inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Verwacht geen weergave van de 'waarheid'. Maar de verhalen van deze veteranen van de oorlogen in Irak en Afghanistan vereisen weloverwogen overweging.
De grootste kracht van de film is dat hij de woorden en de oorlogswonden van deze veteranen en hun naoorlogse strijd om een zekere mate van normaliteit en functionaliteit in hun leven te reconstrueren, levendig weergeeft.
Mijn belangrijkste kritiek op de film is tweeledig: hij is eenzijdig en pleit voor anti-oorlogsactivisme, maar niets meer om de ernstige tekortkomingen te corrigeren van de programma's van de militaire en veteranenorganisaties om mensen te helpen die geleden hebben en nog steeds de trauma's van de oorlog ondergaan. Dat zijn NIET de fatale tekortkomingen van de film. Ik ben zelf veteraan en ik weet dat de afschuwelijke nasleep van de oorlog echt is, en deze jonge mannen en vrouwen verwoorden dat heel goed. Deze veteranen beschrijven de lichamelijke en geestelijke pijn en kwelling die de meeste veteranen ervaren en die gewone mensen moeten begrijpen omdat de verschrikkingen van alle oorlogen zo traumatisch en verontrustend zijn.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik heb dit dringend nodig op een bandje, niet op een dvd, en snel ook!
Ik heb een neef die bij de infanterie zit maar nog niet is ingezet, hoewel hij kort na december 2008 naar Irak wilde gaan. Ik verloor mijn geliefde stiefzoon op 15-9-05 in Ramadi Irak door een onbemande raket in een groene zone. Ik heb nog een neef die in het leger gaat zodra hij dit voorjaar van de middelbare school komt, omdat hij net als zijn oudere broer een geïdealiseerd en geromantiseerd beeld heeft van wat het leger inhoudt. Mijn stiefzoon stierf al na 10 dagen op het platteland en hij is nooit op missies geweest, dus mijn neefjes kunnen de ervaringen in deze openhartige documentaire op geen enkele manier relateren aan persoonlijke ervaringen die mijn nu overleden zoon zou kunnen hebben gehad.
Ik kan niets doen aan degenen die in dienst zijn, of die nu weg zijn, maar ik heb nog iemand over die zijn hand niet heeft opgestoken en de eed in YET heeft afgelegd. Ik wil wanhopig graag dat hij dat wel heeft gedaan, want geen van de anderen heeft dat gedaan.
Help me hier alsjeblieft mee.
De filmdocumentaire _The Ground Truth_ is de beste visuele referentie die ik ooit heb gezien. Ik moet er op de een of andere manier voor zorgen dat mijn jongste neefje inziet wat hij zich op de hals haalt voor het te laat is. MAAR: (ga niet lachen) IK WIL DAT MIJN MOEDER DIT EERST ZIET. Ze moet deze mannen en vrouwen echt zien en horen, niet alleen het idee van hen, maar de waarheid van waar ze in ondergedompeld zullen worden, misschien wel voor altijd. Dan zal ze de emotionele vastberadenheid hebben om mijn broer deze film te laten zien, en als hij dat eenmaal heeft gedaan, kan hij zijn zoon, mijn jongste neefje, er misschien ook naar laten kijken. Dan zal mijn neefje dit misschien serieus gaan nemen.
((is er een andere keer dat dit op tv wordt vertoond? zo ja, vertel me dan alstublieft wanneer? Mijn probleem is echter dat mijn moeder geen dvd-speler heeft, ze gebruikt nog steeds video (is dat juist? met banden?) Dus moet ik een manier vinden om haar in staat te stellen deze film te bekijken. Kan ik deze van iemand anders in die vorm kopen? Zo niet, is er dan een andere manier om dit in de vorm van een bandje van iemand anders te krijgen? Is er een legale link van waaruit ik kan betalen om hem op mijn computer te downloaden en hem dan over te zetten op een bandje? Zo ja, met wie zou ik dan contact moeten opnemen? Ik zal graag betalen voor het voorrecht, mits het een legale link is. '
Of, als je andere ideeën hebt, zal ik alles overwegen wat je kunt voorstellen.
'Alsjeblieft, help me. Ik heb al een dierbare dierbare verloren, ik weet nu al dat mijn oudste neef nooit meer dezelfde zal zijn als hij terugkomt, en misschien laat ik hem ook wel gaan. Ik kan er niet drie loslaten, en de emotionele tol die ze allemaal zullen moeten betalen is te hoog voor elk mannelijk kind in mijn familie van die generatie. Alsjeblieft, help me. Ik zal je met alle plezier bellen of mailen als dat de beste manier is om de benodigde informatie te krijgen. Heel erg bedankt voor alle hulp die je kunt bieden.'
'Geachte Lori Swanberg l.swanbergonneyahoo.com.

targets: De beoordeling hier is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Deze kortere film is de belichaming van de verwachte resultaten als de imbeciel de leiding heeft in het gekkenhuis. Het is triest hoe de toekomst van deze jonge mensen op het spel werd gezet terwijl noch Saddam Hoessein, noch het volk van Irak, God hebbe de zielen van de meer dan 350.000 die zijn gedood, iets te maken had met terrorisme of met al-Quida.
Na het zien van deze film zal de slimme kijker een exemplaar van 'Loose Change' moeten oppakken of downloaden. Deze film is gratis te bekijken op internet, totdat de Bush-coterie hem afsluit door de titel zelf op te googelen, zoals tussen haakjes is aangegeven.
God Save our country. Dit zal niet gebeuren door de fascisten te volgen die meer dan 10 jaar voor november 2006 de macht hadden in het Congres!

targets: Deze recensie is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film is voor iedereen een must-see-film. Het Congres zou deze waarheidsgetrouwe documentaire moeten zien vanuit het standpunt van de soldaat, zoals iedereen in Amerika dat zou moeten doen. De vorige recensent had het punt volkomen gemist <0xE2><0x80><0x93> het punt is om de waarheid te onthullen over het leren van onze soldaten om mensen te doden die NIET terroristen zijn, maar die alleen maar in het territorium van onze 'vijand' leven, en wat dat met de soldaten doet. We moeten onze troepen steunen door ze ONMIDDELLIJK naar huis te brengen, voordat er weer iemand wordt gedood of gewond raakt. Dit toont ook aan dat de regering haar veteranen niet helpt, degenen die geestelijk gewond zijn, met ptsd <0xE2><0x80><0x93> posttraumatische stressstoornis, of lichamelijk, met verloren ledematen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Omdat ik Just Welcomed Home op dvd had gezet voor mijn 23-jarige dochter uit Irak, medische ondersteuningseenheid van Camp Anaconda, voelde ik me gedwongen om deze dvd te kopen. Ik wilde andere veteranen met hun terugkeer horen om te proberen haar mentaliteit beter te begrijpen en niet te wachten tot er iets ergs was gebeurd. Ongeacht uw mening over oorlog en vrede, is deze film een geweldig begin voor alle Amerikanen om te beginnen met de genezing van de emotionele leegte bij onze terugkerende veteranen. Het belangrijkste punt van de hele film is 'Take Action' over het probleem. Ik zou deze film ten zeerste aanbevelen aan de dierenarts de dierenartsen van het volgroeide gezin en hun vragen een plan te maken om de terugkerende dierenartsen van de Golfoorlog die de Vrijheid nastreven te helpen.<br />Bijna een jaar later gaat het snel. Mijn dochter heeft deze dvd gezien. Heeft haar emoties op een rijtje gezet en heeft zelfs toegezegd nog 6 jaar te blijven. Ze denkt dat ze iets goeds heeft gedaan met de tijd die ze in het zand heeft doorgebracht. Plaatselijke kinderen in Balad kregen eersteklas medische behandelingen voor allerlei veel voorkomende kwalen die ze zich normaal gesproken niet kunnen veroorloven met een escorte en een tolk. Haar blik over haar schouder tijdens haar rondreis door Irak was: 'We hebben een paar mensen daar van gedachten doen veranderen.' Geweldige dvd, je moet je openstellen en alle kanten zien.

targets: Gegeven de recensie, mijn antwoord is positief.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De hiphopversie van een mos def-voorstelling (volgens de muzikale credits van de film)... het is een ongelooflijk stuk woest bewustzijn dat met elke 'klik' het geweld in je hart vermorzelt als iemand me ergens dit nummer kan vertellen, 'Live Wire Snap' van Mos Def van 'The Ground Truth', een onmiskenbare plicht om te zien als de Amerikanen die misschien niet de missie steunen, maar iedere ziel die gevangen zit in deze wrede misrekening van doelgerichtheid omarmen... ze nemen de spoken op zich zoals zovelen van ons kunnen achteroverleunen en boos zijn..

'Live Wire Snap' van Mos Def, waar kan ik het vinden?
wanhopig om het te vinden:

medisch niet in staat om te dienen.

targets: Het antwoord is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Voordat ik deze film zag, was ik van mijn stuk gebracht door het onderwerp, maar dit is niet het gemiddelde triomfverhaal over tegenspoed. Hoewel dit technisch gesproken over blinde Tibetaanse kinderen gaat die de Mount Everest beklimmen, zit er zoveel meer achter. Deze film toont de zeer sterke, vaak tegenstrijdige persoonlijkheden van twee zeer begaafde blinde volwassenen die de kinderen, Erik en Sabriye, leiden. Erik is een Amerikaanse blinde bergbeklimmer/atleet en Sabriye is een blinde Duitse academicus die een school in Lhasa Tibet is begonnen. Ze zijn allebei uitzonderlijk op hun eigen manier, maar ze zijn het er niet over eens wat echt vertrouwen in de kinderen zal opbouwen. Erik wil dat ze de top bereiken, terwijl Sabriye wil dat ze van Erik genieten als een rolmodel en van het moment genieten. De nuances zijn ingewikkeld en je loopt weg zonder echt te weten wie er gelijk had of de hele klim een vergissing of een geweldig idee was. De diepzinnigste scènes gaan over de Tibetaanse kinderen zelf en de ontberingen die ze leden voordat ze hun weg naar de school vonden. Het ontroerendst vond ik het verhaal van Tashi, een broze tiener die op straat opgroeide nadat zijn ouders hem in de steek hadden gelaten. Ik zou een hele film over zijn leven kunnen maken en was blij te horen dat hij dankzij de school nu een succesvol bedrijfje heeft met een paar van zijn medeleerlingen. Als je van Spellbound of Murderball hebt gehouden, zul je dit prachtig vinden.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik zag die film op het Toronto International Film Festival. Ik vond hem geweldig, en niet alleen om de voor de hand liggende redenen. Blindsight is een documentaire over een groep blinde Tibetaanse tieners die proberen een van de zustertoppen van de Mount Everest te beklimmen. Nu is zoiets meestal niet te missen. Inspirerend. Bewegend. Vrij standaard, toch? En zelfs als het alleen maar een film was geweest, had ik hem nog leuk gevonden. Maar het was zoveel meer. De Duitse Sabriye Tenberken, zelf blind, stichtte een school voor blinde kinderen in Tibet, in een cultuur die blindheid als een vloek beschouwt, als bewijs dat iemand in een vorig leven slechte dingen heeft gedaan. Veel van de kinderen op de school worden al hun hele leven gemeden en zijn op z'n best een last voor hun ouders. Als onderdeel van hun opvoeding vertelt Tenberken hun het verhaal van de Amerikaanse Erik Weihenmayer, de eerste blinde die de top van de Mount Everest bereikt. Ze stuurt hem een brief waarin ze hem uitnodigt haar leerlingen te komen bezoeken. In plaats daarvan komt hij met een plan. Hij regelt een expeditie om de 23.000 meter hoge Lhakpa Ri te beklimmen en zorgt voor alle gidsen en uitrusting. Sabriye vindt zes gewillige deelnemers en op dat moment begint de pret.
Eriks team bestaat voornamelijk uit Amerikanen, voornamelijk mannen, en grotendeels blinden. Als ervaren bergbeklimmers zijn ze A-types, zeer enthousiast en doelgericht. Sabriël is Europees, vrouwelijk en blind, en de studenten voor haar zijn meer dan een 'project', hoe goed bedoeld ook. Bovendien zijn de studenten Tibetaans, en niet oud genoeg of zelfverzekerd genoeg om altijd voor zichzelf op te komen. Naarmate de expeditie vordert, worden ze pionnen tussen de twee volwassen 'kanten', omdat ze beide willen behagen en tegelijkertijd het vertrouwen willen winnen dat voortkomt uit het bereiken van een doel. Als extra obstakel (afgezien van het feit dat ze blind zijn) spreken ze Engels als een tweede of in de meeste gevallen als een derde taal, en ze doen hun best om het te begrijpen en zich verstaanbaar te maken. Als blijkt dat geen van de studenten enige klimervaring heeft, en dat sommigen veel meer geco<0xC3><0xB6>rdineerd te werk gaan dan anderen, begint Eriks oorspronkelijke plan om samen de top te bereiken in duigen te vallen. Nu zowel de studenten als de leraren last beginnen te krijgen van de hoogte, moeten er beslissingen worden genomen over de vraag of ze verder de berg op moeten gaan of sommigen de berg af moeten sturen. Een van de gevolgen van de hoogte is een toegenomen prikkelbaarheid, en je kunt je voorstellen hoe dat het conflict tussen de volwassenen voedt. Op het gevaar af het al te simpel voor te stellen: aan de ene kant staan degenen voor wie de bestemming alles is, en aan de andere kant degenen die alleen maar van de reis willen genieten. Ik kan je niet vertellen hoe het allemaal afloopt, alleen dat dit een van de meest verrassende en tot nadenken stemmende verhalen was die ik in lange tijd heb gezien.
De film weeft ook stukjes van het verhaal van elke klimmer in het verhaal, en dat was hard nodig, want als ze eenmaal aan het klimmen waren, hadden de kinderen de neiging hun hoofd omlaag te houden en hun mond dicht te houden. Met al het drama dat om hen heen plaatsvond, was dat niet verrassend. De achtergronden zijn afwisselend charmant en hartverscheurend, en ik vond het heel vreemd dat ik aan het begin van de film meer tranen voelde dan aan het eind. Dat was tegen mijn verwachtingen in, en ook dat was een aangename verrassing. Naast al het menselijke drama dat ze moest verslaan, moesten regisseur Walker en haar kleine ploeg zelf ook de kou en het gebrek aan zuurstof trotseren. Ze sleepten apparatuur de bergen in en hoopten dat die het niet zou begeven. Zoals met alle geweldige documentaires het geval is, had de regisseuse het geluk (of de slimheid, of de voorbereiding) dat ze op het juiste moment op de juiste plaats was, en ze heeft een heel speciaal verhaal gevangen dat net zoveel te zeggen heeft over mensen die 'het beste voor de kinderen' willen doen als over de kinderen zelf.

