inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Het welgemanierde verhaal van de oude Jane schijnt tegenwoordig erg populair te zijn. Ik ben de tel kwijtgeraakt van het aantal versies dat de ronde doet. Waarschijnlijk komt dat doordat haar 'ritsen' onze 'ritsen' zijn, zelfs nu nog. Deze tv-miniserie geeft het een welgemanierd verhaal dat bij het boek past. Als je er goed over nadenkt, is de koppige, eigenwijze Emma een knap'modern' meisje, ook al lijkt de ambiance van Jane Austens wereld ons vandaag de dag een tikkeltje kunstmatig. Als je niet EMMA lijkt, kan ik alleen maar zeggen dat de zelfgenoegzame Emma haar verdiende loon krijgt. Het is de moeite waard om te kijken hoe. De acteerprijzen gaan naar de dames: Kate, Prunella, Lucy en Samantha. Ze hadden bijna een psychische band met de oude Jane kunnen hebben!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Tot de jaren negentig was er nooit een film geweest die gebaseerd was op 'Emma' van Jane Austen. Toen kwamen er twee in hetzelfde jaar, 1996. Of, als je 'Clueless' uit 1995 meetelt, dat Austens plot aanpast aan een moderne Amerikaanse middelbare school, drie in twee jaar.
Het hoofdpersonage is Emma Woodhouse, een jongedame uit een welgestelde familie in Regency-Engeland. Ze is financieel aanzienlijk beter af dan de meeste heldinnen uit Austen, zoals Elizabeth Bennett of Fanny Price, en hoeft geen rijke echtgenoot te zoeken. In plaats daarvan lijkt het haar vooral te gaan om het vinden van echtgenoten voor haar vriendinnen. Ze haalt haar vriendin Harriet over om een huwelijksaanzoek van een jonge boer, Robert Martin, af te wijzen, in de overtuiging dat Harriet haar oog moet laten vallen op de eerzuchtige dominee, meneer Elton. Dit plan loopt echter rampzalig mis, aangezien Elton geen belangstelling heeft voor Harriet, maar verliefd is geworden op Emma zelf. De snelheid waarmee Emma zijn aanzoek afwijst, doet je je afvragen waarom ze er zo op gebrand was haar vriendin te koppelen aan een man die ze (met reden) als een ongeschikte huwelijkspartner voor zichzelf beschouwt. Omdat dit een Jane Austen-verhaal is, blijkt Emma minder een toegewijde oude vrijster te zijn dan ze lijkt, en ook zij wordt verliefd, wat weer tot verdere complicaties leidt. In 2008 is Kate Beckinsale een Hollywoodster, maar in 1996 was ze, hoewel ze maar een jaar jonger was, lang niet zo bekend in de wereld als Gwyneth Paltrow. Ze is echter net zo overtuigend als Austens goedbedoelde, maar vaak onterechte heldin. Beckinsale lijkt talent te hebben voor klassieke rollen <0xE2><0x80><0x93> ze was een verrukkelijke heldin in Kenneth Branaghs versie van _Much Ado about Nothing_ <0xE2><0x80><0x93> en soms zou ik willen dat Hollywood een geschiktere rol voor haar had gevonden in plaats van haar te verspillen aan kalkoenen als 'Pearl Harbor' of 'Underworld'.
Ik gaf de voorkeur aan Jeremy Northam boven Mark Strong als Emma. Meneer Knightley is mijn grote liefde, voornamelijk omdat hij dichter in de buurt kwam van mijn eigen idee van het personage als een edele, ridderlijke oudere man, in sommige opzichten meer een vaderfiguur voor Emma dan een minnaar. (Zijn achternaam is waarschijnlijk bedoeld om aan te geven dat hij een edele natuur heeft <0xE2><0x80><0x93> negentiende-eeuwse heren beschouwden zichzelf graag als het moderne equivalent van middeleeuwse ridders met hun ingewikkelde erecodes van ridderlijkheid). Strong heeft de neiging de kwestie van het leeftijdsverschil te bagatelliseren (hij is 37, zij 21) en Knightley meer een hartstochtelijke minnaar en minder een wijze mentor te maken dan Northam. Samantha Morton (nog een actrice die zich op grotere dingen zou richten) komt misschien dichter in de buurt van de Harriet van de roman dan Toni Collette. Dit was de kleinste van de twee versies, gemaakt voor de televisie in plaats van de bioscoop, en de decors en kostuums lijken minder overdadig en er zijn minder grote namen in de cast. Maar kostuumdrama is over het algemeen iets waar de Britse televisie goed in is, en deze versie kan zich zeker meten met de bioscoopversie; het zijn allebei onderhoudende en goed gemaakte versies van Austens roman.

targets: Gegeven de recensie, mijn antwoord is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik vond deze versie van Emma het mooist. Kate in de bogen was net zo geweldig als Emma en sterk was net zo goed als ridderlijk. De enige klacht die ik had was over Mr. Woodhouse. Ik kan niet geloven dat een man zo kon jammeren of zo egoïstisch kon zijn met het leven van zijn dochter. Maar ze was uiteindelijk toch een slim meisje. Zoals altijd hou ik van de plaatsen waar deze Jane Austin-films zijn opgenomen. de settings zijn zo spectaculair. Ik wil zo graag naar Engeland en ook naar Ierland en Schotland. Ik vind dat de acteurs die voor deze film zijn gekozen ook een goede keus waren en dat alle andere verhaallijnen uitstekend samenvielen met die van Emma! Ik ben blij dat ik deze ook te zien heb gekregen.

targets: De beoordeling hier is positief.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Op het moment dat ik dit zag, besefte ik dat ik naar een kwaliteitsproductie zat te kijken, dus het verbaasde me niet dat het scenario geschreven was door Andrew Davis en geproduceerd door Sue Birtwhistle, en dat beide films ons de uitstekende productie van Pride and Prejudice uit 1995 brachten! Dus mijn enige probleem is dat Emma niet doorbrak naar 3 of 4 of misschien zelfs 6 afleveringen van Pride and Prejudice. Het acteerwerk was fantastisch met ik geloof Prunella als Miss Bates, maar ik hield net zo veel van Kate Beckinsale en Mark Strong. De taal is heerlijk om naar te luisteren, kun je je in deze tijd voorstellen dat je iemand een klap kunt verkopen zonder een vloek uit te spreken? Samantha Morton was uitstekend als Miss Smith in feite was de rolverdeling net zo goed als die van Trots en vooroordeel. Ik vond het zo mooi dat ik er in twee dagen twee keer naar heb gekeken! Dus nogmaals bedankt bbc voor een ander kwaliteitsprogramma. Ik heb de versie van Paltrow gezien en die is goed maar ik vind de bbc-versie veel beter. Een uitstekend programma dat ik graag op dvd wil hebben!


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit is naar mijn mening de beste Emma die er bestaat. Nu ik de andere versie (1996) heb gezien, die ook goed is, en het boek heb gelezen, denk ik dat ik met een gerust hart kan zeggen dat dit de ware interpretatie is en de meest getrouwe van het meesterwerk van Jane Austen. De film uit 1996 met G. Paltrow is ook goed, alleen is het bijna een heel ander verhaal. Het is heel luchtig en luchtig, je ziet de duistere kanten van de personages niet en als je gewoon een leuke film wilt, zou die prima zijn, maar de ingewikkelde plotpunten zijn bij sommige punten, zoals de verstrengeling tussen Churchill en Fairfax, zo overdreven dat ze bijna niet bestaan. Maar als je de personages wat meer in hun ware gedaante wilt zien, realistischer en meerdimensionaal, dan is de tv-versie uit 1996 de beste. Emma is een opmerkelijk persoon, maar ze heeft gebreken. Kate Beckinsale is er meesterlijk in om de kleine eigenaardigheden van het personage te laten zien. Je ziet haar terloops walgen van een paar van de meer eenvoudige gesprekken van Harriet Smith, maar ze toont geen wroeging over het feit dat ze Harriets aanzoek heeft geruïneerd, totdat die actie het gevolg is van haar eigen huwelijksge Voor Emma was het koppelen en een nieuwe vriendin hebben om de tijd mee door te brengen nadat ze haar gouvernante had verloren. Voor Frank Churchill is het de belofte veiligstellen van de vrouw van wie hij houdt, terwijl hij haar en anderen afschuwelijk behandelt om het geheim te houden. In het boek realiseert ze zich dit alles in een verpletterend besef van alle blunders die ze heeft gemaakt. Zowel Kate Beckinsale als Gyneth Paltrow is overtuigend in hun berouw, maar dat van Paltrow is kinderlijk en stagnerend, terwijl dat van Beckinsale echt en serieus is en je de overgang ziet van kinderlijk, egoïstisch gedrag naar vriendelijk en attent volwassen. Beide versies zijn heel goed, maar ik geef de voorkeur aan deze.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Als de winter nadert, heeft onze staatsomroep, het ABC, om de een of andere reden besloten om op zondagavond een gedeeltelijk Jane Austen-festival te houden. Dat is afgelopen zondag begonnen met een twaalf jaar oude filmversie van 'Emma'; de meer recente versies van drie andere romans, 'Persuasion', 'Northanger Abbey' en 'Mansfield Park' zullen volgen.
Het merkwaardige aan deze productie van A&E Television Networks, met het scenario van de altijd betrouwbare Andrew Davies, is dat hij bijna gelijktijdig is verschenen met twee veel grotere budgetversies, een met Gwyneth Paltrow in de hoofdrol, en 'Clueless', een 'gemoderniseerde' versie, met Alicia Silverstone in de hoofdrol, die de plot naar Beverly Hills verplaatste. Misschien dat deze productie daardoor, zelfs met Kate Beckinsale in de hoofdrol, spoorloos is verdwenen.
<0x3E> Over het algemeen gaat er veel verloren als romans worden ingekort tot de lengte van de film. De versies die je leuk vindt en die je je blijft herinneren, zijn de versies die voldoende ruimte hebben om zowel het verhaal als de personages te ontwikkelen. Een uitstekend voorbeeld is 'Brideshead Revisited', dat in 1982 13 afleveringen van 50 minuten had. Je hoeft alleen maar de heel gewone filmversie van 'Pride and Prejudice' in 2005 te vergelijken met de briljante zesdelige mini Gezien de tekortkomingen van dit type aanpassing is deze productie oké. Kate Beckinsale geeft Emma de juiste mengeling van zelfverzekerdheid en kwetsbaarheid en Mark Strong is een openhartige meneer Knightly (hij herinnerde me eraan dat Jane de neiging had karakters te recyclen). Samantha Morton was een nogal slappe Harriet, maar Prunella Scales kreeg de kletskous van een mevrouw Bates perfect van Sybil Fawlty op speed. Bernard Hepton als Emma's zwakke vader was ook uitstekend. We zagen het vochtige platteland, de modder en de armoede, maar ook de chique huizen, voor het geval iemand dacht dat dit voor iedereen een bijzonder idyllische tijd was. Ook al was dit een gecondenseerde versie, toch was het op sommige plaatsen vreemd traag, alsof sommige gesprekken nogal stijfjes waren, zelfs als je rekening hield met de formaliteiten van die tijd. Ik zou de film nog eens moeten bekijken om er zeker van te zijn, maar dat zou kunnen komen door het ondermaatse gebruik van de reacties.
Als je van gefilmde periodes houdt, is dit een prima voorbeeld, en het vergelijkt goed met de Paltrow-versie. Hoe dan ook, er komt nog meer!

targets: De recensie is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Kate Beckinsale is in deze film net zo goed, zo niet beter, dan Gwyneth Paltrow als Emma, hoewel ik Gwyneth Paltrow in de andere Emma-versie echt leuk vond. Ze zijn allebei goed, maar op verschillende manieren. Kate Beckinsale als Emma lijkt echter interessanter, bijna. En ik vond de vrouw die Harriet Smith speelde in deze film ook leuker... ze was geloofwaardiger lief en sentimenteel. Er zijn echter bepaalde dingen die ik leuker vind aan de Gwyneth Paltrow-versie, zoals dat de humoristische kant duidelijker naar voren komt.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik beschouw deze film als een meesterwerk, maar het kostte me minstens 4 <0xC3><0xA0> 5 keer kijken voor ik besefte wat een geweldige film het was. Ten eerste beschrijft hij een gezicht uit de Tweede Wereldoorlog dat we gewoonlijk niet in Hollywood-films zien. In het bijzonder worden Duitse soldaten, het leger en de naziregering'menselijker' getoond. Een van de feiten die het meest indruk op me maakten was de vermelding, aan het eind van de film, van een moord die plaatsvond in een bos in de laatste 20's... dat bos is de plaats waar de laatste hoofdstukken van Berlijn Alexanderplatz plaatsvinden: dat zijn de bossen waar Reinhold Mieze vermoordt. Een andere aanwijzing voor degenen die van de details houden, is de weergave van deuren. Fassbinder is geobsedeerd door de veranderingen in mensen, elke keer als ze een deur tegenkomen of als er een deur wordt geopend. Op het scherm worden veel deuren getoond, open en dicht. En de personages veranderen in hun persoonlijkheid, hun daden enzovoort, elke keer dat dat gebeurt. Is je dat opgevallen?


