inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De Schotse kunstenaar Andy Goldsworthy maakt van natuurlijke materialen kortstondige kunstwerken door stenen in eivormige steenhopen te gieten, rotspoelen aan de oever van de rivier te vullen met vurige bloemen en doorns en twijgen tot ingewikkelde webpatronen te borduren. Een origineel werk en een paar foto's van zijn andere creaties zijn weggestopt in een hoek van de kunstgalerie in Southampton (in de buurt van waar ik woon), maar hoewel ik deze werken intrigerend vond, besefte ik het wonder van Goldsworthy's werk pas toen ik het geluk had een heruitgave van Rivers and Tides te zien.
De film van Thomas Reidelsheimer, die wordt begeleid door een prachtige instrumentale soundtrack van Fred Frith, brengt Goldsworthy en zijn kunst tot leven door de kunstenaar aan het werk te zien. In de eerste scène laat hij ijspegels samensmelten tot een slangachtige draad boven op een boomstronk. Met zijn tanden en blote handen creëert Goldsworthy een prachtig, kortstondig kunstwerk. Het duurt niet lang of de tere sculptuur smelt weg in het heldere zonlicht van Nova Scotia. Deze scène is een van de mooiste van de film, maar de breedte en inventiviteit van Goldsworthy's werk zijn opmerkelijk. Reidelsheimer laat zowel de successen als de mislukkingen zien, zowel de frustratie van stukken die instorten voordat ze voltooid zijn als de glorie van stukken die schitteren, al is het maar voor een paar uur, minuten of seconden.
Goldsworthy zelf voert het verhaal, langzaam maar bedachtzaam sprekend over de thema's van zijn werk. Hij maakt duidelijk dat hij met de natuur wil werken, dat hij er alleen in wil zijn en dat hij er meer van wil begrijpen door te proberen met natuurlijke materialen te werken, ook al lijken die tegen hem te werken. Soms is hij nuchter en humoristisch; andere keren worstelt hij met de woorden om zijn doel uit te drukken, wat heel begrijpelijk is als je zijn verbazingwekkende werk uit de eerste hand ziet. De titel 'Rivers and Tides' wordt steeds toepasselijker naarmate we zien hoe de natuurlijke materialen door de handen van de kunstenaar gaan en van de ene vorm naar de andere vloeien. Het vastleggen van de schepping en ontbinding van Goldworthy's werk is op zichzelf al een opvallend kunstwerk. Hoewel Goldsworthy met veel verschillende materialen werkt en heel Noord-Amerika en Europa beslaat, is de presentatie van de kunstwerken een voor een in deze film uitputtend; het gaf me hetzelfde gevoel van vermoeidheid dat ik krijg als ik te lang in een kunstgalerie ben en moeite heb om iets nieuws in me op te nemen. Een korte pauze waarin we worden voorgesteld aan Andy's familie en woonplaats is het enige wat de lange opeenvolging van zijn kunstwerken doorbreekt. Niettemin is Reidelsheimer een meester in het fotograferen van Goldsworthy en zijn creaties, en hij weet ze te plaatsen in hun grotere omgeving, van kronkelende Canadese rivieren tot regenachtige Schotse heuvels. Het is passend dat de film eindigt met Goldsworthy die handenvol aarde en sneeuw de lucht in gooit. Vluchtige patronen komen te voorschijn uit de stofdeeltjes op het moment dat ze in de lucht oplossen; dit is de zuiverste uitdrukking van de schoonheid die in het werk van deze opmerkelijke kunstenaar te vinden is.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Een zeer boeiende documentaire over de Schotse kunstenaar Andy Goldsworthy, wiens werk voornamelijk bestaat uit vluchtige sculpturen, gemaakt van elementen uit de natuur. Zijn werk bestaat uit stenen, bladeren, gras, ijs enz., die worden weggeblazen als het vloed wordt op het strand of de wind over het veld blaast. De meeste werken van Goldsworthy zijn dus niet echt blijvend, behalve als foto's of films van wat ze waren. Je kunt nu wel zeggen dat de werken van Goldsworthy een weerspiegeling zijn van de sterfelijkheid, of woorden van gelijke strekking, maar is het niet gemakkelijker om te zeggen dat wat hij doet gewoon mooie kunst is? En in een tijd waarin het stereotiepe beeld van kunstenaars is dat ze voornamelijk verbitterde, pretentieuze, vaak geestelijk instabiele mensen zijn die in vervallen steden wonen, lijkt Goldsworthy het tegenovergestelde te zijn: een evenwichtige, pretentieloze, familiegeoriënteerde man die van de natuur houdt en in een klein dorpje in Schotland woont (natuurlijk zijn dat dezelfde redenen waarom hij wordt gemeden door sommige mensen in de kunstwereld die zijn werk oppervlakkig of oppervlakkig vinden).

targets: Deze recensie is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze film is verbluffend mooi. De kunst van Goldsworthy past goed bij het medium film, omdat je de kunst op haar mooist kunt zien, bewegend en veranderend en tot bloei komend. Ik kan deze film iedereen van harte aanbevelen. Ik kan niets anders bedenken om erover te zeggen. Het is precies het soort film dat je moet zien, omdat hij zo visueel aantrekkelijk is en me heel verfrist heeft achtergelaten toen ik het theater verliet.

targets: De beoordeling hier is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit is een van de mooiste portretten van een persoon die ik ooit op het witte doek heb gezien. Andy Goldsworthy is een man die op sterven na dood is. Hij beziet de aarde en de natuur met zo'n bewondering en respect dat ze in zekere zin primitief zijn. Zijn zuiverheid, eerlijkheid en vriendelijkheid komen duidelijk naar voren als je hem aan het werk ziet, zo simplistisch maar toch vol met tijdelijke kunstwerken. Het verbaasde me hoe geduldig hij zijn stukken creëerde en hoe geduldig hij hun einde accepteerde. Soms te vroeg, maar zijn Schotse gevoel voor humor verbergt zijn teleurstellingen op een briljante manier. De film is elegant geschoten en bevat dezelfde stroom als Goldsworthy's kunst. Het combineert de natuur en de kunst op een minimale manier, zoals het op zichzelf is. De score van Fred Frith is organisch genoeg om alles met elkaar te laten versmelten zonder de naturalistische klank te verstoren. Dit is in alle opzichten een groot stuk werk. Het heeft geen grenzen wat leeftijd betreft.