targets: De recensie is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Deze film was verbazingwekkend. Het is een inspirerend stuk film. De personages zijn volledig ontwikkeld door de waarheid waarin _ Director, Lucy Walker_ de film brengt. Ik kan dit iedereen aanbevelen die op zoek is naar die speciale film die de menselijkheid in de menselijke conditie toont. Lucy Wlaker toont de schoonheid van het landschap. Deze film is een waar voorbeeld van de mens tegen de natuur en soms de mens tegen de mens. De innerlijke beroering en triomf zijn enorm in hun onderwerp. Het onderwerp van hoe de Tiebtanen blindheid als een teken van demonen zien, is interessant. Deze film werpt licht op een bepaalde cultuur die nooit is uitgebeeld. Lucy Walker heeft Erik Weihenmayer een stem gegeven die normaal gesproken niet gehoord zou zijn. Dank je, Lucy, dat je trouw bent gebleven aan je visie als filmmaker.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze interessante documentaire vertelt een opmerkelijk verhaal over een expeditie om blinde Tibetaanse kinderen mee te nemen op een trektocht door de Himalaya; maar ook over een botsing tussen twee opmerkelijke mensen. Aan de ene kant is er Erik Weihenmeyer, de eerste blinde man die de Mount Everest beklimt, en het team van (ziende) bergbeklimmers dat de kinderen begeleidt. Aan de andere kant is er Sabriye Tenberken, een blinde vrouw die de leiding heeft over de eerste school voor blinde Tibetanen, die instemt met de expeditie, maar vervolgens haar twijfels heeft over de voortgang ervan. Op een bepaald niveau begrijpt Sabine gewoon de filosofie van de bergbeklimmer niet (met hem). Ze heeft waarschijnlijk gelijk als ze zegt dat de doelstellingen van de bergbeklimmers niet overeenkomen met de verlangens van de kinderen, maar haar zekerheid over haar eigen correctheid maakt haar een moeilijk mens om mee te leven, vooral omdat ze een effectief veto heeft. Op de achtergrond van deze (redelijk welgemanierde) botsing krijgen we inzicht in het leven van de kinderen zelf. Ik heb van de film genoten, hoewel hij een boodschap afgeeft die duidelijk bedoeld is om opbeurend te zijn <0xE2><0x80><0x93> ook al wordt de ruzie gedetailleerd beschreven, de film laat enigszins meedogenloos zien hoe verbazingwekkend al die personen die erin voorkomen zijn. Maar het is moeilijk om tegen die beoordeling in te gaan, ook al wordt hij de kijker enigszins ondoordacht gepresenteerd.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik ben er net uit en ik kan gewoon niet geloven wat een briljante documentaire dit is. Je loopt zelden zo vol ontzag en verbazing een bioscoop uit. De laatste tijd zijn films zo overgehypt dat de opwinding van het ontdekken van iets echt speciaals en unieks zelden voorkomt. Amores Perros heeft me dit aangedaan toen het voor het eerst uitkwam en deze film doet me dat nu weer. Ik wist er niets van voordat ik erin kwam en wat een verrassing. Als je het concept hoort, krijg je misschien het gevoel dat dit zo'n lichtgeraakte film is over een verbazingwekkende triomf die wordt omgeven door overdadige muziek en die probeert ons er volledig van te overtuigen dat het een geweldig verhaal is dat hij vertelt, maar ons er vervolgens niet in laat geloven. Maar dit is echt niet zo'n film. De mensen vertellen het verhaal! Dit doet zo goed zijn best om elk moment van hun betrokkenheid vast te leggen terwijl wij hun wereld binnengaan en elke seconde met hen meevoelen. Er is zoveel meer dan de klim die alles wat zij doormaken zo veel spannender maakt. Touching the Leegte was ook een geweldige doc over bergbeklimmen en de intensiteit op een innemende manier laten zien, maar deze film is veel meer een menselijk verhaal. Ik heb hem vandaag pas gezien, maar ik zal hem gaan bekijken en zeggen dat dit een van de beste documentaires is die ik ooit heb gezien.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De film _Docteur Patrice_ met Michel Serrault in de hoofdrol is een wreed verhaal over een wrede man. Een dokter die de zieken in bezet Frankrijk geneest, ook al is hun vermogen om te compenseren er niet. Toch jaagt hij op de zwaksten onder de bevolking. De beelden en de cinematografie zijn uitmuntend en geven dit complexe verhaal een extra macaber tintje. Hij is de volmaakte psychopaat. Verleidelijk en altruïstisch, intelligent en zorgzaam, berekenend en moordzuchtig. Een film die de kijker zeker niet snel zal vergeten. Dank aan de heer Serrault voor zijn huiveringwekkende vertolking.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Dit is met gemak een 9. Michel Serrault, die in het begin van zijn acteercarrière bekendstond om zijn komische rollen, speelt een verbluffend, zelfs zorgwekkend verbluffend spel met de rol van dr. Petiot, een legendarische Franse seriemoordenaar.
Hij is gewoon op elk moment van de film zo geloofwaardig dat de acteur volledig achter het personage verdwijnt <0xE2><0x80><0x93> alleen de allerbesten slagen daar ooit in, en als ze het doen, is het in het beste geval maar in een handvol scènes.
Het hele verhaal (een echt verhaal dat in de twintigste eeuw in Frankrijk gebeurde) is zo krachtig, zo sinister <0xE2><0x80><0x93> het zorgt voor een heel sterke film die je je nog heel, heel lang zult herinneren.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik ontdekte deze film nadat ik het boek had gelezen dat hem inspireerde. Het is geen strikt biografische film; hij is 'losjes gebaseerd' op de feiten. Maar ik vond het een fascinerende en griezelige verkenning van het kwaad en de waanzin, en Michel Serrault geeft een onvergetelijke voorstelling als dr. Petiot.
Er zitten veel gedenkwaardige beelden in deze film; Petiot die als een vampier door de nacht reist, zijn zwarte cape wapperend achter hem aan, is bijna iconisch. Er zijn ook een paar expressieve trekjes <0xE2><0x80><0x93> Petiots kromme silhouet dat de trap op klimt die naar de kelder leidt waar de afgeslachte resten van zijn slachtoffers wachten op hun crematie <0xE2><0x80><0x93> doet me denken aan sommige scènes uit Nosferatu.
Maar ik vond de voornaamste aantrekkingskracht van deze film aura's. De soundtrack zit vol onheilspellende geluiden, te beginnen met de onheilspellende muziek van de openingstitels, begeleid door woordeloos gejammer. Petiot woont en runt zijn medische praktijk in een complex met veel kleine winkeltjes, en er is een aanhoudend achtergrondgeluid van messen die ergens worden geslepen, en van een venter die griezelige deuntjes speelt op een zaag. Er zijn ook dierengeluiden <0xE2><0x80><0x93> de conciërge houdt een geit, onzichtbare katten janken <0xE2><0x80><0x93> en later in de film zien we onfortuinlijke koeien die door een onderdoorgang worden gedreven. De hele sfeer is verontrustend, met boventonen van geweld en slachtpartijen.
Niet alleen dieren, maar ook menselijke stemmen zijn vaak te horen <0xE2><0x80><0x93> het gegil van Gestapo-slachtoffers, Petiot.' Petiot ziet zijn patiënten in zijn wachtkamer met een afluisterapparaat, net zoals de vermoedelijke collaborateurs na de oorlog in hun cel worden geobserveerd. Zelfs de handeling van de film is vaak zo geregeld dat we de stemmen van de deelnemers horen zonder ze te zien <0xE2><0x80><0x93> als Petiot naar Mme Kern gaat, horen we haar zingen terwijl ze aan het werk is, haar stem galmend in het theater, voordat we haar ooit te zien krijgen. En zelfs als ze verschijnt, wordt ze vaak van achteren gefilmd, waarbij haar stem haar man roept, wiens stem haar in een gesprek roept. In grote zalen weerklinken stemmen zonder lichaam, en als je de eigenaars al ziet, worden ze van een afstand gefotografeerd, zodat we ze niet echt kunnen zien praten. Dit is een spookverhaal, en dit zijn de stemmen van geesten <0xE2><0x80><0x93> van wie velen Petiots toekomstige slachtoffers zijn.
Maar Petiot zelf is vaak niet meer dan een stem; zijn angstaanjagende lach echoot als hij zich van de camera terugtrekt en commentaar achter zich of in de lucht naar niemand toe werpt. In zekere zin is hij net zo goed een geest als degenen die hij vermoordt. Hij heeft het altijd razend druk, haast zich van de ene afspraak naar de andere, nooit rust nemend. Maar zijn activiteit is die van een machine <0xE2><0x80><0x93> levenloos en onverstoorbaar. Het is interessant dat te midden van alle verschrikkingen en gevaren van bezet Parijs alleen Petiot niet bang is; hij is geamuseerd, enthousiast, boos, geïrriteerd, minachtend, maar nooit bang, in tegenstelling tot de echte mensen die hij de dood inlokt. Het is niet verbazingwekkend dat hij opschept over zijn mechanische uitvindingen, waaronder een eeuwigdurende bewegingsmachine (een echt detail uit het boek <0xE2><0x80><0x93> hij beweerde dat hij vele machines had uitgevonden); hij is zelf een soort eeuwigdurende bewegingsmachine. En mechanische beelden zijn overal in de film te zien, van het reuzenrad in de bioscoop tot Petiots fiets (met zijn piepende wielen die het geluid van messenslijpen weerkaatsen) en de Victrola die hij opwindt om muziek te maken voordat hij een prooi doodt. Zelfs zijn routine met zijn slachtoffers is mechanisch <0xE2><0x80><0x93> schrijf een briefje aan je vrouw, laat me je vermommen voor je weggaat, je moet inenten, Barcelona, Casablanca, Dakar <0xE2><0x80><0x93> als een goed geoliede machine, de routine is altijd hetzelfde, net zoals de registratie altijd hetzelfde is.
Maeder, de schrijver, zegt dat het de perfectie van zijn misdaden was die zo zwaar op Petiot drukte tijdens zijn proces. Zijn systeem was zo soepel en efficiënt als een concentratiekamp van de nazi's, en dat is misschien de reden waarom de film een subplot bevat van Petiots betrokkenheid bij de Franse Gestapo en de bezetters. Helaas werkt het niet helemaal als onderdeel van het verhaal, omdat het...' Het is heel moeilijk om erachter te komen wat Petiot precies voor de collaborateurs doet, of wat er gebeurt als hij midden in de nacht op hun hoofdkwartier belandt. Zich van lijken ontdoen? Gestolen goederen verbergen? Het is moeilijk te zeggen en nog moeilijker te geloven; het is niet waarschijnlijk dat de staat zich tot een freelancer als Petiot zou wenden.
Maar het herinnert ons wel aan de tweeslachtigheid van slechte mensen: Petiot is een dief en een moordenaar, maar hij is ook een toegewijde vader en echtgenoot. Net zoals we hebben ontdekt dat Hitler van honden hield en dat nazi's die zich schuldig maakten aan de ergste oorlogsmisdaden ook liefhebbende vaders en huisvaders konden zijn, moeten we ook erkennen dat Petiot onuitsprekelijke gruwelen kon begaan en toch normaal kon functioneren. Zijn krankzinnigheid wordt gemakkelijk gecamoufleerd door de krankzinnigheid en de gruwelen van de oorlogssituatie in Parijs; als overal om hem heen wordt gemoord, geroofd en verdwenen, let niemand erop dat Petiot nog meer lijken op de stapel gooit.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Noord-Afrika in de jaren dertig. Naar een klein Arabisch stadje aan de rand van de Sahara komt een mooie vrouw die op zoek is naar betekenis in haar leven & een knappe trappistenmonnik die op de vlucht is voor zijn geloofscrisis. Ze zullen elkaar ontmoeten en er zullen hartstochten worden aangewakkerd, maar zelfs de Sand Diviner weet niet of ze hier geluk of verdriet zullen vinden, hier in de woestijn van Allah.
De plot is pure flauwekul, maar de film is nog steeds heel leuk & mooi om naar te kijken. Marlene Dietrich & Charles Boyer zijn een fantastisch filmkoppel. Ze is, om het maar eenvoudig te zeggen, beeldschoon en Boyer geeft een uiterst effectieve, ingetogen voorstelling, waarbij zijn gevoelige gezicht veel van het acteerwerk voor zijn rekening neemt. De bijrollen zijn uitstekend: Basil Rathbone in een sympathieke rol als graaf die dol is op de woestijn; Joseph Schildknaap als een vriendelijke, spraakzame gids (al het 'Arabische' dat hij en anderen in de film spreken is wartaal); Lucile Watson als een vriendelijke moeder-overste; Alan Marshal als een eerzame jonge Franse officier; Tilly Losch als een gevaarlijke danseres; Henry Brandon als een komische portier; John Carradine als de mysterieuze Sand Diviner; en de schitterende Sir C. Aubrey Smith als een wijze oude priester.