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Veel critici hebben zich beledigd gevoeld dat R.W. Fassbinder zowel de hoofdpersoon Wilkie als de nazi's in deze film op een menselijke manier heeft geportretteerd. Connaisseurs van andere Fassbinder-films zullen echter beseffen dat 'Lili Marleen' (1981) deel uitmaakt van Fassbinders 'vrouwenfilms' als 'The Marriage of Maria Braun' (1979) en 'Lola' (1981). Fassbinder was ervan overtuigd dat'verhalen veel beter verteld kunnen worden met vrouwen dan met mannen', omdat, volgens Fassbinder, hoewel mannen doorgaans hun vastberaden rol in de samenleving vervullen, 'vrouwen in staat zijn op een dialectische manier te denken'. Dialectiek betekent echter dat er niet alleen een these en haar tegenhanger is, zoals gewoonlijk in onze zwart-witte wereld, maar Bovendien betekent dialectiek dat door het derde voorbeeld van synthese de absolute tegenstand van het verschil tussen stelling en antithese wordt opgeheven. Concreet gesproken: vanuit een dialectisch gezichtspunt en als afspiegeling van de fascistische staat moeten de ondergrondse strijders noodzakelijkerwijs de elementaire middelen gebruiken zoals de heersers dat doen, en tussen daders en slachtoffers bestaat dus een pedagogische relatie, zodat iedere dader ook slachtoffer is en ieder slachtoffer ook dader. Fassbinder heeft dit abstracte schema, dat de klassieke logica overstijgt, geïllustreerd in zijn toneelstuk 'The City, the Garbage and the Death' (1975) dat door Daniel Schmid werd gefilmd onder de titel 'Shadow of Angels' (1976). Op een dialectische manier benaderend een a priori controversieel onderwerp als nazi-Duitsland, wordt de weergave van deze tijd in de vorm van een film nog controversiëler, vooral voor mensen die niet kunnen of niet willen zien dat onze erkenning van de wereld verre van uitgeput is met een primitief schema van lichtschakelaars, maar dat het derde voorbeeld van synthese nodig is als leidend voorbeeld van de tegengestelde these en antithese. De wederzijdse relatie tussen daders en slachtoffers moet kritisch worden bekeken, aangezien het domweg niet waar is dat de daders de slechteriken zijn en de slachtoffers de goeden. In een synthetisch standpunt nemen de slechten deel aan de goedheid zoals de goeden deelnemen aan de slechtheid. Ze zijn onderling verwant. In een wereldbeeld dat gebaseerd is op klassieke logica kan een relatie tussen goed en kwaad niet eens worden vastgesteld, en in een ethiek die gebaseerd is op dit ontoereikende systeem van logica sluit het slechte geweten van de overlevenden van nazi-Duitsland, die zich (onlogisch genoeg) verantwoordelijk voelen voor de daden van hun voorouders, de mogelijkheid van een relatie tussen de twee uitersten uit en dus een synthese in de vorm van een nieuwe evaluatie die ook op deze relatie is gebaseerd. Uit Fassbinders dialectische gezichtspunt volgt dat Lili Marleen noch Lola noch Maria Braun kan worden veroordeeld voor hun'misbruik' van het bestuurssysteem voor hun eigen doeleinden, omdat ze het niet misbruiken, maar alleen gebruiken. Integendeel, aangezien de slachtoffers de handelingen van de daders moeten herhalen, zoals de daders de handelingen van de slachtoffers moeten herhalen, omdat 'goed' en'slecht' niet langer eenvoudige spiegelbeelden van elkaar zijn zoals in twee-waarderingslogica, worden hun strategieën gerechtvaardigd door de kinderlijke structuur van een logica die onze wereld beschrijft, die helemaal niet zwart-wit is, veel beter dan een zwart-witlogica.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Als je het soort persoon bent dat op zoek is naar een realistische film of een met een sterke en geloofwaardige plot, dan is deze film NIET VOOR JE. Nee hoor, je zult hem vreselijk vinden. Maar voor degenen die van lieve, een beetje maffe komedies houden, zul je het leuk vinden om deze kleine film te zien.<br />Tony Randall werkt voor de belastingdienst en hij onderzoekt een heel aardige boer die zich nooit heeft gerealiseerd dat hij een aangiftebiljet voor de inkomstenbelasting moest indienen. Hoe hard hij ook zijn best doet om hen te overtuigen van de ernst van zijn bezoek, iedereen in de familie is dolblij met gezelschap. Ze zijn dol op hem en behandelen hem als een lid van de familie... en ze zijn van plan hem te laten trouwen met hun dochter, Debbie Reynolds. Maar de film krijgt goede recensies vanwege het goede scenario en het goede acteerwerk. Een heel mooi curiosum uit het eind van de jaren vijftig.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Uitstekende klucht! Wat natuurlijk ook de bedoeling is. Gelukkig is er geen sociale of politieke boodschap, noch wordt er ook maar de geringste poging in die richting gedaan. Zou de intrige werkelijk kunnen plaatsvinden in een bepaalde tijd of op een bepaalde plaats? Onwaarschijnlijk, want dit is per slot van rekening gewoon een film, en films komen voort uit verbeelding, niet uit werkelijkheid. Het enige doel van deze film is om te vermaken, en zeker niet om te onderwijzen, en dat doet de film ook, terwijl de werkelijkheid heerlijk en luchthartig aan de kant wordt geschoven. Ik denk dat de meesten het met me eens zullen zijn dat we van documentaires verlichting en authenticiteit verwachten. Maar wat amusement betreft, wil ik iets wat tegenwoordig wordt omschreven als een 'no-brainer', wat Het paarspel in alle opzichten is. Voor wat gegrinnik en af en toe een bulderende lach is dit een mooie fantasie over een lekkere maaltijd.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik heb deze komedie, die een van de weinige is die serieus proberen om de jaarlijkse belastingeisen van de Amerikaanse regering in te perken, altijd leuk gevonden. Heb je ooit een belastingwet gelezen? Het is een heel karwei om die te volgen <0xE2><0x80><0x93> het zijn meervoudige clausules die onze congresleden en senatoren invoeren om hun financiële financiers en verschillende belangengroepen te helpen. Ondanks de beweringen dat het eerlijk is, heeft de belastingwet altijd het leeuwendeel van de lasten op de midden- en arbeidersklasse gelegd, in plaats van op de rijken en invloedrijken. De meeste van de speciale clausules zijn bedoeld voor hun eigen doeleinden: neem het gemiddelde 1040 of 1040A-formulier door en kijk naar de verscheidenheid aan investeringen en zakelijke ondernemingen, die allemaal weer andere regels hebben. De meeste mensen zullen er nooit iets aan hebben.
Het verhaal hier is dat een rijke landeigenaar (Philip Ober) zijn invloed aanwendt om de belastingdienst te laten weten dat zijn buren (Paul Douglas en Una Merkle) al twintig jaar geen belasting hebben betaald. Het kantoor van de belastingdienst in Baltimore staat onder leiding van Fred Clarke, en hij springt voor Ober in de bres met zijn invloed. Hij stuurt Tony Randall om de situatie te onderzoeken.
Randall merkt dat Douglas, Merkle en hun drie meisjes en twee jongens behoorlijk fatsoenlijke mensen zijn, die zelden geld nodig hebben (ze kunnen met hun landbouwproducten overweg en onderhandelen met hun buren). Maar Randall, getraind in de duidelijke (voor de belastingdienst) regels van de belastingwetgeving, probeert het gezin bij de kern van de zaak te houden. Maar geleidelijk aan merkt Douglas dat Reynolds gesteld is op Randall, en hij blijft hem afleiden van zijn werk, zodat hij uiteindelijk dronken wordt. Hij maakt het Randall ook moeilijk om weg te gaan door de motor van zijn auto door zijn twee zoons te laten'repareren'.
Het complot volgt de groeiende aantrekkingskracht en wrijving tussen de stedelijke, vaag ambitieuze Randall en het plattelandsleven van Reynolds. Het is eigenlijk een leuk stel. Uiteindelijk, als Ober zijn beklag heeft gedaan, wordt Randall teruggestuurd en gaat Clarke (een taaiere tante) overstag. Ze komt met een enorme belastingaanslag op de proppen, die Douglas' gezin misschien wel te gronde zal richten.
Daar houdt de film niet op <0xE2><0x80><0x93> hij eindigt gelukkig, maar hij herinnert ons er wel aan dat de macht om belasting te heffen de macht is om te vernietigen, en dat de regering maar al te vaak tot vernietiging overgaat. Een kans van een op een miljoen redt het gezin, maar het komt zo zelden voor dat we weten dat het gewoon een dramatische truc is. Realistischer is de manier waarop Clarkes baas (Charles Lane) ingaat op de essentie van Obers 'hulp'. door te suggereren dat volgend jaar zijn belastingaangifte zorgvuldiger bekeken zal worden. Daarna is Ober nogal groen.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Mating Game is een charmante, prachtige film uit een vervlogen tijd. Hollywood moet een charmante remake van deze film overwegen. Mijn vrouw en ik zouden hem gaan zien.
Het is een uitstekende romantische komedie die mijn vrouw en ik op AMC hebben gezien.
In deze film is Tony Randall op zijn best. Debbie Reynolds is geweldig, zoals altijd.
Vond het geweldig. We zijn van plan om een dvd te bestellen bij onze groeiende verzameling films.
Jammer dat Hollywood dit soort films niet meer maakt.
Hé, Hollywood... Het was tijd om een paar van dit soort scripts uit de oude safe te halen, ze een beetje bij te werken (zonder de oorspronkelijke film en het script te bederven, zoals je met andere remakes hebt gedaan) en een casting call te houden.
Een remake zou een grote hit zijn op het witte doek, op dvd en op kabel/SATTV.

SN Austin, TX.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik heb deze film in 1959 gezien, toen ik 11 jaar oud was en met mijn familie in een drive-inbioscoop zat.
In die tijd vond ik het erg grappig... ook al was ik te jong om 90% te begrijpen van wat deze fantastische film zo heerlijk maakt! Ik heb hem vanmorgen weer gezien, in 'Turner South'. Toen ik ernaar keek, moest ik stuiptrekken van het lachen! 'The Mating Game' is een unieke klassieker uit een vervlogen tijd. Als je te jong bent om de betoverende periode in de geschiedenis te hebben meegemaakt die deze film heeft geproduceerd, heb ik erg met je te doen. Zo.' Het is onmogelijk om naar dit soort films te kijken en te begrijpen hoe ze (zelfs vandaag de dag) zo'n verrukkelijk stukje hemel kunnen schenken aan 'oude rotten' als ik.
Dat gezegd hebbende, kan ik alleen maar respectvol verzoeken dat jongere mensen zich onthouden van commentaar op films als 'The Mating Game'.
Dit soort films zijn gemaakt voor de generatie die aan de huidige groep van jullie volk voorafging. En als zodanig spreken deze films een heel andere taal dan jullie kunnen begrijpen.
Met andere woorden, als jullie de kwesties waar de film over gaat niet begrijpen, breng jezelf dan alsjeblieft niet in verlegenheid door commentaar te geven dat eerlijk gezegd nergens op slaat.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

