inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Horror is misschien een van de twee genres waarin de logica het niet altijd wint van de verbeelding. We weten allemaal dat moordenaars als Freddy, Jason, Michael en zelfs Leatherface niet in staat zouden moeten zijn om zoveel pijn te verdragen en toch in leven te blijven om nog een keer te vechten. De meesten van ons geloven niet dat zombies echt uit de dood opstaan om mensen te achtervolgen en hun hersenen op te eten. En laten we hopen dat in elk geval een paar mensen weten dat als je plaatsen als Funhouses en oude herenhuizen binnengaat, er geen onuitsprekelijke misdaden tegen hen worden begaan. Hier wint de verbeelding het van de feiten. Horror, en de meeste films in het algemeen, vereist dat we ons ongeloof een paar uur opschorten en gewoon meegaan met de stroom. Dat is meestal geen probleem als ik kijk naar stuiterende ballen die de trap af worden gesmeten bij George C. Scott of als ik een onzichtbare kracht zie die drie amateurfilmmakers besluipt in de bossen bij Burketsville. Maar wat ik wel een probleem vind om te verwerken (zonder het op te willen kotsen) is als een film een moordenaar heeft zoals in deze film. Als ik zou verklappen wie de moordenaar is, zou dat in feite een enorme afknapper zijn, en dan zou ik er geen plezier meer aan beleven om de film zelf te bekijken, maar laat ik volstaan met te zeggen dat ik van deze film heb genoten tot aan de laatste scène waarin de moordenaar wordt onthuld. Er gebeuren te veel dingen in de film die het aannemelijk maken dat de moordenaar is wie hij is. Maar de 90 minuten voor dit punt zijn een goed gemaakte, spannende, met bloed doordrenkte film, met zwier en vakmanschap geregisseerd door John Hough. Als de film me een andere moordenaar had aangeboden, zou ik er lyrisch over zijn geweest. Dit klinkt misschien als een volslagen stompzinnige reden om de film in diskrediet te brengen, maar geloof me, iedereen die de film heeft gezien, zal het bijna zeker met me eens zijn.
John Cassevetes speelt dr. Sam Cordell. Hij en zijn dochter Jenny (mooi gespeeld door Erin Flannery) zijn kortgeleden naar dit kleine stadje in New England verhuisd. Cordell is pas weduwe geworden en het is onduidelijk hoe zijn vrouw is gestorven. We zien verscheidene flashbackscènes waarin een mysterieuze vrouw (je kunt alleen maar aannemen dat het zijn vrouw is) tijdens een stortbui op haar rug op de grond ligt. Haar gezicht is bebloed en haar ogen zijn gesloten. Nogmaals, ik weet niet precies wie deze vrouw is en welke relevantie ze heeft voor het verhaal, maar ze is er toch. Cassavetes, moet gezegd worden, is op zijn zachtst gezegd vreemd. Cordell is een liefhebbende vader, maar zijn liefde voor zijn dochter lijkt iets meer te zijn dan alleen ouderlijke liefde. Er zijn een paar scènes die doen denken aan incestueuze mogelijkheden. Het komt nooit tot bloei, maar het lijkt gewoon almachtig, maar ergens net onder het spreekwoordelijke tapijt. Gelukkig verkent de film dit element van de relatie nooit echt, maar het geeft je wel een beetje een ongemakkelijk gevoel.
Casevettes lijkt een kruising tussen de pornoacteur John Leslie en de geweldige James Caan. Hij heeft een bedrieglijke glimlach en een viriele, gezaghebbende stem die maken dat je rechtop gaat zitten en hem opmerkt. Maar hij ziet er in elke scène ook uit alsof hij op het punt staat zich tijdens een zakenlunch uit te kleden. Hij heeft gewoon die slijmerige, achterbakse, flegmatieke, ongemakkelijke manier van doen. Hij ziet er in deze film nooit echt uit alsof hij te vertrouwen is. Ik denk dat dat een pluim is voor de schrijvers, de regisseur en voor Cassevetes zelf. Er was altijd al iets aan zijn personage dat me vanaf het begin dwarszat.
Het verhaal begint op een uitstekende toon, alsof er twee geliefden in de plaatselijke steengroeve aan het zwemmen zijn. Vlakbij staat een gammele oude droogschuur en we zien dat iets of iemand hen in de gaten houdt. Als de jongeman even verdwijnt om iets uit de pick-up te halen, loopt de jonge vrouw de schuur in, gewoon om een geintje uit te halen. Als ze daar eenmaal is, wordt ze aangevallen. De jongeman rent naar de schuur om haar te zoeken en wordt doorboord met een plank en een spijker. Heel slim zet hij ons klaar voor de afrekening als de jongeman binnenkomt. Hij speurt als een bezetene de ruimte af en ziet zijn zogenaamde minnaar bloedend in de hoek liggen, en dan smacko, de man heeft het. Het is een heel spannend moment en de film begint op de juiste toon. In de warrige huwelijksgeschiedenis van een verhaal komt ook een jonge man voor die Tim heet en die vreemde dromen schijnt te hebben over een gezichtsloze vrouw die in een martelkamer wordt vastgehouden, omringd door mannen met mantels voor hun gezicht. Tim schijnt te denken dat zijn dromen iets met de moorden te maken hebben, want elke keer dat er een moord wordt gepleegd, heeft hij weer een andere droom. Voeg daar een rustige en troebele grootmoeder aan toe, een ordinaire verslaggeefster en een sterke maar corrupte plaatselijke sheriff en je hebt alle ingrediënten voor een opschudding in het stadje Galen. In de loop van de film worden steeds meer mensen afgeslacht, maar meestal worden de mannen met extreem vooroordeel afgeslacht en de vrouwen verkracht. Dit is mijn eerste zwakke (en voorzichtige) poging om je te vertellen dat ik daardoor niet overtuigd was van de ontknoping. Het raakte gewoon niet de juiste snaar.
De Incubus is een goed gemaakte film. Hij is gespannen, strak en zelfs de meeste scènes zijn heel goed gedaan. Ik was geïntrigeerd door de dromen die Tim had en ik wilde graag weten welke betekenis ze hadden voor het verhaal en uiteindelijk voor de moorden. Maar als je klaar bent met alles wat goed was in de film, heb je nog steeds die bittere smaak in je mond. En bittere pillen zijn altijd moeilijker te slikken dan zoete.
7 van de 10 <0xE2><0x80><0x93> Dit had een 9 kunnen zijn. Jammer.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik hou niet van realityshows, vooral niet als ze profiteren van het succes van American Idol. Maar met deze kan ik wel leven.
Comedians van over de hele wereld doen een korte show voor talentenjagers van beroemdheden, en als ze die leuk vinden, worden die jongens naar een echt publiek gestuurd om een show op te voeren. Dan worden er tien of twaalf komieken uitgekozen die samen in een huis gaan wonen en met komische tactieken meedoen aan wedstrijden in de stijl van 'Survivor'. Dan wordt er een uitgekozen als 'Last Comic Standing'. Ik hou wel van stand-upcomedy, dus dit is de enige realityshow die mijn interesse moet wekken. Meestal worden er een paar heel grappige komieken uitgekozen. Het was het begin van de carrières van talenten als Alonzo Bodden, Ralphie May en Josh Blue.
Mijn negatieve kritiek is het feit dat er een mogelijkheid bestaat dat veel van deze komieken zijn geselecteerd voor hun bijdrage aan het realityshowdrama. In het begin woonden ze samen in een huis als 'Big Brother', maar dat hebben ze godzijdank achter zich gelaten.
En er zijn een heleboel komieken die volgens mij niet zijn gekozen omdat ze grappig zijn, maar vanwege ras, etniciteit, houding, sekse enzovoort, terwijl andere komieken hen duidelijk hadden moeten verslaan. Maar over het geheel genomen is het een goed gemaakte realityshow, en tot nu toe vond ik dat twee termen die ik als een oxymoron beschouwde.

targets: Deze recensie is positief.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De jonge, knappe, gespierde Joe Buck (Jon Voight) verhuist van Texas naar New York met het idee dat hij zijn brood kan verdienen als dekhengst. Hij komt er aan en komt er al snel achter dat het niet gemakkelijk zal worden <0xE2><0x80><0x93> hij krijgt de ene vernederende ervaring na de andere. Aan het eind van zijn krachten komt hij in contact met de kreupele, louche Ratso Rizzo (Dustin Hoffman). Samen proberen ze het hoofd boven water te houden en de stad te verlaten en naar Florida te verhuizen. Maar zullen ze het redden?
Een heel donkere, verontrustende en fascinerende film. Directeur John Schelsinger schildert een heel groezelig portret van New York en zijn inwoners. Op die manier is het gedateerd <0xE2><0x80><0x93> de stad mag er in 1969 dan zo slecht aan toe zijn geweest, maar ze is inmiddels aanzienlijk opgeknapt. Hij gebruikt ook alle trucjes die in het boek staan: zwart-witfoto's veranderen in zwart-wit, droomsequenties, flitsen naar voren, flitsen naar achteren (vooral bij een verkrachting), schokeffecten, vreemde geluidseffecten... noem maar op. Je raakt gedesoriënteerd en raakt de kluts kwijt, maar ik kon niet ophouden met kijken.
Het is niet echt een verhaal, het draait in feite om de vriendschap tussen Rizzo en Buck. Er wordt gesuggereerd dat ze minnaars waren (dat zie je op de laatste foto). Het is gewoon een portret van twee beschadigde figuren die proberen te overleven in een koude, wrede stadsjungle.
Deze foto is in 1969 gemaakt. De enige reden was dat de MPAA niet wilde dat de ouders dit zouden zien. Toch was het een grote hit voor middelbare scholieren (in die tijd betekende X niemand onder de 17). Het was ook de enige X-film die ooit een Academy Award won als beste film. Hoffman en Voight kregen nominaties voor hun acteerprestaties, net als (mysterieus genoeg) Sylvia Miles, die in totaal (misschien) 5 minuten in beeld was! Het werd uiteindelijk een R (zonder onderbrekingen) toen de film in 1980 werd verfilmd.
Ook het uitstekende nummer 'Everybody's Talkin'' werd in deze film geïntroduceerd <0xE2><0x80><0x93> en werd een grote hit.
Een geweldige film <0xE2><0x80><0x93> maar heel duister. Ik geef hem een 10. Niet op tv zien <0xE2><0x80><0x93> hij is aan flarden geknipt en onbegrijpelijk.

targets: Het antwoord is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Naar mijn mening is dit een van de beste films die ooit in Amerika zijn gemaakt, en hij verdiende elke prijs die hij won, en hij staat op de AFI Top 100-lijst (hoewel hij op dit moment beschamend laag staat op de IMDB Top 250-lijst, op slechts 183). Als je houdt van acteurs van het hoogste kaliber (Voight en Hoffman passen perfect bij elkaar), goed getekende karakters en inventieve regies, montage en cinematografie, dan zul je hier net zo van genieten als ik. Schlesinger schildert een levendig, altijd geloofwaardig beeld van het New York van de jaren zestig en het zijn veel slachtoffers die hun best doen om hun persoonlijke demonen te overwinnen en te overleven te midden van de amoraliteit, armoede en hopeloosheid van 42nd Street in New York. De filmtechnieken die hier worden gebruikt, vangen op een briljante manier de sfeer van de ondergrondse New Yorkse filmbeweging (en van de stad) en zijn niets minder dan oogverblindend. Ik heb veel ideeën (inclusief de razendsnelle montage, de manier waarop de voice-overs worden ingesproken, de drugs/trip-sequenties en het cartoonachtige gezicht dat tijdens een moordscène wordt ingevoegd om angst en doodsangst over te brengen) die door andere filmmakers zijn gestolen.
De relatie tussen Joe en Ratso wordt op zo'n manier behandeld dat hij wordt beschouwd als een ongewoon sterke vriendschap of als homoseksuele basis. Ik denk dat de regisseur dit op een subtiele manier heeft aangepakt, niet om zich aan de censuur van de tijd te onttrekken, maar om zijn energie te concentreren op het belang van een sterke menselijke band in het leven, of die nu seksueel is of niet.
Midnight Cowboy is een moedige, ontroerende film van formaat, invloed en belang die in de loop der jaren absoluut niets van zijn impact heeft verloren, dus als je hem niet hebt gezien, mis je een echte Amerikaanse klassieker. Ik kan deze film aan iedereen aanbevelen.
Score: 10 van de 10.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De viriele, maar naïeve Joe Buck verlaat zijn huis in Big Spring, Texas, en vertrekt naar de Big Apple, op zoek naar vrouwen en veel geld. In New York ontmoet JB zijn frustraties en 'Ratso' Rizzo, een sjofele, maar hartelijke oplichter. Op de een of andere manier slaagt dit niet bij elkaar passende stel erin elkaar te overleven, wat hen op hun beurt helpt een ruig, soms wreed, stedelijk Amerika onder ogen te zien, op weg naar een schrijnend einde.<br />Zowel grappig als deprimerend rijdt onze 'Midnight Cowboy' frontaal de maalstroom van een cyclonale culturele verandering in en bevestigt daarmee voor kijkers uit 1969 dat zij zelf uit de onschuld van de jaren vijftig zijn weggerukt en, net als Dorothy en Toto, in de Age of Aquarius van de jaren zestig zijn beland. De regie van de film is meesterlijk, de casting is perfect, het acteerwerk is uitmuntend, het script is bondig en overtuigend, de filmografie is treffend en de muziek versterkt dat alles nog eens. De film heeft terecht de Oscar voor de beste film van 1969 gewonnen, en ik beschouw hem als een van de beste films van dat turbulente decennium.