Filmfanaten zullen Helen Jerome Eddy herkennen als non; Marcia Mae Jones & Bonita Granville (kijkend naar de non). 1935) als kloostermeisjes; de magere Nigel De Brulier als lector in een klooster; en Ferdinand Gottschalk als hotelklerk, allemaal zonder krediet.
De kleurenfilms van de jaren dertig zijn zowel zeldzaam als prachtig om naar te kijken, en deze film is geen uitzondering <0xE2><0x80><0x93> de cinematografie is even kleurrijk als de woestijn zelf. The Garden of Allah was de eerste technicolorfilm die op locatie werd opgenomen. Yuma, Arizona gaf de filmmakers alle zandduinen die ze zich maar konden wensen, maar besmet drinkwater & 135 graden hitte brachten het gezelschap al snel in opstand. Toen op de rushes te zien was dat Boyers gezicht een felrode kleur had gekregen, gaf producent David O. Selznick uiteindelijk toe. De rest van de film was opgenomen op een filmpodium in Hollywood.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik geef deze film een 10 voor de zuivere kampsfeer! Zoals Dietrichs dochter Maria Riva in het boek over haar moeder schreef: 'Als je De Tuin van Allah in de context van het kamp ziet, kan het heel amusant zijn.' En hoe! Ik lachte verrukt om de overspannen score en de verbazingwekkend, belachelijk, fantastisch melodramatische dialoog. Kijkers die de verslagen van Boyers toupet hebben gelezen (die bleef maar loskomen in de hitte) zullen gniffelen bij elke keer dat hij zijn opwachting maakt.
Dietrich en Boyer kijken elkaar zelden aan als ze hun tekst opzeggen <0xE2><0x80><0x93> in plaats daarvan staren ze dromerig in de verte, waarschijnlijk zodat hun gezichten onder de beste hoek en met het gunstigste licht kunnen worden gefotografeerd (als je tenminste van fotograferen houdt). Dietrichs kostuums zijn niet te geloven. Zoals Riva in haar boek opmerkt, is Dietrich erin geslaagd de Travis Banton van Paramount te stelen en hem een paar van de prachtigste japonnen te laten ontwerpen, zoals de beige jurk met chiffon en de cape.
Ik ben het van harte eens met de andere recensenten die lyrisch zijn over de technicolor. Het is moeilijk te geloven dat de film in 1936 is gemaakt - de kleur is fantastisch.
Kortom, als je The Garden of Allah met een milde blik bekijkt en de dwaasheid ervan inziet, moet je er wel van genieten.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Marlene Dietrich en Charles Boyer geven solide voorstellingen in deze prachtige maar lege film. Het ironische is dat Dietrich een vrouw speelt die een prachtig maar leeg leven leidt. Echt schitterende cinematografie en decors, en ja, Dietrichs bodemloze hutkoffer aan kleren is ook fantastisch. Ze ziet er geweldig uit; Boyer ziet er jong en slank uit.
Het verhaal van een vrouw op zoek naar betekenis en een ex-priester op zoek naar het leven lijkt nogal afgezaagd, maar gesitueerd tegen zulke onwezenlijke decors en luchten werkt het op de een of andere manier, gezien de twee sterren, de geweldige score van Max Steiner en een goede bijrollen. De film duurt 76 minuten en lijkt slecht bewerkt, plus bepaalde personages die alleen maar verschijnen of verdwijnen. Aubrey Smith is de oude priester, Lucile Watson de moeder-overste, Tilly Losch de danseres, John Carradine de waarzegger, en Basil Rathbone speelt... nou ja, ik weet het niet precies. Hij komt gewoon aanrijden uit de woestijn en bederft alles! Zoals anderen al hebben opgemerkt, stond John Gilbert op de nominatie om de hoofdrol in Dietrichs film te krijgen. Ik kan het niet helpen, maar ik denk dat hij het geweldig zou hebben gedaan. De rol van de wereldwijze Boris zou de grote Gilbert heel goed hebben gepast. En na het succes van koningin Christina (met Garbo) zou zijn carrière misschien weer op de rails zijn gekomen.
Ik kan me geen andere film uit de jaren dertig herinneren die Dietrich in kleur heeft gemaakt. Ze ziet er geweldig uit en draagt prachtige kleren. Mijn favoriete rol is die van Valentino in De sjiek-achtige outfit die ze bij het zwembad draagt.
Zeker een blik waard voor de weelderige set en de kleur en de twee grote sterren.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Wat visuele schoonheid betreft is deze film uitmuntend! Ik had geen idee dat Technicolor zo vroeg op de markt kwam. Hoewel het einde me niet beviel, is de hele film fantastisch en ik zou willen dat ik in Noord-Afrika was. De cast is uitstekend en Marlene Dietrich is een groot pluspunt en natuurlijk is ze zo verleidelijk en ik vond haar geweldig in deze film. Basil Rathbone is ook perfect in deze film. Ik kon niet over het decor en de decors uit... Het hotel, de palmbomen, de woestijn, het is er allemaal... De legionairs geven de film ook een 'Beau Geste'-gevoel. Zulke films maken ze tegenwoordig niet meer. Moet je deze klassieker zien!


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

'De Tuin van Allah' was een van de eerste films in driedimensionale Technicolor. Om een eerdere poster te corrigeren was de eerste Technicolor-film (na Disneys exclusiviteitsfilm van 5 jaar) 'Becky Sharp' uit 1935, een kostuumdrama dat de kleur gebruikte voor de opzichtige kleurenkostuums.<br />'De Tuin van Allah' ziet eruit alsof hij jaren later is opgenomen, want in de cinematografie wordt niet alleen gebruik gemaakt van kleur, maar ook van schaduw. Het moet voor het publiek in die tijd verbazingwekkend zijn geweest om een kleurenfilm te zien nadat ze in feite hun hele leven alleen maar zwart-witfilms hadden gezien. Helaas is de film niet bestand tegen de cinematografie. Al met al is de film de moeite van het bekijken waard, gewoon als visuele traktatie.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

In 1936 moet het publiek stomverbaasd zijn geweest over wat ze zagen: een prachtige, volledige Technicolor-film. Ik weet het niet zeker, maar dit zou de eerste kunnen zijn (3 films). Hoe dan ook, meer dan 70 jaar later ziet de film er nog steeds prachtig uit op dvd. Sterker nog, het is verbazingwekkend hoe goed hij eruitziet.
Prijs daarvoor gaat naar regisseur Richard Boleslowski, regisseur Virgil Miller, Selznick International Pictures en, voor de dvd, MGM Home Entertainment. Samen vormen ze een van de mooiste films uit het klassieke tijdperk.
Ik vond het verhaal zo-zo: uitstekend in de eerste helft, statisch in de tweede. Het gaf uiteindelijk een prettige boodschap af, ook al waren veel mensen er misschien niet blij mee geweest. Meer kan ik niet zeggen zonder de boel te bederven.
Marlene Dietrich zag er volgens mij nooit beter uit, en ze speelde zeker nooit zo'n zachtaardig personage ('Domini Enfilden'). Charles Boyer de hartenklopper was de mannelijke ster en het voorwerp van Domini's genegenheid, maar sommige van de minder belangrijke personages waren voor mij het interessantst. Mensen als Joseph Schildkraut als 'Batouch'; John Carradine als 'De zandwichelaar'; de meest memorabele, althans voor mij, was de danseres 'Irena', gespeeld door Tilly Losch. Wauw, dat is een gezicht en een dans die je niet snel zult vergeten! Ik heb nog nooit zoiets gezien in de duizenden films die ik heb gezien. Alleen al het zien hoe ze haar ding deed, was de prijs van de dvd waard. Als je haar cv bekeek, zag je dat ze maar in vier films had gespeeld, maar dat waren allemaal bekende films.

Basil Rathbone, de acteur die beroemd is geworden met zijn rol in 'Sherlock Holmes', staat er ook in, net als C. Aubrey Smith, een andere beroemde Britse acteur uit die tijd. Schildknaap, tussen twee haakjes, zal door liefhebbers van klassieke films worden herkend als de man die de arrogante winkelbediende speelde in de grote hit 'The Shop Around The Corner' met Jimmy Stewart en Margaret Sullivan.
De prachtige regie, de foto's en de kleuren, en Tilly's dans, dat zijn de dingen die ik belangrijk vind. Ik herinner me deze film het best, omdat er een heleboel goede en niet-zo-goede dingen in zitten. Als het laatste half uur beter was geweest <0xE2><0x80><0x93> hoewel ik het einde bewonder <0xE2><0x80><0x93> zou ik hem nog beter hebben gevonden. Het is beslist een film die verzamelaars aan hun collectie willen toevoegen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Prachtige Technicolor-productie die het ongewone verhaal vertelt van de romance tussen een vrouw met een sterk religieus geloof en een trappistenmonnik die zijn klooster heeft verlaten en zijn geloften heeft verbroken. De film begint in een klooster in Europa, waar een voormalige studente bidt <0xE2><0x80><0x93> een eenzame schoonheid in het zwart, Domini genaamd (Marlene Dietrich). De moeder-overste adviseert haar naar de woestijn te gaan en 'zichzelf te vinden', zodat ze haar verdriet om haar vader, die onlangs is gestorven, kan vergeten. In de treinwagon op weg naar de Sahara zit ze tegenover een zeer, zeer gekwelde man (Charles Boyer) <0xE2><0x80><0x93> onze voormalige monnik. Even later is ze in een hotel in de buurt van een oase met palmbomen, waar ze onze mysterieuze, gekwelde man weer ziet, terwijl hij zich afvraagt wat hij moet doen als hij wordt geconfronteerd met een heel verleidelijk dansmeisje. Domini raakt met hem bevriend, hoewel ze niets van zijn verleden weet <0xE2><0x80><0x93> een romance die snel zal volgen.<br />Deze film is sentimenteel, melodramatisch en anders (in zekere zin bijna surrealistisch en zelfs een beetje kitscherig) <0xE2><0x80><0x93> ik vond hem heel leuk en onderhoudend. De fotografie hiervan is echt interessant <0xE2><0x80><0x93> hij zit vol close-ups van extreme gezichten en prachtige kleurenfoto's van karavanen paarden die door de woestijn trekken, silhouetten tegen een zonsonderganghemel. Marlene Dietrich geeft hier een goed uitgevoerde, zij het ingehouden, voorstelling en ziet er schitterend uit. Charles Boyer <0xE2><0x80><0x93> meestal niet een van mijn favorieten <0xE2><0x80><0x93> is hier eigenlijk best goed in. Ik vind dat de rol hem wel goed staat en hij ziet er ook heel jong en knap uit. Basil Rathbone is prima, behalve dat hij heel weinig te doen krijgt. Nog een geweldige orkestmuziek van Max Steiner helpt het drama op gang te houden <0xE2><0x80><0x93> al met al een heel plezierige film.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

'De tuin van Allah' is een toonbeeld van 'populaire vrouwenliteratuur', de stijl van de twintigste eeuw, waarin de kracht van ongebreidelde erotische en exotische dromen wordt gecombineerd met de stimulerende glamour van nepmystiek en de sado-masochistische steek van katholieke schuld. Net zoals Jane Eyre niet echt gelukkig kon zijn tot haar kasteel om haar heen afbrandde en haar minnaar permanent werd verminkt voor zijn zonden, of de heldin van 'Rebecca' niet echt vervulling kon vinden in haar huwelijk tot haar heerszuchtige echtgenoot terecht moest staan voor de moord op zijn eerste vrouw (en haar kasteel om haar heen afbrandde), of de arme Psyche kon niet genoeg van hem houden en moest Cupido's leven redden. Domini, de vrome katholieke heldin van dit stuk chagrijn, kan alleen echte seksuele bevrediging vinden door per ongeluk te trouwen met een man die zijn heilige religieuze geloften heeft afgelegd. Zoals alle verhalen die tot doel hebben de vrouwelijke lezer te stimuleren en de dampen op te wekken, is ook dit gebaseerd op de oudste trucs in het boek: fundamentele misverstanden en het onvermogen om je ware gevoelens op de juiste plaats en op het juiste moment tot uitdrukking te brengen tot het te laat is. De logica is dat elke ultieme seksuele extase kan worden bevredigd zolang men bereid is er uiteindelijk een hoge prijs voor te betalen bij wijze van boetedoening in het laatste bedrijf. Het is Paul Claudel, maar dan teruggebracht tot de maatstaven van een schoonheidssalon. Nou ja... Het had veel erger kunnen zijn en dat was het vaak ook...

