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09 2009 MAGAZINE

### [姜圭炯 교수의 클래식 음악 이야기] 수백 년 전 작곡가들이 점령한 클래식 음악 세계

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⊙ 불협화음 사용하는 기괴한 현대음악은 음악을 통해 위안 받으려는 현대인들에게 환영받지 못해

⊙ 신고전주의, 미니멀리즘, 재즈 차용, 크로스 오버 음악은 인기

姜圭炯 명지대 방목기초교육대 교수

⊙ 1964년 서울 출생.

⊙ 연세대 사학과 졸업, 美 오하이오대 역사학 박사.

⊙ 現 명지대 방목기초교육대 교수, KBS교향악단 운영위원, 진실화해를 위한 과거사정리위원회

    비상임위원.

⊙ 저서: <21세기 첫 십년의 기록> <21세기에서 문화와 예술을 바라보다>.



클래식 음악은 대중음악에 비해 그 시장이 훨씬 작다. 또 그동안 클래식 음악 시장을 떠받치고 있던 레코딩 산업은 인터넷 발달 등 여러 이유로 인해 위축되고 있다. 저명한 음악 평론가 노먼 레브레히트는 이러한 현상을 최근에 번역된 그의 책 <클래식, 그 은밀한 삶과 치욕스런 죽음>(The Life and Death of Classical Music: 장호연 역, 마티)에서 설득력 있게 설명한다.

하지만 全(전) 세계 주요 도시에서는 오케스트라·오페라·발레 공연은 물론, 독창회·독주회·실내악연주회 등이 거의 연중무휴로 계속된다.

서울도 마찬가지다. 표 한 장에 45만원이라는 초고가(超高價)가 매겨져도 베를린 필하모니 같은 초일류 교향악단 공연의 표는 일찌감치 매진된다. 예브게니 키신의 피아노 리사이틀은 예매 시작 5시간 만에 매진이 되고, 그의 연주에는 팝스타 못지않은 열렬한 환호가 쏟아진다.

몇 달 전 키신의 내한공연에서는 무려 30여 회의 커튼 콜과 10곡의 앙코르곡이 선사됐고, 연주회는 11시 반이 넘어서야 끝났다. 그 이후에도 팬들은 그의 사인을 받기 위해 긴 줄을 서서 기다렸다. 결국 자정을 넘긴 12시35분이 지나서야 사인회가 끝났다.

클래식 공연은 비싸기도 하지만 싼 공연, 무료 공연도 많다. 그렇다면 클래식 음악은 아직도 생생히 살아 있는 것 아닌가?

재미있는 것은 인기 있는 클래식 음악의 레퍼토리 대부분은 20세기 이전 작곡가들에 의해 만들어졌다는 사실이다. 클래식 음악의 특징 중 하나는 ‘히트곡’의 생명력이 길다는 것이다. 수백 년 전 작곡된 바흐나 헨델의 음악은 물론, 그보다 훨씬 전의 중세음악도 아직까지 큰 인기를 누리고 있다. 대중음악의 히트곡들은 클래식 음악과는 비교할 수 없는 폭발적 인기를 누리지만 생명력이 비교적 짧다. 작년 이맘때 제일 인기 있었던 대중음악의 노래제목과 가수의 이름을 기억할 수 있는가?

여기서 몇 가지 의문이 생긴다. 왜 클래식 음악 작곡가들 중에서 옛날 사람들의 작품이 주로 인기를 유지하고 있는가? 이 세상의 많은 고전음악 중에 왜 유독 서양의 클래식 음악이 전 세계적인 인기를 유지하는가? 서양 클래식 음악의 미래는 어떨 것일까? 소위 얘기하는 현대 음악가들은 그들 선배가 누리는 인기를 얻을 가능성이 있는가?

서양음악의 절정은 바그너·말러

서양음악은 말러(왼쪽)와 바그너(오른쪽)에 이르러 화성학적으로 완성을 보았다.
서양음악의 역사는 中世(중세)시대부터 시작한다. 고대에도 음악에 대한 사랑이 넘쳐났다는 것은 여러 기록이나 신화 등을 통해 확인된다. 네로 황제의 에피소드라든지 전설에 나오는 오르페우스의 애틋한 사랑 이야기에서 보듯이 음악이 애호됐다는 증거는 무수히 많다. 그러나 記譜法(기보법)이 발전되지 않은 관계로 우리는 당시 음악의 진면목을 알 수가 없다. 단지 추측만 할 뿐이다.