targets: Het antwoord is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

In 2001 zag ik de eerste vertoning van deze adembenemende documentaire, die zo'n diepe indruk op me maakte dat ik een paar vrienden heb gevraagd om hem samen met mij te bekijken. Waar het op neerkomt: geen van mijn vrienden is teleurgesteld (nooit!). Deze schitterende film gaat over de Schotse conceptkunstenaar Andy Goldsworthy, die een aantal prachtige kunstwerken maakt met gebruikmaking van natuurlijke materialen (hout, water, bloemen, stenen, et cetera) om stukken te creëren die uiteindelijk terugkeren naar hun natuurlijke vorm (een statement in de tijdelijke staat van alles?). We zien hoe Goldsworthy verschillende tijdelijke kunstwerken maakt, en ook enkele van zijn langetermijninstallaties in grote galeries over de hele wereld, en ook een paar werken in de natuurlijke wereld. De Duitse filmproducent Thomas Riedelsheimer regisseert & regisseert deze meditatie over het creatieve proces die een ware traktatie is voor zowel het oog als het oor (met een soundtrack, gecomponeerd en gearrangeerd door Fred Frith, wiens muziek over het algemeen prikkelende experimentele/gestructureerde gitaarmuziek is, en een capabel ensemble van musici). Hoewel deze film al een paar jaar op dvd verkrijgbaar is, moet je hem beslist gaan bekijken als je een film kunt vinden die een heropleving van deze mooie film belicht (het is zonder meer een film die voor het grote scherm is gemaakt, met een uitstekend geluidssysteem om deze film echt op de juiste manier te ervaren). Geen MPAA-rating, maar er zit niets beledigends in (tenzij de geboorte van een schaap op het scherm is voorbestemd om te beledigen of te verstoren).


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film is waarschijnlijk voor u bestemd. De film had een algemeen meditatief karakter, van de muziek tot de prachtige fotografie en het luisteren naar de vaak clichématige dingen over het leven die Andy Goldsworthy zei terwijl hij aan het werk was of tussen de bedrijven door. Als u bekend bent met het boeddhisme <0xE2><0x80><0x93> dat is het soort gevoel dat ik uit deze film heb gehaald. De vergankelijkheid van het leven, de schoonheid van de natuur, de onderlinge verbondenheid van alle dingen enzovoort. Maar wat ik niet begreep, verwarde en uiteindelijk dwong om weg te gaan zonder af te maken (ik heb meer dan een uur naar de film gekeken) was de overbodigheid van de hele zaak. Je komt alleen maar stukjes en beetjes te weten waarom hij...' Hij vertelt dat hij in dienst is genomen, en dat hij het zich zelfs kan veroorloven om van dit soort werk te leven. Het kunstwerk komt tot leven, maar al zijn gepraat zonder conclusies leidt tot een dood spoor.

targets: Gegeven de recensie, mijn antwoord is positief.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Op dit moment kijk ik deze film voor de tweede keer (op de televisie) en voor de tweede keer viel ik erin toen hij al een uur aan de gang was (ik geloof dat ik deze keer 2 minuten langer heb gekeken). Deze film is echt indrukwekkend, zoals Goldsworthy naar de natuur kijkt, de natuur verandert op een manier waar je zelf nooit aan zou denken, echt verbazingwekkend. Deze hele film geeft je een warm gevoel als je hem zo liefdevol met de wereld om hem heen ziet spelen. Of als je zijn handen ziet, die onder het vuil en de gebroken nagels zitten, raakt het je gewoon.

targets: De recensie is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Een nieuwe manier om van Goldsworthy's werk te genieten: Rivers and Tides laat fans zijn werk in beweging zien. Als je ziet hoe Goldsworthy zijn stukken bouwt, krijg je waardering voor elke steen, elk blad en elke doorn die hij gebruikt. Goldsworthy beschrijft hoe de stroom van het leven, de rivieren en de getijden zijn werk inspireren en beïnvloeden. Hoewel ik blij was dat de film het grootste deel van Goldsworthy's stukken besloeg (geen sneeuwballen), vond ik hem wel een beetje lang. De filmmakers hebben het werk van Goldsworthy prachtig tot leven gebracht en een prachtige film gemaakt die een genot was om naar te kijken.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ga naar deze film om de schitterende beelden van Andy Goldsworthy te zien, en trakteer jezelf op een uiterst boeiende en ontspannende ervaring. De muziek past perfect bij de beelden, maar trekt nooit de aandacht naar zich toe. Sommige commentatoren noemden de fragmenten uit het interview met de kunstenaar een zwakke plek, maar bekijk het eens zo: waarom zou je hierover in een film uitweiden als je Andy's overpeinzingen uitgebreid kunt lezen in zijn boeken, of een van zijn uitstekende lezingen kunt bijwonen? Dit medium is veel geschikter om de vluchtige aard van het werk van de kunstenaar te laten zien, en wordt in dit opzicht deskundig gebruikt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Deze film is fascinerend door zijn schoonheid en creativiteit. De diepzinnige visie van een kunstenaar, zijn kunst die intuïtief voortkomt uit zijn natuurlijke bron, geeft ons een inspirerende Hosanna, die zijn scheppingen vermengt met bomen, wit water dat tegen rotsen klatert, velden en regen... Andy Goldsworthy laat de kijker genieten van het leven, van het besef dat we allemaal gemaakt zijn van de klei van deze glorieuze aarde. Hij bespaart ons zijn frustraties niet, maar over het algemeen zien we het wonder van het samengaan van kunst en natuur. De eer gaat natuurlijk ook naar de filmmaker Thomas Riedelsheimer, die de film met ongelooflijke gevoeligheid en perfecte timing regisseerde, fotografeerde en regisseerde.<br />Als je gevoel hebt voor schoonheid, natuur en kunst... mis deze fantastische film dan niet!


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Omdat ik zelf geen dichter ben, kan ik de schoonheid en de eenvoud van deze documentaire niet echt overbrengen. De moeiteloze beweging van Goldsworthy terwijl hij de schoonheid van de natuur in zijn eigen werk kneedt, is fascinerend. Kijk hoe hij in een close-up een paar minuten rietstengels in een web van een boom hangt terwijl hij over zijn werk praat, en hoe hij de beloning in de wacht sleept als de camera inzoomt. Verbaas je over het gemak waarmee hij te werk gaat en besef hoe zinloos het is als een briesje het hele web omver blaast.