Zonder de religieuze bijklanken is de plot van de film die van een doorsnee pornofilm: een oversekste monnik die door onthouding tot waanzin wordt gedreven, ontsnapt naar de woestijn, waar hij met een romantische, goedgevormde maar naïeve katholieke erfgename een paar keer in de duinen gaat rollebollen voordat hij zijn klooster weer in ere herstelt, alle passie verbruikt, en haar achterlaat om zijn rotzooi op te ruimen. En ik neem het een andere commentator kwalijk dat hij 'Thaïs' van Anatole France met 'Thaïs' vergelijkt, een verfijnde roman die bedoeld was om de spot te drijven met het hele concept van de katholieke seksuele onderdrukking, waarvan een deel zich gelukkig ook afspeelde in Massenets opera met dezelfde naam. Maar wat deze film natuurlijk uniek maakt in de annalen van de commerciële vrouwelijke erotiek, is de enorme verscheidenheid aan talenten die onder één vaandel bijeen zijn gebracht om deze filmische natte droom tot glinsterend, levendig leven te brengen. Onvergetelijke technicolorfoto's die ons allemaal zullen overleven, een vrachtwagen vol waardige karakteracteurs (waaronder een schattig hondje), een muziekcassette van Max Steiner die vastbesloten lijkt om de 'gecomponeerde film' tot een goed einde te brengen. Het is een droomachtige sfeer waarin materiële overwegingen geen rol spelen, de personages zich als bij toverslag van de ene plek naar de andere verplaatsen, de dialogen spaarzaam zijn, vaag en suggestief, de kunstrichting dicht bij het hemelse ligt, de bloemstukken in de nederigste hut of tent verschijnen, de garderobe van de heldin is onuitputtelijk en alle mannelijke personages zijn aristocraten, heiligen, gedoemde maar geile zondaars, mystici of dichters.
Ahh... Hollywood! De MGM-dvd-presentatie van deze film is kaal maar onberispelijk. Het geluidstempo is over de hele linie erg hoog, de kleurenregistratie is bijna altijd perfect en het monogeluid van 2.0 doet Max Steiners partituur en Boyers voorlaatste bekentenis eer aan.
Een historische aantekening over dit soort 'vrouwenonderwerpen': het jaar daarop (1937) was Julien Duvivier, zichtbaar geïnspireerd door 'De tuin van Allah', verantwoordelijk voor 'Carnet de Bal', waar een zeer vergelijkbare heldin van kleren en paardenmelk die niet smelt in haar mond (na de zorg voor een zieke echtgenoot in de exotische afzondering van een onmogelijk romantische villa aan een meer in de Alpen) wil ontdekken wat ze heeft gemist door de mannelijke dansers in haar eerste dansboek op te zoeken. Ze vindt ze allemaal in de loop der tijd, om dan te beseffen dat het gevoel dat er op een bepaald moment tussen haar vrijers en haarzelf was, ofwel verkeerd werd begrepen, ofwel overschat, ofwel tragische gevolgen had voor de rest van haar leven. Het was Duviviers cynische manier om ons te vertellen dat we moeten oppassen voor onmogelijk idealistische ideeën en dat we allemaal vroeg of laat volwassen moeten worden.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De pionierende Technicolor-cinema (winnares van een Oscar voor de beste technische prestatie) is inderdaad betoverend. Voeg daar een eindeloze verscheidenheid aan betoverende kostuums aan toe en een romantisch filmdroomteam als Marlene Dietrich en Charles Boyer, en je hebt een tamelijk aangenaam 'filmbeeld'.<br />Jammer genoeg laten de gekunstelde plot en de overdadige acteerprestaties veel te wensen over. Toch zijn er vóór deze (1936) geen adembenemende Technicolor-films meer geweest, en sinds die tijd zijn er maar weinig die deze adembenemende visuele ervaring van verbluffende kleuren kunnen overtreffen. Filmfans die genoten hebben van de glorieuze kleurencinema in 'Robin Hood' (1938), 'Jesse James' (1939) en 'Gone With The Wind' (1939) zullen niet teleurgesteld zijn over het fantastische werk dat hier is gedaan. zal altijd synoniem zijn met briljante kleurencinema.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Domini Enfilren (Marlene Dietrich) heeft het grootste deel van haar leven voor haar vader gezorgd. Nu hij dood is, is ze vrij <0xE2><0x80><0x93> maar ze weet niet wat ze wil. Boris Androvsky (Charles Boyer) is een monnik die uit een klooster is gevlucht om meer van het leven te proeven. Ze ontmoeten elkaar per ongeluk in Algiers, worden verliefd en trouwen. Maar hij kan zijn verleden niet achter zich laten en zij kan niet zonder hem leven...

Een overdadige romance vol hysterisch slechte dialogen en situaties. Dietrich en Boyer doen hun best om goede voorstellingen te geven, maar niemand zou ongestraft een paar van hun teksten kunnen gebruiken! Toch is het in zekere zin een klassieker. 's in schitterende technicolor (probeer het maar eens op dvd te zien) en elke foto is adembenemend mooi. Dietrich is altijd tot in de puntjes gekleed (zelfs midden in de woestijn) en neemt hysterische poses aan om de kleren en haar lichaam te laten zien. Boyer loopt alleen maar met een verslagen blik rond (niet echt schokkend). Toch verveelde ik me nooit. Het was heerlijk om naar te kijken en de non-stop stomme dialogen hielden me op de been. Aan het eind viel ik bijna uit mijn stoel van het lachen! Nu hou ik van afgezaagde romances en geef ik ze alle ruimte, maar dit is echt ongelooflijk! Het duurt ook maar 80 minuten.
Als kampklassieker geef ik dit een 8. Als een serieuze film - een 1.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit was Eddie Robinsons 101ste en laatste film, en hij stierf negen dagen nadat de opnamen waren voltooid aan kanker. Dat maakt zijn belangrijkste scène in de film des te aangrijpender.
Hoewel sommige kapsels en kledingstijlen een beetje gedateerd zijn (zie ook de videogame die in de film te zien is), is het onderwerp van de film zo goed als tijdloos. Heston zei dat hij de film al een tijdje wilde maken omdat hij echt geloofde in de gevaren van overbevolking.
Verschillende dingen maken deze film tot een klassieker. Het verhaal is solide.
Het acteerwerk is eersteklas, vooral de wisselwerking tussen Heston en Robinson, en ook Cotten en Peters doen het goed. De muziek is absoluut perfect. De combinatie van Beethoven, Grieg en Tsjaikovski, in combinatie met de pastorale visuele elementen, zorgt voor een paar werkelijk ontroerende scènes. Dit was de kers op de taart voor de film.
En het thema (of het 'punt') van de film is belangrijk. Ja, het is een film over overbevolking, maar wat nog belangrijker is, het is een waarschuwend verhaal over wat er mis kan gaan met het rentmeesterschap van de mens over de aarde. In de onderliggende boodschap vind je de echte boodschap van de film. Let op wat Sol zegt over de 'oude dagen' van het verleden (wat ons heden is) en merk op dat Thorn niet in staat is te begrijpen wat Sol zegt.
Deze film is een van de beste sciencefictionfilms aller tijden.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik heb Soylent Green in 1973 voor het eerst gezien en in de loop der jaren misschien nog wel acht keer op tv of video. Het was altijd een van mijn favoriete sciencefiction- en/of Charlton Heston-films.
Onlangs draaide in de Egyptische bioscoop in L.A. een retrospectief van Charlton Heston. Ik vloog vanuit een andere staat naar Los Angeles om in twee dagen tijd zes van de films te zien. Soylent Green zag er geweldig uit op het grote Egyptische scherm met een perfecte nieuwe afdruk. Van de openingsmontage tot de aftocht en het geweldige einde was de film fantastisch.
Charlton Heston als politieman die in een hondenwereld leeft met weinig natuurlijke hulpbronnen en geen idee heeft hoe de wereld vroeger was, en Eddie Robinson als man die zich het verleden herinnert, zijn allebei geweldig.
De chemie tussen hen is geweldig. De film ziet er ook veel beter uit in een geweldige 35mm-afdruk. Fleisher weet echt hoe hij het scherm moet vullen, en de filmtorafie, het schrijven, de muziek en alles wat erbij komt kijken. De film is ook heel krachtig in zijn naargeestige en zeer mogelijke kijk op de toekomst. Denk je eens in hoe de wereldbevolking groeide, het regenwoud dat verdween, hulpbronnen die opraakten, het effect van het groene huis dat sinds 1973 erger werd. Ik vraag me alleen af waarom deze film al die jaren niet in de bioscopen is vertoond. Zijn reputatie zou beter moeten zijn.
Over reputaties gesproken, vaak praten mensen alsof Charlton Heston geen groot acteur is. Als ik hem in El-Cid, Soylent Green, The Warlord, The Omega Man, Will Penny en Major Dundee achter elkaar zie, ben ik ervan overtuigd dat hij een van onze beste acteurs is. Natuurlijk heeft hij nog een stuk of tien andere grote films gemaakt en voor degenen die het wat kan schelen, weet je wat dat zijn.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Soylent Green is... eigenlijk een heel goede film.
Dat had ik nooit gedacht. Ik mag Heston niet echt in zijn sciencefictionwerk. Hij is een van die acteurs die, net als Superman, meestal honend en onoverwinnelijk overkomen. Ik geef de voorkeur aan kwetsbarere helden. En inderdaad, hij speelt zich ook honend door een groot deel van Soylent Green heen, maar aangezien hij een overmoedige bullebak moet spelen, vind ik dat niet echt erg.
Ik kan begrijpen waarom sommige mensen hun neus optrekken voor deze film. Soylent Green doet geen enkele poging om futuristische beelden te creëren (wat zeg ik, het lijkt precies op 1973) en het ontbreekt aan actie. Maar ik bewonderde de film.' De film gaat over de visie van Soylent Green op een complexe, corrupte en zeer gelaagde samenleving, en ik was heel blij toen ik zag dat Edward G. Robinson zo'n ontroerende, grappige laatste rol had. Lekkere kleine karaktermomenten <0xE2><0x80><0x93> zoals wanneer hij kostbaar voedsel deelt met Heston <0xE2><0x80><0x93> maken de film echt goed.
De boodschap van Soylent Green is tegenwoordig behoorlijk relevant, nu niemand meer lijkt te weten wat de regering of bedrijven in godsnaam van plan zijn. Grappig, hè, om Heston te zien in een prototype van Michael Moore.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Heel interessant. De grote wending was niet zo'n schok als ze misschien hadden gehoopt en de film was erg ouderwets, maar hij zette me wel aan het denken. Hij zette me echt aan het denken over een wereld zonder vegetatie of vee en maakte dat ik veel meer waardering kreeg voor de wereld waarin ik leef. Charlton Heston doet zijn werk goed, net als alle andere bijrollen, en het was een heel realistische film, wat me verbaasde. Hij had soms geen richting en veel decors en achtergronden hadden meer uitleg nodig, maar het was nog steeds een verrassend goede en intelligente film. De grootste fout die ik kon vinden was dat ik hem niet goed genoeg vond. Ik wilde dat de film op dat moment zou eindigen, ik had graag willen zien wat er daarna gebeurde.