targets: Gegeven de recensie, mijn antwoord is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Midnight Cowboy kijken is net zoiets als een masterclass in acteren, regisseren, filmen, monteren en schrijven. Ik was te jong om hem te zien toen hij voor het eerst werd uitgebracht, en ik heb hem een paar jaar geleden voor het eerst gezien, maar hij heeft de tand des tijds absoluut doorstaan, en ik heb hem sindsdien nog een paar keer gezien.
Alles aan deze film is briljant, van de aangrijpende optredens van Voight en Hoffman (ook al ken ik deze film goed, ik merk dat ik nog steeds moet huilen telkens wanneer Voight een van zijn onschuldige, gekwelde blikken werpt, of Hoffman op zijn ziekelijke en onheilspellende manier kucht) tot de verbluffende filmografie en voortreffelijk bewerkte droomsequenties.
 Het is jammer dat niet meer van onze eigentijdse filmmakers bereid zijn risico's te nemen bij het maken van films die er visueel en akoestisch net zo interessant uitzien als deze. Midnight cowboy zou verplichte kost moeten zijn op alle filmacademies.
10/10.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De enige reden dat ik van Midnight Cowboy wist, was omdat hij in de AFI Critic's Top 100 stond. Voor een Top 100 is het geen erg bekende film; ik moest zelfs heel goed zoeken om een kopie te vinden. Ik kreeg de dvd-versie voor ongeveer de helft van de prijs. Verrassend genoeg was het alleen de M15-versie (de ongekuiste versie).
Ik betwijfel of veel mensen aandacht zullen schenken aan deze recensie (meer een soort commentaar), dus ik zal het kort houden.
Dit is misschien een van de vreemdste films die ik ooit heb gezien, deels door het gebruik van montage, artistieke opnamen (heel kunstzinnig) en het ongewone thema. Er zijn veel dingen in de film die ik nog steeds niet begrijp (ik). Ik heb hem twee keer gezien en het is een emotioneel verwarrende film.
De opnamen en de acteurs waren erg goed en het zijn de meer dan levensgrote personages die deze film gedenkwaardig maken. Het hoofdpersonage is Joe Buck, een 'cowboy' uit Texas die naar New York verhuist om een mannelijke prostituee te worden. Hij ontmoet de kreupele oplichter Enrico 'Ratso' Rizzo en natuurlijk worden ze vrienden tijdens de gebruikelijke escapades. Wat de film zo interessant maakt, is dat de twee personages zo verschillend zijn.
Ik had het gevoel dat de film de relatie tussen Buck en Enrico Rizzo niet echt heeft ontwikkeld, zodat het publiek geen echte emotionele band met hen heeft, hoewel het einde wel heel triest en tragisch is. Je weet waarschijnlijk al wat er gebeurt door de recensies te lezen, maar het is van het begin af aan vrij duidelijk.
Persoonlijk vind ik dat de film prachtig en schrijnend de hoofdthema's verkent. De ontbering van de mensheid (vertoond in de duisternis van de straten van de stad, in de afbrokkelende huurkazernes). De meeste personages in de film bestaan buiten de wet (een oplichter, een giggolo, et cetera), maar toch vind je ze sympathiek. Joe Buck is vertederend omdat hij zo naïef en optimistisch is, terwijl we later in de film medelijden beginnen te krijgen met Ratso.
Ik denk dat de film zo'n hoge score had omdat hij zeker heel grondleggerig was voor zijn tijd. In die tijd (en zelfs nu nog) was het beslist geen gewone film (een echte arthouse). In een tijd waarin de bioscoop werd gedomineerd door afgezaagde westerns, musicals en drama's, was een film met zo'n ongebruikelijk thema als Midnight Cowboy een schot in de roos.
Op het persoonlijke vlak moet ik zeggen dat ik de film wel leuk vond. De beelden hadden iets van een droom. Ik vond vooral de scène op het feest, de muziek, de beelden enz. die nog lang na het kijken in je hoofd blijven zitten. Maar als amusementsfilm miste hij (niet echt mijn stijl van filmen) een beetje de spanning. Dit is een film om van te genieten en te waarderen, in plaats van een goedkope actiefilm met spanning.
Hoewel ik mezelf niet bepaald geschikt achtte om deze film te analyseren, waren de personages en hun motieven heel interessant. Van wat ik uit de flashbacks begrijp, is Joe Buck als kind seksueel misbruikt door zijn grootmoeder, hoewel dat nog steeds niet relevant lijkt voor het verhaal. Hij is een onbezorgde jonge dekhengst, die zijn duistere herinneringen onderdrukt. De religieuze connotaties in de film zijn ook raadselachtig. Sommigen hebben een homoseksuele relatie tussen Buck en Ratso geopperd, hoewel ik niet begrijp waar ze dat idee vandaan hebben. Het thema van homoseksualiteit in het algemeen wordt meer dan eens aangeroerd in hun gesprek, en later in Joe Bucks ontmoeting met een eenzame oude man, maar het heeft weinig te maken met het hoofdverhaal. Een van de mooiste films van het decennium (het heeft meer iets van de jaren zeventig dan van de jaren zestig) en revolutionair vanwege de tijd die het kostte om onderwerpen aan te snijden die weinig andere films durfden aan te snijden. Hoewel de film een eenvoudig, sentimenteel verhaal heeft (verhuld door een harde ondertoon) ligt de schoonheid van de film in de vreemde, vaak psychedelische scènes.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik ging naar 'Midnight Cowboy' zitten kijken, in de veronderstelling dat het weer zo'n overgewaardeerde film uit de jaren zestig en zeventig zou zijn. Sommige van mijn favoriete films komen uit de jaren zeventig, in dezelfde trant als 'Midnight Cowboy' ('Taxi Driver', 'Mean Streets', 'Panic in Needle Park', enz.), maar er zijn ook heel veel overgewaardeerde films die onder de critici een sterke reputatie hebben verworven omdat ze baanbrekend zijn <0xE2><0x80><0x93> helaas is de overgrote meerderheid daarvan vandaag de dag niet meer zo goed. Zo denk ik er min of meer over 'Easy Rider'. (Hoewel het ook een van mijn favorieten is.)
Dus ik verwachtte niet veel van 'Midnight Cowboy', maar ik kreeg er veel voor terug. Het is een ontroerend verhaal, goed gemaakt en goed verteld, met een paar van de beste voorstellingen aller tijden. Dustin Hoffman, als Enrico 'Ratso' Rizzo, speelt een van zijn beste rollen <0xE2><0x80><0x93> het is soms een beetje grappig (hij klinkt als een tekenfilmfiguur als hij spreekt), misschien vanwege de relatie tussen Lenny en 'Simpsons'), maar Hoffman is volkomen overtuigend. De helft van het budget van de film ging naar zijn salaris, omdat hij net een grote ster in Hollywood was geworden. Tegenover hem staat de op een na bestbetaalde Jon Voight als Joe Buck, de 'cowboy' die van het Noorden naar de Big Apple reist in de hoop een mannelijke prostituee te worden. Al snel brengt zijn naïviteit hem in de problemen en gaat hij samenwerken met een kreupele oplichter die 'Ratso' heet <0xE2><0x80><0x93> die aanbiedt Joe's'manager' te worden tegen een bepaald percentage van de winst. De film duurt twee uur, maar lijkt nooit erg lang. Sommige films hebben de neiging te lang te duren, vooral sommige van de films die in de jaren zeventig zijn gemaakt omdat de regisseurs (zoals in _Easy Riders, Raging Bulls_ wordt gezegd) in de jaren zeventig de sterren van de filmwereld waren en soms een beetje te verliefd werden op hun materiaal, te lang doorgingen met het onderzoeken van personages/scènes/etc. die niet belangrijk zijn. Zo ongeveer de enige scène die ik een beetje te lang vond en onnodig was het drugsfeestje <0xE2><0x80><0x93> daardoor lijkt de film buitengewoon ouderwets (zoals de drugsodyssee in _Easy Rider_ ) en bederft hij de stroom van de film omdat hij niet nodig is. Het is een bijna vlekkeloze film. Ik was aangenaam verrast. Hij heeft zijn tekortkomingen (de flashbacks zijn een beetje smakeloos en worden niet zo goed gebruikt als had gemoeten, bijvoorbeeld) en sommige scènes zijn een beetje ongemakkelijk (zoals de homofilm), maar als je de inhoud aankunt, is 'Midnight Cowboy' echt een geweldige film, een onverzoenlijk onderzoek naar het leven op straat aan het eind van de jaren zestig/het begin van de jaren zeventig. Het is een deprimerende film, ja, en naar de maatstaven van vandaag lijkt hij misschien een beetje ouderwets en zwaar leunend op het liberale perspectief van 'het leven is afschuwelijk enzovoort'... maar ik vind hem nog steeds geweldig en vooral het buitengewoon ontroerende einde zal me nog heel, heel lang bijblijven.
Zeer aanbevolen. Een van de beste films uit de jaren zeventig. (Technisch gezien werd de film eind 1969 uitgebracht, maar ik zou hem nog steeds een film uit de jaren zeventig noemen. Hij won ook de Oscar voor de beste film, omdat het de eerste <0xE2><0x80><0x93> en enige <0xE2><0x80><0x93> film was met een X-rated-rating. Later werd hij opnieuw geclassificeerd met een R-status.)

4,5/5/6.

targets: De beoordeling hier is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Joe Buck (Jon Voight) besluit zijn kleine leventje in Texas achter zich te laten en het groot te maken in de Grote Stad. De vrouwen zijn er om te vragen en de mannen zijn voornamelijk 'tutti-frutti'. Met grote ogen komt hij naar New York, niet voorbereid op de reeks vernederende ongelukjes die hij meemaakt, het ene nog erger dan het andere. Te midden van die chaos ontmoet hij en raakt hij bevriend met Rico 'Ratso' Rizzo (Dustin Hoffmann), een dakloze man die in een gebouw woont dat blijkbaar niet meer te koop is.
Er is niet veel voor nodig om het verhaal van Middernacht Cowboy te vertellen: een reeks beelden die voorbestemd is om niet alleen Joe Bucks verhaal te vertellen. De film wordt bijna vanaf het weemoedige begin beheerst door pessimisme, want Nilsson speelt zijn bedrieglijk bloemrijke 'Everybody's Talking'. We hebben het gevoel dat zelfs als we willen dat Joe uiteindelijk zijn stempel op de City zal drukken, de kans dat hij dat zal doen groot is, ook al willen we dat hij zijn stempel op de stad zal drukken.' En uiteindelijk zal hij voor een hongerloontje moeten werken in een uitzichtloze baan <0xE2><0x80><0x93> in een meesterlijk shot vanuit zijn gezichtspunt later in de film, als hij door een raam een man in een gaarkeuken als bordenwasser ziet werken en zichzelf ziet. We zien aan de blik in zijn ogen dat hij niet op deze manier wil eindigen.
Een duister verhaal van vervlogen hoop. John Schlesinger creëert spookachtige beelden van verloren zielen aan het eind van de jaren zestig, en in het midden de overbekende vriendschap tussen twee mannen die hun uiterste best doen om hun leven zin te geven te midden van de ongrijpbare troost van een waardig leven. Er is de impliciete gedachte dat ze misschien wel geliefden waren <0xE2><0x80><0x93> Ratso die zijn armen uitstrekt om Joe te omhelzen in de partyscène en hun laatste omhelzing aan het eind wijst daar zeker op <0xE2><0x80><0x93> maar dit is in wezen een buddyfilm, een die het overleeft, letterlijk, tot aan de dood, en die Joe enige hoop geeft, die aan het eind in Florida veel veranderd lijkt, ouder, wijzer.