Het genie van Goldsworthy kent blijkbaar geen grenzen, want zijn inspiratie is de natuur zelf. Het is in de wezenlijke verandering van de natuur dat zijn werk, hoewel volledig op zijn eigen terrein, tot een geheel wordt gemaakt.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Als iemand die een bestaan nastreefde als een 'professioneel' persoon met een inkomen dat werd gesteund door een BS in scheikunde en een MS in bedrijfskunde, werd mijn geestelijke gezondheid altijd op de een of andere manier in stand gehouden door buitensporige uitspattingen in artistiekere zaken. Mijn postdoctorale opleidingen werden altijd emotioneel en spiritueel gesteund door een belangstelling voor fotografie, glas-in-lood, keramiek, metaalbewerking en kunsttekenen, waar ook zijdebehang bij hoorde.

Ik blijf ook gezond door te joggen, te wandelen en de laatste tijd door te trekken naar afgelegen plaatsen in Californië en nabijgelegen staten als Utah, Arizona en Nevada. Door te joggen, te wandelen en te wandelen kom je dicht bij de aarde met de tijd om te stoppen, te kijken en te luisteren en ook om geluiden te fotograferen of op te nemen.
Binnen die achtergrond was ik geobsedeerd door RIVERS AND TIDES. Ik was evenzeer onder de indruk van de documentaire inhoud van de kunstenaar Andy Goldsworthy als van de vaardigheden en de soepelheid van directeur/cineast Thomas Riedelsheimer. Ik kon de kunst van Goldsworthy niet scheiden van het camerawerk van Riedelsheimer.
Geweldig. Geweldig. Geweldig.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik ben vandaag weer naar Rivers and Tides geweest. Het is de tweede keer in twee dagen en ja, ik zie films waar ik van hou zo vaak als nodig is. Gisteren werd ik getroffen door de briljante beelden en de werken van Goldsworthy. Toen ik vanmorgen de munten gooide, kreeg ik The Abysmal (Water). Goldsworthy heeft een affiniteit met water, vandaar de titel. Ik kreeg de vijfde regel die veranderde in _The Army_. Voor Blake Art was het een oorlog. Hoe dan ook, ik wist dat ik de film nog een keer moest zien.
Ik las een van de weinige recensies die op internet te vinden waren van de _SF Examiner_. Zijn commentaar belemmerde zijn plezier in de film. Hij had liever alleen de beelden en de prachtige soundtrack. Daar was ik me van bewust toen ik voor de tweede keer keek.
Gisteren dacht ik dat ik op Andy Goldsworthy zou stemmen als koning van de wereld. Nou, vandaag kon ik een beetje voorbij de beelden gaan en luisteren naar wat hij te zeggen had. Kon ik van de film genieten zonder zijn commentaar? Wat hij doet, wat hij zegt, gaat veel verder dan 'kunst'. Zijn begrip van Water, Tijd, Steen, Verandering, enzovoort, deed me denken dat de man de reïncarnatie is van Lao Tsu of een of andere avatar. Sommige van zijn werk/woorden lijken op Zen.
<0x3E> Hoe dan ook, de film wordt (kennelijk) alleen hier in de Bay Area vertoond. Wees een Trendsetter. Ga naar de plaatselijke bioscoop en zeg dat ze een film moeten reserveren waarover je in het achterland hebt gehoord. Hij heet Rivers and Tides.
<0x3E>
<0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E> <0x3E>


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Oké <0xE2><0x80><0x93> wat de 2 versies van deze film betreft. Er waren 2 mensen bij het maken van de film betrokken <0xE2><0x80><0x93> John Korty en Bill Couterie (George was alleen maar de producer <0xE2><0x80><0x93> hij had eigenlijk niets in te brengen in de film <0xE2><0x80><0x93> hij hielp alleen maar met geld) <0xE2><0x80><0x93> de 'volwassen' versie werd door Bill Couterie mogelijk gemaakt. John Korty vond deze versie niet leuk en keurde hem ook niet goed (zoals het achter zijn rug om werd gedaan). Omdat er zoveel Ladd-films failliet gingen, adverteerden ze niet met deze film en gooiden ze al hun reclamegeld in de strijd voor 'The Right Stuff', in de hoop dat die hen erdoorheen zou slepen; en dat gebeurde niet. Dus deze film heeft nooit echt een kans gehad. Ze hebben het op de kabel gebracht (HBO) <0xE2><0x80><0x93> ze lieten de spoelen met Bills versie zien en John dreigde een proces aan te spannen als die nog eens werd vertoond (is het je opgevallen dat de 'volwassen' versie niet erg lang te zien was?). Showtime kreeg de'schone' versie. De versie op de videoband en de laserdisk is de versie die door John is goedgekeurd (die meer macht heeft dan Bill). Het is eigenlijk jammer, want de 'volwassen' versie is eigenlijk beter en DOET meer ter zake. Maar het is HELEMAAL NIET BELANGRIJK of hij ooit in die versie op dvd zal worden uitgebracht (of op een ander format, afgezien van bootleg). Het spijt me dat ik iedereen moet teleurstellen. Ik ken al die informatie omdat ik vroeger voorzitter was van de Twice Upon A Time Fan Club (ik heb nog steeds een heleboel dingen uit de film - ik had een gebundelde versie van de 'volwassen' versie, maar die is gestolen - ik heb er nu nog maar een gedeeltelijke hbo-versie van). 8 sterren voor de 'volwassen' versie - 5 voor de'schone' versie. Nog meer vragen, vraag maar.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ralph en Mumford, mislukkelingen in hun eigen land, worden zonder het te weten pionnen van Synanomess Bot. Tweemaal een Tijd is het verhaal van hen, de personages die ze ontmoeten en hun strijd om de dingen recht te zetten. Met een verrassend indrukwekkende soundtrack en een prachtige stem van een van de beste acteurs in het vak, slaat deze ongewone film de spijker op zijn kop.<br />Het animatieproces, dat lijkt op dat van 'South Park', is veel gladder en veel meer driedimensionaal. Als ik niet wist dat de animatie deze stijl was, zou ik zweren dat het traditionele pen en inkt was. Maar als je dat doet, zul je veel meer uit de ervaring halen!