7/10.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit is een briljante sciencefictionfilm die heel vreemd is omdat mannen en vrouwen dezelfde film kijken. Ik heb met veel mensen over de film gepraat en bijna elke man vond hem geweldig en zei dat hij briljant was <0xE2><0x80><0x93> terwijl de meeste vrouwen hem alleen maar walgelijk en stom vonden! Dit is de enige film die ik ken met zulke gepolariseerde visies op basis van het geslacht. Misschien hebben veel vrouwen gewoon een lagere tolerantie voor walgelijke of deprimerende plotlijnen <0xE2><0x80><0x93> maar wat de oorzaak ook is, ik heb dit verschil altijd fascinerend gevonden.
De film begint met een moord en een onderzoek dat wordt geleid door Charlton Heston. Dit speelt in de nabije toekomst en het hoofd van de enorme internationale Soylent Corporation is vermoord. Terwijl de film zich ontvouwt, realiseer je je al snel dat dit een verschrikkelijke en uiterst onrechtvaardige toekomstige Amerikaanse samenleving is. De rijken wonen in prachtige appartementen met veiligheid en alle genoegens die je met geld kunt kopen (inclusief'meubilair' <0xE2><0x80><0x93> een eufemisme voor betaalde ma<0xC3><0xAE>tresses die bij het appartement horen). Tegelijkertijd is de massa straatarm, werkloos en woont in veel gevallen in verlaten auto's of gangen van appartementen. De overbevolking en smog hebben een zware tol geëist en de toekomst ziet er werkelijk verschrikkelijk uit!
Waarom de rijke man is gestorven en de afschuwelijke waarheid waarmee hij niet kon leven, zou ik eigenlijk NIET moeten bespreken <0xE2><0x80><0x93> het zou de film voor je kunnen verpesten. Maar de film heeft een geweldige plot en acteerwerk en is super opwindend om te zien. Bovendien speelt Edward G. Robinson in de laatste film de chagrijnige sidekick van Heston. Dit is geen film voor mensen die snel depressief of teergevoelig zijn, maar wel een geweldige sf-film die allegorisch en diepzinnig is.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik heb deze film min of meer bij toeval gezien, omdat ik hem had gekocht als de B-kant van The Omega Man-dvd. The Omega Man was een beetje een teleurstelling <0xE2><0x80><0x93> afgezien van het begin, dat duidelijk de inspiratiebron was voor 28 Days Later, is de rest gewoon tv-films. Maar Soylent Green is van een heel andere orde. Ik durf te wedden dat dit een van Tarantino's favorieten is. Er zijn minstens 3 scènes in de film die ik nog nooit eerder heb gezien. Heston die nonchalant in bed stapt met de'meubilair' terwijl hij het over iets anders heeft dat er helemaal niets mee te maken heeft! Een hele menigte mensen die door een vloot van mechanische graafmachines wordt opgepikt! Een priester die de biecht afneemt en door de belijder wordt doodgeschoten. Goed, misschien is dat sindsdien wel vaker gebeurd, maar er zijn niet veel films die zo consequent origineel zijn als deze. En wat is er in godsnaam gaande tussen Heston en Edward G. Robinson? Is dit het meest onwaarschijnlijke homopaar ooit, of niet? Gelukkig heb ik deze film gezien zonder het einde te kennen, wat kennelijk zeldzaam is. Toen heb ik hem nog een keer bekeken en genoten van alle kleine aanwijzingen die de lange, vroege scènes de moeite waard maken. Een heel mooi script, en een paar geweldige sets ook. Net als je denkt dat je alles hebt gezien...


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

De enige andere film, afgezien van Soylent Green, die zo'n hopeloos trekje heeft, is On the Beach. Beide films gaan over de gevolgen voor de soort en over de door de mens veroorzaakte catastrofes. In On the Beach gaat het over een kernoorlog en in Soylent Green over de milieuvergiftiging van de planeet.
Misschien is er reden voor enig optimisme, want in 2007 hebben we geen van de werelden bereikt die in die films worden beschreven en dat hadden we inmiddels wel moeten doen. In New York wonen nog steeds ongeveer acht miljoen mensen <0xE2><0x80><0x93> niet de 22 miljoen van rond de millenniumwisseling, zoals in Soylent Green wordt beschreven. Milieuactivisten roepen altijd dat deze film de gevolgen van de opwarming van de aarde laat zien. Voor mij is het ook een bewijs dat de ethiek van het Recht op Leven niet deugt. Kennelijk bestaat er ook geen gezinsplanning in deze wereld.
Charlton Heston is een rechercheur van de New Yorkse politie die samenwoont met kamergenoot Edward G. Robinson, die oud genoeg is om zich de Aarde te herinneren voordat er een catastrofe plaatsvond. Er is een moord gepleegd, Joseph Cotten is directeur van de Soylent Corporation, een multinationaal bedrijf dat een voedselproduct heeft ontwikkeld, een soort wafel in vele kleuren om de wereldbevolking te voeden. Het nieuwste product is Soylent Green.
Het onderzoek brengt Charlton Heston op het spoor van zijn dader, maar het leidt ook tot een paar afschuwelijke waarheden over de Soylent Corporation en de toekomst van de mensheid. Zoals Heston uiteindelijk roept dat Soylent Green uit mensen bestaat, dat we een ras van kannibalen zijn geworden, zo is het afschuwelijke feit dat er geen alternatief is. We hebben de planeet uitgeput en we moeten onze doden opeten om te overleven.
Dit was de afscheidsvoorstelling van Edward G. Robinson, en in zijn memoires sprak Heston op ontroerende wijze over Robinson, ook al hadden ze verschillende politieke opvattingen. Een paar weken nadat Robinson die laatste scène van zijn verscheiden op het witte doek had gespeeld, door middel van euthanasie, overleed hij in het echte leven. Dat gebeurde niet vaak, maar Heston wist dat Robinson terminaal was en dat er geen acteerwerk aan te pas was gekomen bij die laatste sterfscène tussen hen beiden. Hoewel het tijdschema niet klopte, wil dat nog niet zeggen dat de wereld die Soylent Green voor ogen had, niet zal gebeuren. Hopelijk hebben we niet alleen de intelligentie, maar ook het gevoel van gedeelde verantwoordelijkheid om dat te voorkomen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit was een film die de verbeelding prikkelde, vooral in 1973. Destijds was het in feite een enorm succes. Na de jaren zeventig leek het vergeten, maar de centrale boodschap was te belangrijk om helemaal te verdwijnen. In feite was de film zijn tijd minstens vijftien jaar vooruit... Niemand had voor 1985 ooit van het 'kasseneffect' gehoord, en het controversiële onderwerp euthanasie kwam zelden ter sprake.
De decors en special effects mochten er dan wat ouderwets uitzien, maar in die tijd was het een gok om veel geld uit te geven aan een sf-film. Als je goed kijkt, zie je dat alles normaal is. Dit is een berichtenfilm, niet voor doorgedraaide oorlogsfans die geen minuut stil kunnen zitten als er niet voor een miljoen dollar aan explosies in zit.
Dit was ook Hestons laatste goede film, het einde van zijn beroemde dystopische sci-fi trilogie. Daarna was het een en al opgeklopte rampscenario's en grote budgetten die het publiek vermaakten met rotzooi. Dit was dan misschien niet de amusantste twee uur durende film die ooit is gemaakt, en het einde mocht dan eng en deprimerend zijn, maar het is moeilijk om nog een filmproducent te vinden met lef die een onderwerp als dit zou aanpakken.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Zoals alle milieubewuste films uit de jaren zeventig heeft SOYLENT GREEN een nogal goedkoop beeld van wat een ecologische meltdown is. Overbevolking betekent dat er te veel mensen zijn om te voeden? Ik had de indruk dat hongersnood werd veroorzaakt door oorlog of een mislukt economisch beleid. Stalins beleid in de Sovjet-Unie in de jaren dertig heeft miljoenen doden veroorzaakt door hongersnood en tot op de dag van vandaag is de grootste man die tot een tragedie heeft geleid Mao's plattelandsbeleid in China, dat in de jaren vijftig meer dan 30 miljoen hongersnoodslachtoffers heeft gemaakt. U zou er ook rekening mee kunnen houden dat in de moderne tijd twee van de dichtstbevolkte gebieden op aarde, Hongkong en Macau, nooit hongersnood hebben gekend. Net zoals de uitbreiding van de sloppenwijken rond steden zoals we die hier zien, niet uitsluitend te wijten is aan overbevolking <0xE2><0x80><0x93> maar te wijten is aan economische factoren waar mensen naar steden trekken om beter betaald werk te vinden dan op het platteland (Het is een symptoom van industriële vooruitgang <0xE2><0x80><0x93> niet van te veel geboorten) dus het beeld van de straten van de stad New York die te vol zijn om door te lopen en van mensen die in trappenhuizen slapen, is enigszins lachwekkend.
Maar laat je niet voor de gek houden door te denken dat Soyling Green een hoop afgezaagde boomknuffel-onzin is, want ik beschouw dit als de beste ecologische film van de eeuw.
70. Het speelt in op het contemplatieve publiek dat kennis vergaart van de wereld waarin Sol en Thorn buiten zichzelf zijn van vreugde bij het vinden van fruit, cognac en vers vlees. Thorn snakt naar adem van verbazing dat er ijs in zijn whisky zit, neemt een trek van een sigaret en zegt de klassieke zin: 'Als ik het me kon veroorloven, zou ik er twee, misschien drie per dag roken.' Maar het is het gezicht van de euthanasiekamer dat het meest gedenkwaardig is als Thorn naar de beelden kijkt van wilde dieren, bloemen, stromend water en met sneeuw bedekte bergen, een wereld die de generatie van Thornzonen nooit heeft gekend. Dit is een zeer aangrijpende scène die van SOYLENT GREEN een gedenkwaardige film maakt, in combinatie met het feit dat Edward G. Robinson uiteindelijk op het scherm verschijnt als de wijze oude Jood Sol Roth.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De tijd is de toekomst en voor velen die zich daar niet van bewust zijn, is die dag nu. In deze laatste film voor de legendarische acteur Edward G. Robinson wordt 'Solent Green' een klassieker. Veel filmfanaten en milieuactivisten geloven dat dit onze uiteindelijke geschiedenis is. De film is afkomstig uit het boek met de titel 'Maak ruimte, maak ruimte', maar de titel van de filmploeg is veranderd in 'Solent Green'. Het verhaal gaat over de Aarde terwijl die zich ontwikkelt in de toekomst en de milieuproblemen van de wereld niets minder dan catastrofaal worden. De natuurlijke hulpbronnen van de planeet zijn uitgeput en het basisvoedsel is gereduceerd tot eenvoudige dingen. Ze komen voor in een verscheidenheid aan kleuren, zoals Solent Geel, Solent Rood en nu Solent Groen. Er zijn echter mensen die het 'echte' ingrediënt in Solent Green kennen en terugdeinzen voor hun eigen schuld en bang zijn voor goddelijke vergelding. De eerste is een directeur van een levensmiddelenfabriek die William R. Simonson heet (Joseph Cotton). Na zijn dood zoekt een toegewijde politierechercheur, Robert Thorn (Charleston Heston), de waarheid achter zijn ogenschijnlijke zelfmoord. Hoewel corruptie helemaal tot de top reikt, begint het met Simonsons Bodyguard, Tad Fielding (Chuck Connors) en Veiligheidschef Donnovan (Roy Jenson) die het op Thorn hebben voorzien van een afvalverwerkingsfabriek. Thorns baas, inspecteur Hatcher (Brock Peters) gelooft zijn vermoedens, maar waarschuwt hem voor de 'higher and hot' die de zaak willen afsluiten, maar Thorn zal zijn 'baan' niet op het spel zetten voor een gemakkelijke uitweg. Wat Thorn ontdekt, betekent dat hij dood is, maar net als in de film wacht hij op een laatste waarschuwing.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Als we niet uitkeken, zouden we de wereld van het sf-drama Soylent Green uit 1973 kunnen zien. Het is een wereld waarin de bevolking van New York in het jaar 2022 de veertig miljoen heeft bereikt. Overbevolking, luchtvervuiling, hittegolven en voedseltekorten zijn de regel. De enige hoop komt van een voedingsmiddel dat Soylent Green heet. Maar waar is dat voedingsmiddel eigenlijk van gemaakt? Die vraag vormt de kern van deze enigszins gedateerde, maar nog steeds intrigerende film, gebaseerd op de roman 'Make Room! Make Room!' van Harry Harrison uit 1966. Het blijkt dat Cotten in de raad van bestuur zat van de Soylent Corporation, de mensen die verantwoordelijk zijn voor al die etenswaren die de mensen moeten consumeren in plaats van de echte dingen. Heston gelooft dat dit niet zomaar een huis-tuin-en-keukenmoord was, dat Cotten niet voor niets van de aardbodem is verdwenen. Hij krijgt veel hulp van zijn ietwat chagrijnige maar zeer scherpzinnige 'boek' (Edward G. Robinson, in zijn 101ste en laatste filmische optreden) en een paar tijdige herinneringen aan hoe de wereld er vroeger uitzag. Wat Robinson te weten komt over Soylent Green schokt hem tot in het diepst van zijn wezen, maar voordat hij Heston alles kan vertellen wat hij weet, heeft hij zichzelf al laten inslapen. En als Heston inderdaad achter het geheim van Soylent Green komt... tja, dan is dat deel vereeuwigd in de geschiedenis van de film.
Onder de zeer professionele leiding van regisseur Richard Fleischer (THE BOSTON STRANGLER, FANTASTIC VOYAGE) is Soylent Green een tamelijk grimmige, maar tot nadenken stemmende blik op een Dystopische toekomst die de mensheid zou kunnen hebben als we onze neiging om onze planeet van zijn natuurlijke hulpbronnen te ontdoen niet in toom houden. Dit was inderdaad een project dat Heston al in 1968 in gedachten had gehad om te filmen, nadat hij met _PLANET OF THE APES_ succes had geboekt in de sciencefiction; een feit dat waarschijnlijk verloren gaat als zijn ultraconservatieve politieke filosofie in een gesprek ter sprake komt ( _SOYLENT GREEN_ is per slot van rekening geen traktaat over het ongebreidelde kapitalisme). Robinson is, zoals altijd, de volmaakte professional in zijn laatste rol; de scène waarin hij euthanasie krijgt (als hij naar videobeelden van de wereld uit een beter tijdperk kijkt, met muziek van Tsjaikovski, Beethoven en Grieg) is gewoon hartverscheurend. De film heeft ook profijt van de solide steun van Chuck Connors (als een zeer overtuigende zware jongen), Brock Peters (als Hestons rechterhand). 's superieur) en Leigh Taylor-Young als de vrouw die Heston probeert te helpen bij zijn onderzoek.
Het zal tegenwoordig niet zo moeilijk zijn om soylent Green af te doen als gedateerd. Maar degenen die het doen, moeten zich wel twee keer bedenken, want de wereld van deze film zou wel eens de onze kunnen worden als we niet oppassen met wat we nu hebben.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