'The Incredible Smeltman' is een fantastisch grove, smakeloze en energieke Z-klasseproductie die elke zichzelf respecterende griezel van kamphorror gewoon met eigen ogen moet zien! De ideale omschrijving van deze goedkope 70-plus edelsteen is als een schaamteloze kopie van Hammers 'The Quatermass Xperiment'... maar dan duizend keer smeriger! Astronaus Steve West is de enige overlevende van een rampzalige ruimtemissie, maar blijkt de drager te zijn van een afschuwelijke ziekte die hem radioactief maakt en... hem doet smelten! In shock nadat hij zijn gezicht in de spiegel heeft gezien (kan je hem dat kwalijk nemen?) stuift Steve het ziekenhuis uit, een spoor van kleverige pus en van lichaamsdelen achterlatend. Dokter Ted Nelson moet hem zo snel mogelijk zien te vinden, want de ziekte heeft Steve ook een onverzadigbare honger naar mensenvlees bezorgd. Het klinkt misschien volslagen idioot, maar deze film is enorm onderhoudend en heeft een geweldig effect op de make-up van Rick Baker. Het gezicht van de smeltende gozer ziet eruit als een rottende pizza en zijn zware ademhaling doet hem klinken als Darth Vader! Een ander groot voordeel is dat William Sachs' scenario geen tijd verspilt aan saaie wetenschappelijke verklaringen of emotionele toespraken. De weerzinwekkendheid begint meteen en duurt tot het allerlaatste moment van de film. Geniet gewoon van dit malle gruweljuweel en probeer je hersenactiviteit zoveel mogelijk uit te schakelen, want als je begint te peinzen over de vele stommiteiten in het script, mis je alle campy lol!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Om te beginnen, iedereen die op zoek is naar een zinvolle, op de gewone man gerichte bioscoop die een of andere sociale boodschap uitdraagt met zinvolle voorstellingen en een diepgaande dialoog die wordt gevoerd door toegewijde, geëmotioneerde, diepgevoelde acteurs: ga nu weg. U verspilt uw tijd en het leven is kort, ga naar de nieuwe film van Brangelina Jolie, huil eens lekker uit, ga een hybride auto kopen of gooi uw conflictdiamanten weg als u zich daar beter door voelt, en laat ons met rust.
Laat de deur ook niet tegen je aan slaan als je naar buiten gaat. De onvoorstelbare stralingsman is een eersteklas regionale horrorfilm die in de woestenij van Oklahoma door een jonge, tv-vriendelijke cast en crew is opgenomen. De film gaat over een astronaut die wordt blootgesteld aan bizarre stralingsverschijnselen, bij het ontwaken in een ziekenhuis ontdekt dat zijn lichaam vloeibaar wordt terwijl hij zich een sukkel voelt. De smeltende man wordt gespeeld door ene Alex Rebar, die ongeveer de eerste vier minuten van de film te herkennen is. Maar als hij eenmaal met Rick Bakers uitzonderlijke special effects-make-up begint te spelen, lijkt hij meer op iets wat je in een blikje spam zou kunnen vinden voordat je alle vloeibare, kleverige klodders vet afwast. Er zijn een paar scènes waarin wetenschappers rondrijden op een absurde lopende band, die plichtsgetrouw een paar verplichte zinnen opzeggen over de effecten van straling, maar eigenlijk kan het de film niet schelen. Het is een freakshow en nog een fantastische ook, met een uitgesproken ziekelijk gevoel voor humor voor degenen die het kunnen verdragen... Er is een grote lachsalvo als de smeltende man in het bos een jong meisje tegenkomt en zo met zijn mond vol tanden staat dat een van zijn ogen uit zijn hoofd puilt. Hilarisch.
De 'held' De rol van Kevin Spacey wordt gespeeld door Burr DeBenning, een fascinerende karakterspeler uit de gouden jaren zeventig en tachtig van de vorige eeuw, die een soort vroeg prototype was voor Kevin Spacey; lichtelijk gestoord, neurotisch en bijna iedereen in de zaal een stap voor, ook al ziet hij er verward uit. Hij verscheen vlak nadat deze film was gemaakt in een bizarre tv-commercial met de titel HOUSE OF THE DOAD (of THE ALIEN ZONE) die wordt beschouwd als een van de beste films die ooit in Oklahoma zijn gemaakt, en ik vermoed dat deze film daar ook is gemaakt. De droge, koud ogende landelijke landschappen in het Midden-Westen zijn zeker hetzelfde, en de kreek die een onfortuinlijke vliegvisser uitkiest voor zijn middagje sport schijnt dezelfde te zijn als de kreek waar Cameron Mitchell vliegende buitenaardse pannenkoeken wist te verjagen zonder waarschuwing... die ook een ziekelijk gevoel voor humor had, een tv-vriendelijke cast en een paar behoorlijk buitensporige bloeddorstigheid. Ik bespeur in elk geval een esthetisch verband tussen de drie films, evenals THE SILENCE OF THE LAMBS, wat niet verbazingwekkend is aangezien regisseur Jonathan Demme deel uitmaakt van de cast van MELTING MAN.
In wezen, zoals anderen hebben opgemerkt, is dit een B-film uit de jaren vijftig die is bijgewerkt voor special effects in de jaren zeventig & de onvermijdelijke tieten. De film waarvan de meeste ideeën waarschijnlijk afkomstig zijn van Peter Graves als een astronaut die ook naar de aarde terugkeert nadat hij is blootgesteld aan vreemde stralingseffecten die hem tot een moorddadige uitval aanzetten. Een van de dingen die ik in feite bewonder aan de film is dat er absoluut geen aandacht wordt besteed aan de motieven van de smeltende man: hij gaat gewoon tekeer en het drama van de film komt voort uit de vraag of hij in stukken zal breken voordat bepaalde personages het slachtoffer worden van zijn waanzin. Het budget voor de film is ook verrukkelijk laag en elke cent die eraan wordt uitgegeven staat op het scherm, en de walgelijke effecten van Rick Baker die de leeuw te pakken neemt. Het was het deel van het geld dat hieraan werd besteed.
<0x3E> Ziekelijk, walgelijk plezier dat het best genoten kan worden met een groep vrienden en veel bier. Waarom hebben mensen niet meer van dit soort films gemaakt?
<0x3E> 20.00 uur.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Astronaut Steve West (Alex Rebar) en zijn kameraden ondernemen een ruimtevlucht die hen door de ringen van Saturnus ziet vliegen. Zijn kameraden worden op slag gedood, maar het lijkt erop dat zij de geluksvogels zijn. Steve keert naar de Aarde terug als een voortdurend sijpelende massa mensachtige pulp; terwijl hij in een woeste moordenaar verandert, die bij elke stap smelt, wordt hij opgespoord door zijn vriend, dr. Ted Nelson (Burr DeBenning).

Dit is vaak zo bulderend grappig <0xE2><0x80><0x93> met genoeg absurde lijnen en situaties <0xE2><0x80><0x93> dat ik bijna niet kan geloven dat het allemaal onbedoeld is. Het lijkt me een beetje een miskleun van lowbudget-genre-inspanningen uit de jaren vijftig en zestig.' 's, en als zodanig is het een geweldig onderhoudende film. Die scène met de verpleegster is gewoonweg hilarisch. We worden zelfs getrakteerd op een split screen-sectie die niet echt iets toevoegt, maar toch een genot is om naar te kijken.
Schrijver/regisseur William Sachs verdient de eer dat hij met dit ingenieuze idee is gekomen; zijn ultraslijmerige personage is werkelijk gedenkwaardig. Ik vind dat hij een beetje vreemd loopt te ijsberen; sommige scènes (zoals die met het oudere echtpaar) duren een beetje lang, maar uiteindelijk levert hij solide, scabreuze B-films af met een zekere zwier. Vooral de climax is leuk.
De muziek van Arlon Obers is aangenaam huiverig (en soms ook amusant dwaas), en Willy Curtis's De filmografie levert af en toe werkelijk fantastische shots op. Dat brengt me bij de fantastische en overtuigende make-up-effecten van Rick Baker, die een zeer respectabel middelpunt vormen voor de film, tot en met het ultieme slotsmeltmoment.
Rebar zit bijna de hele film onder de zware make-up (Sachs krijgt ook mijn complimenten voor het feit dat de film als een speer gaat) en doet wat hij moet doen. DeBenning speelt een nogal lompe en onnozele held, en Ann Sweeney is ook niet zo'n ster als zijn vrouw, maar Myron Healey, Michael Alldredge en Lisle Wilson zijn prima ondersteuning. Het is ook de moeite waard om mensen te zien als Cheryl 'Rainbeaux' Smith (die een fraaie topless-foto maakt), Janus Blythe (van Tobe Hoopers) en Janus Blythe (van Tobe Hoopers). 'Eaten Alive' en 'The Hills Have Eyes' van Wes Cravens) en zelfs regisseur Jonathan Demme in een bijrol.
Dit is een uiterst onderhoudende middernachtelijke film met genoeg bloed, bloedstollende scènes en lachsalvo's om hem te bestempelen als de moeite waard voor liefhebbers van low-budget sciencefiction/horror overal.

8/10.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Als verzamelaar van filmmemorabilia moest ik de filmposter voor deze film kopen die, nu ik hem eindelijk heb gezien, wel het beste aan de film moet zijn. Er is niets aantrekkelijkers om aan je muur te hangen dan een 27 x 41 inch-beeld van de smeltende man. Maar er is niets afschuwelijkers om in je videorecorder te stoppen dan een beeld van anderhalf uur van de smeltende man. Eerst dacht ik dat deze film pure rotzooi was, maar toen besefte ik dat er een paar eigenschappen in zaten die me aan het lachen maakten. Het personage van dr. Ted Nelson moet wel de meest slappe figuur zijn die ooit op het witte doek is verschenen. Zijn dialoog is zo afgezaagd dat het ongelooflijk is! Hij lijkt steeds sterker te worden naarmate hij smelt!)<br />En kan iemand me alsjeblieft vertellen hoe ze precies weten hoeveel tijd Steve nog heeft voordat hij helemaal is gesmolten en wat ze precies van plan zijn om hem te 'helpen'? Als deze film bedoeld was om het publiek bang te maken, dan heeft hij zijn doel gemist, denk ik.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dankzij deze schimmelfilm wil ik NIET mijn Maypo, kan de gedachte aan Maltex of Wheatena niet verdragen, en zelfs die muesli daar ziet er niet meer zo onschuldig uit! Waarom werd het liedje 'Slop Time' van de Sherry's niet als thema gebruikt?


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

DE MELTING MAN... een tragisch slachtoffer van de ruimterace, hij is MELTING... heeft nooit begrepen dat de race allang voorbij was...!
Een man (Burr DeBenning) brandt zijn hand aan het fornuis in de keuken. Maar in plaats van iets te schreeuwen wat een normaal mens zou schreeuwen, schreeuwt hij iets dat klinkt als 'AAAAATCH-KAH!!' Deze film waar je in bent gesprongen... is geen normale film. Je hebt net je eerste stap gezet in THE INCREBLE MELTING MAN, de beroemde bloederige film uit het eind van de jaren zeventig met Rick Bakers prachtige make-up-effecten. Baker stond op het punt een superster te worden en deed dat tegelijkertijd met zijn beroemde 'cantina aliens' in STAR WARS. Om de een of andere vreemde reden werd STAR WARS een algemene naam en INCREBLE MELTING MAN niet. Misschien heeft het iets te maken met het feit dat deze film alleen maar geestdodend afschuwelijk is. Vanaf de intro ('Starring Alex Rebar als THE INCREBLE MELTING MAN'... dat staat er echt!), tot aan de mollige verpleegster die door een glazen deur rent, tot aan het vissershoofd dat over een waterval heen gaat en grafisch uiteenspat op een paar rotsen, biedt deze film vele, vele momenten van pure onbegrijpelijkheid. 'Waarom hebben ze... maar hoe komt hij... waarom zijn ze...?' Na een tijdje vraag je je niet meer af waarom en bekijk je de film als wat hij is: een heel onderhoudend stuk afval.
Een astronaut keert terug naar de aarde in een smeltende, radioactieve toestand; hij ontsnapt en begint, waarbij zowel zijn geest als zijn lichaam uit elkaar vallen, aan een waanzinnige, smeltende moordpartij. De autoriteiten komen al snel tot de conclusie dat de smeltende man moet worden tegengehouden, maar (waarschijnlijk omdat ze 'geen paniek willen zaaien') ze willen dat hij zo onopvallend mogelijk gevangen wordt genomen. Dus sturen ze een man met een geigerteller achter hem aan. Wauw.
Wat het verhaal betreft, gebeurt er verrassend weinig tijdens de film. De smeltende man zwerft rond en vermoordt mensen. Een dokter gaat naar hem op zoek met een geigerteller. Verschillende personages worden voorgesteld, stellen vragen en vertrekken. Uiteindelijk haalt de dokter de smeltende man in, maar hij wordt zonder enige reden neergeschoten door een bewaker, nadat hij heeft uitgelegd dat hij 'dr. Ted Nelson' is. De smeltende man loopt weg en lost uiteindelijk op in een grote plas smurrie.
Het' Ze zijn zo hersenloos dat het op de een of andere manier heel leuk wordt, ondanks het nogal sombere einde. Er zou een dvd-uitgave op stapel staan. Een heel bijzondere film.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Voor mij heeft een lowbudgetfilm iets aantrekkelijks en nostalgisch. Als kind in de jaren vijftig was dat het enige wat er was. In 1957 zag ik 'The First Man Into Space' met mijn vader in een bioscoop. Marshall Thompson speelde er in mee en een andere arme sloeber die de titelrol kreeg. Het gaat ook over een mislukte ruimtemissie waarbij de astronaut in een grizzlybeer verandert. Ik kreeg er de kriebels van. De herinnering aan die kriebels leeft nog steeds in me. _The Incredible Melting Man_ is bijna een remake, maar dan in volle glorie... daar waren de scènes goed verlicht. Je moet het gewoon nemen zoals het is... iets meer dan een uur vol duistere scènes, walgelijke geluiden en die griezelige muziek.