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Een van de meest onaangekondigde grote animatiewerken. Hoewel het de meest geraffineerde gebruikmaakt van de 'cut-out'-methode van animatie (zoals in 'South Park'), is het echte talent achter 'Twice Upon a Time' de zangstem, met die van Lorenzo Music (Carlton uit 'Rhoda' in 'Tv') en de Woody Allen-achtige Ralph-de-alles-wildoener-van-de-film in het middelpunt. De 'toevals-nachtmerrie'-sequentie is ongetwijfeld een van de beste animatiestukken die ooit zijn gemaakt.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is het soort film dat John Lassiter nu zou maken, als er geen vooruitgang was geboekt met CGI. En daarmee wil ik alleen maar zeggen dat hij ook vergeten zou zijn als de technologie sinds 1983 de dingen niet sexy en opwindend had gemaakt. _Tweemaal..._ heeft dezelfde geestigheid, verbeeldingskracht en opwinding als een Pixar-film, maar dan uitgevoerd onder de beperkingen van het medium c. 1983. Innovatieve animatietechnieken, gecombineerd met een geweldig scenario en een uitstekende tekst, zorgen voor een film die op allerlei niveaus aantrekkelijk is. Hij zou in één adem genoemd moeten worden met _Spirited Away_ en _Toy Story_.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Je zult het waarschijnlijk nooit zien, maar de ongekuiste versie is ongeveer 50% beter dan de versie die je kunt kopen. Laat ik het anders zeggen: als je het eenmaal in zijn oorspronkelijke vorm hebt gezien, is de huidige versie nog maar half zo goed.
Het is nog steeds waanzinnig creatief en ziekelijk, een totaal succes op zoveel niveaus.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Een weelderige fantasiewereld met eigenzinnige karakters en irritante muziek uit de jaren tachtig. Dit is de belichaming van het verlangen van de jaren tachtig om sprookjes te herschrijven en de draak te steken met de manier waarop ze werken. Persoonlijk hield ik van Greensleeves en de andere harde karakters. Die hadden een paar van de grappigste zinnen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ondanks de steun van George Lucas is deze fascinerende en volkomen originele fantasie in 'Lumage' (een combinatie van animatie en live action) ongeveer net zo ver verwijderd van het gebruikelijke kindervoer als alles wat Ralph Bakshi in zijn hoogtijdagen heeft gemaakt. Briljant bedachte personages als de vormveranderende hond Ralph (een van een duo van stuntelende, afgewezen helden), Synonass Botch (de hilarisch grofgebekte schurk) en Rod Rescueman (de pompeuze nieuwe superheld) blazen leven in een uniek slim concept: Frivoli versus Murkwood of de eeuwige strijd tussen dromen en nachtmerries. In deze context zouden de door MOR ingegeven liedjes op de soundtrack niet moeten werken, maar op de een of andere manier doen ze dat wel. Het is daarom echt jammer dat ik dit heb moeten bekijken via een werkelijk waardeloos uitziende laars (afkomstig van een tv-screening) van de ongecensureerde versie, want er is ook een mildere variant die de taal van de dvd-uitgave wat heeft gedempt, aangezien de film verder niet beschikbaar is op dvd. Interessant genoeg hebben zowel Henry Selick als David Fincher aan deze film meegewerkt in ondergeschikte rollen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

In de jaren vijftig van de twintigste eeuw speelde Claire Denis' Chocolat in de Kameroen in West-Afrika. Het gedicht is prachtig gefotografeerd en heeft een ontroerende toon, en beschrijft het effect van een uitstervend kolonialisme op een jong gezin tijdens de laatste jaren van de Franse overheersing. Het thema lijkt op dat van de recente film _Nowhere in Africa_, hoewel de films qua omvang en nadruk enorm verschillen. De film wordt verteld vanuit het perspectief van een volwassene die terugkeert naar het huis waar ze is opgegroeid, in een vreemd land. De kern van de film draait echter om de moeder van Frankrijk, Aimée (Giulia Boschi) en haar liefdes- en haatrelatie met Protée, die bruist van de onuitgesproken seksuele spanning.
Het huishouden is verdeeld in openbare en privéruimten. De kamers van de blanke gezinnen zijn privé en verboden voor iedereen behalve Protée, die in het huis werkt, terwijl de bedienden gedwongen zijn buiten te eten en te douchen, zodat hun naakte, bronzen lichamen worden blootgesteld aan de blikken van de blanke familie. Als haar man Marc (Fran<0xC3><0xA7>ois Cluzet) op zakenreis gaat, wordt duidelijk dat Aimée en Protée zich seksueel tot elkaar aangetrokken voelen, maar dat de regels van de samenleving dat niet openlijk erkennen. In één veelzeggende reeks nodigt ze hem uit in haar slaapkamer om haar te helpen haar jurk aan te trekken, en de twee staren elkaar in de spiegel aan met een uitdagend verlangen in hun ogen, wetend dat elke vorm van interactie taboe is.
De jonge France (Cecile Ducasse) heeft ook een band met de bediende, die ze van haar bord laat eten terwijl hij haar laat zien hoe je mieren fijnmaakt en haar tijdens wandelingen onder de nachtelijke hemel op zijn schouders draagt. Ondanks hun band is de ware aard van hun meester-bediende-relatie duidelijk wanneer Frankrijk Protégé beveelt zijn gesprek met een onderwijzeres te onderbreken en haar onmiddellijk mee naar huis te nemen, en wanneer Protégé naast haar aan de eettafel staat te wachten op haar volgende bevel. Wanneer een vliegtuig zijn propeller verliest en gedwongen is in de nabijgelegen bergen te landen, moeten bemanning en passagiers het terrein op gaan tot er een vervangend onderdeel kan worden gevonden. Elke bezoeker toont zijn minachting voor de Afrikanen, en een van hen, een rijke eigenaar van een koffieplantage, brengt zijn zwarte minnares, die zich in zijn kamer verbergt, restjes eten uit de keuken. Een andere, Luc (Jean-Claude Adelin), een arrogante blanke Fransman, verstoort het raciale evenwicht als hij buiten onder de douche staat, eet met de bedienden en treitert Aimée omdat ze zich aangetrokken voelt tot Protégé en dat leidt tot een laatste emotionele confrontatie met de bediende.