targets: De recensie is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

'Midnight Cowboy' werd in 1969 bij de oorspronkelijke uitgave als X aangemerkt. Er zijn een paar scènes waarin je dat kunt begrijpen, al is het maar een beetje. De film over Joe Buck (Jon Voight) die van Texas naar New York City komt om een ritselaar te worden, is soms een beetje verontrustend. Gekleed als cowboy probeert hij als ritselaar te leven, geld te verdienen door de daad van de liefde. Het loopt niet zoals hij had gepland. Nadat een vent genaamd Rico 'Ratso' Rizzo (Dustin Hoffman) hem eerst een streek heeft geleverd en wat geld heeft gestolen, worden ze vrienden. Ze wonen in een leeg en heel smerig appartement. Dan wordt Ratso ziek en moet Joe proberen wat geld te verdienen. Waarschijnlijk werd de film als hoofdonderwerp X genoemd, maar onderweg zien we een paar vreemde dingen. Het scenario van deze film is geweldig. We zien droomsequenties van Joe en Ratso die op een leuke en soms grappige manier door de echte wereld worden onderbroken. Dustin Hoffman, Jon Voight en de acteurs die de hoofdrollen spelen, geven geweldige voorstellingen. Hoffman levert vooral een paar mooie beroemde zinnen. De filmmuziek is van John Barry en klinkt geweldig. Dit alles maakt van deze film een geweldige film die om een goede reden de Oscar voor de beste film heeft gewonnen.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Het is niet zo'n tijdloos meesterwerk als je zou hopen, gezien de populariteit die het genoot, maar Midnight Cowboy uit 1969 is nog steeds een geweldige reclame voor twee jonge acteurs die op dat moment net in beeld kwamen. De film, geregisseerd door John Schlesinger en geschreven door Waldo Salt, lijkt een product van zijn tijd te zijn, het eind van de jaren zestig, toen Amerikaanse films vooral expressionistisch waren, maar hij houdt je nog steeds in de ban, omdat het verhaal draait om thema's als eenzaamheid en verbondenheid, die in elke periode weerklinken. De filmische invloed van de film is nog steeds voelbaar in het onuitgesproken emotionele aspect van Ang Lee's 'Brokeback Mountain'. Joe Buck, een jonge, naïeve Texaan, besluit naar Manhattan te verhuizen om daar rijke vrouwen te versieren. Hij is een en al energie, maar heeft geen verstand van zaken. Hij faalt jammerlijk, maar is niet bereid zijn nederlaag toe te geven, ondanks het feit dat zijn geld opraakt. Hij ontmoet een cynische, ziekelijke, kleine dief genaamd 'Ratso' Rizzo, die Joe aanvankelijk als een gemakkelijke pion ziet. De twee worden afhankelijk van elkaar en Rizzo begint Joe te managen. Op een psychedelisch, van drugs vergeven feest komt het tot een uitbarsting, waarna Joe eindelijk een betalende klant weet te strikken. Intussen wordt Rizzo steeds zieker en de twee vertrekken naar Florida om een beter leven te zoeken. Dit is niet een verhaal dat iedereen zal aanspreken. Sterker nog, sommigen zullen het nog steeds weerzinwekkend vinden dat een oplichter en een dief in sympathieke figuren zijn veranderd, terwijl hun hachelijke situatie pijnlijk authentiek aandoet.

In zijn eerste grote rol is Jon Voight ideaal gecast als hij Joe's flinterdunne bravoure en toenemende seksuele onzekerheden naar voren brengt. Als Rizzo haalt Dustin Hoffman met succes het schone, nieuwe imago dat hij na zijn studietijd heeft opgebouwd uit 'The Graduate' en gaat hij op in de persoonlijke vernedering en hoop die een merkwaardig goed contrapunt vormen voor Joe. De eerlijkheid van hun rollen wordt geaccentueerd door de filmbehandeling van Schlesinger, die de ellende van het Times Square-district in die tijd levendig weergeeft. De regisseur voegt ook montages van flashbacks en fantasiesequenties toe om de fragiele psyche van het personage aan te vullen. Ook de eer moet naar Salt gaan omdat het alomtegenwoordige cynisme het pathetische van het verhaal niet overschaduwt. De andere optredens zijn louter toevallig voor de reis van de hoofdpersonen, onder wie Brenda Vaccaro als de vrouw die Joe op het feest ontmoet, Sylvia Miles als een slonzige matrone, John McGiver als een godsdienstfanaat en Barnard Hughes als een eenzame inwoner van buiten de stad.

De dvd-verpakking met twee dvd's uit 2006 bevat een smetteloze print van de restauratie uit 1994 en informatief commentaar van producent Jerome Hellman, aangezien Schlesinger en Salt helaas niet meer in leven zijn. Op de tweede schijf staan drie geweldige programma's <0xE2><0x80><0x93> een terugblikdocumentaire, 'After Midnight: Reflections on a Classic 35 Years later', met commentaar van Hellman, Hoffman, Voight en anderen, clips en archiefmateriaal zoals de screentest van Voight, 'Controversy and Acclaim', waarin wordt onderzocht hoe de eerste 'X'-rating van de film tot stand is gekomen en hoe het publiek op de film reageert, en een eerbetoon aan de regisseur, 'Celebrating Schlesinger'.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Fascinerende afknapper over een would-be ritselaar in New York City die gedwongen is om met een kreupele handlanger in een onbewoonbaar verklaard gebouw te wonen. Extreem deprimerend onderzoek naar het morele en sociale verval van de moderne tijd, bijzonder goed geregisseerd door John Schlesinger (die hier nooit boven aan de lijst stond) en voortreffelijk geacteerd door Jon Voight en Dustin Hoffman. Over het geheel genomen is het een geslaagde film, maar de 'fantasie'-scènes <0xE2><0x80><0x93> waarvan er een paar zijn om te gniffelen <0xE2><0x80><0x93> zijn lichtelijk opdringerig, net als het'modische' drugsfeestje. De relatie die zich tussen de twee mannen ontwikkelt is sentimenteel, maar de filmmakers zorgen ervoor dat ze niet sentimenteel worden, en dat geeft de film een scherpte die hij misschien niet zou hebben gehad bij een minder goede regisseur dan Schlesinger. In 1969 genomineerd voor de Oscar voor de beste film; scenarioschrijver Waldo Salt (die James Leo Herilhy's boek aanpaste) en Schlesinger wonnen ook nog eens een standbeeld.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Na het racisme is de uittocht van de plattelandsbevolking <0xE2><0x80><0x93> ook wel bekend als de emigratie van de plattelandsbevolking <0xE2><0x80><0x93> een ander sociaal-politieke kwestie uit de jaren zestig. WestSide Story had met racisme te maken door een liefdesfeest in een artistiek perspectief. Nu heeft Midnight Cowboy te maken met de uittocht van de plattelandsbevolking door een vriendschapstragedie in een psychologisch perspectief. Het heeft een zeer tragische afloop, want we zien een van de twee metgezellen van het lot sterven.
Directeur John Schlesinger weet ons vaardig de diepste geheime gedachten, dromen, fantasieën, angsten en evaluaties van twee New Yorkse schoften te ontfutselen. Terwijl de knappe Joe Buck(Voight) droomt van alle mooie vrouwen ter wereld die hem smeken hun wilde liefdesfantasie te delen, droomt de arme Ratso Rizzo(Hoffman) van een beter en gezonder leven in schoon en zonnig Florida. Dientengevolge wordt Joe een sjacheraar om zijn fantasieën in werkelijkheid om te zetten; en Ratso wordt een dief om genoeg geld te vergaren om naar Florida te emigreren. Behalve Ratso helpt Joe Joe om zijn weg te vinden om te doen wat hij kan. Ze beginnen alles in het leven te delen. Ze delen voedsel, delen medicijnen, delen een onbewoond huis, delen hun verdiensten en zo delen ze een lotsbestemming. Jammer genoeg beseft Joe naarmate het verhaal vordert dat knap zijn niet het enige is waardoor alle mooie vrouwen hem smeken om plezier te maken; en bovendien kan Ratso Florida niet zien omdat zijn hart niet wordt geveld door zijn ziekte terwijl hij in de bus zit die hem erheen brengt.
De Macht is altijd goed, en de Moed heeft geen recht in het daglicht. Vandaar dat 'Middernacht' de feitelijke aanblik geeft.
Ondanks de tragedie is er geen melodrama in 'Nachtelijke Cowboy'. Elk aspect van elk personage is de realiteit van de armen die hun onvermijdelijke lot dragen. Hierdoor is 'Nachtelijke Cowboy' een provocerende visie op een sociaal-politieke kwestie, de landelijke uittocht.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Midnight Cowboy begint met een aflevering van _Down Drive In_ met de voice-over van het hoofdpersonage Joe Buck (Jon Voight) die onder de douche zingt. Hij zingt een cowboyliedje, precies wat hij wil zijn. Joe pakt zijn saaie leventje in Texas weer op en verhuist naar New York City met de droom van een heleboel vrouwen en nog meer geld. Hij kleedt zich als de belichaming van de cowboy, maar op een cartoonachtige manier, en zelfs zijn vrienden nemen hem niet serieus. Hij begint zijn reis in de bus naar New York en we zien al snel hoe verwaterd Joe is door zijn interacties met de andere passagiers. Dit is in de eerste plaats een verhaal over Joe.' Het is het begin van zijn besef van de harde realiteit van de echte wereld.
Hij begint als een heel naïeve zuiderling die denkt dat hij het alleen aan zijn knappe uiterlijk kan redden in New York. Hij heeft geen andere reden om er anders over te denken, want in het verleden zijn ze hem goed van pas gekomen; dat merken we aan de vele flashbacks die hij heeft. In het begin zijn de flashbacks gefilmd op een manier die de indruk wekt dat ze een beetje grillig zijn. Ze zijn wazig en de stemmen klinken alsof ze van grote afstand komen, en dat is ook zo, ze komen uit zijn verleden. Maar naarmate Joe dieper en dieper graaft in de harde realiteit van de harde atmosfeer van New York, zien we meer van zijn verleden, dat niet langer grillig is, maar korrelig, in zwart-wit en met een snelle montage om de wrede aard van de gebeurtenissen uit het verleden te beschrijven. Dit wordt vooral gezien in de flashback waarin hij en zijn vriendin worden aangevallen en zij wordt verkracht. In een van deze flashbacks zien we hoe een gebouw steen voor steen wordt afgebroken. Dit weerspiegelt de manier waarop Joe zelf instort; de naïviteit die hij ooit had, valt van hem af. Hij en Ratso (Dustin Hoffman) leven in armzalige omstandigheden en kunnen nauwelijks aan eten komen; Joe beseft dat hij niet van zijn uiterlijk kan leven, dat er een gruizige onderbuik van New York is die hij zich niet had voorgesteld. Zijn onderbewuste spiegelt de manier waarop zijn echte leven verloopt.
Ratso dient ook als een soort spiegel voor Joe, maar op een tegengestelde manier; Ratso is Joe's steun en toeverlaat. Joe is een knappe, sterke man die, voor het grootste deel, een goed uiterlijk heeft. Ratso daarentegen, vanaf de allereerste keer dat we hem naast Joe in de bar zien zitten, kunnen we zien dat hij het tegenovergestelde is. Hij is klein, donker en altijd bedekt met een laagje zweet. Hij begrijpt hoe de wereld in elkaar zit, dat die meedogenloos is, en dat je soms, hoe hard je ook je best doet, zult falen; net als zijn vader. Ze leven in dezelfde wereld, in hetzelfde appartement zelfs, maar ze begrijpen dingen op een heel ander niveau.
Het thema van vervreemding, dat in deze tijd veel voorkomt, is heel duidelijk in deze film. Joe noch Ratso past in de cultuur die hen omringt. Joe voelt zich gevangen in Texas en verhuist naar New York, waar hij nog steeds een buitenstaander is. Ratso, die in de kou van New York woont, wil naar het zonnige Florida verhuizen, waar hij denkt een goed leven te kunnen vinden. Ook al is dat zijn ideaal, in de fantasie die we van Ratso's kant te zien krijgen, is het duidelijk dat hij weet dat hij nooit echt in de maatschappij zal passen. In voornoemde fantasie raakt hij opgewonden van de mensen om hem heen, is hij weer een buitenstaander, vervreemd van de maatschappij.
Pas aan het eind begint de kloof tussen Joe en Ratso kleiner te worden. Joe neemt zijn toevlucht tot geweld; hij neemt de mentaliteit van deze stad aan om geld te krijgen om een ontsnappingsmogelijkheid voor hemzelf en Ratso naar Florida te financieren. Onderweg zien we Joe uit een winkel komen zonder de cowboykleren aan die hij in de rest van de film altijd draagt. Hij is gekleed als iemand die eruitziet alsof hij op weg is naar Florida voor vakantie. Hij kleedt Ratso op dezelfde manier; hij wordt er moe van om hen in de nieuwe samenleving te laten passen die ze betreden, maar het is tevergeefs. Na Ratso's dood in de bus zien hun medepassagiers hen weer als buitenstaanders. Zelfs in deze nieuwe cultuur die ze betreden, kunnen ze niet ontsnappen aan de vervreemding die ze bij elke draai van deze film hebben ervaren. De film eindigt met de hoop dat Joe met zijn nieuwe kennis over hoe de wereld in elkaar zit, een beter leven kan opbouwen dan hij als sjacheraar in New York zou hebben gehad. Midnight Cowboy is een uitstekende film die de harde realiteit van de maatschappij en de vervreemding laat zien, met schitterende optredens van zowel Voight als Hoffman.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Toen de film voor het eerst werd uitgebracht, zag ik hem als een jong naïef stuk vreten. Ik moest als een klein kind snotteren toen ik het theater verliet en probeerde niemand iets te laten zien. Dus toen ik hem nu in 2007 weer zag, wist ik wat me te wachten stond & het gesnik was al op gang gekomen toen het vereiste moment naderde. Gelukkig was ik deze keer thuis.
Wat ik me niet herinnerde van mijn jeugdherinneringen <0xE2><0x80><0x93> of misschien was het me daardoor niet opgevallen <0xE2><0x80><0x93> was de technische genialiteit van deze film. Het gebruik van flashbacks die zoveel verhaal vertellen zonder hun toevlucht te nemen tot dialogen. Het camerawerk dat de kijker leek te plaatsen, samen met de personages in de scène. Denk aan de opening als Joe de straat oversteekt naar het restaurant, de camera zwenkt achter de vrouw & het kind die op een bank op de voorgrond zitten en het straattafereel omlijst.
Het verhaal zelf & de personages <0xE2><0x80><0x93> slonzig, triest & wreed echt. Het is heel ontroerend om zo nauw betrokken te worden bij een menselijk drama als dit met mensen die de meesten van ons waarschijnlijk zouden afwijzen. Maar ja, Joe & Ratso zouden elk van ons kunnen zijn. Moet in '70 zijn geweest toen ik hem zag. Ik herinner me dat ik, toen ik het theater verliet, gedreven werd om het gezelschap van vrienden te zoeken. Na al die jaren ben ik blij dat ik vanavond niet alleen ben. Dit is een verdomd goeie film.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Het was maar een grapje.
Jon Voight is de jonge, optimistische Cowboy Joe Buck uit Texas, die in New York op zoek is naar meer groene weiden. Het duurt niet lang voordat de Big Apple hem genadeloos opslokt en zijn ambities in rook opgaan, en al snel is Joe het doelwit van zowel de kilheid van de New Yorkers als van de boeven van de straat. Omdat hij een zuiver hart heeft, krijgt hij medelijden met een van die boeven, Ratso Rizzo (Dustin Hoffman), die later bij hem intrekt in zijn bouwval van een appartement, en de twee moeten letterlijk vechten om te overleven.
Hoewel Midnight Comedy als een drama wordt bestempeld, kan het naar mijn mening het best worden omschreven als een tragische komedie of een komische tragedie. Bovenal is het een prachtige film die de hedendaagse hippiesfeer van het eind van de jaren zestig op een stijlvolle manier vastlegt met de verplichte, duizelingwekkende Warhol-achtige cinematografie, en die die stijl combineert met het hyperstedelijke New York City. De film propt Cowboy Joe Buck ergens ertussenin, waardoor zijn misplaatste positie nog eens extra wordt benadrukt. We voelen met hem mee dat hij zijn best moet doen om erbij te horen, maar ook dat hij alleen maar genoeg geld bij elkaar kan krijgen om Ratso Rizzo te eten te geven.
Midnight Cowboy bracht tranen in mijn ogen, omdat hij ook rijk aan inhoud is en veel harten breekt. Ik stel me zo voor dat deze film zowel de inspiratiebron is geweest voor Forest Gump met zijn zuivere en misplaatste hoofdpersonage, als voor Crocodile Dundee met zijn bijna precies dezelfde soort humor <0xE2><0x80><0x93> een contrast tussen plattelandscowboys en gelikte New Yorkse kosmopolieten. Een zeer boeiende en sensationeel creatieve film die ik van harte kan aanbevelen.