targets: Het antwoord is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik moet toegeven dat ik een beetje verbaasd en teleurgesteld ben over sommige van de uiterst negatieve opmerkingen die deze film lijkt uit te lokken. Ik vind het een geweldige horror/sf-film. Kolonel Steve West (Alex Rebar) keert naar de Aarde terug na een historische ruimtevlucht naar Saturnus. In de ruimte heeft hij een bizarre en onbekende ziekte opgelopen. Hij wordt wakker in een ziekenhuisbed, kijkt in een spiegel en voor zijn ogen smelt zijn gezicht! Hij ontsnapt aan het toezicht van de ziekenhuizen en verstopt zich in een bos in de buurt van een kleine stad. Helaas begint hij een snel groeiende honger te ontwikkelen die alleen kan worden gestild door andere mensen te eten. Hij moet zich voeden met mensenvlees en het bloed van anderen drinken om te overleven! Terwijl hij op zoek is naar een menselijke prooi, begint hij zijn schrikbewind! Het is aan zijn oude vriend dr. Ted Nelson (Burr DeBenning) om hem te vinden en te proberen hem te helpen. Hij moet in zijn eentje werken, omdat zijn baas, generaal Perry (Myron Healey) het zo stil mogelijk wil houden. Nelson kan het niet eens aan zijn vrouw Judy (Ann Sweeny) vertellen. Maar sheriff Blake (Micheal Alldredge) wordt achterdochtig als generaal Perry opduikt, net op het moment dat een aantal half opgegeten dorpsbewoners opduikt. Ik begrijp eigenlijk niet waarom deze film zulke negatieve recensies krijgt. Wat kunnen mensen verwachten? Maar goed, ik vind het een leuke film. De ster van de film is zonder enige twijfel Rick Bakers Speciale Make-up en Bloedeffecten, die voor het grootste deel uitstekend zijn, en het feit dat ze allemaal protheses hebben en geen afgrijselijke CGI maakt ze nog beter. Schrijver en regisseur William Sachs is ook niet bang om ze te gebruiken, we krijgen een paar mooie lange close-ups van de ongelooflijke smeltende man, en die blijven heel goed, zelfs nu. Fotografie, muziek en regie zijn een beetje saai, maar professioneel genoeg. Het script slaagt erin enige sympathie voor het monster te creëren, shots van hem die verlangend naar het huis van Ted Nelson kijkt, of als hij zijn eigen spiegelbeeld in het water ziet en heftig reageert. Het einde, dat zich afspeelt in een of andere grote fabriek, is nogal somber, dus verwacht geen happy end. Wat me verbaasde. Bovendien doet het script niet echt iets met de premisse, hij loopt gewoon smeltend en moordend rond, terwijl zijn vriend hem probeert tegen te houden, misschien een beetje te simpel. Persoonlijk vind ik het ergste deel van de film aan het begin, als de dikke verpleegster in slow motion door een ziekenhuisgang rent, haar gegil is ook in slow motion, het ziet er belachelijk uit en klinkt ook belachelijk! Je moet het zien om het te geloven! Ik vind deze film erg goed en beveel hem aan bij horror- en sci-fifans uit de jaren zeventig en tachtig. Een beetje een favoriet van me.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Deze film heb ik uitgezocht nadat ik de hilarische en linguïstisch uitdagende 'Clueless' (1995) had gezien, misschien wel Alicia Silverstones bekendste werk uit het begin van haar filmcarrière. In 'True Crime' speelt Kevin Dillon, wat de meeste filmprojecten ten goede zou moeten komen. In feite doet iedereen in de cast zijn werk goed. De enige teleurstelling die de film volgens mij voor me in petto heeft, is een ongemakkelijk 'gevoel' bij sommige scènes, als gevolg van de noodzaak om een nogal onbuigzaam, volwassen thema te brengen als onderdeel van wat in de toon te horen is als een schoolmeisjesavontuur.
Alicia Silverstone is in deze film vrij goed. Ze weet het naïeve enthousiasme en het groeiende onbehagen dat Mary Giordano bevangt goed over te brengen terwijl ze de waarheid achter de seriemoorden tracht te achterhalen. Ik denk dat haar karakterisering van MG ook enige waarde heeft. De conclusie van het verhaal is dat ze een carrière bij de politie nastreeft. Het zou heel interessant zijn als een oudere Silverstone later in het leven van de agente Giordano in een crisissituatie opnieuw zou ontmoeten. Het is maar een idee!
'True Crime' toont de regisseur in een goed licht. Pat Verducci is ook verantwoordelijk voor het schrijven. Ik ken geen andere films die PV heeft gemaakt. Ik kan me alleen maar afvragen wat er na zo'n veelbelovend begin is gebeurd. Zoals de meeste producties heeft ook deze een grotendeels onbekende bijrol, hoewel Bill Nunn (rechercheur Jerry Guinn) dat nauwelijks kan zijn. De afgelopen tien jaar lijkt hij een indrukwekkend aantal televisieoptredens te hebben gehad. Ik herinner me dat ik hem onlangs heb gezien in _Carriers_ (1998), een tv-serie met een militair thema. Bill Nunn speelde Captain Arends. Fans van de klassieke Amerikaanse comedyserie _Who's the Boss_ hebben misschien ook belangstelling voor _Carriers_ omdat de hoofdrol wordt gespeeld door Judith Light, die door velen met genegenheid wordt herinnerd vanwege haar langdurige betrokkenheid bij de serie.
_True Crime_ had gemakkelijk niet kunnen werken, maar het doet het wel. Ik vind het een onderhoudend verhaal dat het bekijken waard is.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is de beste tv-film aller tijden! Zeg ik dit omdat ik een grote fan van Silverstone ben? Gedeeltelijk, maar zelfs zonder haar zou ik het zien. Ik ben een fan van seriemoordenaarsfilms en ik geloof dat dit er een uit die categorie is. Bovendien staat Mary Giordano met gemak in de top vijf van Alicia's karaktercreaties. Volstrekt gedenkwaardig <0xE2><0x80><0x93> alsof ze echt bestaat. Ik zou haar ook aan mijn kant hebben als er een mysterie moest worden opgelost. Ze speelt het personage zoals ze dat in haar echte leven doet, met volledig vertrouwen in alles wat ze doet. Ze lijkt lief, eerlijk, aardig... net als in het echte leven. Is dat acteren? Ja, ze is inderdaad weer een beetje een rebel. Deze keer is ze...' Ze is niet slecht, ze is te goed en een beetje bang om dingen te doen die boven de wet lijken te liggen. Maar ze doet geen dingen die een normale tiener zou doen. In plaats daarvan brengt ze haar tijd door met het lezen van detectivebladen en het oplossen van misdaden. Een cliché is er niet bij: ze wreekt de dood van haar vader, maar op een andere manier dan in de vorm van een burgerwacht. Indertijd leek Alicia dezelfde rollen te spelen: opstandig, verleidelijk, zonder ouders, een eenling. Dat gebeurt hier ook, maar deze keer is ze een beetje een nerd. Dat geeft niet; ze is nog steeds zo cool als een nerd.

targets: Deze recensie is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik heb die film gezien en ook al wist ik vanaf het begin min of meer wie de moordenaar was, ik vond het toch leuk om ernaar te kijken. Ik zou hem aan andere mensen aanbevelen. Hij komt heel vaak in de Lifetime-bioscoop. En omdat het bijna Halloween is, denk ik dat ze hem misschien wel vaker draaien. Dus kijk er alsjeblieft naar als je ernaar wilt kijken. Ik geloof dat Alicia Silverstone haar rol heel goed speelde. Ik vind haar echt leuk als actrice en als persoon. Ze lijkt zo aardig en nuchter. Kevin Dillon <0xE2><0x80><0x93> zijn optreden was zo goed voor me. Ik probeer hem niet op zijn nummer te zetten of zo, maar ik denk dat zijn broer Matt beter in staat zou zijn geweest om deze slechte, kwaadaardige seriemoordenaar te spelen. Kevin lijkt me gewoon te lief. Maar ik denk dat hij het goed heeft gedaan.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik heb gisteravond de hele film gezien en ik vond hem heel opwindend. Hij was tenminste niet zoals de tienerfilms die zo nu en dan opduiken. De zoektocht naar de moordenaar en de relatie tussen de held en de zogenaamde slechterik waren delen van de film die ik leuk vond. Ik herinner me ook dat ik een keer op het puntje van mijn stoel zat tijdens een bepaalde scène in de film. Ik bedoel, het is opwindend. Misschien kijk ik later de film nog eens...