Chocolat is een beetje autobiografisch, gebaseerd op de jeugdherinneringen van de regisseur, en het verhaal wordt langzaam afgedraaid en is net zo mysterieus als het broeierige isolement van het land waarop het is gefilmd. Denis legt uit wat de gevolgen van het kolonialisme zijn zonder de personages te romantiseren of ze te prediken. Er zijn geen slachtoffers of onderdrukkers, geen simplistische goeden. Protégé is een bediende, maar hij is ook een beschermer, zoals wanneer hij de wacht houdt bij het bed waar Aimée en haar dochter slapen, om hen te beschermen tegen een razende hyena. Het is een triest feit dat Protégé wordt behandeld als een jongen en niet als een man, maar Bankolé geeft zijn karakter zo'n waardigheid en status dat het de pijn verzacht. Vanwege het tempo moeten westerse toeschouwers misschien hard werken om de film volledig te kunnen waarderen, en Denis doet dat niet, zoals Roger Ebert het uitdrukt, 'onze emoties te coachen'. De waarheid van Chocolat ligt in de gebaren en blikken die het stille verlangen van ons hart raken.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Mijn Franse lessen van de derde klas waren altijd heel leuk. Op een multiculturele middelbare school in de binnenstad leverde de film veel onderwerpen op om over te discussiëren (in het Frans tijdens de les, maar ik weet dat veel discussies na de les in het Engels plaatsvonden). Het meest voor de hand liggend is de relatie tussen Protée en Aimée, vergeleken met die tussen Protée en Frankrijk.
Ik zei altijd dat ik deze film een van de'sexyste' scènes vond die ik ooit in een film had gezien. Op een keer riep een 17-jarige Afro-Amerikaan: 'Ja!' toen hij de scène doorhad: de scène waarin Protée Aimée helpt haar avondjurk dicht te rijgen, terwijl ze allebei de reflectie van de ander in de spiegel bestuderen. Als je je wilt concentreren op het innerlijke conflict van een of meer personages in een scène, is dit een perfect voorbeeld van de techniek, en het is'sexy'.
De meeste studenten hadden moeite het einde van de film te begrijpen. Een van hen opperde dat een van de thema's van de film 'Afrikanisme' was, en dat je, hoezeer je ook van Afrika of Afrikanen hield, niet 'Afrikaans' kon worden (zoals de chauffeur probeerde): je moest 'Afrikaans' zijn.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Helaas heeft deze film, vanwege de neiging van Amerikaanse kijkers om ondertitels te mijden, niet de distributie noch de aandacht gekregen die hij verdient. De subtiele thema's van thuishoren, identiteit, rassenverhoudingen en vooral hoe het kolonialisme alle partijen schaadt, overstijgen de voor de hand liggende dramatische spanningen, de nostalgische herinneringen aan de jeugd van de protaganiste, en het exotisch van haar relatie met de 'huisjongen' van haar ouders, misschien de enige 'echte' mens die ze kent. We zullen niet eens kijken naar de relatie van haar moeder met deze elegante man. Zo! Ik hoop dat ik je voldoende aanknopingspunten heb gegeven om het in je op te nemen, of je nu Frans spreekt of van ondertitels houdt. Ik daag je uit om net zo dapper, sterk en bewust te zijn als La P'tite.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit is een verbazingwekkende film om naar te kijken of aan jonge mensen te laten zien. Afgezien van een heel korte naaktscène geeft hij een interessante blik op de koloniale overheersing in Afrika, die je in andere films zelden aantreft. Hij vertoont wel een oppervlakkige overeenkomst met BUITEN AMERIKA, maar dan zonder al die romantische flauwekul. De Blanke Fransen in Kameroen zijn fascinerend omdat ze de inboorlingen niet eens als mensen schijnen te beschouwen. De Witten zijn allemaal de bazen en ze verwachten slavernij van de Zwarten zonder vragen te stellen. Maar in tegenstelling tot echte dienaren hoor je een van de Witten maar één keer 'dank u wel' zeggen en die mensen wordt verder geen enkele achting betoond. Telkens en telkens weer.' Het is alsof ze huisdieren of slaven zijn, alsof de gevoelens van de mensen geen rol spelen.
De belangrijkste illustratie van deze onnadenkendheid is de relatie tussen de moeder, Aimée, en haar bediende, Protée. Hoewel ze af en toe veel tijd met elkaar doorbrengen en het niet meer dan normaal is dat ze seksuele gevoelens voor elkaar krijgen, denkt de White-vrouw nooit aan Protée of aan het bestaan van zijn gevoelens. Een goed voorbeeld van deze onnadenkendheid is wanneer ze Protée haar jurk laat dichtrijgen, en het is duidelijk dat dit hem seksueel frustreert. Afgezien van deze relatie, terwijl bijna alle Witten zich totaal niet bewust zijn van het feit dat Afrikanen mensen zijn, gaan enkelen zo ver dat ze de Afrikanen verbaal uitschelden en als oud vuil behandelen.
Ook interessant is de relatie tussen Protégé en het kleine meisje (dat aan het begin en aan het eind van de film volwassen is). Hoewel ze heel close zijn, is hij soms meer een speeltje of huisdier en het meisje speelt nooit met inlandse kinderen.
<0x3E> Er is een bizarre Witte figuur die soms meer oog lijkt te hebben voor de zwarten, maar helaas is zijn personage erg inconsistent en verwarrend. Ik kan er alleen maar naar raden wat zijn motivatie was <0xE2><0x80><0x93> misschien was hij gewoon een klootzak, of hij was gek, of misschien was hij een communistische agitator die de zwarten tegen de witten probeerde op te zetten (wie weet!). Afgezien van een paar goede scènes lijkt dit personage eigenlijk behoorlijk verknipt.
Hoewel ik echt genoot van het inzicht dat deze film gaf, wou ik dat het meer was geweest dan een paar fragmenten van deze wereld vanuit het perspectief van een kind in een korte periode van haar leven. De context en wat er gebeurde om het land van het kolonialisme te verlossen worden nooit behandeld, en de film liet me naar meer verlangen. De film leek te beginnen in het begin van de jaren tachtig (omdat ze een koptelefoon op heeft in de stijl van een walkman) en toen de film terugging in de tijd, leek hij rond 1960 te spelen (min of meer), maar er werd nooit gerept over het geweld of de onafhankelijkheid van het land in het begin van de jaren vijftig van de twintigste eeuw. Ik vermoed dat een deel van die verwarring te wijten is aan het feit dat de makers van de film een fout hebben gemaakt en eerder hadden moeten beginnen met de film (zoals in de jaren zeventig) en dat de dame terug moest denken aan haar leven daar in het begin van de jaren vijftig <0xE2><0x80><0x93> voordat het land te maken kreeg met politieke veranderingen.