8.5/10.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

'Midnight Cowboy' was om te beginnen al geen geweldige film, maar het is een klassieker. Je weet dat het een klassieker is op het moment dat de indringende herkenningsmelodie 'Everybody's Talking' op de soundtrack begint (eigenlijk niet voor de film geschreven), en de manier waarop de camera ons kennis laat maken met Joe Buck (naakt onder de douche). We hadden Jon Voight al eerder gezien, maar hij was ons nooit echt opgevallen, maar als hij ons vertelt dat hij 'een geweldige dekhengst' is, wie twijfelt daar dan nog aan? Dit was een geweldige voorstelling die niet alleen de iconische status van een ster had, maar ook een volledig inzicht in het personage, en als Voight nooit iets anders had gedaan, zou zijn voorstelling hier nog steeds legendarisch zijn. Voight heeft op het witte doek zelden iemand teleurgesteld; zelfs een stuk ham dat net zo goed gestoofd is als zijn optreden in die glorieuze rotzooi van 'Anaconda' is een bron van genoegen).
De film werd bijna van de ene dag op de andere beroemd en berucht. Het was een publiekslieveling (zelfs met het einde in mineur), grappig en sexy en herkenbaar 'echt' (het was het staartje van de jaren zestig en alle personages leken echt). Het was ook de eerste film met een X-rating die de Oscar voor beste film van het jaar won. Aangepast (en briljant) door Waldo Salt uit een roman van James Leo Herlihy was het waarschijnlijk de eerste commerciële Amerikaanse film die op een nuchtere manier omging met 'taboe'-onderwerpen als homoseksualiteit en drugsgebruik. Iedereen is herkenbaar menselijk, met wratten en al, en iedereen wordt vriendelijk behandeld. Voight's Joe Buck is een onschuldige in het buitenland, een Candide die naar New York komt om zijn geluk te beproeven als sjacheraar (een beroep dat hij aantrekkelijk vindt en niet slonzig; hij is een kruising tussen een gigolo en een maatschappelijk werker). Maar als hij zelf wordt gesjacherd door een schriel, wormachtig oplichtertje dat 'Ratso' Rizzo heet (Dustin Hoffman, vers uit 'The Graduate' en een openbaring voor hem), beseft hij dat de werkelijkheid misschien een beetje anders is dan de pijpdroom.
In wezen is het een mannelijk liefdesverhaal (hoewel volkomen platonisch) tussen deze twee niet zo onwaarschijnlijke bedgenoten. Allebei volkomen alleen, allebei volkomen behoeftig, worden ze allebei de beschermer van de ander (Voight met zijn fysieke bekwaamheid, Hoffman met zijn gewiekstheid van de straat). Ze zijn buitenbeentjes, losgeraakt van de massa, tolerant ten opzichte van hun eigen eigenaardigheden en de afwijkingen van anderen. Hoewel'rechtschapen' Voight niet verder gaat dan een homoseksuele ontmoeting in een straatbioscoop in de 42ste met een jongen die nog eenzamer is dan hijzelf. (De hele film ademt een merkwaardig 'christelijke' houding).
Het wordt ook schitterend gespeeld. Terwijl Voight en Hoffman het scherm in beslag nemen, zijn er ook schitterende scènes met figuren als Brenda Vaccaro en Sylvia Miles, en met John McGiver, Bob Balaban en Bernard Hughes als diverse klanten en aanhang, prachtig afgebakende kleine karakterstudies die het hele acteerwerk lijken te overstijgen, terwijl John Schlesinger in de rol van John Schlesinger de hoofdrol speelt. In deze richting geeft de film het gevoel van een documentaire, evenals de volkomen objectieve visie van een buitenaards wezen op de Amerikaanse onderbuik, zonder rancune en zonder kritiek. Bij nader inzien is het misschien toch een geweldige film.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

John Schlesinger's 'Midnight Cowboy' is misschien wel de bekendste film uit de geschiedenis van de Academy, omdat het de enige pornofilm is die een Oscar voor de beste film heeft gekregen. Zo hoorde ik er in elk geval voor het eerst over, en om heel eerlijk te zijn had ik niet echt veel van de film verwacht. Dat wil niet zeggen dat ik dacht dat hij afschuwelijk zou zijn, maar op de een of andere manier beschouwde ik hem niet als het soort film waar ik graag naar zou kijken. Dat is een van de redenen waarom je nooit op je eigen instincten moet vertrouwen als het om zulke manieren gaat. Deze film is een van de mooiste ontdekkingsreizen in het leven, vol naïviteit en vriendschap.
De jonge Joe Buck (Jon Voight) reist trots gekleed als rodeo-cowboy van Texas naar New York om een nieuw leven te beginnen als ritselaar, mannelijke prostituee. Vrouwen lijken echter niet bereid te zijn om voor zijn diensten te betalen, en Joe wordt geconfronteerd met extreme armoede als zijn geldvoorraad begint op te raken. Tijdens deze avonturen ontmoet hij Enrico 'Ratso' Rizzo (Dustin Hoffman), een ziekelijk kreupele zwendelaar die aanvankelijk probeert Joe al zijn geld afhandig te maken. Als ze tot het besef komen dat ze in hetzelfde schuitje zitten, biedt Ratso Joe onderdak aan, en door samen te werken proberen ze voor zichzelf een (grotendeels oneerlijk) leven op te bouwen in de koude, zanderige metropool New York.
Joe had zichzelf ervan overtuigd dat New Yorkse vrouwen meer dan bereid zouden zijn om voor seks te betalen; maar zijn eerste zo'n zakelijke onderneming eindigt ermee dat hij de vrouw (Sylvia Miles) met een schuldig gevoel twintig dollar betaalt. Hoewel hij zichzelf misschien enigszins intelligent vindt, is Ratso net zo naïef als Joe. Ratso, met zijn pijnlijke mankheid en blaffende hoest, verzekert zichzelf altijd dat als hij maar naar de warmte van Miami kon reizen, alles op de een of andere manier goed zou komen. Deze misplaatste verwachting dat alles zo gemakkelijk beter zal worden, doet me denken aan Lennie en George van John Steinbecks klassieke roman _Of Mice and Men_.
'Midnight Cowboy', grotendeels opgenomen in de straten van New York, is een grimmig-realistische kijk op het leven in de sloppenwijken. Als we de film bekijken, kunnen we ons bijna in Ratso's smerige, onverwarmde woning voelen, onze gewrichten stijf van de pijnlijke winterkou. Het acteren draagt zeker bij aan dit ultra-realisme, waarbij zowel Voight als Hoffman meesterlijk de twee decadente droesem van de moderne samenleving afschildert. Vooral Hoffman is uitzonderlijk in zijn rol ('Ik loop hier! Ik loop hier!'), waarbij hij er goed in slaagt te voorkomen dat hij wordt getypecast na zijn veelbejubelde debuut in 'The Graduate' van 1967. Beide sterren werden later genomineerd voor de Oscar voor Beste Acteur (en ook voor Beste Acteur was Sylvia Miles genomineerd, voor een verschijning die niet langer dan vijf minuten kan hebben geduurd), hoewel ze het uiteindelijk allebei moesten afleggen tegen John Wayne in 'True Grit'. 'Midnight Cowboy' won uiteindelijk drie Oscars van zeven nominaties, waaronder die voor de beste film, de beste regisseur voor Schlesinger en de beste tekst voor Waldo Salt.
'Midnight Cowboy' wordt voornamelijk lineair verteld, hoewel er talloze flashbacks zijn die op Joe's verleden wijzen. In plaats van expliciet uit te leggen waar deze korte fragmenten over gaan, wordt het publiek uitgenodigd om er zelf over na te denken, en hoe deze omstandigheden Joe op het pad kunnen hebben gebracht dat hij nu volgt. De pijnlijk mooie slotscène geeft ons een sprankje hoop, maar ook een hoop onzekerheid. De rauwe, gedachteprikkelende en intens fascinerende 'Midnight Cowboy' is er een voor de eeuwigheid.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Het soort dromen waar dromen van gemaakt worden is deze jacht op de koperen ring door een naïeve sjacheraar (JON VOIGT) en zijn lamlendige handlanger (DUSTIN Hoffman), die spoedig een vriendschap zal smeden die gebaseerd is op elementaire overlevingstechnieken.
Een gewaagde film voor zijn tijd, en een vooraanstaand voorbeeld van het soort ruige landschappen dat in de meer grafische films van de jaren zestig werd verkend. Symbolisch voor het 'einde van de onschuld' in Amerikaanse films, want het was de enige film van niveau die een Oscar voor beste film won.
<0x3E><0x3E> Jon Voigt is de mannelijke sjacheraar die naar de grote stad komt in de verwachting dat de vrouwen een gemakkelijke manier zullen vinden om geld te verdienen als ze om zijn lichaam vechten, maar al snel ontdekt hij dat de stad een koude plek is zonder welkom-mat voor zijn soort. Vriend gemaakt door een kreupele oplichter (DUSTIN Hoffman), beleeft hij een reeks komische avonturen die hem gedesillusioneerd en verbitterd achterlaten, klaar om de beslotenheid van een koudwaterflat te verlaten voor de zon die beloofd is in Florida, een land waarvan zijn vriend 'Ratzo' droomt om er te wonen.
<0x3E><0x3E> Maar zelfs in deze laatste zoektocht zijn de twee verliezers. John Schlesinger heeft met finesse geregisseerd in een briljant scenario van Waldo Salt, en John Barry's meeslepende 'Midnight Cowboy' Het thema voegt zich bij de schrijnende momenten van zoeken en wanhoop.
Een echte Amerikaanse klassieker die eerlijk een moeilijk onderwerp onder ogen durft te zien en de onderbuik van bepaalde aspecten van het stadsleven durft te tonen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Midnight Cowboy is niet voor iedereen. Het is rauw, pijnlijk en realistisch, maar erg vermakelijk. De hoofdrolspelers Jon Voight en Dustin Hoffman, die later Oscar-winnende acteurs zouden worden, geven fantastische voorstellingen. Voight als de Texaanse ritselaar Joe Buck, die van het kleine Texas naar New York City trekt om ritselaar te worden. Hij verontschuldigt zich niet voor het beroep dat hij heeft gekozen, maar het is niet zo gemakkelijk. De vrouwen in New York City, zoals de rijke dame die door Georgeann Johnson wordt gespeeld en Cass door Oscar Miles, zijn anders dan de vrouwen in Texas. Helaas probeert Buck te ontsnappen aan zijn vorige leven in Texas. Hij werd grootgebracht door zijn grootmoeder, Sally Buck, gespeeld door de geweldige actrice Ruth White, die in 1969 aan kanker overleed. De locaties in New York City zijn prachtig om te zien, net als de relatie tussen Fatso, gespeeld door Hoffman, en Bucks personages, die evolueren van een bewegende man tot een vriendschap tussen mannen. De mannen doen hun best om het leven in New York te overleven door zich niet aan de regels te houden, zoals het vinden van een echte baan. Naarmate de film evolueert, komt Bucks verleden aan de oppervlakte en het is spookachtig, maar niet duidelijk. De film is niet voor kinderen, maar vergeleken met de huidige films en tv-programma's is Midnight Cowboy misschien tammer. Ik kan een jonge Brenda Vaccaro en een feestje dat je niet kunt vergeten niet vergeten. Het is ook een tranentrekker van een film, dus haal je zakdoekjes er ook maar uit.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Midnight Cowboy was een groot succes toen het in 1969 werd uitgebracht en een X-status kreeg. Naar de huidige maatstaven zou het moeilijk zijn om een R-status te krijgen. Jon Voight, die beter is geweest, is bekwaam in zijn rol als Joe Buck, een buiten de stad wonende boerenkinkel die het goed wil maken met de dames in New York City. Hij ontmoet een slonzige tippelaarster die Ratso Rizzo heet en die voor zijn eigen doeleinden vriendschap met Buck probeert te sluiten. De twee smeden uiteindelijk een band die zowel ontroerend als pathetisch is. Als Ratso straalt Dustin Hoffman gewoonweg. Hoffman is vaak briljant geweest, maar nooit zo briljant als in deze vertolking. Hij gaat zo op in zijn rol dat al het andere om hem heen verbleekt. Het verliezen van de Academy Award aan John Wayne is een van de meest belachelijke beslissingen die de Academy of Motion Picture Arts and Sciences ooit heeft genomen. Directeur Schlessinger heeft een vaardige hand met zijn productie, maar deze film heeft een groezelige onderbuik die de kijker een nare smaak in de mond bezorgt. Alleen al vanwege Hoffmans acteerprestatie de moeite waard.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