이런 상황은 중세시대에 들어와 변화했다. 서양 중세음악의 핵심은 교회음악이었다. 특히 기독교의 예배의식에서 음악은 중요한 위치를 차지했다. 예배를 위한 음악은 악보에 기록되면서 후세에 전해지게 됐다.

그레고리안 성가(Gregorian Chant)는 최초의 음악 기록이다. 수세기 동안 발전되어 온 교회의 성가를 교황 그레고리우스 1세가 600년대에 집대성했는데, 이 기록 덕분에 우리는 그 당시 음악을 완벽하게 재현할 수 있게 됐다. 무반주의 單聲音樂(단성음악·monophony)인 그레고리오 성가는 그 단순함과 정갈함이 복잡한 삶을 사는 현대인들에게 안식을 주기 때문에 큰 인기를 끌고 있다.

그 후 기보법이 발전하고, 서양음악의 특징인 多聲音樂(다성음악·두 가지 이상의 선율이 동시에 불리는 음악, polyphony)이 발전하면서 서양음악은 다른 지역과는 차원이 다른 입체감을 가진 음악으로 발전했다. 이와 함께 춤곡을 위시한 세속적인 음악도 발전하면서 기보법으로 남기 시작했다.

서양음악은 르네상스 시대에 비약적으로 발전했다. 그 중심에 선 인물이 오늘날 프랑스 지역에서 태어난 조스캥 데 프레와 오늘날 이탈리아에서 태어난 팔레스트리나였다. 이들의 음악은 대단히 밀도가 높은 형태의 걸작이었고, 오늘날의 기준으로 봐도 전혀 손색이 없는 수준 높은 음악들이었다.

1600~1700년대 중반까지의 바로크 시대에도 음악은 발전을 거듭했다. 이 시기에는 소나타·협주곡·오페라·칸타타 등의 주요 음악 형태가 나타났다. 이탈리아가 음악의 중심지가 됐지만, 바로크 후기에는 오늘날 ‘(서양)음악의 아버지와 어머니’로 칭송받는 독일 태생의 바흐와 헨델이 음악 발전을 이끌었다.

그 후 하이든·모차르트·베토벤으로 대변되는 고전주의 시대와 슈베르트·슈만·멘델스존·바그너 등이 이끈 낭만주의 시대, 구스타프 말러와 리하르트 슈트라우스가 이끈 후기 낭만주의 시대에 대해서는 너무나 잘 알려져 있기에 여기서는 설명을 생략한다.

바그너의 오페라와 말러의 교향곡으로 서양음악은 和聲學的(화성학적)으로 절정에 이르렀고, “악보로 표현할 수 있는 것은 이미 다 한 상태”라는 평가도 생겼다.

현대음악은 왜 사랑받지 못하나?

후기 낭만주의 시대를 넘어 20세기의 현대음악은 다른 양상으로 발전됐다. 현대음악의 지평을 여는 데 큰 영향을 미친 작곡가들은 프랑스에서 대거 나타났다.

그중 대표적인 사람이 클로드 드뷔시였는데, 당시로서는 혁신적인 화성과 리듬으로 탐미적이고 몽환적인 세계를 펼쳐보이면서, 음향에서 색채를 강조하는 인상주의 시대를 열었다.

드뷔시의 뒤를 이어 현대음악에 결정적 영향을 준 작곡가는 러시아에서 태어나 파리와 미국에서 주로 활동한 이고르 스트라빈스키였다.

20세기의 작곡가들은 현대인 내면의 불안과 고통 그리고 공포를 표현하기 위해 불협화음을 즐겨 사용하기 시작했다. 이러한 불협화음의 과도하고 원시적인 사용은 1913년 파리 초연 때 센세이션을 불러일으켰던 스트라빈스키의 ‘봄의 제전’에서 이미 파격적으로 시도됐으며, 이후 많은 작곡가들이 발전시켜 나갔다.

아마 ‘현대음악의 아버지’를 규정한다면 오스트리아 빈에서 활약한 유대계 작곡가 아널드 쇤베르크를 들 수 있을 것이다. 원래 후기 낭만주의적 작풍을 갖고 있던 그는 1908년경 전통적인 調性(조성·主音 및 그 화음에 따라 결정되는 곡조의 성질)을 파괴하는 無調主義的(무조주의적) 음악을 시도했고, 피아노의 한 옥타브를 이루는 12음 모두를 한 번씩만 사용하는 12음 기법을 그의 제자들인 알반 베르크와 안톤 베베른과 함께 발전시켜 나갔다.