Afgezien van de ontbrekende context en de verwarring over de tijdsperioden, was het een goed idee om de proloog en epiloog te gebruiken waarin ze als volwassene door het land reist. En ik waardeerde ook het einde, want het was een aangename verrassing als je meer te weten komt over de aardige man die haar een lift aanbiedt. Er is geen andere oplossing of boodschap dan te laten zien dat kolonialisme onnadenkend en wreed is.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Als ik over deze film nadenk, kan ik twee andere bedenken die me kunnen helpen hem in perspectief te plaatsen. Een relatief vergeten film, maar die dezelfde geografie behelst, is _Coup de Torchon_, de andere, duizenden kilometers ver weg en veel groter van omvang, is het onvergetelijke _Indochine_. Claire Denis heeft een film geproduceerd die enkele van de grote fundamenten van _Indochine_ heeft, de complexe en onuitgesproken relatie tussen Frankrijk en zijn koloniale onderdanen.
Ik werd getroffen door de waardigheid van Potee, door zijn strijd om zijn waardigheid te behouden te midden van zijn gelijken en zijn blanke bazen. Ik werd ook getroffen door de liefde-haatrelatie tussen hem en Aimee. Het is dat laatste dat de film zijn stuwende kracht geeft, het is dat laatste dat deze film met Indochine verbindt.
Je weet nooit zeker wat iedereen motiveert, hoewel sommige personages een herinnering aan het kolonialisme nodig hebben. Het is deze cynische kant van het verhaal die het verbindt met Coup de Torchon. Hun verhaal is schandaliger, misschien op een ontaarde manier zelfs interessanter, maar Denis geeft ons een herinnering aan hoe het was met al die spanning en onopgeloste relaties. De Amerikaanse neger die aan het begin en aan het eind van de film de volwassen Frankrijk een lift geeft, biedt nog een interessante kant aan de verwarring die we in de westerse wereld hebben als we naar Afrika kijken. Hij zegt dat hij iedereen die hij tegenkwam 'broer' wilde noemen. Hij kwam naar huis, maar ze vonden hem gewoon een beetje gek. Frankrijk, het personage en het meisje, is opgegroeid in Kameroen, maar geen van beiden begrijpt wat het is, ook al kunnen ze zich herinneren hoe het was.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik was dol op deze film omdat hij zo perfect weergaf hoe ik me voorstelde dat het leven in Frans-koloniaal Afrika in de jaren vijftig moest zijn geweest ('mijn' generatie in elk geval). Maar ik werd echt in vervoering gebracht door het rustige ijsberen en het glorieuze einde. In de laatste 5 minuten van deze film moet je je concentreren op wat er gebeurt. Ik ben nog nooit zo onder de indruk geweest van de'verpakking' van een film. Ik weet nog dat ik 'wauw!' riep toen ik besefte dat hij uit was. Aan de andere kant vielen mijn twee dochters op de bank in slaap!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik denk dat deze film leuker zou zijn als iedereen hem zag als een beeld van koloniaal Afrika in de jaren 50 en 60 in plaats van als een verhaal. Want er is hier geen echt verhaal. Alleen maar een plaatje boven op een ander, als kleine lichtpuntjes die niet veel betekenen tot je genoeg hebt om een beeld te schilderen. De eerste keer dat ik Chocolat zag, begreep ik hem niet echt, tot ik er een paar dagen over had nagedacht. Toen besefte ik dat er een heleboel dingen waren die je 'begreep', waaronder het einde van het kolonialisme dat net om de hoek lag, alleen geen plot. Hoe dan ook, het is een van mijn favoriete films aller tijden. De scène op het vliegveld met de korte douche en de prachtige muziek was pure poëzie. Als je van 'opwindende' films houdt, moet je hier niet naar kijken <0xE2><0x80><0x93> je zult je tot tranen toe vervelen. Maar voor sommigen van jullie... Later kun je me dankbaar zijn dat ik het je heb aanbevolen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Het verhaal gaat over een klein meisje dat opgroeit in koloniaal Afrika, maar het is zoveel meer dan dat.
Iedereen die opgroeit in het Zuiden zou dezelfde dingen meemaken. Een verlangen naar een ander, iemand van een ander ras, dat niet geconsumeerd kan worden. Zelfs een blik is verboden. Er zijn geen woorden nodig. Hun gezichtsuitdrukking zegt alles.
Het is het verhaal van een zwarte bediende, Protégé (Isaach De Bankolé) en een blanke vrouw, Aimée (Giulia Boschi). Hun verlangen naar elkaar is zo sterk dat ze elkaar martelen omdat ze elkaar niet kunnen krijgen.
Het kleine meisje, France (Cécile Ducasse) is eenzaam en brengt al haar tijd door met Protégé. Ze kan deze dans echt niet zien. Een van de ergerlijke aspecten van de film is de luiheid van de kolonialen. Ze kunnen zich niet eens zelf uitkleden om naar bed te gaan. De wereld staat op het punt te vergaan; ze weten het alleen nog niet. Hun racistische houding zal door hun aanwezigheid worden uitgewist.