'Midnight Cowboy' is een van die films die met een goede reden tot een meesterwerk zijn uitgeroepen <0xE2><0x80><0x93> het is echt een van de mooiste films die ooit in Amerika zijn gemaakt. Hij is zowel artistiek geldig als volkomen toegankelijk en commercieel. Geen wonder dat hij een enorm succes was toen hij werd uitgebracht. Maar wees gewaarschuwd, het is ook een van de meest hartverscheurende films die ooit zijn gemaakt. De personages zijn gedenkwaardig, goed ontwikkeld en uiteindelijk tragisch. De filmmakers zouden moeten worden geprezen omdat ze ons niet de Hollywood-afsluiting hebben gegeven, iets wat in de jaren tachtig eigenlijk verplicht was. Toch is dit de reden waarom ik de jaren 1967 tot 1977 bewaar voor Amerikaanse films. Het is een tijd waarin goed gemaakte, innovatieve en vooral sombere films gemaakt konden worden met de grote budgetten die Hollywood te bieden had. Dat was allemaal voorbij tegen de tijd dat 'Star Wars' werd uitgebracht.<br />De regie van John Schlesinger zorgt voor het materiaal. Het combineert een simplistische stijl met experimentele montage. In tegenstelling tot veel andere films die psychedelische effecten hebben, is 'Midnight Cowboy' heel goed tot zijn recht gekomen. Het is nog steeds even krachtig als toen het voor het eerst werd uitgebracht. Het acteerwerk is echter wat dit tot een meesterwerk maakt. De achtergrond van de personages wordt nooit helemaal verklaard, maar door de uitvoeringen zijn ze volledig ontwikkeld. Zowel Jon Voight als Dustin Hoffman zijn absoluut gedenkwaardig en sympathiek (ondanks hun soms laakbare daden). Bovendien ben ik een fan van ouderwetse exploitatiefilms en vond ik de scènes die zich afspelen in de berucht louche 42nd Street geweldig. 'Midnight Cowboy' is bijna perfect en een van de machtigste films die ooit zijn gemaakt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Een Amerikaan in Parijs is een staaltje van Gene Kelly. Kijk hoe Gene zingt, acteert en danst in allerlei situaties in Parijs. Sommige zijn puur majestueus, andere pure mais. Je kunt je voorstellen hoe Kelly in elkaar zat toen hij deze film nog maar een jaar voor 'Singin' In The Rain' maakte. Hij is definitief een van de allergrootsten. Het is interessant om te kijken naar de parallellen tussen de twee films, vooral in Kelly's personages, met als enige verschil dat de ene in Parijs is en de andere in L.A.
Sommigen hebben gezegd dat Leslie Carons acteerwerk niet bepaald zuiver was. Misschien had Cyd Charisse, die oorspronkelijk voor de rol was bestemd, het beter gedaan, maar Caron is heel geloofwaardig in de rol en kan goed met Kelly overweg. De korte rol van Oscar Levant in deze film gaf het precies wat het nodig had, iemand die niet op Gene Kelly lijkt. Het invullen van de rol van de gewone man is geen gemakkelijke taak, maar Levant deed het met evenveel klasse als elke andere hoofdrol.
De zang- en dansscènes zijn allemaal perfect. Zelfs het te lange ballet aan het eind van de film maakt er een betere film van dan zonder. Omdat er eigenlijk niet veel tijd was om zo'n liefdevolle relatie geloofwaardig te maken, gebruikte Minnelli deze scène om het te laten lijken alsof je...' Ik heb vier uur met ze doorgebracht. Ingenieus!
Ik zou deze film moeten vergelijken met Singin', omdat het verhaal en de muziek erg op elkaar lijken. Singin' zou nauwelijks de waardering krijgen vanwege de opbeurende prestaties van Debbie Reynolds.
Volledige aanbeveling.

8/10 sterren.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Het verhaal en de muziek (George Gershwin!) zijn prachtig, net als Levant, Guetary, Foch en natuurlijk Kelly. Er ontbreekt één ding, en dat is een goede hoofdrolspeelster. Het spijt me, Leslie Caron zit me dwars. Hoe dan ook, ondanks haar gaat de plot goed samen met het beroemde (en terecht) Ballet. O, de kleuren, het oogverblindende rood, blauw, groen en geel. Vergeet ook de beige tinten niet. Ik ben gewoon dol op het contrast tussen het Beaux Arts-bal (helemaal in het zwart en wit) en het o zo briljante Ballet.<br />Dus wat ik probeer te zeggen is dit: Alsjeblieft, ga het alsjeblieft zien, en geniet ervan, want hoewel het niet het beste is, is het wel MARVELOUS. Maar vergeet vooral niet die andere musical van Gene Kelly met dat twintigjarige meisje dat vlak daarna een ster werd.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Oké, het Parijs dat we krijgen is Parijs, Culver City, afgezien van de filmopnamen van de echte McCoy uit de bibliotheek, maar het is Parijs in de geest waar niets, nergens, beter is. Oké, Kelly is geen Astaire, maar wie is dat dan wel en Caron is geen Hepburn, idem dito, maar Alan Lerner is lichtjaren verwijderd van de zwaar overschatte Comden en Green die het script hebben geschreven voor Kelly's andere 'grote' musical uit de jaren vijftig, Singin' In The Rain (een merkwaardige imitatie van songschrijvers die scenario's schrijven met liedjes van andere songschrijvers en gewoon om de boel in evenwicht te houden zijn de nummers van Gershwin veel beter dan de nummers van Arthur Freed en Nacio Herb Brown, zodat Alan Lerner zich niet al te zeer overtroffen hoefde te voelen). De anomalieën houden ons niet meer bezig dan de afwijkingen <0xE2><0x80><0x93> Kelly heeft geen wisselgeld bij zich en is schilder, d.w.z. bohémien, en toch is hij in staat om binnen een paar uur een perfect passend pak bij elkaar te scharrelen als Foch hem uitnodigt om in haar hotel te komen eten; in de goed gedocumenteerde Love Is Here To Stay-reeks worden de geliefden op een vreemde manier niet lastiggevallen door voorbijgangers, de andere geliefden wel en de brug op de achtergrond is volkomen vrij van voet- en autoverkeer <0xE2><0x80><0x93> dit is per slot van rekening een feelgoodmusical, dus hij staat of valt bij de score en in dit geval staat hij vier vierkantjes. Wat feelgoodmusicals betreft staat hij absoluut in de top 10.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Als ik het me goed herinner, bood Ira Gershwin, de tekstschrijver en broer van George, de Gershwin-catalogus aan voor deze film, die door de producenten werd afgeslagen. In veel opzichten was het een typische musical uit de jaren vijftig van de vorige eeuw, geregisseerd door de Freed Unit van MGM en geregisseerd door Vincente Minelli, met veel hulp van Gene Kelly.
De Gershwins behoorden natuurlijk tot de beste van alle Broadway-musicals, maar volgens mij behoorde George zelf tot de beste van alle Amerikaanse componisten, punt uit! Gene Kelly was natuurlijk een van de twee beste mannelijke dansers van de filmmusical (Raad eens wat de ander was?) en ik kan me niet voorstellen dat er ooit aan zijn casting is getwijfeld. Maar ik denk dat de rest van de cast enige uitleg nodig heeft: Oscar Levant was in zijn tijd een bekende persoonlijkheid en als vriend van George Gershwin moest hij wel in deze film spelen. Hij was een getalenteerde pianist en zelfs een redelijk getalenteerde componist, maar ook een bekend neurotisch en hypochonder, en hier speelt hij, zoals altijd, zichzelf.
Leslie Caron was in die tijd een onbekende, en ze was van het Franse 'gamin'-type. Ze was een getalenteerde danseres, maar een echte schoonheid was ze niet. George Guétary, die de rol van Maurice Chavalier speelt, oeps, ik bedoel Henri Baurel, was een Griek en geen Fransman, maar als Franse boulevardier is hij meer dan goed, ook al is hij een beetje te jong voor de rol.
De stem van Gene's hopper doet het hier goed, maar Guétary heeft een veel betere stem. Hoewel Gene beter was gecast dan in 'Singin' in the Rain', waar zijn personage veel berekenender is, toont hij zich zelfs hier af en toe als een soort hielenlikker (Hij was niet voor niets gecast als de oorspronkelijke hielenlikker in Pal Joey, de Broadway-musical.) Ik was niet zo verrukt van zijn 'I Got Rhythm'. Een scène met de kinderen die niet zo spontaan lijkt als naar mijn mening de bedoeling was.
Ik vond ook het personage van Nina Foch nogal irritant.
Maar het hoogtepunt van de film is natuurlijk het lange ballet aan het eind van de film, gebaseerd op de titelmuziek, met decors en kostuums in de stijl van de grote Franse impressionistische schilders.
Ik vond het moeilijk te geloven dat Gene en Oscar, als worstelende kunstenaars, de muziek zo goed in elkaar hebben gezet, maar alles bij elkaar genomen is de muziek van Gershwin in deze film uitstekend. De dvd is goed gemaakt, met mooie heldere beelden (wanneer ze dat moeten zijn) en het monogeluid is goed, maar een beetje oppervlakkig.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Een Amerikaan in Parijs is een geweldige musical over een Amerikaanse schilder die in Parijs woont om inspiratie op te doen. Hij ontmoet een rijke vrouw die zijn schilderijen op straat bewondert, en ze denkt dat ze zijn werk nog populairder kan maken voor het publiek, bijvoorbeeld in een museum. Golden Globe heeft Gene Kelly genomineerd als de kunstenaar Jerry Mulligan is gewoon perfect in zowel zingen als dansen. Hij ontmoet ook het belangrijkste meisje Lise Bouvier (Leslie Caron) die verloofd is met zijn beste vriend. Hij kan zijn gevoelens voor dit meisje niet onderdrukken, zelfs nadat hij erachter is gekomen met wie ze verloofd is. Vervuld van mooie romantiek en prachtige zang en dans is dit een heel goede musicalfilm. Het mag misschien een beetje langdradig worden in verband met zijn dansdromen, d.w.z. De Amerikaan in het Parijse ballet, maar er zit een goede happy ending in. Het won de Oscars voor de beste kunstprogramma's <0xE2><0x80><0x93> decorontwerp, beste cinematografie, beste kostuumontwerp, beste muziek, Scoring of a Musical Picture, Best Writing, Story and Screenplay en Best Picture <0xE2><0x80><0x93> en het werd genomineerd voor de beste regisseur voor Vincente Minnelli en voor de beste filmeditie, het werd genomineerd voor de BAFTA voor de beste film uit elke bron, en het won de Golden Globe voor de beste film voor Vincente Millenni (Liza's vader). Gene Kelly was nummer 66 in The 100 Movie Stars en hij was nummer 15 in 100 Years, 100 Stars <0xE2><0x80><0x93> Men.' 'I Got Rhythm' was nummer 32 op 100 Years, 100 Songs, de film was nummer 9 op 100 Years of Musicals, nummer 39 op 100 Years, 100 Passions, nummer 68 op 100 Years, 100 Movies en nummer 58 op The 100 Greatest Musicals. Heel goed!