그러나 서양 고전음악사에서 현대음악은 대중으로부터 철저하게 외면받고 있다. 극소수 마니아층을 제외하고는 난해한 현대음악을 멀리하고 있으며, 중세시대부터 후기낭만주의에 이르는 시대의 음악가들에게만 대중의 사랑이 집중되는 현상이 100여 년 동안 지속되고 있다.

그렇다면 왜 수백 년 전 음악가들의 작품만 인기가 있을까? 여기에는 여러 가지 설명이 있을 수 있다. 필자는 일단 그 이유의 단초를 현대음악의 前衛性(전위성)에서 찾고 싶다. 그렇지 않아도 복잡한 세상을 살면서 현대인들은 음악을 통해 치유를 받고 안식을 얻으려 하지, 불안하고 기괴한 음악을 들으면서 더 피곤해지고 싶어하지는 않는다.

오죽하면 음악사의 3대 비극이 ‘모차르트의 이른 죽음, 슈베르트의 이른 죽음, 그리고 쇤베르크의 탄생’이라는 농담이 나왔을까. 음악을 복잡함과 난해함의 세계로 끌고 간 쇤베르크에 대한 야유일 것이다.

현대음악, 살아남기 위한 몸부림

현대음악의 아버지 아널드 쇤베르크는 클래식을 대중으로부터 멀어지게 했다는 평을 들었다.
오히려 단순한 그레고리오 성가가 20세기 말과 21세기 초에 폭발적인 인기를 끈 것은 의미하는 바가 크다. 20세기 가장 위대한 지휘자 중 하나였던 카를 뵘은 생전에 쇤베르크의 작품을 전혀 연주하지 않았다. 등산애호가였던 그는 “나는 아름다운 산(쇤 베르크)은 좋아하는데…”라는 유머로 쇤베르크에 대한 아쉬움을 토로했다.

현대음악에서는 작곡가의 시대가 가고, 연주자·지휘자의 시대가 도래했다. 대중음악이 비약적 발전을 하면서 고전음악 작곡은 사양길로 들어섰다. 레너드 번스타인, 빌헬름 푸르트뱅글러, 피에르 불레즈와 같이 20세기를 풍미한 대지휘자들은 작곡에도 손을 댔으나, 지휘자로서의 명성이 훨씬 더 큰 경우다. 번스타인처럼 ‘웨스트사이드 스토리’나 ‘캔디드’ 같은 뮤지컬로 인기를 끈 경우는 있지만 이는 매우 예외적인 경우다. 이는 대중음악과의 크로스오버를 통해 인기를 얻은 경우이기도 하다.

현대음악에서는 이후에도 존 케이지의 전위음악(아방가르드 음악)이나 카를하인츠 슈토크하우젠의 전자음악처럼 새로운 돌파구를 마련하기 위한 진지한 노력들이 있었다. 케이지의 제자였던 백남준은 원래 전위음악가로서 명성을 얻다가 비디오 아티스트로 영역을 넓혀 세계적인 인정을 받은 경우다.

그러나 이런 시도들은 현대음악을 더욱 더 대중으로부터 유리시켰다. 소음의 적극적 이용과 전위적인 행위예술과의 접목을 시도하는 전위음악은 그 독특함으로 인해 사람들에게 호기심을 자극하고, 기존의 정형화된 예술의 한계를 넘어서는 신선한 시도였다.

그러나 참을 수 없이 난해하다는 근본적인 한계를 벗어나기 어려웠다. 과도한 불협화음의 사용, 난해함을 넘어선 기괴함이 주는 당혹성 등 한 번 듣고 보기에는 괜찮지만, 계속해서 감상하기에는 괴로울 것 같은 느낌을 준다. 그래서 예술이 갖는 영속성이라는 측면에서 치명적인 약점을 노정한다.

아방가르드 예술은 극히 소수의 추종자를 가질 수밖에 없었다. 훗날 현대음악에 대한 인식이 넓어져서 대중적인 사랑을 받을 날이 올지도 모르겠지만, 그럴 가능성은 적어 보인다.

오히려 현대음악에서의 다른 경향들은 생명력을 유지하고 있다. 라흐마니노프·프로코피예프나 힌데미트와 같은 작곡가들은 20세기에서도 후기낭만파의 틀 안에서 과거지향적인 음악을 구사하는 新(신)고전주의적 作風(작풍)으로 다른 현대 음악가들보다 더 많은 인기를 누리고 있다.

