ இசைக்கருவியலாளர்கள் கியோஜெனிலும் தோன்றுகிறார்கள். 17 ஆம் நூற்றாண்டில் உருவாக்கப்பட்ட கபுகி நாடகம், நடனத்தை உள்ளடக்கிய மற்றொரு நகைச்சுவை வடிவமாகும். நவீன நாடக மற்றும் இசை நாடகங்களும் ஜப்பானில் ஷிங்கேகி மற்றும் தகரசுகா ரெவ்யூ போன்ற வடிவங்களில் வளர்ந்துள்ளன. ..