NYC, 2022: Het Greenhouse-effect, de verdwenen oceanen, de slopende werkloosheid en de schaarste aan water, energie en voedsel... en de bevolking van New York heeft de veertig miljoen bereikt. Dit is een juweeltje van een film, niet in de laatste plaats omdat voor ons burgers van de 21e eeuw een van zijn grondstoffen beroofde toekomst werkelijkheid is geworden.
De lowbudgettitels van deze film zijn geweldig: op muziek gezet, een lowtech 'tape-slide'-sequentie die geheel bestaat uit archieffoto's van het begin van de fotografie tot 1973, wordt in minder dan 2 minuten een onbedorven Amerikaanse landelijke omgeving afgebeeld die zich ontwikkelt tot een vervuilde en overbevolkte hel. Beknopt en ondubbelzinnig, het is echt gedenkwaardig. Budgetbeperkingen liggen ook achter een nogal fantasieloze cinematografie en andere beperkingen, in strijd met de briljante premisse van het verhaal. De scènes op het politiebureau zijn net een aflevering van een detectiveserie uit de jaren zeventig, en de andere decors zien er op zijn best gewoontjes uit. Het budget was waarschijnlijk bedoeld om het 'Chelsea West'-appartement van de Soylent Executive met de nieuwste snufjes te 'futuriseren', wat betekent dat de andere kostuums plichtmatig zijn, dat sommige belangrijke scènes bizar onderbevolkt zijn en dat de buitenkanten van de gebouwen overdag allemaal door een rookfilter zijn geschoten.
De gedenkwaardige scène waarin Sol en Thorn (Charlton Heston) samen een maaltijd van duur en zeldzaam voedsel nuttigen, vat keurig hun samenleving samen: ze genieten van echte bourbon, sla, selderij, tomaat, appel en rundvlees, en we voelen echt hun lippen smakkende waardering voor de rijke privileges van iemand anders. De kern van de film is nog net zo actueel als in het begin van de jaren zeventig. Ja, ik weet dat we de doden nog niet opeten, maar met onze grondstoffenverslindende levensduur, de groeiende kloof tussen arm en rijk, het wereldwijde kapitalisme en de ongebreidelde vernietiging van habitats die tot klimaatverandering leidt, zou de blijvende voorspelling van 'Soylent Green' weleens kunnen uitkomen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Een werkelijk verbazingwekkende film, het concept als mogelijk profetisch visioen van de toekomst is angstaanjagend. Een wereld die overbevolkt is, ondraaglijke hitte als gevolg van de beschadigde ozonlaag, en al onze natuurlijke hulpbronnen zijn op. In deze nachtmerrieachtige gedegenereerde samenleving hebben we de grote Charlton Heston als een sympathieke film noir-rechercheur die de waarheid achter een moord probeert te doorgronden, tegenover de film noir-legende Edward G. Robinson die een mooie laatste voorstelling geeft.
Een van de beelden die me altijd bij zullen blijven van deze film is de massa mensen die de trappenhuizen bevolken en de manier waarop Thorne (Heston) er elke keer dat hij ze gebruikt doorheen moet springen.
De film. Het gebruik van muziek is ook opmerkelijk, hoewel er geen partituur in de gebruikelijke zin van het woord in zit. Het openingsthema is goed en de daaropvolgende flarden muziek die we hier in Simonsons appartement horen, en vooral de stukken van Beethoven in de euthanasiekliniek, zijn buitengewoon sfeervol.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Is dit de toekomst die ons wacht? Een overbevolkte, meedogenloze woestenij met een hels, ongewenst bestaan? Deze film doet ons denken aan een probleem dat ons nog steeds kwelt, dubbel zo erg sinds de film in 1973 werd uitgebracht. Laten we hopen dat de wereld niet zo zal eindigen...
Soylent Green is een wilde film waar ik erg van heb genoten. Hij had sympathieke personages, een semi-apocalyptische omgeving, een meeslepende en tot nadenken stemmende verhaallijn en de meest macho-achtige macho van het hele land: Charleton Heston. Richard Fleischer gaf de film een heel onplezierig, smerig gevoel. Je stikt bijna van de stank van de stad en zijn smerige bewoners.
De personages zijn geweldig. Charleton Heston, een van mijn favoriete acteurs, is Thorn. De man heeft deze rol van stoere, maar toch sympathieke stoere man gecreëerd. Ik zou mezelf absoluut in Thorns schoenen kunnen plaatsen. Hij ziet dat er iets niet klopt, maar iedereen om hem heen luistert niet (het is eerder zo dat ze betaald worden om niet te luisteren) of wil hem dood hebben. Edward G. Robinson (in zijn laatste film, R.I.P.) speelt de beminnelijke oude Sol, die genoeg heeft van dit akelige oord. Alle anderen zijn geweldig, vooral Leigh Taylor-Young als Shirl, een stuk'meubilair' dat bij het appartement hoort waarin ze woont.
De special effects zijn fantastisch, zelfs voor 1973. De Soylent Green-fabriek, de futuristische appartementen en vooral de'scoops' (camera's die mensen uit de weg ruimen) waren uitstekend. De vervuilde lucht buiten ziet er walgelijk en heel akelig uit. De lege straten van de stad, gevuld met de verachtelijke en verrotte mensen, zijn heel verontrustend.
Een laatste noot is het einde, dat me zelfs nu nog schokte. Het is gruwelijk, maar als je erover nadenkt, is het een heel goed idee.

De kern van de zaak:
Een uitstekende science-fictionfilm uit 1970 die je aan het denken zet en je een heel ongemakkelijk gevoel bezorgt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Soylent Green vond ik een uitstekende film.
Als je Logan's Run leuk vindt, zul je dit ook leuk vinden.
Ja, de film is oud en er zijn geen special effects en een deel van het acteerwerk kan je het best omschrijven als 'cheesy', maar het verhaal is uitstekend.
Het verhaal over hoe de wereld kan zijn en de invloed ervan op de maatschappij is heel aangrijpend.
Aan het eind was het mysterie geen mysterie, maar het verhaal ontvouwde zich in een gemakkelijk tempo.
Het modernste dagequivalent zou 'Dark Angel' zijn in termen van hoe de Verenigde Staten eruit ziet als derdewereldland.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Mijn evaluatie: 8/10

Ik vind deze film erg goed. Vergeleken met de tegenwoordige hersenloze film (alleen maar actie en speciale effet en niets nieuws aan ideeën), vraagt 'Soylent Green' om iets dat vandaag de dag niet meer bestaat: Denken.
Nou, het zou me geen grote verrassing zijn als de mens op een dag 'cookies' opeet die het lichaam van de mens vormen. Met alles wat er op deze planeet gebeurt, en te zien hoe de mensen zo onverschillig zijn voor alles, is zo'n soort toekomst mogelijk.
Zeker, deze film zal wat tijd nodig hebben, maar het idee achter de film is weer echt. Rijk in het Paradijs, ander in de hel. Nou wat een geluk dat ze tegenwoordig tv en idiotie zijn zoals 'Reality Show'.
Tv is een goede hersenspoeling. Het is jammer om te zien dat de intelligentie van de mens niet zo vooruitgaat als de technologie. Sinds het schrijven is opgehouden.
Als je van reality-tv houdt is deze film niet voor jou. Als je gelooft dat alle politici net zo zijn. Als je jezelf geen vragen stelt over het nu en de toekomst moet je deze film niet kijken.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Vooral in een tijd dat er nog niet veel science fiction werd gemaakt (1973), is dit een geweldig visioen van een toekomst waarin alles mis is gegaan. Te veel mensen, en niets werkt. De enigen die in luxe kunnen leven, zijn de rijken. Het speelt zich af in New York in 2022 (denk ik), en het doet je denken aan je ergste visioen van Calcutta.
Ik heb Charlton Hestons acteerwerk kunnen waarderen nadat ik hem had gezien in Touch of Evil van Orson Welles. Hij was (misschien is) in staat om een scala aan heldhaftige of half-heldhaftige mensen te spelen. Hier wordt hij heen en weer geslingerd tussen een politieman die maar een klein beetje corrupt is (de rijken laten mee-eten van hem) en volkomen corrupt (actief het kwaad goedkeuren). Het lijkt wel of de film's avonds wordt opgenomen en het zweet druipt van iedereen af, behalve in een van die zeldzame appartementen met airconditioning. Hoewel ik de film niet eerder had gezien, kende ik het beroemde einde (dat hier niet wordt onthuld), maar het einde is zeker een voorbode.
Grote scènes met Edward G. Robinson: naar de raad (die bestaat uit bejaarde joden met een zwaar accent, naar het schijnt), waar de waarheid wordt onthuld. En dan naar de Thanatos om uit te checken.
Griezelige pre-Star Wars dystopische sciencefiction.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Niet vaak heb ik het gevoel gehad dat een film visionair zou kunnen zijn. Maar deze film heeft duidelijk het zaad van een voorgevoel.
We moeten niet de neiging hebben om paniek te zaaien en ergens een armageddon in te zien, omdat dat lijkt te passen bij onze emoties van dat moment. Maar, zeiden we dat niet al in '1984'? Had James Orwell geweten dat het internet niet lang na 1984 werkelijkheid was geworden? In feite was het in 1994; hij had er misschien over nagedacht om zijn verhaal op die manier te schrijven. Achteraf gezien was het de moeite waard.
Het doet er niet toe. Wat er wel toe doet, is dat we onszelf vaak als superieur beschouwen ten opzichte van onze omgeving, maar dat we emotioneel worden over een 'liefdesappel' als de nood aan de man komt. Een kiekje van onszelf op onze oude dag.
Wat de tijdlijn ook voor ons zal blijken te zijn, ik weet zeker dat we het begin ervan nog niet hebben gezien.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Dit is een geweldige film, maar er zou meer over Soylent Green kunnen zijn. Er zouden meer scènes moeten zijn van wat ze met mensen doen. Hoe mensen zich gedragen in 2022. Ik denk dat het leuk zou zijn om te zien of dit allemaal gebeurt in het jaar 2022 en daarna. Zelfs als je nog steeds weet wat het geheim is, is het een geweldige film. Dus ga die film nu huren of kopen!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik heb tonnen science-fiction uit de jaren zeventig gezien; sommige waren gruwelijk slecht en andere waren provocerend en echt angstaanjagend. Soylent Green behoort tot de laatste categorie. Ja, soms is het een beetje kitscherig en ja, het meubilair is goed voor een giecheltje of twee, maar sommige films lijken verschrikkelijk vooruitziend. Hier hebben we een film, 9 jaar voor Blade Runner, die zich de toekomst durft voor te stellen als vaag donker, eng en nihilistisch. Zowel Charlton Heston als Edward G. Robinson verging het in deze film veel beter dan in The Ten Commandments, en Robinsons scène over zijn hulp bij zelfdoding is griezelig vooruitziend over Kevorkian en zijn soort. Sommige houdingen zijn gedateerd (kun je je voorstellen dat een filmmaker wegkomt met de 'vrouwen als meubilair'?) Maar er is maar zelden een film uit het Me Decade die je echt aan het denken zet. Dit is er een die ik dolgraag op het witte doek zou willen zien, want ik denk niet dat de omvang van deze film, zelfs niet op een breedbeeldscherm, zijn verdiende loon zou zijn.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

In de jaren zeventig speelde Charlton Heston in verschillende sciencefictionfilms. 'Soylent Green' is een van de betere. Hij speelt Robert Thorn, een rechercheur in New York in 2022. In deze toekomst is het meeste voedsel zo duur dat iedereen een product nodig heeft dat Soylent Green heet. Maar als Thorn de onsmakelijke waarheid over dit product ontdekt, is hij op de vlucht.<br />Ik denk dat het niet meer dan natuurlijk is dat deze film in onze tijd gedateerd lijkt. Maar toch roept hij interessante vragen op over wat er van onze landbouw zal worden. Ook met Leigh Taylor-Young, Chuck Connors, Brock Peters, Joseph Cotten en Edward G. Robinson (in zijn laatste rol).