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik heb _Waargebeurde misdaden_ gezien toen het halverwege de jaren negentig voor het eerst werd uitgebracht en sindsdien heb ik er vele malen naar gekeken. Het is een groot mysterie over Mary (gespeeld door Alicia Silverstone), een middelbare scholiere uit Californië die het jongere zusje van haar klasgenootje heeft laten martelen en vermoorden door een onbekende moordenaar. Mary ontmoet Tony (gespeeld door Kevin Dillon), een cadet van de politie die ziet hoe intelligent ze is en ze besluiten samen te werken om de moordenaar te vinden.
Er zijn veel verdachten in deze zaak. _Waargebeurde misdaden_ voelt voor mij heel 'waar' of echt aan. Ik las een recensie in een nieuwsgroep waarin iemand schreef dat hier sprake is van totale opheffing van ongeloof en dat is echt waar. Alicia Silverstone is perfect in deze rol en Kevin Dillon en Bill Nunn doen het geweldig, net als de andere acteurs. De locaties zijn goed gekozen en de schrijver/regisseur, Pat Verducci, weet de realiteit van het tienerleven en Mary's eenzaamheid goed over te brengen (zie de scène waarin Mary ontwaakt uit de droomsequentie nadat ze de foto's van Tony heeft gezien). Ik wou dat Verducci meer films maakte.
Ik heb nog nooit een film gezien die zo goed is als _Truth Crime_.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik dacht dat die film prachtig in elkaar was gezet het bracht me in de war en mijn neef die er samen met mij naar keek dacht dat de jongere Kevin Dillon een lekker ding was hahahaha... maar ik dacht ook dat het stom van het meisje was om met die smeris mee te gaan en dat het verkeerd was wat hij voor zijn dood tegen haar zei 'ik zat in je'. Ik denk dat ze dat krijgt voor wat ze met hem heeft gedaan en hoe kan hij haar vertellen dat ze te jong is terwijl het hem nooit iets kon schelen hoe oud de andere meisjes waren? Nou denk ik niet dat ik zelf ooit zo'n smeris zou kunnen vertrouwen. maar om je de waarheid te zeggen was het vrij duidelijk dat hij het was, ook al wilde hij bij de politie gaan, ik zou hem hoe dan ook blijven wantrouwen. en dat was grappig toen ze hem in de winkel in zijn oog sproeide. hahahahaha. ze was nog steeds stom dat ze weer in haar eentje de loods inging en de agent die stierf was ook stom. soms worden ik gek van die films als mensen stom doen en stomme dingen doen, maar dat is wat ik dacht over de film.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit is een mooi stuk werk. Heel sexy en meeslepend genoeg om mijn belangstelling vast te houden. Het grootste nadeel is dat het lijkt alsof het voor tv is gemaakt: een heel scherm, en hoewel er een paar seksscènes waren, was er absoluut geen naaktheid (maar tjonge, het kwam er dicht bij in de buurt!). Vreemd ook, want op Netflix staat dat het een R-classificatie had.
Toch is het heel prikkelend, en ik wou dat Alicia Silverstone meer van dit soort films maakte.
Een recensent van Netflix zei dat het deel uitmaakte van een serie, maar ik ben er niet achter gekomen wat voor serie dat is. Maar dat zou ik graag willen weten, want deze film was ZO GOED.
Walt D in LV. 23/8/2005.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Heel goed drama over een jong meisje dat een reeks afschuwelijke misdaden probeert te ontrafelen. Ze roept de hulp in van een politiecadet, en ze beginnen een reeks aanwijzingen na te trekken die leiden naar een rondreizende kermisartiest met een lange staat van dienst. Een einde dat je gegarandeerd op het puntje van je stoel houdt.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ashura, dat zich afspeelt in Japan, is het verhaal van de demonen die de wereld overnemen. De premisse is veel ingewikkelder, maar de intrigerende verhaallijn mag niet worden vergeten. Japan is in rep en roer, en demonen in menselijke gedaante zwerven door het land. In het algemeen zien demonen er als mensen uit en gedragen ze zich ook zo, maar ze zijn slecht. Het Japanse woord dat ze gebruiken is niet alleen dat van demonen, maar eerder de klassieke vorm van 'oger', een mythologisch wezen van een of ander historisch formaat. We hebben het over wezens die meer op goden lijken dan simpele, lelijke, kinderen verslindende monsters.
Maar in menselijke gedaante blijven alleen de groene ogen en de groene tanden over, die verschijnen als er enige druk op wordt uitgeoefend. Om de wereld te redden van de Demonen zijn er Demonendoders. Getrainde en vaardige krijgers die bijna alle soorten demonen kunnen zien en verslaan, en die de doorgang tussen het rijk van de hel en dat van de echte wereld bewaken. Dat zijn de basisvoorzieningen.
Het verhaal begint met een feest in een plaatselijk dorp. Te midden van deze festiviteiten komen 3 mannen aanrijden, helemaal in het zwart gekleed en kennelijk van plan om kwaad te doen. De dorpelingen rennen weg, behalve degenen die demonisch van aard zijn, die met groene ogen proberen hen te doden. De Demonendoders doden uiteindelijk de meerderheid van de demonen. Van hieraf wordt het verhaal interessant. De hele essentie van het verhaal begint wanneer bij de poort naar de hel een waarzeggende demon voor de 3 poortwachters verschijnt en de komst van Ashura aankondigt. Daarmee komt het einde van de heerschappij van de mens en het begin van de heerschappij van de demonen. Ashura vereist echter een of andere vorm van geboorte, waarvan de eerste stap plaatsvond tijdens de eerste veldslag, maar die je pas te zien krijgt als je de film ziet. De 3 demonendoders zijn een wijze oude man, een machtige maar gewetenloze man en een vaardige en meelevende krijger. Onmiddellijk kun je zien wat er tussen hen in staat: de oude man die de demonen wil tegenhouden, de machtige die ze wil buigen naar zijn steeds groter wordende egomaniakale wensen, en de derde die de tweede wil tegenhouden. Onderweg ontmoet hij een vrouw die hij aantrekkelijk begint te vinden en met wie hij een speciale relatie meent te hebben. Zij is op haar beurt een schurk die goedgehumeurd is en door de autoriteiten wordt gezocht. Als de twee elkaar eindelijk in de ogen kijken, legt hij zijn hand op haar schouder, en plotseling wordt ze doorboord door een teken op haar schouder. Onnodig te zeggen dat het teken geen goed teken is. Wat nu volgt is een strijd om de aarde, een strijd tussen goed en kwaad, zoals het zou moeten zijn, maar ook tussen goed en goed zelf.
De bedoeling van deze film werd voor mij iets anders dan ik had gedacht. Ik kwam binnen met de gedachte dat het ofwel een snelle actiefilm zou zijn met demonen, ofwel een horrorfilm met macaber kwaad en smerige wezens zoals je die in Ringu en Ju-on zou zien. Ik had me echter op de best mogelijke manier vergist. Het verhaal is naar mijn idee een bewerking van een heel oud Japans toneelstuk, en zo gedraagt het zich ook. De in wezen actie-achtige scènes zijn gecombineerd met een groots concept, een verbazingwekkend verhaal en een stijl die je dwingt te denken in plaats van alleen maar te zwelgen in bloed. Veel scènes zijn geschilderd met een weelderige dialoog tussen twee personages die je in een Hollywoodfilm nooit zult zien. Het wordt een bijna theatrale ervaring die je de adem beneemt.
De film maakt gebruik van een onberispelijk decor en camerawerk dat te vergelijken is met veel grote samoeraifilms uit die tijd, maar voegt er een goed doordachte en klassieke plot aan toe. Met geweldig acteerwerk, geweldige muziek en oogverblindende scènes is het een must-see in mijn ogen.
Dat gezegd hebbende, moet ik er wel bij zeggen dat het niet voor iedereen is weggelegd. Het is geen goedkope griezelfilm, het is geen ballen voor de actie aan de muur. Het is een horrorstuk dat is gefilmd. Het heeft heel veel te zeggen en neemt de tijd om dat te doen, waarbij het de conventionele oneliners omzeilt. Net als in Japanse toneelstukken kunnen de gesprekken tussen de personages minutenlang duren voordat ze samenkomen voor een snelle, maar schitterende strijdscène. Als je daarvan kunt genieten, is dit een meesterwerk. Als jouw idee van een goede film bestaat uit slasherfilms met weinig plot en overdreven naaktheid, dan kun je net zo goed iets anders kijken.
Over het geheel genomen is deze film voor mij een unieke en verbazingwekkende, die je geboeid houdt en amuseert. Hij is goed geschreven, goed geacteerd en goed geregisseerd. Het is alles bij elkaar een degelijke, geweldige film.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Japan verkeert in ernstige moeilijkheden. Demonen hebben Edo onveilig gemaakt, bezit genomen van aardse vormen en die onderworpen aan hun goddeloze wil. Daar komt nog bij dat de wedergeboorte van Ashura, de koningin van de demonen, nabij is. De enigen die zich tegen deze ernstige bedreiging kunnen verweren zijn de Demonen-Opzichters, een geduchte groep krijgers die misschien wel net zo erg zijn als de demonen zelf.
Izumo is een gepensioneerde Demonen-Opzichter die vijf jaar geleden het theater in is gegaan in plaats van de Demonenslag, nadat hij per ongeluk een onschuldig kind had gedood (in een strijd die vreemd genoeg van schemering tot dageraad aan een barscène doet denken). Op een avond ontmoet hij bij toeval een mooie, mysterieuze vrouw die Tsubaki heet. Hun lotsbestemmingen verstrengelen zich (letterlijk) en ze zijn door het lot verbonden om geliefden en vijanden te zijn.
Als je denkt dat dit klinkt als een typisch Japans epos, heb je het mis. In feite is er niets typerends aan Ashura. Het is een ratjetoe van verschillende genres van film. Die heb ik net genoemd, evenals een komedie, drama en romantiek. Regisseur Yojiro Takita (Onmyoji) jongleert met de genres van de film (hoewel de komedie in sommige scènes geforceerd lijkt) en het eindresultaat is een belachelijke, maar heel leuke popcornfilm.
Er zijn natuurlijk wel fouten in de film. Een deel van de humor lijkt gekunsteld en misplaatst. En het acteerwerk is niet geweldig. Maar even serieus, kijk je naar Fantasy/Swordplay/Comedy-films voor de grote acteerprestaties? Nee, we kijken naar de actie en de krankzinnige CG-beelden, die allemaal in Spades zitten. Ik wil niet misleiden, de film is niet alleen maar actie, maar hij is ruim bemeten met veel zwaardgevechten en emmers groen bloed om de gemiddelde kijker tevreden te houden.
Het komt erop neer dat de films gebreken hebben en geen epos van vechtsporten zijn, maar dat proberen ze ook niet en ze bevatten interessante beelden en goede zwaardgevechten. De reden waarom de film voor mij werkte, is dat hij zichzelf nooit al te serieus neemt en als de kijker hetzelfde doet, zal hij zeker verrukt zijn van deze leuke, malle fantasyfilm vol zwaardgevechten.
Mijn cijfer 7 van de 10. Leuke popcornfilm.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik ben naar Ashura geweest als kick-off van het Fantasia Festival in 2005. Man, dat was een coole kick-off. De regisseur had eigenlijk in Montreal moeten zijn voor de première in Canada, maar vanwege zijn gezondheid zit hij nog steeds in Japan... o god, ik hoop dat hij beter wordt en nog veel meer films maakt.
De plot is vrij eenvoudig, maar wel origineel... de demonen zwerven rond in Edo in Japan en Zwaardvechters genaamd 'demonenwachters' doden ze en vrezen de wedergeboorte van Ashura, de demonengodin die slaapt en die naar verluidt erg kickt.
Het brengt ons naar Izumo... een of andere elitezwaardvechter die 'demonendoder' heet en zijn maatje Jaku die de typische gewelddadige, jaloerse klootzak is...
Lijkt saai? Nou, het wordt steeds spannender... Izumo stopte met het doden van demonen omdat hij een jong meisje had gedood omdat hij 'de indruk had gekregen' dat hij de demon was, hij heeft het nooit geweten, maar hij heeft haar wel gedood. Dus ging Izumo door met zijn leven en herschiep zichzelf in het Kabuki-theater. Op een mooie avond ziet Izumo tijdens een boottochtje een meisje dat zich verstopt op een brug en dat verandert zijn leven en hij begint weer demonen te doden... voor de goede zaak, de zaak van de liefde... en verdomme... die vent weet hoe hij met een zwaard moet omgaan en hoe hij een vermakelijk bloedbad moet aanrichten.
Izumo draagt de film tot het einde toe mee... hij is het hele pakket... hij weet hoe hij moet vechten (verdomd ja, hij weet het), hij is geestig, hij is intelligent en hij heeft dat lef. Je hoeft nooit te roepen: 'NEE, IZUMO, HET IS EEN STAP!' De man weet al dat hij dat gezonde verstand heeft. Hij is echt de perfecte held.
Wat de cinematografie betreft, de esthetiek is behoorlijk interessant. Het is verreweg de film die het meest op een manga lijkt. Hij zit tjokvol special effects en niets, en zal ten koste van alles voorkomen dat deze film er realistisch uitziet... het is behoorlijk verbazingwekkend. Veel kleuren een 'onrealistische' fotografie, afgezien daarvan... het is tamelijk rechttoe rechtaan... maar zoals ik al zei, het hoofdpersonage draagt de film A must see, een verhaal dat door meesterlijke handen wordt verteld.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit jaar (2007) komt de film voor het eerst in Indonesië in de bioscoop, twee jaar na de officiële première, en na vele illegale dvd's die de weg naar het publiek hebben gevonden. Blijkbaar leidt de populariteit van de illegale dvd tot de première in de bioscopen, waar het publiek nog steeds komt kijken.
De film is een groots epos, dat de Japanse cultuur op een ontnuchterende manier in je huis brengt. Op een soms humoristische manier gaat het verhaal over een theaterschrijver die een verhaal voor zijn theater schrijft, omdat hij de voorstellingen in het Kabuki-theater saai vindt. In het begin is het publiek misschien een beetje in de war over het verhaal dat we volgen, maar als het verhaal zich ontvouwt, zien we dat de liefde tussen een mannelijke mens en een vrouwelijke demon leidt tot een geweldig verhaal voor een nieuw Kabuki-theaterstuk.
Het publiek blijft in het duister als dit een verhaal is dat echt zou zijn gebeurd in Japanse tradities en mythologie, maar dat doet er niet toe.

De manier waarop het verhaal wordt verteld met een liefde voor theater, expressie, levendige kleuren, humor en tragedie, maakt het zowel een geweldige rit in de achtbaan van Japanse cinema als van theater. Als je naar deze film kijkt, laat je dan helemaal gaan en probeer hem in de bioscoop te zien in plaats van thuis op je televisie.
Maar er is één kritiek punt: de soundtrack is soms een beetje irritant. Hoewel het grootste deel van de film geweldige muziek is, zijn er een paar momenten in de film die volgens mij wat dramatischer hadden moeten zijn. Maar misschien heeft de regisseur ook gekozen voor lichtere muziek bij de humor in het verhaal.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik vond deze film vanaf de openingsscène tot aan het eind geweldig. Ik vond de manier waarop de regisseur en de acteur mij/het publiek direct aanspraken erg boeiend.<br />Wat ik het opwindendste en verfrissendste aan deze film vond, was dat hij de stereotypen van het mannelijk en het vrouwelijk geslacht <0xE2><0x80><0x93> en dus een uitdaging <0xE2><0x80><0x93> negeerde. De eigenaardigheden van de personages worden beschreven als sterke punten, en het ontbreken van een oordeel <0xE2><0x80><0x93> en het feit dat de personages zichzelf en elkaar accepteren <0xE2><0x80><0x93> stelde me in staat hen te omarmen en mezelf in hun wereld te laten trekken. Zonder prediken, en met intelligentie en vriendelijke en liefdevolle humor, heeft deze film het vermogen ons te openen voor nieuwe mogelijkheden en biedt hij hoop voor een wereld waarin mensen elkaar zien en accepteren als unieke en waardevolle individuen. Ik kijk uit naar meer offerandes van deze creatieve en getalenteerde regisseur.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Deze lowbudget digitale videofilm heeft sterke punten op de juiste plaatsen: schrijven en acteren. Bovendien is de digitale fotografie tot dusver de beste tot nu toe. Bij weinig licht heeft de karakteristieke omberkleurige videotoon de overhand, maar verrassend genoeg kan hij wedijveren met films voor helderheid, helderheid en verzadiging in felverlichte situaties. Dit is een film uit de grond van zijn hart, die op zijn best is met een gevatte dialoog en een 'Midnight Cowboy'-achtig verhaal over zwendelaars die alles doen om te overleven in de stad San Francisco.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Een geweldige en zeer onafhankelijke film die de meeste van mijn emoties raakte en me meevoerde naar een andere wereld. Daarom gaan we toch naar de film? Ik was vooral onder de indruk van de montage en de muziek, een combinatie die me erg ontroerde.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Wat is er zo taboe aan de liefde?! Mensen schijnen grote problemen te hebben met transgenen.<br />De titel van de film trok mijn aandacht niet. Het was een korrelige opname, ongeveer 4 minuten na het begin van de film, waardoor ik ophield met zappen. Ik kon niet geloven hoe ongelooflijk deze film was. Hij raakt aan zoveel niveaus van menselijke emotie dat hij me op de een of andere manier raakte. Het is verreweg een van de beste onafhankelijke films die ik ooit heb gezien. Ik zag deze personages niet als een van beide seksen, alleen maar als mensen. Ik zou het iedereen aanbevelen die van films houdt. Vooral onafhankelijke films. Alle filmmakers zonder vrees!