Ik denk dat ik dit Afrika wel eens zou willen bezoeken. Het lijkt er zo stil; vooral's nachts, als je alleen de dieren hoort.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik wist absoluut niets over Chocolat voordat ik hem had gezien. Ik wist niets over het verhaal, de cast, de regisseur of de geschiedenis van de film. Het enige wat ik wist was dat het een Franse film was die hoog aangeschreven stond. Als ik meer had geweten, had ik de film waarschijnlijk niet onbevooroordeeld bekeken. Op papier klinkt het uitgangspunt me niet interessant in de oren. Als ik van tevoren had geweten waar Chocolat over ging, zou mijn belangstelling tijdens het kijken beperkt zijn geweest. Maar het feit dat ik niets over het verhaal wist, hielp me om ervan te genieten. Ik had geen idee waar het verhaal heen zou gaan, wat de personages zouden doen en wat het eindresultaat zou zijn. Het was in elk geval geen voorspelbare film. Het had inderdaad zo kunnen zijn als het verhaal in flashbacks wordt verteld. Het vertellen van een verhaal in flashbacks is vaak een riskante zet van de filmmakers. Aangezien het hoofdpersonage in het heden wordt gezien, weet het publiek dat ze zal blijven leven. Door gebruik te maken van de flashbacktechniek kan regisseur Claire Denis ervoor zorgen dat het jonge meisje de volwassenheid bereikt zonder ernstige lichamelijke schade op te lopen, waardoor de kijker het gevoel krijgt dat Chocolat meer over emoties gaat dan over wat er aan de buitenkant te zien is. Een minder goede filmmaker zou Frankrijk een afgetobd gezicht geven, een gezicht dat schreeuwt om een verwarde en ongewone jeugd. In plaats daarvan presenteert Denis Frankrijk als een mooi meisje, iemand die er aan de buitenkant prima uitziet. Het verhaal van Chocolat gaat meer over de moeder van Frankrijk, omdat zij veel meer filmtijd krijgt, hoewel ik geloof dat het uiteindelijk om Frankrijk gaat. Voor mij gaat het in Chocolat erom hoe de handelingen van een moeder invloed hebben op haar dochter. Het gaat erom hoe het gedrag van ouders bij hun kroost blijft. Frankrijk wordt niet geruïneerd door de handelingen van haar moeder in het verhaal, maar de handelingen van haar moeder hebben duidelijk indruk gemaakt op Frankrijk. Als Frankrijk helemaal niet was beïnvloed door de handelingen van haar moeder, zou het flashback-aspect irrelevant zijn.<br />Voor een film die twee tijdperken behandelt, het verleden en het heden, was Chocolat heel goed getimed, er was geen scène met overtollig vet. Geen van de scènes voelde nodeloos of uit de toon vallen. De film had een mooi ritme, de montage was scherp en liet alleen wat nodig was om het verhaal te vertellen. Met een goed verteld verhaal, een goede montage en een goed geregisseerde regie is Chocolat een van de betere Franse films die ik ooit heb gezien. Hij was verantwoordelijk voor de start van de carrière van Claire Denis en met reden: het is een ongelooflijk regisseursdebuut.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze film toont het leven in het noordelijke deel van Kameroen vanuit het perspectief van een jong Frans meisje, France Dalens, wier vader ambtenaar is bij de koloniale (Franse) regering en wier familie een van de weinige blanke families is. De film geeft een indruk van hoe het leven was, zowel voor de kolonisten als voor de inlanders met wie ze omgingen. Het is een beeld dat overeenkomt met een andere film die ik in een soortgelijke periode over Afrika heb gezien (Nirgendwo in Afrika (2001), maar ik heb geen idee hoe realistisch of typerend het is. Het is niet alleen een indruk <0xE2><0x80><0x93> er gebeuren dingen in de film <0xE2><0x80><0x93> maar de plot is onderkoeld. De kijker moet zijn eigen conclusies trekken in plaats van zich de conclusies van de filmmakers op de hals te halen, hoewel de inleiding van het verhaal als een flashback van het bezoek van de vrouw aan het zuiden van Kameroen als volwassene enig perspectief biedt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Claire Denis' Chocolat is een mooie, maar frustrerende film. De film geeft een heel interessante kijk op het huishouden van een Europees koloniaal gezin dat in Kameroen woont, en geeft de kijker een informatief perspectief op het leven van veel personages en hun interactie. Maar de ontwikkeling van deze personages is vaak gekmakend ontoereikend. Een centraal thema in het verhaal is bijvoorbeeld het onvermogen van de jonge France om een sterke relatie met anderen op te bouwen. Hoewel deze weergave vlekkeloos wordt uitgevoerd, vooral door de manier waarop Denis het verhaal omlijst met scènes uit France's terugkeer naar het huis van haar jeugd, maakt het gebrek aan intimiteit van het meisje met de andere personages het voor de kijker moeilijk om veel belangstelling te hebben voor haar ontwikkeling (of het gebrek daaraan) als hoofdpersoon. De algemene stagnatie van de karakterontwikkeling van de film maakt het moeilijk om je te verdiepen in de losjes georganiseerde plot. De film wekt veel spanning op tussen de personages, vooral tussen Aimee en de mannen in haar leven, maar gaat nooit echt in op deze sociale wrijving, waardoor de kijker onbevredigd achterblijft. De laatste paar scènes zijn krachtig maar deprimerend. Denis' werk is zeker interessant vanuit een intellectueel en historisch standpunt, maar als je op zoek bent naar een film met avontuur of drama, is Chocolat beslist niet de beste keuze.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik weet niet waar de vorige recensent naar keek, maar ik denk dat recensenten dat zijn, persoonlijke smaak. In deze film ontbrak de diepte, een heel diepe film, vele lagen van emotie, aangrijpend. Onderstromingen van ingehouden liefde vanwege onderwerping aan maatschappelijke overtuigingen, taboes van tijd en klasse, rassenverhoudingen die niet in een erg goede staat van gelijkheid verkeerden, schuld, verlangen, haat, verwarring, heel duister emotioneel, dacht ik, onder de huid, je moet je onderwerpen aan de inhoud, een vloeiende film, niet langzaam zoals eerder gezegd, geef je over aan de stroom van de film, de emoties zullen zichzelf laten zien, personages onthullen hun gebreken, hun akelige innerlijk, uitstekend en eigenlijk heel wreed!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze film gaat over subtiliteit en de moeilijkheid om de steeds veranderende grenzen van mores, rassenverhoudingen en verlangens te overbruggen. Toegegeven, het is geen film voor iedereen. Er zijn geen autoachtervolgingen, geen exploderende gebouwen, geen moorden. Het drama ligt in de spanning die wordt gesuggereerd door blikken, minimale gebaren, ruimtelijke grenzen, belichting en dingen die <0xE2><0x80><0x93> soms heel opzichtig <0xE2><0x80><0x93> onuitgesproken blijven. Het gaat over identiteit, geheugen, gemeenschap, erbij horen. De verschillende delen van de film werken samen om de leitmotifs van het zelf en van het andere, identiteit, verlangen, grenzen en verlies te versterken. Het zal de aandachtige en gevoelige kijker belonen. Het zal degenen die een explosieve, massieve, kruidige actie nodig hebben, mishagen. Het is een prachtig gefilmd menselijk verhaal. Dat is alles.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Het debuut van Claire Denis is zowel moedig als zelfverzekerd. In deze weergave van het leven tegen het einde van het Franse koloniale Kameroen verkent ze de relaties tussen mannen en vrouwen, zwart en blank.