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film werd me aanbevolen door Matt Groening. Nou, eigenlijk heb ik zowel _The Simpsons_ als _Futurama_ gezien en in beide werd hij genoemd, dus dacht ik: wat kan het mij ook schelen. De film brengt een paar 'wat als's' ter sprake die je doen beseffen hoeveel geluk we hebben in deze tijd waarin we eenvoudige dingen als zeep en water als vanzelfsprekend beschouwen. Interessant is wel dat in het jaar 2022 mannen zich nog met één enkel veiligheidsscheermes scheren! Leuk dat de verantwoordelijken de film niet volstopten met onnodige special effects, straalpistolen, enzovoort. Mooi'meubilair' als je eenmaal weet wat dat betekent. Denk aan 'Dinsdag is Soylent Green Day'.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Soylent Green is een klassieker. Ik heb zitten wachten tot iemand het opnieuw zou doen. Ze schijnen tegenwoordig sf-klassiekers te maken (d.w.z. _War of the Worlds_ ) en ik hoop dat een of andere regisseur/producer Soylent Green opnieuw zou maken. Met de moderne computeranimatie en technologie zou het een geweldige film kunnen worden. Anti-Utopiaanse films zijn misschien niet zo vergezocht. Het menselijk ras vermenigvuldigt zich als kakkerlakken zonder enige invloed van buitenaf om het in te perken. Wij, als mensen, hebben de mogelijkheid om de voortplanting van mindere soorten in de war te sturen als ze uit de hand lopen, maar er is niets om de voortplanting van de mens te beheersen behalve onszelf. Ondanks alle ziekten, oorlogen, abortussen, geboortebeperking enzovoort. Het menselijk ras vermenigvuldigt zich nog steeds, net als bacteriën in een petrischaaltje. De klassieke Malthusiaanse economie stelt dat elke soort, inclusief de mens, zich zal vermenigvuldigen buiten hun middelen van bestaan. 6 miljard en groeien... dat is obsceen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Deze film heeft een uitstekende cast, een aangrijpend verhaal met een ijzingwekkend einde, geweldige muziek en uitstekende beelden zonder noemenswaardige special effects. Het is echter wel interessant om op te merken dat de toekomstverwachtingen, zoals in veel sciencefiction, waarschijnlijk niet zo snel zullen uitkomen als in de film. Dat wil niet zeggen dat we al uit de gevarenzone zijn, maar 2022 is nu duidelijk nog te vroeg om in deze toestand te verkeren. Deze tekortkoming wordt gedeeld door een vrij illustere lijst van science-fictionklassiekers: '1984', '2001: A Space Odyssey' (vergelijk het ruimtestation maar eens met ons Internationale Ruimtestation) en 'I Robot' van Isaac Asimov (in de jaren negentig zou er een robotbrein zijn uitgevonden).


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

In deze film lijkt het jaar 2022 veel op de jaren zeventig. Dat is aanvankelijk amusant, maar al snel dringt het tot de kijker door hoe anders die decadente, futuristische wereld is ondanks de uiterlijke schijn, hoeveel dingen die wij als vanzelfsprekend beschouwen, niet meer beschikbaar kunnen zijn.
<0x3E> Personages hebben vaak een merkwaardige verstandhouding, zonder tact of manieren of respect. Ik geloof dat dit opzettelijk is, geen slecht acteerwerk. Wie de maatschappelijke veranderingen in de jaren zestig en zeventig heeft meegemaakt, kan immers best aannemen dat in 2022 een overbevolkte stad zich zo gedraagt.
<0x3E> Ik vond de meeste actiescènes niet leuk, afgezien van de dood van de priester: te goedkoop, zelfs voor de jaren zeventig. De plot is niet al te gelikt. Maar de grote scènes en ideeën <0xE2><0x80><0x93> zoals de dood van Sol, de manier waarop relschoppers en lijken worden aangepakt, de'meubels' <0xE2><0x80><0x93> wegen zwaarder dan de tekortkomingen van deze film.
8 van de 10.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

'Soylent Green' is een van de beste en meest verontrustende sciencefictionfilms uit de jaren zeventig, en zelfs naar de maatstaven van nu nog steeds heel overtuigend. Hoewel de film een paar zwakke punten heeft en een beetje gedateerd is, zijn de apocalyptische sfeer en de milieuthema's (typisch voor die tijd) nog steeds erg verwarrend en inspirerend. Het kwaliteitsniveau van deze film overstijgt dat van de meeste hedendaagse SF-films vanwege de sterke cast en een paar heftige scènes die ik persoonlijk als klassiek beschouw. Het New York van 2022 is een deprimerende plek om te leven, met een overbevolking, werkloosheid, een ongezond klimaat en een totale schaarste aan alle belangrijke voedingsmiddelen. De enige vorm van voedsel die beschikbaar is, is synthetisch en wordt gedistribueerd door het Soylent-bedrijf. Charlton Heston speelt (in topconditie) een politieman die de moord op een van Soylents meest vooraanstaande medewerkers onderzoekt en hij stuit op schandalen en duistere geheimen... Het script is soms een beetje te sentimenteel en de climax komt niet echt als een verrassing, maar de sfeer is wel erg gespannen en griezelig. De rel is werkelijk afmattend en is met gemak een van de meest macabere momenten in de film van 70. Edward G. Robinson is uiteindelijk indrukwekkend in zijn laatste rol en er is een geweldige (maar te bescheiden) ondersteunende rol voor Joseph Cotton ('Baron Bloed', 'De Afschuwelijke Dr. Fido'). Dit is in mijn boek Science-Fictie: een nachtmerrie die onvermijdelijk vervaagt voor de mensheid! Geen chique ruimteschepen met harige monsters die onze planeet aanvallen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Wat de kunst betreft, waren de jaren zeventig een zeer turbulent tijdperk. In de literatuur en de beeldende kunsten was het het einde van een grote vijftig tot zestig jaar durende periode van creativiteit die nog niet was hervat. In de muziek was het een decennium dat door velen als een dieptepunt wordt beschouwd, vanwege de rock en disco van die tijd. Op de televisie was het een Gouden Eeuw voor situatiekomedies, van The Odd Couple tot de Mary Tyler Moore Show tot M*A*S*H tot All In The Family, maar in de film was het zelfs een periode van creativiteit in alle genres die de opkomst van de Amerikaanse auteurs <0xE2><0x80><0x93> regisseurs als Robert Altman, Francis Ford Coppola en Martin Scorsese <0xE2><0x80><0x93> uit de as deed herrijzen van de oude studiosystemen die meer dan een halve eeuw Hollywood hadden gedomineerd. Deze regisseurs wilden geletterde, kunstzinnige films maken voor de massa, van het soort dat sinds het eind van de Tweede Wereldoorlog in Europa niet meer was vertoond. Toch probeerden de studio's de vaart erin te houden met sociaal bewust gemaakte films van het soort dat sinds de jaren dertig niet meer was gezien.
Maar in tegenstelling tot de films uit de jaren dertig, met acteurs als Jimmy Cagney en John Garfield (die meestal de rol van de Dead End Kids speelden), die op een korrelige, realistische manier met maatschappelijke kwesties te maken hadden, of zo realistisch als je op een geluidsstudio maar kon krijgen, manifesteerde het sociale bewustzijn van de late jaren zestig en het begin van de jaren zeventig zich het meest in sciencefictionfilms, die de linkervleugel van Hollywood in staat stelden tot het grote publiek te preken onder het mom van wat de meeste mensen als weinig meer beschouwden dan komisch stripvermaak. Er was een precedent voor deze benadering, want verscheidene van de vliegende schotelfilms uit de jaren vijftig hadden te maken met de politieke tijdgeest van het McCarthy-tijdperk, met name _The Day The Earth Stood Still_ en _Invasion of The Body Snatchers_. En in het begin van de jaren zestig ondermijnde Rod Serling voortdurend het politieke conservatisme van die tijd door maatschappelijke kwesties in sciencefiction-achtige taferelen te gieten in zijn klassieke sciencefiction-tv-an anthology-programma _The Twilight Zone_. Onder de programma's van die tijd bevonden zich de ecologisch gevoelige _Stille Weg_, de eerste film van George Lucas _THX_ 1138, die te maken had met consumptiedwang, groepsdenken en existentialisme, en _Logan's Run_, die hamerde op het communisme en de heerschappij van de staat tegenover de rechten van het individu. De verwijzingen zijn nogal omslachtig <0xE2><0x80><0x93> en stinken naar de toenmalige Arabische oliecrisis en de heersende inflatie. Een paar geschaafde aardbeien kosten 450 dollar, en Soylent rantsoeneert zijn assortiment gekleurde voeding <0xE2><0x80><0x93> Soylent Geel, Soylent Rood en het nieuwe Soylent Groen, naar verluidt gemaakt van 'de beste onderzeese groei', op een manier die wel iets weg heeft van de gasrantsoenering van die tijd. Scènes van voedselrellen zijn griezelige echo's van de olierellen bij veel benzinestations in het jaar van de première van de film, en de scènes waarin het wemelt van de mensen en overal lijken liggen, levende en dode, zijn nog steeds angstaanjagend en invloedrijk. Een latere film als _Escape From New York_ is een duidelijk nageslacht. De rest van het script, van Stanley R. Greenberg is echter een doodgewone film, een standaardfilm voor een dystopische film, maar Fleischer en cinematographer Richard H. Kline zijn er goed in om het scherm te vullen met interessante beelden en geluiden om de boel wat op te fleuren. Het gebruik van zachte, schemerig verlichte beelden, met een donkere filter, geeft het New York van de film een Stygisch tintje, bijna als een gekleurde versie van Carl Theodor Dreyer's _Vampyr_. Het enige licht in de film komt van kunstmatige bronnen, en als de mode niet zo faux pas had uitgehaald, had de film echt tijdloos kunnen lijken.
Het einde van de film, waarin Thorn de verwerkingsfabriek binnensluipt waar menselijke lijken tot Soylent Green-wafels worden gemaakt, is zowel ijzingwekkend als vreemd genoeg zonder drama. Uiteindelijk jagen de Soylent-knechten Thorn op, maar hij overleeft het lang genoeg om de openingszin van de film tegen Hatcher uit te spreken. Toch weet je niet of het genoeg is, want Hatcher is al ingelijfd en heeft de reputatie dat hij de gemakkelijkste uitweg heeft gekozen. Toch toont dat feit, en de dubbelzinnigheid ervan, aan dat de film de dilemma's van de personages niet recapituleert en een diepte heeft die veel latere, beter gemaakte films, sci-fi of niet, niet hebben. Dat is ook de reden waarom Soylent Green nog steeds een film is die de moeite waard is.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Het is tijd om eer te bewijzen aan de grote Charton Heston na zijn recente heengaan, maar deze film is niet de juiste. Zijn andere films van een vorige generatie waren BEN HUR, THE TIEN COMMANDANT, OMEGA MAN en PLANET OF THE APES.
Deze film, gemaakt in 1973, probeert een toekomstige aarde te voorspellen, in 2022, die zo overbevolkt is dat de mensheid door de autoriteiten is gemanipuleerd om een door iedereen geproduceerd voedselproduct te eten dat 'Soylent Green' heet en dat gemaakt is van Menselijk vlees. Deze bizarre en onwaarschijnlijke film was ten tijde van zijn première even belachelijk als hij nu is en veronderstelt India's toekomst.' De bevolking van Nieuw-Zeeland, die op dat moment zo'n twee miljard mensen zou tellen, zou dan zonder het te weten vleeseters zijn.
Het personage van Charlton Heston is het geheim van's werelds geheime internationale samenzwering dat de wereldmachten hebben bedacht om aan de voedingsbehoeften van de overbevolking te voldoen door gebruik te maken van kannibalisme.
Helaas voor de producenten van deze film is de boodschap die ze overbrengen godzijdank niet die van de Green Party van tegenwoordig. Kannibalisme werd beoefend door de inheemse bevolking van Nieuw-Zeeland, Fiji en Borneo tot slechts veertig jaar voordat deze film werd gemaakt, maar is inmiddels door de menselijke beschaving verlaten. Een andere dwaze voorspelling in de film is dat vrouwen quasi-seksslavinnen worden die het tij van het radicale feminisme, dat in 1972 op zijn hoogtepunt was toen deze film werd gemaakt, keren.