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

In Hook or By Crook is een enorm vernieuwende film van Harry Dodge en Silas Howard, twee ontzettend slimme en getalenteerde filmmakers. Ze slagen erin een origineel verhaal te vertellen in een opvallende filmstijl, en het is prachtig gefotografeerd door Ann T. Rosetti, en prachtig geschreven - echt poëtisch.
De hoofdpersonen zijn echte helden en dienen als een zeldzaam soort rolmodel/inspiratie voor butch potten en tranny's overal ter wereld. Deze film heeft zo veel energie, zo veel schrijnende passie en zo'n sjofel San Francisco-hart. Ik kan het niet genoeg aanbevelen!
De beste butch buddyfilm aller tijden!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De mensen zeggen dat het een grappige montage is, maar ze hebben het grotendeels moeten schrappen bij de postproductie. Ik geef op dit moment les aan harry als docent aan de universiteit, en eerlijk gezegd is het een van de beste lessen die ik ooit heb gehad, het is hier nogal grappig over wat er gebeurde toen de film werd gemaakt, omdat harry zo levendig is. Ik keek oorspronkelijk naar 'de vreugde van het leven' voor een andere les waarin harry een stem in de film had, en begon naar deze film te kijken nadat ik met de les was begonnen. Harry heeft aanvankelijk wat acteerwerk gedaan, en hij is echt oprecht in het creëren van momenten die je raken, vooral als je dingen opnieuw moet monteren tot je op dat moment komt, maar het is iets wat je in deze film ziet.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik was erg onder de indruk van deze kleine, onafhankelijk gemaakte film. Het verhaal, over een stel sociale buitenbeentjes die elkaar ontmoeten, vrienden worden en elkaar voorzien van een steunsysteem dat ze allebei als kind leken te missen, is soms hilarisch, soms triest, maar altijd provocerend. Muziek, voornamelijk van undergroundbands, werd met groot effect gebruikt, evenals de experimenten met camerastandpunten, filters en langzame of snelle bewegingstechnieken. De uitvoeringen (de hoofdrollen worden gespeeld door de schrijvers en regisseurs van de film) zijn een van de beste die ik de afgelopen paar jaar heb gezien. Als je ooit het gevoel hebt gehad dat een vierkante pin in een ronde gleuf werd geduwd, geloof ik echt dat je 'By Hook or By Crook' zult waarderen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit zijn fragmenten uit een negen pagina's tellende 'Memo aan de heer Cohn van de heer Welles', geschreven nadat Orson de bewerkte versie van de film door studiobaas Harry Cohn had gezien (hij had er een uur voor uitgetrokken).<br />'... De voorspelbare titelmuziek is geschreven door een eersteklas componist, George Antheil. Hoewel de muziek helemaal niet voor onze film bedoeld was, had deze tijdelijke titelmuziek een sfeer van duisternis en dreiging, gecombineerd met iets weelderigs en romantisch wat het acceptabel maakte... Het enige muzikale idee dat bij deze huidige componist (Heinz Roemheld) schijnt te zijn opgekomen, is dat hij een populair liedje <0xE2><0x80><0x93> het 'thema' <0xE2><0x80><0x93> in zo veel mogelijk arrangementen wil gebruiken. Al die tijd hebben we muzikale verwijzingen naar 'Please Don't Kiss Me'.' '... voor bijna elke brug en ook voor een groot deel van het achtergrondmateriaal. De melodie is aangenaam, kan het heel goed doen op de Hit Parade <0xE2><0x80><0x93> maar _Lady from Shanghai_ is geen muzikale komedie... Meneer Roemheld is een vurig aanhanger van een ouderwets soort _score_ die in onze branche tegenwoordig 'Disney' wordt genoemd. Met andere woorden, als iemand valt, maakt hij een 'vallend' geluid in het orkest, enzovoort, enzovoort... Als het lab initialen en telefoonnummers over het hele negatief had gekrast, zou ik niet blijer kunnen zijn met de resultaten... ' Vlak voordat ik naar het buitenland vertrok, vroeg ik Vi (Viola Lawrence, de redacteur) om een geknipte versie te maken waarin ik het bijna-ongeluk met de taxi en ook een flink stuk dialoog zou weglaten. Ik ben ervan overtuigd dat dit een uitstekende versie zou zijn geweest... om de hoognodige opnamen in de langzame openingssequentie te besparen (dit is niet gedaan, wat de zwakke punten van de openingsspoel van de film verklaart)... Er is niets in het feit dat Rita duikt dat een groot orkestreren crescendo rechtvaardigt... Wat wel belangrijk is, is Rita's schoonheid... de boosaardige boventonen die door het personage van Grigsby worden gesuggereerd, en Michaels verbijstering. Al deze elementen zouden de muziek hebben kunnen inspireren. In plaats daarvan wordt de duik behandeld alsof het een grote climax of een grappig moment in een mallotige symfonie is: een stomme val van Pluto de Pup, of een wilde sprong in de ruimte van Donald Duck... Er is geen geluidsatmosfeer op de boot. Een beetje wind en water wordt ernstig gemist. Het heeft geen zin om een scène op een echte boot te fotograferen als je het laat klinken alsof het allemaal voor een computerscherm gebeurt... Aan het begin van de picknickscène... in de tijdelijke opname hebben we een heel merkwaardige, sexy Latijns-Amerikaanse toonsoort gebruikt... Deze is vervangen door een afgezaagde 'dramatische' vervolgscène <0xE2><0x80><0x93> slecht spul. Dit soort muziek vernietigt het vreemde dat Lady uit Sjanghai had kunnen redden van de zoveelste whodunit... Er volgt een grote muzikale uitbarsting na Grigsby's regel: 'Ik wil dat je hem vermoordt.' Dit is absurd... De Hawaïaanse gitaarmuziek die uit de radio komt... was bedoeld als afgezaagd genoeg om een bepaald satirisch punt te maken. Zoals het er nu voorstaat, is het ongeveer op hetzelfde niveau als de rest van de score. Niemand in het publiek kan vermoeden dat we een grapje maken... De aquariumscène heeft meer echo nodig. 'Please Don't Kiss Me' is er weer!... Een slecht gegoochel en een slechte score hebben het karakter van Michaels loop over de pier vernietigd. Vanaf het pistoolschot tot aan het telefoontje was er een zorgvuldig stemmenpatroon opgebouwd met de verspilling van veel tijd en moeite. Om de een of andere reden is dit allemaal weggegooid ten gunste van een vaag kabaal. Als gevolg daarvan lijkt de hele scène saai... Het publiek zou op dit punt, samen met Michael, het gevoel moeten hebben dat ze misschien gek worden. Het nieuwe duplicaat kan ze alleen maar het gevoel geven dat ze misschien gaan slapen... Het vuurgevecht met de brekende spiegels mag niet worden gesteund door muziek... De slotmuziek verwijst opnieuw naar 'Please Don't Kiss Me'... Deze finale is zo overduidelijk, dat het bijna vulgair is, en doet de afsluiting van de film onnoemelijk veel pijn.' Al deze commentaren van Orson werden genegeerd.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Per slot van rekening ga je niet naar een film van Orson Welles om een leuke, eenvoudige plot te zien en het beeld van een nog lang en gelukkig leven leidende ster op te poetsen.
Je gaat naar een film met theatraal opgevoerde personages die in conflict zijn met kleurige en ongebruikelijke decors, belicht en gefotografeerd met veel verbeeldingskracht, dapper gefotografeerd, en het hele gebeuren doorspekt met onverwachte, verrassende details die een wijzere en saaiere regisseur zou vermijden of waar hij om te beginnen al niet aan zou denken.
Zoals gewoonlijk schreef Welles niet alleen het scenario, maar regisseerde hij ook en speelde hij ook de held van een jonge Ierse zeeman die de wereld op zijn kop had gezet en het kwaad ervan had gezien, maar toch zijn heldere vertrouwen in de goedheid van anderen had behouden. Voor hem stelde hij dit vertrouwen in Rita Hayworth, wier koele, knappe uiterlijk een somber verleden en moordzuchtige neigingen voor de toekomst verborg. Ze trouwde zonder liefde met een impotente, kreupele advocaat en gedroeg zich als een kwaadaardige hagedis door de briljante Everett Sloane.
Er schuilt een jeugdige romantiek in dit alles, en deze eigenschap kwam tot uiting in het uitbundige spel in 'The Lady from Shanghai'. Voordat het onvermijdelijke gebeurde, ontsnapte Welles naar een laatste, driehoekige confrontatie in een spiegelzaal, die een van de klassieke scènes uit de naoorlogse filmgeschiedenis is geworden.