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

An American In Paris is een geïntegreerde musical, wat betekent dat de liedjes en dansjes perfect bij het verhaal passen. De film werd geïnspireerd door de orkestrale compositie uit 1928 van George Gershwin.
Het verhaal van de film wordt afgewisseld met opzwepende dansnummers die zijn gechoreografeerd door Gene Kelly en zijn gebaseerd op populaire Gershwin-liedjes. Tot de liedjes en muziek behoren 'I Got Rhythm', 'S Wonderful' en 'Our Love is Here to Stay'. Het zet een nieuwe norm voor het subgenre dat bekendstaat als de'songbook'-musical, met tientallen Gershwin-liedjes in de ondertoon. De climax is 'The American in Paris'-ballet, een dans van 18 minuten met Kelly en Caron in de rol van Gershwin. An American in Paris, met een impressionistische dagdroom uit de tijd van de impressionisten in de stijl van verschillende schilders, is een van de langste ononderbroken dansscènes van elke Hollywoodfilm. Het ballet alleen al kostte meer dan een half miljoen dollar, destijds een onthutsend bedrag.
Het is grappig om je voor te stellen dat zo'n kunstwerk wordt geboren tijdens een partijtje biljart tussen de filmproducent Arthur Freed ('Singin' in the Rain, Wizard of OZ, ON THE STAWN, MEET ME IN ST. LOUIS and THE BAND WAGON') en Ira Gershwin. Het was Freeds idee om de titel te kopen, zodat hij die kon gebruiken in een film over Parijs, en Gershwins idee dat er alleen muziek van Gershwin in zou zitten. De oorspronkelijke cast bestond uit Cyd Charisse, maar ze ontdekte dat ze zwanger was voordat de opnamen begonnen. Een belangrijke reden waarom Gene Kelly Leslie Caron als de vrouwelijke hoofdrol voorstelde, was omdat hij vond dat deze film een 'echt' Frans meisje moest hebben dat Lise speelde, niet alleen maar een Amerikaanse actrice die Lise speelde. Gene Kelly ontdekte Leslie Caron tijdens een vakantie in Parijs, waar hij haar zag optreden in een balletvoorstelling. Toen ze werd opgeroepen voor de auditie, zei ze: 'Wie is Gene Kelly?' Volgens Leslie Caron werd haar inleidende dansscène, waarin een verleidelijke dans met een stoel werd opgevoerd, door sommige censors te suggestief gevonden. Gene Kelly regisseerde de korte fantasiescènes waarin Lise wordt voorgesteld.
Vincente Minnelli wilde eerst Maurice Chevalier in de rol van Georges Guétary, en 'Celeste Holm' in de rol van 'Nina Foch'.
Minnelli was een baanbrekende regisseur van musicals met Meet Me in St. Louis (1944), An American in Paris en The Band Wagon (1953). Hij gebruikte kleuren en liedjes op een manier die nog niet eerder was gebruikt. Hij gebruikte ruimte en tijd fantasievol. Maar het beste van alles was dat hij zich liet gaan in de lange balletsecties aan het eind van al zijn films. Het ballet in An American in Paris is misschien wel zijn beste werk. Ook al wordt Vincente Minelli genoemd als de enige regisseur, hij had het soms druk met zijn scheiding van Judy Garland en andere regieprojecten, zodat Gene Kelly de regie overnam.
Andere hoogtepunten zijn Guetary's vertolking van 'Stairway to Paradise', Oscar Levants fantasie om Gershwins 'Concerto in F' te dirigeren en te spelen (zie waarom het Oscar Levants lievelingsstuk was).
De balletscène, nu we weten dat hij geslaagd is, wil iedereen nu met de eer gaan strijken: Freed, Minnelli, Kelly, maar voordat de film klaar was, zei het New Yorkse kantoor van MGM nee tegen een half miljoen dollar voor een ballet. Dus ging Freed naar studiohoofd Louis B. Mayer zelf en kreeg hem zover dat hij toestemde, maar New York zei nee. Ten slotte liet Gene Kelly het kantoor in New York zien hoe een Britse film, The Red Shoes, een lange balletscène gebruikte en die film werd een wereldsucces en wordt nog steeds beschouwd als het beste voorbeeld van een succesvolle kunstfilm. Nou, de financiële jongens gaven uiteindelijk toe en tekenden de cheques.
Na 1 november 1950 kwam er een onderbreking in de productie, waarna Gene Kelly de balletchoreografie begon te repeteren. Tegen de tijd dat de productie voor die laatste scène op 6 december werd hervat, had Vincente Minnelli alweer een andere film geregisseerd <0xE2><0x80><0x93> Father's Little Dividend (1951).

Irene Sharaff ontwierp een stijl voor elk van de balletreeksen, die verschillende Franse impressionistische schilders weergaf: 'Raoul Dufy' (de Place de la Concorde), Edouard Manet (de bloemenmarkt), Maurice Utrillo (een straat in Parijs), Henri Rousseau (de Tentoonstelling), 'Vincent Van Gogh' (de Place de l'Opéra) en Henri de Toulouse-Lautrec (de Moulin Rouge). Het kostte zes weken om de achtergronden te bouwen, waarbij dertig schilders non-stop werkten.
Roger Ebert zei na het bekijken van de recente restauratie: 'Een Amerikaan in Parijs heeft vele kwaliteiten, niet in de laatste plaats het beroemde aantal dansers, en Kelly en Leslie Caron symboliseren het hele verhaal van hun verkeringstijd in de dans.' In the Rain is de grootste musical die ooit is gemaakt, en een van de recensenten verwoordde het het best toen hij zei: 'SINGIN' IN THE RUN maakt me gelukkig en An American In Paris geeft me een goed gevoel.' Het ballet vertegenwoordigt Kelly's fantasieën zoals die worden weergegeven door de grote Franse kunstenaars (Renoir, Rousseau, Lautrec, Dufy) die hij bewondert. De acteur en producent regelden een screening voor de toen zieke Raoul Dufy en doken onder tot aan de aftiteling. Daar vonden ze, opgelucht, de kunstenaar, tot tranen toe bewogen, die om een tweede portie van de weelderige finale vroeg.
De film was ook de eerste die een Golden Globe won voor de beste film (komedie of musical).
Gene Kelly kreeg dat jaar een eremedaille van de Academy voor 'Beste Film'. Het was zijn enige Oscar voor zijn veelzijdigheid als acteur, zanger, regisseur en danser, en vooral voor zijn briljante prestaties in de choreografie op film.'


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit is de typische vrolijke en kleurrijke MGM-musical uit het begin van de jaren vijftig, en het is beslist een van de betere films om daar naar te kijken.
De film werd geregisseerd door de genredeskundige Vincente Minnelli, met Gene Kelly in de hoofdrol. Ze hebben in die tijd samen heel wat films gemaakt, waarvan deze waarschijnlijk hun bekendste is.
De film zelf slaagde erin de beste film Oscar van dat jaar te winnen, wat betekende dat hij beter was dan films als 'A Place in the Sun', 'A Streetcar Named Desire', 'The African Queen', 'Quo Vadis', 'The Blue Veil' en 'Death of a Salesman' van dat jaar. Een echte prestatie natuurlijk, maar tegelijkertijd ook een beetje te veel eer voor deze verrukkelijke, levendige en onderhoudende film.
Als je naar deze film kijkt, zul je je er zeker door laten vermaken, wat ook te danken is aan de prachtige kleuren van de film en de vele leuke personages in deze film. De muzieknummers zijn ook allemaal goed gedaan, wat niet zo verbazingwekkend is als je mensen als Vincente Minnelli en Gene Kelly aan het werk hebt.
Maar was het niet zo dat alles wat er in deze film werd verteld in een halfuurtje of zo was verteld? Ik bedoel, we weten al waar de film naartoe gaat, maar toch slaagt hij erin om het allemaal zo lang mogelijk te rekken. Niet dat de film daardoor ook maar een beetje vertraagt, hij wordt alleen maar een beetje te lang. De film had ook zeker gemaakt kunnen zijn met een paar minder muzieknummers erin.
Een van de betere MGM-musicals, maar niet zonder gebreken.

8/10/10.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De oogverblindende zeventien minuten durende danssequentie van George Gershwins orkestwerk uit 1928, 'An American in Paris', is een onbetwistbaar meesterwerk. Gechoreografeerd met precisie en ongeëvenaarde flair door Gene Kelly, is de levendige combinatie van kleur, muziek en dans nog steeds oogverblindend mooi als het stuk wordt onderbroken door scènes die zijn geïnspireerd door geselecteerde meesterkunstenaars: Dufy in het openingsstuk op de Place de la Concorde, Manet op de bloemenmarkt, Utrillo in een Parijse straat, Rousseau op de kermis, Vincent Van Gogh in het spectaculaire stuk op de Place de l'Opéra en Toulouse-Lautrec in de Moulin Rouge waar Kelly zijn beroemde witte bodysuit draagt. De zevenennegentig minuten die aan deze finale voorafgaan zijn lang niet zo opwindend, bij lange na niet, maar er zijn bepaalde charmes te beleven bij het bekijken van de hele, in 1951 met een Oscar bekroonde musical.
<0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> Op hun eerste afspraakje in een drukbezochte nachtclub in Montmartre valt Jerry zonder pardon voor Lise, een jonge vrouw die de verloofde blijkt te zijn van Henri, een professionele entertainer en vriend van Jerry's vriend Adam, een werkloze concertpianist. De romantische complicaties gaan door tot het onvermijdelijke einde, maar niet voordat er enkele klassieke nummers van Gershwin worden gespeeld.
De beste hiervan zijn de meest geïmiteerde <0xE2><0x80><0x93> een zwijmelend romantisch lied en dans op 'Our Love Is Here to Stay' langs een namaak-Seine in een blauwe nevelige mist met gele mistlampen. De manier waarop Kelly en Leslie Caron om elkaar heen draaien is transcendent, terwijl ze elkaar eerst aarzelend naderen en dan prachtig synchroniseren met de muziek die naar de uiteindelijke omhelzing leidt. Er zijn maar weinig films die zo elegant en beknopt hebben laten zien hoe twee mensen verliefd worden. 'I Got Rhythm' en 'S'Wonderful' zetten Kelly's behendige tapdansen en aangename gezang in de schijnwerpers, terwijl 'Embraceable You' indrukwekkend wordt gedanst door Caron in een montage van vijf scènes van Henri's gedetailleerde beschrijving van Lise en Adam. Het is ontworpen om te laten zien hoe veelzijdig Caron kan dansen, en de volgorde is gelijk aan die in 'On the Town', waar Vera-Ellen haar aanzienlijke dansvaardigheid demonstreerde toen Kelly's zeemanspersonage zijn veelzijdige visie op Miss Turnstiles beschreef. Als Lise danst de negentien jaar oude Caron (in haar eerste film) de hele tijd voortreffelijk en ze speelt haar rol met ongevormde charme en haar acteertalent dat de eerste paar jaar niet tot volle bloei komt. Nina Foch, die er heel glamoureus uitziet, speelt de oudere, manipulatieve Milo en slaagt erin zo sympathiek te zijn dat wij ons om haar lot bekommeren, terwijl Oscar Levant alleen maar zijn sardonische zelf is als Adam. George Guétary speelt Henri zo innemend in een elegante 'I'll Build a Stairway to Paradise'-musical dat je je rot voelt als hij het meisje aan het eind kwijtraakt. Dit is niet de beste MGM-musical, maar er is zeker genoeg filmmagie om dit de moeite waard te maken. De dvd van 2000 bevat een vrij smetteloze afdruk, maar verder weinig extra's.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is een mooie musical met een tijdloze tekst van een van mijn favoriete componisten (Gershwin) en een prettige 'Parisien'-sfeer die de film een hoop charme geeft, maar als verhaal... nou ja, het is er niet echt. Of in ieder geval niet erg goed uitgewerkt. Het acteerwerk is ook niet zo gladjes van Caron. Maar sommige van de dialogen vond ik mooi, ik vond de scène aan de Seine mooi, ik vond het personage dat Levant speelde mooi, de kleuren; en het dansen natuurlijk, dat is werkelijk schitterend.<br />Een 7,5-8 lijkt me precies goed.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Wat is het materiaal voor de beste film? De Oscars zijn er in groten getale voor in de plaats gekomen voor het belonen van overdreven spektakelstukken die een slechte ouderdom hebben bereikt en het negeren van de 'auteurs' die in de komende decennia vergoddelijkt zullen worden. Dat was niet omdat Hollywood tegen kunst of creativiteit was. De Oscars zijn de selecties die door de industrie zelf worden gemaakt, en dat is de reden waarom ze, in elk geval in het klassieke tijdperk, de grootste samenwerkingen, de meest sensationele bijeenkomsten van creatieve geesten belonen. Het Arthur Freed-team van MGM was inmiddels al een aantal jaren op weg naar de Oscar-winnende roem; het was slechts een kwestie van tijd voordat Freed, geholpen door zijn beste regisseur Vincente Minnelli en enkele van de beste musicalsterren in het vak, een Beste Film zou maken. Freed had aantoonbaar meer gedaan om de status van de musical te verhogen dan wie ook, door films te maken die verhaal en lied met elkaar verweefden zonder het dynamische spektakel van de musicals uit de jaren dertig te verliezen. Het punt met musicals van Freed is dat de tekst van de liedjes, in tegenstelling tot die van Hammerstein of Lerner, niet hoeft te worden verteld of zelfs maar in verband hoeft te worden gebracht met de verhalen. Het belangrijkste is dat de toon van het nummer en de manier waarop het wordt gebracht in de structuur van de film passen.
An American in Paris was de eerste van drie Freed-musicals (de andere twee waren Singin' in the Rain en The Band Wagon), die bestaande klassieke nummers uit hun oorspronkelijke context haalden en ze in een volkomen losstaand verhaal lieten passen. Het feit dat de film is gemaakt in de tijd dat de Franse jongeren meededen, is een groot deel van de karakterisering, en de opgewekte melodie en dans geven de film de kleine opkikker die hij op dit moment nodig heeft. Een Amerikaan in Parijs gebruikt ook de regel die in dit genre is toegestaan om kleine, onconventionele vluchtjes fantasie toe te voegen om het verhaal te vertellen, zoals de reeks danspassen die de beschrijving van Leslie Carons personage vergezellen.
En welke regisseur voor dit project kon beter zijn dan Minnelli, die zelf schilder en pianist was? In die tijd was er eigenlijk niemand die een beter gevoel voor technicolor had. Terwijl sommige regisseurs elke scène in één kleur overgoten of het scherm vulden met vloekende tinten, gaf Minnelli's stijl de film een onconventionele uitstraling. De kleurenschema's zijn strak in de hand gehouden, maar ze zien er nooit geforceerd uit. In de openingsscènes zijn de tonen vrij gedempt, maar niet saai, en in het bijzonder is er geen rood. Tijdens de bijeenkomst van Oscar Levant en Georges Guetary in het café worden nog een paar levendige tinten geïntroduceerd. Dan, tijdens het eerste muzikale nummer, brengt 'By Strauss' Minnelli geleidelijk wat rode spetters aan op een tafellaken, een bos rozen, tot het uiteindelijk alles overheerst, alsof het nummer het kleurenschema van het schilderij heeft bepaald. Bij de meeste nummers zijn de kleuren even ingewikkeld als de mensen. Maar in sommige nummers, zoals 'Tra-la-la', zijn de kleuren net zo ingewikkeld als de mensen. Hij houdt de kleuren hetzelfde en maakt in plaats daarvan de ruimte vrij naarmate het lied aanzwelt en de personages levendiger worden.
De achilleshiel van _An American in Paris_ is het verhaal. Persoonlijk vind ik de romantische invalshoek bijzonder onverteerbaar, omdat die als een laatste hoeraatje dient voor de vrouwenhatende liefdesverhalen die in de jaren dertig de boventoon voerden; de koppige, onafhankelijke vrouw wordt afgewezen, terwijl het deemoedige, tere meisje wordt geprovoceerd om van de held te gaan houden. Zelfs als je dat niet erg vindt, is het moeilijk om je emotioneel bij het verhaal te laten betrekken, omdat het voortdurend wordt overschaduwd door de liedjes en de dansen. Het heeft niet echt zoveel geweldige routines of gedenkwaardige scènes als _An American in Paris_, maar het heeft een meeslepende verhaallijn. _Singin' in the Rain_ werd bij de Oscaruitreikingen van 1952 over het hoofd gezien, maar wordt tegenwoordig beschouwd als een klassieker van het genre. Maar ik denk dat mensen soms vergeten dat film een allesomvattende vorm van visueel vermaak is, niet alleen maar een manier om een verhaal te vertellen. _An American in Paris_ is niet diepzinnig of innemend of tranentrekkend, maar net als een bepaalde film van DeMille die het jaar daarop de prijs voor de beste film won, is het zeker een geweldige show.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Het beste deel van _An American In Paris_ is de lange balletsectie aan het eind, waar Gene Kelly en Leslie Caron de levende personificaties zijn van verschillende grote schilders. Kelly heeft zich eerder gevestigd als straatartiest in Parijs, dus de scène is het logische einde van een musical die barst van leven en energie, van Gershwin-liedjes en castleden als Georges Guetary en Oscar Levant. Kelly was hier op zijn best <0xE2><0x80><0x93> het is een beetje anders dan _Singin' in the Rain_, en het effect van de hele film als je hem afsluit met het ballet geeft hem beslist een wow-factor. Geen wonder dat de scène eindigde met 'That's Entertainment' nadat alle andere MGM-musicals voorbij waren!