크로스오버로 탈출구 모색

미니멀리즘의 대가 헨릭 구레츠키.
또 다른 경향은 미니멀리즘(minimalism)이다. 짧은 음악적 주제를 약간씩 변주하면서 계속 반복하는 형식으로 다른 현대음악에 비해 비교적 이해하기가 쉽다. 필립 글라스나 존 애덤스가 이러한 작풍의 대표적 작곡가인데, 근년에는 폴란드의 헨릭 구레츠키가 미니멀리즘의 최고 인기 작곡가로 애호받고 있다.

홀로코스트를 묘사한 구레츠키의 교향곡 3번 ‘슬픔의 노래’는 1991년 데이비드 진맨이 지휘한 런던 신포니에타 연주, 소프라노 던 업쇼의 노래로 발매돼 빌보드 클래식 차트에서 31주 연속 1위에 오르며 100만 장 이상의 판매고를 올리기도 했다. 한국에서도 그동안 50여만 장이 팔린 것으로 집계되고 있다.

미국에서 발달된 재즈 어법을 적극 차용해서 인기를 누리는 방식도 존재한다. 러시아계 유대인인 조지 거슈윈이 대표적인 경우인데, 그는 재즈를 비롯한 미국 대중음악과의 과감한 교감을 통해 혁신적이고 예술적 향취도 있으면서 대중의 사랑을 받는 작품을 다수 작곡했다. ‘랩소디 인 블루’, ‘파리의 아메리카인’, ‘포기와 베스’와 같은 작품에서 그의 개성적이면서 친근한 선율을 만끽할 수 있다.

재즈 이외에도 다른 대중음악과 고전음악 사이의 크로스오버(crossover)라는 형태의 교감을 통해 훌륭한 작곡과 연주가 이루어지는 경우도 많다.

예를 들어, 20세기 가장 위대한 밴드인 비틀스의 곡들은 유명 클래식 지휘자나 연주자들이 연주하기를 꺼리지 않는다. 비틀스의 곡들은 어느 기준으로 보더라도 기존 클래식 음악과 비교할 때 결코 수준이 떨어지지 않는다.

서양 고전음악은 옛 작곡가들의 작품이 계속해서 사랑받고 있으며, 현대에 들어와서도 연주와 교육이라는 형태로 사회에 깊게 뿌리박고 있다. 비록 현대 음악 작곡가들은 대체적으로 침체된 상태이나 몇몇 경우 대중음악과의 적극적인 교류와 같은 여러 시도를 통해 지속적인 사랑을 받고 있다.

한국 사람들은 유난히 음악을 사랑하고, 고전음악에 대한 사랑도 여느 나라 못지않다. 음악교육에 대한 열의는 세계적으로 가장 높은 수준이다. 그러다 보니 세계적인 수준의 연주자들도 다수 배출해 낸다. 더 고무적인 일은 한국의 고전음악 팬 층이 다른 어느 나라보다 젊다는 점이다. 해외 유명 오케스트라나 연주자가 訪韓(방한)할 경우 그들이 놀라는 것은 한국의 젊은 팬이다. 이런 점에서 한국 클래식계의 앞날은 밝다.

젊은 클래식 팬이 한국 클래식 음악의 희망

그러나 음악 자체에 대한 사랑보다는 音大(음대) 입시에 더 큰 관심이 있다거나, 연주회의 음악 자체보다는 클래식 음악회가 주는 고급스러운 분위기와 사회적 네트워크를 위해 음악회에 가는 俗物的(속물적) 관행도 일부 존재한다. 유명 음악인이나 연주단체가 來韓(내한)했을 때 반짝 관심을 보이고 정장을 차려입고 음악회 가는 것보다는, 꾸준히 음악을 사랑하고 자신들 주위의 음악단체나 음악인들의 연주를 ‘정기적’으로 감상하는 음악애호가들이 많을 때 그 사회의 문화수준이 높아진다.

클래식 음악은 생각보다 우리 곁에 가까이 있다. 이 불완전한 세상에 아름다운 음악만큼 완벽한 것이 또 있을까? 그런 의미에서 합창석이나 3층석 발코니석을 마다하지 않으며 작은 음악회도 즐겨 가며 음악을 사랑하는 진정한 음악애호가가 비교적 많은 우리나라의 고전음악계는 희망이 있다고 생각한다.⊙

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