Welles liet geen kans voorbijgaan om de woorden en handelingen van de film te combineren met visuele details die de structuur en de sfeer verrijkten. Zijn camera leek Rita Hayworth bijna te strelen terwijl de zon met haar haren en lange ledematen speelde, terwijl ze de jonge zeeman speels in haar web plaagde.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Van alle film noirs uit de jaren veertig en vijftig is dit een van de vreemdste en leukste om te zien. Dat zeg ik vanwege de vier hoofdrolspelers: Orson Welles, Rita Hayworth, Everett Sloane en Glenn Anders.
De eerste twee namen komen iedereen bekend voor, maar het waren de laatste twee die deze film voor mij zo amusant maakten, vooral voor Anders. Zijn personage, 'George Grisby', is een van de vreemdste mensen die ik ooit op film heb gezien. Zijn stem, en sommige dingen die hij zei, moet je horen om te geloven. Slaone ligt niet ver achter in de categorie 'vreemd'. Hayworth is met zijn korte, blonde haar niet zo aantrekkelijk, maar hij is het wel, en dat betekent veel lonken als je een man bent. Welles is even fascinerend als altijd. Eén tip: als je de dvd hebt, zet dan de Engelse ondertiteling aan. Zijn personage in deze film is een Ier en je hebt de ondertiteling nodig om alles te begrijpen wat hij zegt.
Welles regisseerde de film ook, wat betekent dat je prachtige camerahoeken hebt en prachtige close-ups van gezichten. Je hebt ook een uniek einde, visueel, met een schietpartij in een huis vol spiegels. Geweldig spul! Hoe bizar deze film ook is, ik vond de hansworstachtige kermissfeer aan het eind van het proces nog steeds te veel van het goede om de ernst van de scène weg te nemen. Afgezien daarvan geen klachten.
Dit is geweldig vermaak, zo heet het spel.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Na _KANE_, in 1941, keerden de hoge bazen van Hollywood de grote Orson Welles de met spinrag bedekte rug toe. Met uitzondering van _KANE_ verloor Welles alle creatieve controle over _Madison in to Fear_ en de vele andere films die zouden volgen. Welles was een vernieuwend en creatief genie, de meest onconventionele van alle filmmakers toen Hollywood behoefte had aan nog een paar. _The Lady from Shanghai_ is het zoveelste voorbeeld van het verkeerd begrepen beeld dat men in die tijd van Welles' films had, een film die een beetje onsamenhangend en onsamenhangend lijkt. Hij heeft een conventioneel uitgangspunt uit 1940 en wordt op een uiterst onconventionele manier verteld, en ik weet zeker dat sommige scènes op de vloer van de montagekamer zijn beland. Het verhaal gaat dat Columbia-magnaat Harry Cohn tijdens de eerste vertoning opstond en vroeg waar het over ging. Achteraf gezien hebben veel oude knorrepotten die in die tijd de studio's leidden geen flauw idee gehad van de filmtechnieken en de meesterlijke verhalenvertellers van Orson Welles en THE LADY VAN SHANGHAI, en dat komt alleen maar doordat ze zich ermee hebben bemoeid.
Niet alleen was Welles zonder enige twijfel de grootste regisseur aller tijden, hij was ook een behoorlijk goede acteur. Op zijn vijfentwintigste wisten we allemaal wat hij deed als 'Charles Foster Kane', misschien wel het beroemdste personage in de filmgeschiedenis. Hier speelt hij een zeldzame rol van flauwe grappen en weinig intelligentie, iets wat onbekend is voor degenen die Welles en zijn andere grote werken kennen. In plaats van een gladde, wijze tong spreekt hij met een ruw, Iers accent. Rita Hayworth (indertijd zijn ongelukkig getrouwde vrouw) speelt een ongelukkig getrouwde vrouw van een advocaat die Welles in de ban brengt en hem in staat stelt een baan te krijgen die hem tot de grenzen van misleiding en desillusie zal brengen. Hij is een grote kerel die misschien zelfs een man heeft vermoord, maar het echte mysterie ligt in de relatie tussen Hayworth (met prachtig blond haar) en de kreupele man Everett Sloane (meneer Bernstein van CITYZEN KANE). Een griezelige partner van Sloane is mee op een zeiltocht door het land om een aantal merkwaardige gebeurtenissen te ontketenen die Welles' 'Michael O'Hara'-hoofd doen tollen. Welles vertelt het verhaal als O'Hara, maar alles is nog steeds onduidelijk. Kijk zelf maar en besef dat er minstens 2 keer naar gekeken moet worden om precies te weten wat er aan de hand is.
Een voor zijn doen ongewoon vreemde scène in de rechtszaal draait om 'O'Hara', die door Sloane wordt verdedigd. Het is een merkwaardig komische scène met een paar eigenzinnige rechtbankmethoden, waaronder een kruisverhoor van Sloane zelf. Ik moest hier niet echt om lachen, want de film hapert op dit punt na een eerste deel dat toch nooit op gang komt. Tot op dit punt is de cinematografie geweldig, sommige scènes worden met vakmanschap en vaardigheid opgenomen (aquarium-liefdesscène), maar er is geen duidelijke lijn die de elementen en ons, het publiek, naar binnen trekt. Naar verluidt werd de rechtszaalscène opnieuw opgenomen tegen Welles' film. Op aandringen van Cohn werden er tien close-ups van Hayworth besteld en werd er een provisorisch liedje gezongen door het sterretje. Welles, die opnieuw buiten het montageproces werd gehouden, werd woedend om een provocerende geluidsband. Welles dankt zichzelf voor het feit dat hij de film heeft gered met een krachtig slot dat altijd in ere zal worden gehouden. De zogenaamde 'Hall of Mirrors'-scène brengt de liefhebbers keer op keer terug, terecht.
Het moet worden gezien om te worden geloofd en het slaagt er goed in enkele verwarrende ideeën te ontwarren. Het breken van de spiegels symboliseert de desillusie van 'O'Hara' en het 'gekkenhuis' zelf is een meesterwerk van kunst en inrichting. Het lijkt meer op een gemoedstoestand dan op een werkelijke plaats en het is inderdaad 'gek', verwrongen en verdraaid als een schilderij van Dali. Dit is een geweldig einde van een onvolmaakte film die, als hij alleen was gelaten, waarschijnlijk in de top 100 van AFI zou zijn terechtgekomen. Aan de andere kant zouden 3 of 4 andere Orson Welles-films misschien alle collectieve 'beste'-lijsten hebben gehaald als hij alleen was gelaten om zijn eigen magie te creëren.
NOTING: Kijk uit naar de Mercury Players die zo opvallend zijn in Welles-films. Ze duiken overal op.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Men kan zich alleen maar voorstellen dat de film die meneer Welles heeft gemaakt, zonder tussenkomst van de studio tot een goed einde zou zijn gebracht! Deze film is een Welles met gebreken, maar hij is elke minuut de moeite waard omdat men de grootsheid kan zien van misschien wel Amerika's beste filmregisseur aller tijden!
We kunnen zien hoeveel moeite het Orson Welles heeft gekost om deze film te maken. Het verhaal zit vol gaten, misschien wel vanwege de eisen van de studiodirectie die de regisseur niet vertrouwde. Het is merkwaardig dat sommige van de opinies die bij de IMDB zijn ingediend Orson Welles vergelijken met de gebroeders Coen, Roman Polanski en zelfs Woody Allen, terwijl juist al die regisseurs als volgelingen van de grote meester zelf moeten worden beschouwd. Niemand was origineler en creatiever in de geschiedenis van de Amerikaanse film dan de heer Welles. We boffen dat we zijn nalatenschap nog steeds hebben, hetzij in retrospectief, zoals de film waaraan het Film Forum in New York zojuist een einde heeft gemaakt, hetzij op band of op dvd.

Rita Hayworth is nog nooit zo liefdevol gefotografeerd als hier. Als ze een schoonheid was met haar rode haar, als blondine, dan is ze gewoon te mooi om waar te zijn. Everett Sloan en Glenn Anders leverden een uitstekende bijdrage aan de film.

Het enige wat deze film tot een meesterwerk had kunnen maken, was zijn eigen optreden erin. Als hij zich had geconcentreerd op de regie en een andere acteur Michael O'Hara had geïnterpreteerd, dan zou het een heel andere film zijn geworden. Misschien was Orson Welles wel de pionier die de camera van de studio naar de straat bracht. De beelden in deze film zijn zo verbazingwekkend dat we het theater verlaten nadat we deze film hebben gezien en zijn onder de indruk van het werk, de visie en het talent dat hij ons heeft gegeven.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

'The Lady From Shanghai' van Orson Welles heeft niet het briljante scenario van 'Citizen Kane', bijvoorbeeld, maar de filmografie van Charles Lawton jr., de onvergetelijke decors (zoals de scène in het aquarium, de zeereisscène met een oogverblindende Rita Hayworth die 'Please Don't Love Me' zingt, en de werkelijk verbijsterende climax in de Hall of Mirrors), en de geweldige cast (Everett Sloane in zijn beste rol, Welles in een prachtig ondergeschikte rol, de eerdergenoemde mejuffrouw Hayworth <0xE2><0x80><0x93> Welles' echtgenote in die tijd <0xE2><0x80><0x93> op haar allermooiste) zorgen voor een zeer gedenkwaardige ervaring. De bizarre moordmysterie is grappig en meeslepend, helemaal niet ondoorgrondelijk. De kijker wordt verrast door de wendingen, en Welles' slotzin is een onaangekondigde klassieker. krijgt vier sterren van deze onpartijdige arbiter.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Terwijl ik naar een van Orson Welles' laatste bijdragen aan Hollywood als filmmaker keek, wist ik dat ik naar een geweldige film keek, hoewel ik soms niet wist waarom. Het verhaal in _The Lady from Shanghai_ heeft de belangrijkste elementen van een film noir: een doorsnee-Joe-rol, een femme fatale, opvallende bijrollen en een begrijpelijke, zij het enigszins gecompliceerde plot. Het is een onderhoudende rit, en hij is tot de nok gevuld met de unieke talenten van Welles als regisseur, maar er zijn scènes die gewoon niet werken, of die niet compleet voelen in wat Welles' volledige visie was (dat laatste is helaas maar al te waar <0xE2><0x80><0x93> daar hebben de producent Harry Cohn en de directieleden van Columbia de schuld van). Als Mike O'Hara, een Ierse arbeider die kwaad kan worden op de juiste mensen en dat ook doet. Hayworth is mevrouw Bannister, getrouwd met meneer Bannister (Everett Sloane, die meneer Bernstein speelde in _Citizen Kane_ ), die wordt vergezeld door een vriend, meneer Grisby (Glenn Anders, die in zijn ogen veel zelfbeheersing heeft). Ze willen gaan zeilen op hun jacht en nemen O'Hara mee voor een tochtje, en in het begin aarzelt hij, maar stemt toe omdat hij verliefd is op de getrouwde mevrouw. Naarmate hun reis vordert, merkt O'Hara dat Bannister en Grisby niet prettig gezelschap zijn, en dat geldt des te meer voor Grisby, die in het begin uit zijn hum lijkt te zijn. Maar terwijl de plot zich ontvouwt, wordt O'Hara betrokken bij een zwendel waarvan Grisby het verzekeringsgeld wil incasseren, met resultaten die ik niet durf te onthullen (hoewel ze keer op keer door anderen zijn besproken).

Wat er ook voor onvoorziene complicaties opduiken in het mysterieuze deel van het verhaal (en die paar opvallende momenten waarop de studio de opnamen heeft gedicteerd), de uitvoeringen en het uiterlijk van de film blijven na meer dan vijfenvijftig jaar opvallend. Hoewel hij niet de geweldige Greg Tolland (Kanes DP) aan zijn zijde heeft, helpt de betrouwbare Charles Lawton junior Welles bij het creëren van een sfeer die zowel elegant als grimmig is, met veel schaduwen, een scherp beeld, lage hoeken, de hele mikmak. Een bijzondere prestatie is de spiegelscène in het toilet, die slechts een van de vele hoogtepunten is. Welles zelf is als acteur altijd betrouwbaar <0xE2><0x80><0x93> ook al is zijn accent niet bijzonder <0xE2><0x80><0x93> en Hayworth zelf maakt een scène wat weelderiger, ondanks haar pad in het verhaal.
The Lady uit Shanghai is de moeite van het bekijken waard, vooral voor Welles, Hayworth of film noir-fans (fans van de gebroeders Coen zouden dit ook fascinerend kunnen vinden). Het kan even duren (zoals bij Touch of Evil) voordat de onderliggende motieven in de plot tot je doordringen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

The Lady and Shanghai, die in 1946 werd gemaakt en in 1948 werd uitgebracht, was een van de grote films die Welles maakte nadat hij uit betrekkelijke ballingschap was teruggekeerd om _Citizen Kane_ te maken. De film is duister, broeierig en getuigt van enige paranoia uit de Koude Oorlog. De film zit vol met Welles' karakteristieke grillen van vreemde invalshoeken, snelle shots, lange pannen en sinistere belichting. Het gebruik van omgevingsmuziek is een voorloper van de ongelooflijk lange openingsscène in _Touch of Evil_, en de mysterieuze Chinese karakters en de scènes in Chinatown kunnen alleen maar worden beschouwd als de inspiratiebron, in veel opzichten, van Roman Polanski's Chinatown. De obsessie met het technische filmen, die deze film in zijn geheel teistert, doet afbreuk aan het geheel. De plot van dit verhaal gaat vaak verloren in een soms onbegrijpelijke warboel van filmtechnieken.<br />Ondanks deze kritiek maakt het verhaal, in combinatie met de fantastische optredens van Welles, Hayworth en vooral Glenn Anders (Laughter) het kijken naar deze film tot een vreugde. Orson Welles speelt niet alleen het Ierse accent, maar ook de verscheurde identiteit van de eerlijke maar gevaarlijke zeeman. Rita Hayworth, die in die tijd met Welles getrouwd was, breekt met haar gebruikelijke rol als seksgodin en neemt een rol op zich met echte diepgang en tegenstrijdigheden. Ten slotte is Glenn Anders een vreemde en bizarre vertolking, of de partner van Elsa's echtgenoten is niets minder dan klassiek!


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Op het moment dat The Lady uit Shanghai werd gemaakt, stortte het huwelijk van Orson Welles en Rita Hayworth in. De film was net zozeer een poging van Welles om het oude vuur weer aan te wakkeren als om een klassieke film noir te maken. Destijds werd The Lady uit Shanghai niet goed ontvangen, maar in de loop der jaren kreeg de film steeds meer kritieken. Het werd beter naarmate je ouder werd, zogezegd.
Welles is de Ierse zeeman Michael O'Hara die op een noodlottige avond de mooie Rita Hayworth redt van drie straatrovers in Central Park. De vonken vliegen ervan af, maar dan komt de aap uit de mouw: de dame blijkt getrouwd te zijn met de kreupele, maar briljante strafpleiter Everett Sloane. Niettemin mag Sloane Welles wel en hij neemt hem in dienst als kapitein van zijn jacht.
Tot dusver begint deze film aardig op Gilda te lijken. Als Orson Gilda had gezien en op dat moment niet met zijn mannelijk lid in de weer was geweest, zou hij als een haas terug zijn gegaan naar de zeeliedenwervingshal in Lower Manhattan. In plaats daarvan raakt hij verstrikt in een prachtig web van intriges en wordt hij verdacht van twee moorden, met Sloane als zijn eminente raadsman.
Om de een of andere reden besloot Welles dat zijn vrouw in deze film een blondine zou zijn. Harry Cohn zou uit zijn dak zijn gegaan omdat Rita internationaal bekendstond om haar koperrode haar. Dat heeft hem misschien de das omgedaan toen hij zich aansloot bij het legioen studiobazen dat Welles' visie op onafhankelijke films als een bedreiging voor hun macht zag.