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Hoewel het woord'megalie' vaak wordt gebruikt om Gene Kelly te beschrijven, en zijn dans soms veel te stijf is, moet je toegeven dat hij weet hoe hij een show moet opvoeren. In _American In Paris_ heeft hij een paar opmerkelijke nummers ingestudeerd, waarvan sommige de plot vertragen, maar desalniettemin verbluffend zijn om te zien. (Kijk om te beginnen maar eens naar Gene Kelly's _Getting Out Of Bed Routine_.)

Gene Kelly speelt een soldaat die in Parijs is gelegerd, hij is daar gebleven om te schilderen, en al snel is hij de gigolo van een rijke vrouw, maar hij houdt nog veel meer van iemand anders! Het is een treurig verhaal, dat wel, maar de muzikale nummers redden de show hier! Ik vond het stemwerk van Georges Guderian in deze film echt geweldig. en zijn duet met Le Gene in 'S Wonderful' is's Wonderful'. Oscar Levant en Leslie Caron kan ik hebben of niet. Al met al een vrij goede, maar geen dynamietfilm.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Blood Castle (ook bekend als Scream of the Demon Lover, Altaar van Bloed, Ivanna <0xE2><0x80><0x93> de beste, maar minst uitbuitbare filmtitel, enzovoort) is een zeer traditionele gothic Romance-film. Dat betekent dat hij grote, griezelige kastelen heeft, een koppige jonge vrouw, een mysterieuze oudere man, verwijzingen naar horror en het bovennatuurlijke, en romantische elementen in de hedendaagse betekenis van die term. Het betekent ook dat de film heel doelbewust wordt ingestudeerd, en dat hij het best werkt voor horrorfans die dol zijn op understatements. Als je van films als The Haunting van Robert Wise (1963) houdt, maar ook van Spaanse en Italiaanse horror van het eind van de jaren zestig/het begin van de jaren zeventig, dan hou je misschien ook wel van Blood Castle.
Baron Janos Dalmar (Carlos Quiney) woont in een groot kasteel aan de rand van een traditioneel, niet nader omschreven Europees dorp. De plaatselijke bevolking is bang voor hem, omdat volgens de legende elke keer dat hij met een vrouw naar bed gaat, ze kort daarna dood neervalt <0xE2><0x80><0x93> men is het erover eens dat hij zijn woeste honden op hen afstuurt. Dat is een groot probleem, want de baron heeft een gezonde voorkeur voor vrouwen. Aan het begin van de film duikt er weer een dode en verminkte vrouw op.
Intussen is dr. Ivanna Rakowsky (Erna Sch<0xC3><0xBC>rer) in het centrum van het dorp verschenen met het verzoek haar naar het kasteel van baron Dalmar te brengen. Ze is van buiten de stad en is door de baron ingehuurd vanwege haar kennis van de scheikunde. Natuurlijk wil niemand in de buurt van het kasteel komen. Uiteindelijk vindt Ivanna een schimmig persoon (die nog schimmiger wordt) om haar mee te nemen. Eenmaal daar wijst een vreemde vrouw die in het kasteel woont, Olga (Cristiana Galloni), Ivanna af en zegt dat ze daar niet hoort te zijn omdat ze een vrouw is. Baron Dalmar weifelt of ze moet blijven. Uiteindelijk blijft ze, zij het met enige tegenzin. De baron heeft haar ingehuurd om te proberen de gevolgen van ernstige brandwonden ongedaan te maken, waaraan de broer van de baron, Igor, lijdt.
Helaas lijkt de broer van de baron niet meer te zijn dan een klomp ontbindend vlees in een vat met een bizarre, zwarte vloeistof. En bovendien heeft Ivanna bizarre, hallucinerende dromen. Is de baron verantwoordelijk voor de misdaden? Is hij krankzinnig?
Ik wilde meer dan ik heb gedaan van Blood Castle houden. Zoals ik al zei, is de film heel weloverwogen in zijn tempo, en het meeste ervan is heel onderkoeld. Ik kan beide kanten op met dat soort materiaal. Ik hou niet van The Haunting (ja, ik behoor tot een heel kleine minderheid daar), maar ik ben een grote fan van Europese horror uit de jaren zestig en zeventig. Een van mijn favoriete regisseurs is Mario Bava. Ik ben ook dol op het werk van Dario Argento uit die periode. Maar soms ging Blood Castle een beetje te langzaam voor me. Er zijn grote brokken die neerkomen op scènes waarin niet erg opwindend gepraat wordt, afgewisseld met scènes waarin Ivanna langzaam door de gangen van het kasteel loopt.
Maar de sfeer van de film is redelijk. Regisseur José Luis Merinos had meer dan redelijke sets en locaties, en ze zijn redelijk goed geschoten door Emanuele Di Cola. Maar Blood Castle voelt relatief goedkoop aan, en dit is per slot van rekening een door Roger Corman geproduceerde film (wat meestal betekent dat hij goedkoop is, hoewel hij vaak van verrassend goede kwaliteit is). Dus hoewel er iets te zien is van de weelderige kleuren en ingewikkelde decors van Bava's film, is alles veel minimalistischer. Het helpt natuurlijk niet dat de Retromedia-print die ik heb gezien eruitziet als een 30 jaar oude foto die...' Het lijkt alsof de film 'uitgewist' is, met gecompromitteerde contrasten.
Toch levert Merinos en Di Cola af en toe fantastische beelden. Bijvoorbeeld een scène waarin Ivanna door een donkere gang loopt die vanuit een overdreven hoek is gefilmd en waarin een belangrijk element van de plot alleen door schaduwen op de muur wordt onthuld. Er zijn ook een paar Ingmar Bergman-achtige opnamen, waarin de acteurs zo voortreffelijk zijn gecamoufleerd dat ze complexe relaties impliceren, behalve dat ze alleen maar visueel aantrekkelijk zijn en je oog diep in het beeld trekken.
De voorstellingen zijn redelijk goed, en de vrouwen <0xE2><0x80><0x93> vooral Sch<0xC3><0xB6>rer <0xE2><0x80><0x93> zijn erg aantrekkelijk. Merinos maakt van dit feit gebruik door een behoorlijke hoeveelheid naaktheid op te nemen. Schorrer maakte vervolgens een aantal films die net zo goed softporno als andere genres waren, met Engelse titels als Sex Life in a Woman's Prison (1974), Naked and Lustful (1974), Strip Nude for Your Killer (1975) en Erotic Exploits of a Sexy Seducer (1977). Blood Castle is veel tammer, maar naast de naaktheid zijn er ook nog milde scènes die suggereren dat er sprake is van verkrachting en bondage, en natuurlijk de scènes waarin seks en dood met elkaar worden vermengd.
Maar de voornaamste aantrekkingskracht hier is waarschijnlijk het verhaal, dat net als al het andere een langzaam opbrandende romance is. De horrorelementen, de mysterieuze elementen en een ietwat onverwachte wending aan het eind zijn bonussen, maar uiteindelijk is _Bloedkasteel_ een liefdesverhaal, over een stel dat verschillende problemen en tegenstrijdigheden (vaak met fysieke bedreigingen of schade) overwint om samen te kunnen zijn.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik herinner me dat ik de zaak van Andre Chicatillo in de kranten heb gevolgd toen ik in Zuid-Afrika woonde. Ze hadden foto's van hem in zijn kooi terwijl hij voor de rechtbank werd berecht. Niet, zoals bleek, om de leden van de rechtbank te beschermen, maar om hem tegen het publiek te beschermen. Dat was fascinerend, zij het morbide, om te lezen. Later hoorde ik dat er een film over de zaak was gemaakt door de HBO, maar die was gemaakt voor de Amerikaanse tv. Gek! Vreemd genoeg kreeg _Citizen X_ in Zuid-Afrika een beperkte bioscoopuitgave. Ik reed naar het plaatselijke Ster Kinekor-complex en kocht daar een kaartje (ik was alleen; mijn vriendin was op dat moment alleen geïnteresseerd in films als STEEL MAGNOLIAS en FRIED GREEN TOMATOES). Wauw! Wat een briljante film. Waarom is hij niet aan een breder publiek vertoond? Als hij niet voor de tv was gemaakt, had hij een Oscarnominatie of twee kunnen krijgen. Het is onmogelijk om het einde te bederven; wie de moordenaar is, wordt nooit voor het publiek verborgen gehouden. Jeffrey DeMunn speelt een waarlijk angstaanjagende psychopaat. Hij is kalm, vertrapt, wordt door zijn vrouw als een mislukkeling beschouwd en wordt door zijn superieuren op het werk voortdurend uitgelachen en vernederd. Door deze verschrikkelijke daden te plegen, voelt hij zich sterk, machtig.
Om hem tegen alle verwachtingen in te pakken is een patholoog-anatoom die door Stephen Rea op voortreffelijke wijze wordt gespeeld. Het is een van zijn sterkste optredens. Hij moet vechten tegen de slakkengang van de Russische bureaucratie, de primitieve middelen die hij tot zijn beschikking heeft en (bovenal) de weigering van zijn superieuren om te erkennen dat de ussr zelfs een seriemoordenaar heeft. De generaal die de leiding heeft (Joss Ackland) zegt dat seriemoordenaars 'een decadent, westers verschijnsel' zijn. Alleen Donald Sutherland is bereid te helpen, maar zijn hulp moet onder de toonbank zijn. De altijd briljante Max Von Sydow speelt een Russische psychiater die het protocol breekt en besluit de onderzoekers te helpen bij hun zoektocht. Het is de eerste keer in de Russische geschiedenis dat een psychiater wordt gebruikt om een profiel op te stellen van een seriemoordenaar die nog steeds vrij rondloopt, en hij heeft alles te verliezen als zijn betrokkenheid openbaar wordt gemaakt.
CITIZEN X is briljant geacteerd, goed geschreven, en de muziek en de montage dragen alleen maar bij aan de spanning en het thema van de film. De uitstekende steun van een verschrikkelijk weinig gebruikte Imelda Staunton en een echt gevoel van naderend onheil maken CITIZEN X tot een film die de moeite waard is. Dit was te goed om voor de televisie te worden gemaakt.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Burger X vertelt het verhaal van Andrei Chikatilo, de Ripper van Rostov, die in 8 jaar tijd 52 mensen vermoordde, voornamelijk vrouwen en kinderen. Het laat zien hoe het onderzoek werd belemmerd door de Sovjetbureaucratie, hoe moeilijk het was om de misdaden te onderzoeken. Het doet het werk op zo'n briljante manier dat het niemand onberoerd laat. In het begin gaat het misschien een beetje langzaam, maar naarmate het verhaal zich ontvouwt, grijpt het je echt bij de keel. Ik kan alleen maar zeggen dat dit, naast _The Silence of the Lambs_, verreweg de beste film is over een seriemoordenaar die ik ooit heb gezien.
Het is heel moeilijk te zeggen welke acteur beter is dan de rest in deze film. Stephen Rea is werkelijk briljant als de onervaren forensisch expert die de leiding krijgt over het onderzoek. Donald Sutherland als zijn cynische meerdere, en de enige persoon in de Russische regering die bereid is hem te helpen, is even uitmuntend als Rea. En wat te zeggen van Jeffrey DuMann, die de seriemoordenaar speelt? DuMann heeft briljant een personage gecreëerd dat eerder empathie dan haat opwekt. Ja, hij is een monster, maar hij is ook een trieste figuur, onderdrukt en bespot door zijn vrouw, zijn baas, zijn collega's... Hij wordt gekweld, schaamt zich en is buitengewoon gemeen.