De film was toen stom en is nu nog even stom, maar bevat wel een zeer onherkenbare laatste filmopvoering van wijlen de grote Edward G. Robinson, maar nog steeds geen geldige reden om de film opnieuw te bekijken, behalve dan om academische redenen.
Dit is een waardeloze film en ik zou hem niet eens aanbevelen aan babyboomers of fans van Charlton Heston. Alle andere recensies die ik over deze film heb gelezen, klinken allemaal hetzelfde als ze verwijzen naar een dystopische samenleving in de toekomst, waarvan het gecentraliseerde thema alleen de Verenigde Staten lijkt te omvatten, waar zich een ecologische ramp heeft voorgedaan.
De enige verdienste van de film is dat de aarde inderdaad met overbevolking te maken krijgt.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Nee, dit is geen vervolg op de fabelachtige OVA-serie, maar eerder een remake van de gebeurtenissen die plaatsvonden na de dood van Ghim (en de verdwijning van Woodchuck). Het is ook accurater over de romans die deze fantastische serie hebben geïnspireerd, en dat is de reden waarom personages (met name Orson en Shiris) opnieuw worden geïntroduceerd en waarom het verhaal misschien iets anders lijkt dan dat van de OVA. (Het boekje dat bij de serie hoort, geeft uitstekende antwoorden op dergelijke vragen, net als verschillende internetsites.) De eerste acht afleveringen van deze 27-delige tv-serie gaan over de noodlottige slag bij de Demonendraakberg. De resterende 19 afleveringen laten ons kennismaken met Spark, een blauwharige ridder in spe die zich met Parn identificeert, en zijn zootje ongeregeld als ze proberen de Duistere Tovenaar Wagnard ervan te weerhouden Kardis de Vernietiger weer tot leven te wekken.
Hoewel het niet helemaal het equivalent is van de oorspronkelijke LODOSS WAR (we zijn allemaal dol op de finale waarin Parn Deedlit van Wagnard redt, toch?), is deze tv-versie nog steeds heel leuk voor fantasyfans. Ook al is de animatie beperkt (en een stap terug van de artistieke inslag van de eerste LODOSS), deze 27-part-serie heeft zijn aantrekkelijke elementen. De volledig verwezenlijkte personages, een boeiende verhaallijn, magie, romantiek en een schitterende soundtrack, gecomponeerd door Kaoru Wada van NINJA SCROLL, geven deze ongelijkmatige draai een beetje pit.
Hoewel er om de een of andere reden kritiek is geweest op de OVA-fïlm van LODOSS, vond ik hem over het algemeen wel leuk en beschouw ik hem nog steeds als een van mijn favoriete fïlms. Dus ik had grote verwachtingen van de fïlm voor CHRONICLES, gemaakt in 1999-2000. Voor het grootste deel is de Engelse tv-zender van LODOSS van redelijke (zo niet uitmuntende) kwaliteit; hij heeft echter wel zijn portie problemen. Veel van de oorspronkelijke cast die hun Engelse stemmen leenden aan de personages van LODOSS keren terug (met inbegrip van Lisa Ortiz als Deedlit!), wat een leuk extraatje is. De eerste acht afleveringen deed hij het niet al te best, maar zijn stem kwam over als irritant (waardoor sommige anti-dub-fans de dub onmiddellijk de nek omdraaiden), maar tegen de tijd dat Spark en consorten het podium bezetten, vond ik het minder irritant. (Ik weet niet of dat komt doordat hij beter werd of dat het gewoon bij mij groeide.) Bovendien komt niet iedereen van de OAV-funk terug. Jayce Reeves heeft maar één aflevering de stem van Wagnard; hij wordt vervangen door Pete Zarustica, die een krassende, maar nog steeds kwaadaardige draai geeft (en ook de verwachte boosaardige lach). Anthony Cruises Kashue is daarentegen te moe en heeft een stuk of vijf afleveringen nodig om weer op dreef te komen. Oliver Gregory is waarschijnlijk het meest effectief als Orson, vooral in zijn laatste dramatische scènes.
Afgezien van Lisa Ortiz (Deedlit), Karen Smith (Shiris), John Knox (Ashram) en Al Muscari (Slayn), komen de beste stemmen van de dub uit een paar van de nieuwere personages, onder wie Crispin Freeman (Spark, Maar, Garrack <0xE2><0x80><0x93> episodes 16-27-), Roxanne Beck (Little Neese), Meg Frances (die in de OAV Pirotess spreekt, maar ook Ryna met kwetsbaarheid en raffinement, net als Karla) en vooral Angora Deb (die elke scène steelt waarin ze voorkomt als Blad de Halfelf). De rest van de cast is verre van verschrikkelijk, maar wel iets ongelijksoortiger dan de OAV dub. Sommigen zijn oké (Aldonova, Greevus) terwijl anderen wat mat zijn (Hobb, paleiswachten, draken, enz.). ) en maar een paar waren afschuwelijk (met name de va van prins Reona is te hard en monotoon voor een strijder voor gerechtigheid).
Het gebrek aan continuïteit van de stem (sommige leden van de cast krijgen om een of andere onverklaarbare reden een andere stem tegen de tijd dat we bij sommige van de latere afleveringen komen) is een van de problemen van de dub. Andere bevatten minder memorabele en onhandig klinkende dialogen, ongelijke synchronisatie en ten slotte (bij voorbaat mijn verontschuldigingen aan de fans hiervan) de LODOSS ISLAND-segmenten. Deze buitenissige, supermisvormde intermezzo's aan het eind van elke aflevering zullen óf amusant óf je gek maken. Ik geef toe dat ik ze in het begin erg vervelend vond, maar na een tijdje begon ik er min of meer aan te wennen. (Bovendien zijn er een paar hilarische zinnen als: 'I'm King Kashue, and this is my CASHOW! I'm ECHT HELEMAAL GOED!') Deze gebreken zijn net iets minder erg dan die voor de CHRONICLES, waardoor er een onregelmatige Engelse song ontstaat die het best samengevat kan worden als 'OK'.
Als je je afvraagt of de Japanse taaltrack de voorkeur geniet boven de Engelse, nou, dan weet je het nu. De Japanse versie heeft ook goede en slechte punten. Hoewel sommige stemmen minder irritant zijn dan de Engelse taaltrack, vond ik andere minder aantrekkelijk dan de Engelse equivalenten (met name de actrice die Deedlit doet is lang niet zo goed als Lisa Ortiz OR Yumi Tohma). Bovendien moet ik erbij vermelden dat de Japanse cast NIET DEZELFDE IS ALS de Japanse. Omdat de serie zeven jaar na het origineel werd gemaakt, werden alle leden van de cast op één na (Sho Hayami) vervangen door nieuwe. Hoewel ze hun werk behoorlijk goed doen, kan het een grote ergernis zijn voor degenen die gewend waren aan de Japanse cast. Daaruit blijkt dat niet alles in het Japans beter is dan in het Engels, hè? Ondanks zijn gebreken is CHRONICLES OF THE HEROIC KNIGHT nog steeds een mooie serie die zijn eigen terrein verdient. Hij heeft zijn ruwe kanten en doet het niet altijd even goed bij zijn voorganger, maar er zijn genoeg goede punten om de slechte te compenseren, waardoor dit een redelijk plezierige fantasie Anime is.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Nadat ik nog maar een paar minuten geleden Cronicles van de Heldhaftige Ridder heb uitgelezen, merk ik dat ik buitengewoon tevreden ben, maar er blijven nog steeds vragen boven me hangen. Hoewel het lijkt alsof de eerste 7 afleveringen in feite een herhaling zijn van de gebeurtenissen van de eerste Record van de Lodoss-oorlog, is het in werkelijkheid niet zo. Het lijkt erop dat de schepper van CotHK een andere visie had op hoe het origineel eindigde (en misschien is dat de reden waarom de eerste 7 afleveringen zich afspelen), maar dat vind ik niet. CotHK zegt dat het 5 jaar na de Oorlog van de Heldhaftigen, waar Parn deel van uitmaakte, begint. Ik denk dat de regisseur de eerste 5 afleveringen zo veel op een recapitulatie van het origineel heeft laten lijken om de kijker een kleine herinnering te geven en een inleiding in de personages en hun daden, omdat ze veel minder lijken nadat de serie in het verhaal van Spark is begonnen. Nou, als de serie eenmaal in Sparks deel begint, merken we dat we weer 10 jaar verder zijn (15 jaar sinds de Oorlog van de Helden). Spark en zijn bemanning lijken in sommige gevallen op Parn en zijn bemanning als de reis eenmaal in gang is gezet, vooral het liefdesverhaal dat ontstaat tussen Spark en Neese. Ik heb ook een paar keer tijdens de uitzending gedacht dat ik de oorspronkelijke serie erin had gestopt en als Spark er niet was geweest, had ik Sparks verhaal erin gestopt. Ik weet dat ik meer dan eens op de stopknop zou hebben gedrukt om me ervan te vergewissen dat de juiste disk in de computer zat. Maar ik beschouw deze grote, stevige ruggen absoluut niet als een nadeel. De schrijvers hebben een uitstekend werk geleverd met het creëren van geloofwaardige personages en een opmerkelijke verhaallijn. Het enige wat me pijn doet is dat Ashram en Wagnard terugkeren. Eh... hoe??? Begrijp me niet verkeerd, ze zijn allebei grote schurken, ook al is het enige boeventrekje van Ashram dat hij de Marmo steunt. Misschien heb ik iets over het hoofd gezien tijdens het ruwe deel van de serie die dat deel uitlegde. Maar wat vervolgen betreft, kan ik CotHK van harte aanbevelen. Ik plaats zowel _CotHK_ als, wat nog belangrijker is, de originele _Register van de Lodoss-oorlog_ ver boven de _Lord of the Rings_ -trilogie. Beide boeken zijn epischer dan alles wat ik ooit heb gezien of gelezen. Ik kan dit van harte aanbevelen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

In weerwil van wat de titel impliceert, is 'Varkens zijn Varkens' niet de ster van Porky Pig. In plaats daarvan gaat het over een jong varken met een eetlust die onverzadigbaarder is dan John Belushi's personage in 'Dierenhuis'. Zijn moeder berispt hem herhaaldelijk, maar het helpt niet. Zozeer zelfs dat hij naar een ander huis gaat, waar een gestoorde wetenschapper hem meer te eten geeft dan een gewone sterveling aankan (maar aan het eind staat hem een verrassing te wachten).
Ik zou bijna zeggen dat deze tekenfilm een tussendoortje leek tussen de echt grote tekenfilms (Daffy Duck kwam drie maanden na deze film uit). Maar vergis je niet, ze doen hier een paar leuke dingen. De hele reeks dwangvoeding lijkt vandaag de dag relevanter, gezien de obesitasepidemie die ons land overspoelt.
Hoe dan ook, niet de mooiste cartoon, maar de moeite van het bekijken waard.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Een bezoek van Hitler in Rome is de achtergrond van dit tedere verhaal over liefde, vriendschap, homoseksualiteit en fascisme. Sophia Loren speelt de huisvrouw en moeder van zes kinderen die thuisblijven terwijl haar hele gezin naar de militaire parade ter ere van Hitler en Mussolini gaat. Ze moet thuisblijven omdat de familie zich geen dienstmeisje kan veroorloven. Ze had dolgraag mee gewild, maar ze is, net als het hele wooncomplex waar ze woont, een vurig bewonderaar van Il Duce.
Er is echter één uitzondering. Aan de andere kant van de binnenplaats zit Marcello Mastroianni op zijn stoel over zelfmoord na te denken. De reden? Hij is homoseksueel en daarom is hij onlangs zijn baan als radiopresentator kwijtgeraakt. De film begint pas echt als deze twee mensen elkaar toevallig tegenkomen. Mastroianni is wanhopig en heeft dringend een vriend nodig. Loren, gefrustreerd door haar eigen overspelige echtgenoot, begrijpt Mastroianni verkeerd en biedt hem in een meesterlijke scène op het dak van het gebouw haar lichaam aan, maar wordt afgewezen. Het aanvankelijke blok wordt al snel vervangen door haar verlangen naar deze man, deze antifascist, deze homoseksueel, deze andere wereld, die zo bereidwillig is haar alles te geven waar ze naar verlangt.
Dit is een prachtig gemaakte film met twee van de meest getalenteerde acteurs ooit. Loren bewijst hier dat ze een actrice van kaliber is als ze goed geacteerd is. Dit is een eenvoudige maar krachtige film over fascisme, liefde, gewone mensen en vooral over de menselijke conditie. Ondanks de droevige afloop is er een glimp van hoop in de ontknoping, dingen zullen veranderen, iemand heeft het begrepen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Deze film heeft geweldig acteerwerk, geweldige fotografie en een heel sterke verhaallijn die je echt laat nadenken over wie je bent, hoe je jezelf definieert, hoe je erbij hoort, of je accepteert een rol te spelen of je losmaakt... Er is al uitstekend commentaar op deze aspecten. Ik wil commentaar geven op de formele setting van de film. Het gaat in wezen om twee mensen op een dak. Er is een eenheid van plaats en tijd, met 2 hoofdrolspelers en de radio als koor. Veel regisseurs hebben Griekse tragedies in film veranderd, veel regisseurs hebben hedendaagse verhalen gefilmd alsof het een Griekse tragedie was, maar geen enkele regisseur is er naar mijn mening zo bewonderenswaardig in geslaagd als Ettore Scola om de zuiverheid en kracht van de grote Griekse tragedies zowel in verhaallijn als formele setting te benaderen.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ettore Scola, een van de meest verfijnde en grootse regisseurs die wij wereldse burgers hebben, is nog niet op dvd verkrijgbaar... (het is nu zomer 2001...) Mysteries die de geest verbijsteren.
Deze grootse klassieker is in de bioscopen van mijn geboortestad teruggekeerd dankzij ene Sophia Loren <0xE2><0x80><0x93> zomerretrospectief, en om hem weer op het witte doek te zien na al die jaren dat ik hem op video heb gezien... het is een ware gave.
Om een kritiek te vermijden, maar niettemin om een punt te bewijzen: ik heb mijn onwillige jongere broer meegenomen om deze film te zien. Hij heeft de film nooit eerder gezien en 'houdt niet van die Italiaanse ouwetjes...' Net als alle anderen in het theater was hij geïntrigeerd door dit wonder. Zelfs tijdens de eindtitels bleef het theater volkomen stil.
Deze speciale dag is werkelijk bijzonder. Een wonder van verfijning. En een groot verlies als je het (nog) niet hebt gezien.