Acteur Glenn Anders speelt Sloanes partner Grisby, die één grote slijmbal is en uiteindelijk een lijk wordt. Het andere lijk dat hier ligt, is Ted DeCorsia, een laag-bij-de-grondse privédetective die voor zichzelf wil beginnen.
Het is een goede noir-thriller, waarin Rita op haar best is, ook al is ze hier blond. De laatste opname in de spiegelzaal is prachtig geënsceneerd, maar ik zou het niet aanbevelen als je niet van gecontroleerde materialen houdt.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Het eerste mysterie is om te raden hoe de oorspronkelijke film van Welles eruitzag. Dat maakt dit een echt avontuur <0xE2><0x80><0x93> om een incompleet skelet te zien en de forensische technieken van de film te gebruiken, stel je de mooie vrouw voor die hij ooit steunde.
Als je dat doet, zul je misschien een van de beste filmmysteries aller tijden zien en ervaren. Voor een mysterie is het verhaal tamelijk gewoon: een eenvoudige afleiding, één jaloerse echtgenoot als dwaalspoor.
Wat wel wonderbaarlijk is, is dat Welles het verhaal plaatst in een kunstmatig oog dat een donkere, donkere, gefacetteerde wereld ziet. De eerste echte film noir, maar nog donkerder. Het is geen duidelijk verknipte wereld, tenzij je aan de camera denkt. Wat we met eigen ogen kunnen zien, is dat iemand een vocabulaire creëerde dat later gemeengoed zou worden.
Ondanks alle feestelijkheden was Kane een succes vanwege het grote drama en het verhaal. Het oog van de camera was schokkend, maar experimenteel. Welles zou van daaruit het mysterieverhaal en de zelfreflectie van Shakespeare onderzoeken met dit oog. Othello en MacBeth zijn allebei in deze periode begonnen, en ik beschouw hen als onderdeel van een enkel visioen met dit oog.
Het noir-gevoel hier is gebaseerd op het idee dat mensen hun leven niet zelf in de hand hebben, zelfs niet een beetje - ze worden gemanipuleerd door willekeurige factoren in de omgeving. Dus moet Welles, om dit verhaal te kunnen vertellen, de omgeving tot een personage maken. Verscheidene personages als verdachten in het mysterie.
En zo hebben we de beroemde belichting, begrenzingen en invalshoeken die we kennen (en die we sindsdien talloze malen hebben gezien). En we hebben de opzettelijk gesloten decors: het park, het jacht, het picknickterrein, het aquarium, de haven, de rechtszaal, het Chinese theater en het spookhuis. Ik ben er zeker van dat de barbaren een heleboel 'uitwendige' verhalen hebben gemaakt die niet te maken hadden met het karakter, maar met deze vreemde omgevingen.
Mijn eigen oplossing voor het mysterie is dat het spookhuis het heeft gedaan, te midden van de andere karakteromgevingen die als verdachten zijn geïntroduceerd. Met andere woorden, de manipulatie van Black Irish (die we kennen van zijn aantekeningen en van een scène waarin hij in de vakbondszaal zit te typen) was geen van beide: het was een kracht van menselijke samenzwering (het park of de geciviliseerde versie, de rechtszaal) of van de natuur (de picknick of de geciviliseerde versie, het aquarium).
In plaats daarvan was het een kwestie van opzettelijke grilligheid van de goden om ons te vermaken. Dit is natuurlijk een verwijzing naar wat Welles doet: deze mensen (inclusief hijzelf) door de hel laten gaan voor onze eigen grilligheid, een kwestie die wordt onderstreept door de Peking Opera, waar Welles onder de dope zat. En natuurlijk leidt dat tot het lachpaleis, waar de omgeving rechtstreeks knoeit met de perceptie. Er is natuurlijk wel bewust commentaar op zijn relatie met zijn aanstaande ex-vrouw. Maar ik geloof dat er sterk onderbewust commentaar is op het feit dat hij de omgeving waarin hij werkte, de studioomgeving, tartte. Welles werd op ongeveer dezelfde manier genaaid als zijn personage. En dat naaien nam de vorm aan van de moord op deze film, waarbij het rottende lijk aan het begin van dit commentaar werd genoemd.
Dat die arme Rita uit China komt, verbindt het hele gebeuren, het Chinese theater, de verwachte verkrachting van bovenaf, het verlies van de vrouw. De investering in de omgeving boven alles.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

In New York redt zeeman Michael O'Hara (Orson Welles) Elsa Bannister (Rita Hayworth) van een beroving & verkrachting als ze te paard & in een rijtuig door Central Park rijdt <0xE2><0x80><0x93> en er het leven bij inschiet. Hayworth met haar getinte haar is platinablond in deze film; zo oogverblindend als pas gevallen sneeuw <0xE2><0x80><0x93> maar bij lange na niet zo puur...
<0x3E> Het zou misdadig zijn om meer te onthullen van de ingewikkelde plot in deze semi-noir. Het is even bedrieglijk als de spiegels die gebruikt werden voor het cataclysmische effect in de laatste scènes <0xE2><0x80><0x93> maar de film bevat veel duisterder geheimen: Uit de _New York Times_ : 'Childhood Shadows: The Hidden Story of The Black Dahlia Murder' door Mary Pacios 'Mary Pacios, die 5 jaar oud was toen ze bevriend raakte met de 15-jarige Bette Short, volgt het spoor van Short' Ze heeft ook een gedetailleerde, zij het speculatieve, analyse gegeven van Orson Welles <0xE2><0x80><0x93> vooral met betrekking tot zijn film 'The Lady from Shanghai'. Volgens mevrouw Pacios heeft de film, samen met het bijbehorende archiefmateriaal, veel van dezelfde ritualistische elementen die verband houden met de moord op Short. Ze stelt de vraag: zou Welles de moordenaar kunnen zijn?' Interessante theorieën <0xE2><0x80><0x93> en nu er zoveel boeken over 'The Black Dahlia' zijn verschenen, zal er waarschijnlijk nog veel meer aan het licht komen. Fritz Langs brute 'film noir', 'The Big Heat' (1953), was een roman-a-clef beschrijving van de moord op 'Dahlia' in 'The City of Nets' in L.A. <0xE2><0x80><0x93> maar het is het opus van Orson waar de 'Dahlia' een 'hand-in-hand'-relatie mee had. In werkelijkheid was het Bugsy Siegel (en de maffiaoorlogen in Hollywood in de jaren veertig) die de 'Dahlia' in gang zetten... maar dat doet niet veel af aan wat Pacios schreef. Bijna heel Hollywood kruiste Elizabeth ('De Zwarte Dahlia') Short en haar verhaal/aura/erfenis/vervloeking is gecodeerd in een aantal films uit de Gouden Eeuw.
De 'Zwarte Dahlia' stond altijd aan de rand van 'Sjanghai' <0xE2><0x80><0x93> al voordat er werd gefilmd. Barbara Payton op Franchot Tone: 'Dat was toen hij erover dacht om _De dame uit Shanghai_ te maken, voordat hij de optie op Orson Welles kwijtraakte. Franchot zei dat hij in een slechte bui was over die deal toen hij de Dahlia tegenkwam in het Formosa Café tegenover de studio's van Goldwyn...' De verdieping boven het Formosa-café was het kantoor van Bugsy Siegel en 'The Dahlia' was een van zijn in- en uitwerkende'meisjes'.
Het wordt dieper en duisterder. Na de ruzie over Barbara Payton in 1951 tussen Tom Neal en Franchot Tone, die Franchot met een hersenschudding naar het ziekenhuis stuurde, trouwde ze met Tone 'om Neal een hak te zetten'. Tom ('Detour') Neal kende 'The Dahlia' ook (wie niet?) en raakte erdoor geobsedeerd. Uit 'L.A. Despair' van John Gilmore: 'De moord in januari 1947 op de jonge, mooie actrice Elizabeth Short, bekend als 'The Black Dahlia', was een van de gruwelijkste moorden in de annalen van de moderne misdaad. Een project dat 'The Black Dahlia Killed' heette. Niet lang daarna: 'Het zou heel duidelijk worden op een mooie dag, wanneer Tom zijn mooie, nieuwe vrouw uit Palm Springs zou besluipen terwijl ze op hun bank lag en een.45-kogel door haar hoofd zou schieten.' Barbara Payton en Norma Jean Dougherty (later Marilyn Monroe) kenden de 'Dahlia' en hun verhalen zijn algemeen bekend. Het lijkt erop dat iedereen die het pad van de 'Dahlia' kruiste (zoals de spreekwoordelijke zwarte kat) een 'Twilight Zone' binnenging. '... en/of een ongelooflijke reeks tegenslagen hebben gehad. Tone/Neal/Welles zijn er maar een paar <0xE2><0x80><0x93> en dat geldt ook voor een afgeslachte film die 'The Lady From Shanghai' heet... '
'The Lady From Shanghai' is pas na twee jaar uitgebracht, dankzij een uitgebreide revisie <0xE2><0x80><0x93> en dat allemaal omdat president Harry Cohn van Columbia het verhaal niet kon begrijpen. Het is een duistere 'noir' <0xE2><0x80><0x93> een van de donkerste, om precies te zijn. Het is ook een boosaardige satire op het leven in het nieuwe Atoomtijdperk.
'
Nicolas Christopher: '
'Shanghai' duwt een hardnekkige subtekst van de nucleaire apocalyps naar voren en bevat de definitieve noir-verklaring over de atoombom en de Amerikaanse stad. Het eerste slachtoffer van de bomaanslag (en dat zijn er heel wat), een psychotische, dubbelhartige advocaat, voorziet bij elke bocht in de weg manisch het einde van de wereld en beweert dat hij het 'voelt'. Hij kondigt aan dat hij van plan is naar een afgelegen eiland in de Stille Oceaan te vluchten <0xE2><0x80><0x93> een bijzonder wrange grap van Welles, aangezien juist in dat jaar de Verenigde Staten begonnen met het testen van atoombommen op precies zo'n eiland, de Bikini Atoll, waarbij alle bewoners werden verplaatst en het ecosysteem werd vernietigd. Tegen de tijd van de Bikini lijkt de erotische identificatie van Hayworth met de Bom te zijn geïmplementeerd, met de zegen van de hoge militairen; de eerste bom die op de testbasis in de Stille Oceaan wordt gegooid en die 'Gilda' wordt genoemd, heeft Hayworths beeltenis, in provocerende kledij, rechtstreeks op het omhulsel geschilderd...' Het is ironisch dat Orson Welles' brede interpretatie van een Ier door velen als een nadeel voor de film wordt beschouwd. Welles geeft de kijkers een aanwijzing dat 'Michael O'Hara' alleen maar de verteller is <0xE2><0x80><0x93> geen deel uitmaakt van het verhaal, ook al draait het om hem. 'O'Hara' gaat in de hele film tegen het haaienmotief in. Haaien die zich te goed doen aan een vraatzucht houden pas op als er niets meer over is. 'Michael O'Hara' leeft om het verhaal te vertellen. 'Elsa Bannister' veroorzaakt een vraatzucht tijdens 'O'Hara's' proces en haar in een net gevatte hoed suggereert dat ze in een kooi zit <0xE2><0x80><0x93> om de menselijke toeschouwers in een Romeins Coleseum niet te verzwelgen. De toeschouwers zijn zelf een vraatzuchtige vraatzucht aan het bedrijven, roddelen en zeuren over 'Elsa'. <0xE2><0x80><0x93> een menselijk aquarium dat overeenkomt met de sequentie uit het zeemuseum in San Francisco. Dat is de toestand van de mens... behalve 'Michael O'Hara'. En toch zal hij zijn hele leven proberen zijn verleden te vergeten ('Elsa') <0xE2><0x80><0x93> of bij die poging sterven. 'Elsa' maakt deel uit van 'Michael' en het verhaal eet uiteindelijk zijn eigen staart op en de kijker wordt gewaarschuwd uit de problemen te blijven.