Ik kan deze film alleen aanbevelen aan iedereen die geïnteresseerd is in een goed gemaakt docudrama, waarin de acteurs nog belangrijker zijn dan de special effects. Het verdient op z'n minst een 9/10, misschien nog wel meer als je het mij vraagt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit moet wel een van de beste films over seriemoordenaars zijn die ik ooit heb gezien, en hij komt van iemand die Silence of the Lambs absoluut geweldig vond. HBO heeft hier de jackpot gewonnen. Deze film is van het eerste tot het laatste moment fascinerend.
Deze film heeft zo veel onderliggende thema's dat het moeilijk te zeggen is waar hij precies over gaat. Hij beschrijft de tien jaar durende zoektocht naar de Russische seriemoordenaar Andrea Chikatilo. Stephen Rea geeft een briljant gestileerde voorstelling als de onervaren forensisch expert die de leiding krijgt over het onderzoek, en Donald Sutherland geeft een nog indringender voorstelling als zijn cynische meerdere, en de enige persoon in de Russische regering die bereid is hem te helpen. Allebei hun optredens zijn subtiele meesterwerken: Rea begint naïef en onwillig om compromissen te sluiten, terwijl Sutherland afstandelijk en bijna geamuseerd door de situatie heen kijkt. Tegen het einde wordt Rea steeds meer wereldmoe en verslagen door het systeem, terwijl Sutherland steeds hartstochtelijker en idealistischer wordt.
In elke andere film zou ik hebben gezegd dat Sutherlands optreden boven de rest uitsteekt, maar hier wordt zelfs hij overtroffen door Jeffrey DuMann, die zelf de seriemoordenaar is. DuMann creëert hier op briljante wijze een personage dat empathie opwekt in plaats van de haat waarvan we denken dat we die zouden vinden: hij is een monster, maar dat wil hij niet zijn, en we krijgen het idee dat hij net zo walgt van wat hij doet als wij. Hij wordt gekweld, schaamt zich, maar is ook kwaadaardig.
Als je het ongelooflijk duistere onderwerp aankunt (en het is érg verontrustend), moet je deze film zien.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Deze film vertelt een verbazingwekkend verhaal met geschiedenis en mededogen. Van de zorgvuldige beschrijvingen van de plaatsen delict tot de geestelijke gezondheid van de leider van het onderzoek, je zult betoverd zijn. Het is een absolute must-see voor iedereen die geïnteresseerd is in criminologie. Interpol-relaties en hoe de diensten samenwerken zijn ook geweldig. Ook niet overdreven. Ik kan het ook aanbevelen voor iedereen die geïnteresseerd is in de Russische geschiedenis. Hoe de politie werkt met de politieke partij zoals die was... Het is echt fascinerend en frustrerend. De decors zijn prachtig. Het is al een tijdje geleden dat ik deze film voor het eerst zag. Het doet niets af aan de impact. Niet overdreven dramatisch of visueel, het laat genoeg over aan de verbeelding, nou ja, dat zul je wel zien.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Er zijn een paar uitmuntende commentaren en opmerkingen over deze film. Het deed me genoegen de vergelijkingen met Fritz Langs 'M' op te merken (vergeet de mislukte remake uit 1950 met de lichtgewicht David Wayne). De echte schurk is niet de gemartelde moordenaar (een uitzonderlijk goede prestatie van Jeffery DeMunn), die zijn seksueel gefrustreerde woede afreageert op zijn slachtoffers <0xE2><0x80><0x93> voornamelijk kinderen. Hij is het doel. De echte schurk is het verstikkende bureaucratische Sovjetsysteem, dat verzuipt in zijn eigen corrupte incompetentie. De frustratie van een onbuigzaam toegewijd man (Rea in zijn beste rol sinds 'Het huilende spel'), een snelle pragmaticus die 'het huilende spel' speelt. Hij is bereid het systeem in zijn voordeel te gebruiken (Sutherland is altijd succesvol in dit soort rollen), een aarzelende, bange maar vastberaden psychiater (de ongeëvenaarde Max Sydow), de stuntelige, lompe bureaucraat van een aanklager (de briljante Britse acteur John Wood) en de rustige, ondersteunende vrouw van de gedreven onderzoeker (de verrukkelijke supporter, Imelda Staunton). Dit is een verdomd goeie film. Zijn duisternis en somberheid worden ondersteund door het beeld van een corrupt, incompetent systeem dat tegen het succes ingaat. Het is niet nodig om in de bloederige details van het sensationalisme te duiken dat zo veel recente films heeft gekenmerkt. Gore is aanwezig <0xE2><0x80><0x93> het is een afschuwelijk verhaal <0xE2><0x80><0x93> maar het draagt bij aan het beeld van een pathologisch verknipt menselijk wezen. Het succes van het verhaal is precies dat: dit waren daden die werden begaan door een persoon, een mens zoals jij of ik. Terwijl jij en ik onze frustratie op een redelijke manier willen uiten, reageerde Chikatilo zijn woede af op de onschuldigste en kwetsbaarste van ons, onze kinderen. De voortreffelijke premisse van dit verhaal wordt geopenbaard door een al even voortreffelijke cast van uitstekende acteurs... Helaas viel het me op dat onze Australische vriend de toespraak niet leuk vond en ongetwijfeld liever had gehoord dat ze in het Australisch spraken. Nou, dat is dan jammer. Deze mooie film heeft beslist goed gewerkt voor mij en iedereen met wie ik heb gesproken die hem heeft gezien.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit is een vreemd gegeven: een moderne film over een seriemoordenaar die geen vechtscènes heeft, niemand ziet sterven, geen achtervolgingen met auto's en geen harde geluiden... en hij speelt zich af in Rusland. Er zijn maar twee korte actiescènes, maar die zijn afschuwelijk.
De rest van het verhaal is detectivewerk, en hoeveel bureaucratische rompslomp de arme rechercheur moest doorstaan om de moorden op te lossen. Dit is een heel sombere film, en'somber' beschrijft ook het beste de persoonlijkheid van de held (Stephen Rea). Toch is het verhaal niet deprimerend en het is van begin tot eind heel interessant.
Rea is uitstekend als de vastberaden, gekweld uitziende rechercheur. Jeffrey DeMunn is ronduit angstaanjagend als de moordenaar. s Russische accent is verdacht, maar hij speelt het enige personage in deze film dat enige warmte uitstraalt.

Opnieuw is het verhaal bezaaid met liberale agenda's, hier en daar, met niet één maar twee verwijzingen naar vooringenomenheid tegen homo's, de totale geldigheid van seculiere psychologie, politie en regeringsfunctionarissen die lomp/ grof/gebiologeerd zijn, kletskoek, kletskoek, kletskoek.
Voor de rest is het een intelligente en verfrissende low-key misdaadfilm. Dit is een enigszins unieke film die waarschijnlijk niet bekend is, maar wel geliefd is bij de mensen die hem hebben gezien. Aangezien hij is gebaseerd op een waargebeurd verhaal van deze moordenaar, is hij des te huiveringwekkender. Je moet dit niet laten schieten omdat je er niets over weet.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

'Citizen X' vertelt het verhaal van 'De Slager van Rostov', de bijnaam van een gruwelijke en perverse Russische seriemoordenaar die 52 levens van 1978 tot 1992 claimde. De film concentreert zich op de beginnende rechercheur (Rea) die de moordenaar tegen alle verwachtingen in, ondanks een niet-meewerkende bureaucratie in de vorm van zelfverloochening en gemakkelijke ontkenning, hardnekkig achtervolgde. De film is een t.v.-product voor t.v., biedt een goede cast en goede prestaties, bespaart het publiek veel van de gruwelijke details, maar speelt zich af als een docudrama zonder de styling van een gelijksoortig Hollywood-product. Een gelijkmatige en recht-voor-z'n-raap-dramatisering van een serieus en betrekkelijk onbekend verhaal dat interessanter is dan 'Jack the Ripper'.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Dit is echt een opmerkelijk staaltje cinematografische prestatie. Vanaf het allereerste begin ben ik volledig in de ban van het (ware) verhaal als luitenant Viktor Burakov (Stephan Rea) huilt tijdens de autopsie op de stoffelijke overschotten van de kinderen. Dit is dus het meeslepende verhaal van Andrei Chikatilo, prachtig gespeeld door Jeffrey DeMunn (The Green Mile). Hij speelt het zelfs zo goed en meelevend dat de kijker bijna medelijden met hem krijgt, tot we ons herinneren wie hij is. Alexandr Bukhanovsky, prachtig gespeeld door Max Von Sydow, was in elk detail volkomen geloofwaardig, en wat hij zegt over paranoia in de Sovjet-Unie, wordt maar al te duidelijk door het gedrag van de plaatselijke communistische volkscommissaris Bondarchuk, gespeeld door Joss Ackland. Maar voor mij was de uitmuntende vertolking van Donald Sutherland het bewijs dat hij in werkelijkheid een uitmuntende karakterspeler is. Ik was bijna in tranen toen hij Burakov vertelde dat de FBI zijn werk zo goed had gevolgd en bewonderd. Deze film zet Silence of the Lambs in de schaduw, van het sfeervolle en naargeestige Sovjetlandschap tot de uitmuntende vertolkingen van alle betrokkenen.<br />Ik geef deze film een 10/10.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Verkrachters <0xE2><0x80><0x93> voor zover ik de personages en hun relatie tot de plot beschrijf.
Dit is een kwaliteitsfilm. Het onderwerp is tegelijkertijd grimmig en aangrijpend. De hardnekkige vastberadenheid van Stephen Rea's personage, Burakov, is eenvoudigweg fascinerend. Als je hem de nodige verontschuldigingen aanbiedt, doet zijn neerslachtige, voortdurend gekwelde gezichtsuitdrukking zijn personage goed. Hij is, zoals wij in Engeland zouden zeggen over het personage van inspecteur Taggart in de tv-serie, onvermijdelijk grimmig omdat hij drie moorden per week ziet. Nou, dat is niet helemaal waar, aangezien Chikatila in de loop van een aantal jaren opereerde...
Je krijgt echt een idee van de muur van verzet van de Sovjetbureaucratie, briljant geportretteerd door Joss Ackland (die vaak gemaakt lijkt voor dit soort rollen). Een sleutelfiguur (en ik schrijf dit als de verfilming van _Invasion of the Body Snatchers_, dat op BBC1 wordt uitgezonden) is de Donald Sutherland-figuur 'Michail Fetisov'. Zijn stille steun aan Burakov is onwankelbaar. En dat blijft zo tot aan de perestrojka, wat de betrokkenheid van de FBI bij het opstellen van profielschetsen verheft. Briljant.
Wat mij betreft is dit een must-see.