Met de zwarte bediende 'Protégé' als het voornaamste object van verlangen en onderdrukking, gaat de film vanaf het begin het taboegebied binnen. Denis bouwt een levensbeeld op door middel van een reeks karakterrelaties die de goed geïnformeerde kijker aan het scherm gekluisterd houden. De stemming van de film wordt perfect gevangen door het camerawerk en (gebrek aan) belichting.
Een geweldige verhandeling.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik heb deze film voor het eerst gezien tijdens de cursus International Film Studies. Ik ben een 'niet-traditionele' student en waardeerde, misschien om redenen die ik al jaren meeloop of uit wijsheid, het langzame, bespiegelende tempo van het verhaal van de film. Het verhaal, loom van de hitte en het stof van een droog klimaat, is diep psychologisch, doorspekt met gelaagde symboliek en een welbespraakte omkering van het thema van het 'andere' zijn in een land dat je niet begrijpt. Het begrip dat wel komt, is beladen met onopgeloste herinneringen en subjectiviteit van de buitenstaander. Het is bijna twintig jaar geleden gemaakt en het is ook een voorloper in een genre van talloze andere internationale films die de thema's van de kolonialen in gekoloniseerde gebieden onderzoeken, zonder enig idee te hebben van de nuances van de culturen waarin ze terecht zijn gekomen. Veel overdadiger gefilmde en zwaar gefinancierde werken die sindsdien zijn gemaakt, weerspiegelen dezelfde thema's: Indochine en Nowhere in Africa zijn twee films die bij Chocolat in vergelijking misschien bleek en saai lijken. Het heeft geen adrenalinepompende actie of extreem geweld. De strijd is mentaal, emotioneel en subtiel. Maar toch is het een mooie film, de moeite van het bekijken waard.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film kwam op mij over als een project met veel van de juiste ingrediënten, maar op de een of andere manier pasten ze niet helemaal bij elkaar. Ik weet niet wie hem heeft gemaakt, maar hij heeft iets Disney-achtigs. Terwijl sommige delen van de film onwaarschijnlijk zijn (zoals wanneer een tiener voor een openbare functie solliciteert) en de neiging hebben om te voorkomen dat het verhaal serieus wordt genomen, is er een gezonde dosis normaliteit (wat dat ook mag zijn) om de dingen in evenwicht en in perspectief te houden. Het acteerwerk is oké. Vreemd genoeg is de relatie tussen Frankie en haar grootmoeder overtuigend, maar de relatie tussen Hazel en Frankie is een beetje... vreemd. Het is interessant om te zien hoe hard ze haar best moet doen om een evenwicht te vinden tussen haar beste vriendin, haar grootmoeder, en haar twee passies: ballet en honkbal. Omdat ik zelf honkbal heb gespeeld, was het nogal pijnlijk om te zien hoe Frankie zich staande probeerde te houden in een team van jongens, maar het is goed om te zien hoe ze worstelt. Ik heb ergens gelezen dat ze niet echt een ballerina is, maar de montage van deze film heeft haar dansen niet alleen natuurlijk maar ook mooi laten lijken. Over het geheel genomen was het een goede film over eerlijkheid en ambitie, maar de hoofdrolspeelster Mischa Barton haalde niet het realistische niveau dat we zagen bij haar optredens in 'Lawn Dogs', 'Lost and Delirious'. en haar kleine maar schokkende optreden tegenover Haley Joel Osment in 'The 6th Sense'.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Een uitstekende familiefilm... geeft je veel om over na te denken... Er is absoluut niets mis met deze film. Alles is gewoon perfect. Het script is geweldig <0xE2><0x80><0x93> het is zo... echt... zulke dingen kunnen in ieders leven gebeuren. En vergeet het acteren niet <0xE2><0x80><0x93> het is gewoon te gek! Kijk maar naar Frankie en je weet waar ik aan dacht... Deze film is echt, kan niet misgaan!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Dit is een geweldige film om samen met je vriendin te zien. Mijn vriendin en ik zijn allebei dol op dansen en zijn deze film in de videotheek tegengekomen. We moesten hem hebben. Zonder geweld en met zo'n hartverwarmend verhaal is het een geweldige film om je in te ontspannen en gewoon van je avond te genieten. Ik zou deze film aanbevelen aan elk gezin of gewoon een stel meisjes dat op zoek is naar een leuke film.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Een geweldige verhaallijn met een boodschap. Joan Plowright is fantastisch als 'Phoebe', Mike Kopsa is hilarisch als 'coach' en Richard de Klerk speelt de rol van 'Carmine' voortreffelijk. Mischa Barton als 'Frankie' doet het goed en Ingrid als 'Hazel' speelt haar eerste hoofdrol buitengewoon goed. Deze film is voortreffelijk geregisseerd door Jo-Beth Williams. De montage is eersteklas.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik vond het een geweldige film voor kinderen van zes tot twaalf jaar. Een beetje sentimenteel, maar het verhaal tilt een nieuweling op. Het bewijst dat de dromen van een puber echt kunnen uitkomen. Ik vind het een geweldig verhaal voor elk kind dat neerslachtig is, of het gevoel heeft dat er te veel dingen tussen zitten. Heel 'leuke' film. Bravo.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Mooi en intelligent gespeeld door de twee jonge meisjes, Mischa Barton als Frankie en Ingrid Uribe als Hazel, hoewel de plot nogal aan de verbeelding is overgelaten. De jonge Hazel die zich kandidaat stelt voor het burgemeesterschap lijkt, eerlijk gezegd, niet op haar plaats.
Hoewel het acteerwerk door alle betrokkenen uitstekend is, mist de film een echte dramaturgische sfeer. Misschien zijn we in de loop der jaren gewend geraakt aan een korrelige werkelijkheid in films, zoals je Pollyanna zou kunnen vergelijken met _How Green Was My Valley!_ Maar goed, elk van hen is op zijn eigen manier goed.
Ik heb wel bewondering voor Joan Plowright, ook al is haar rol hier wat ingetogen. Midden op de weg vermaakt goed geschikt voor jongere kijkers, en wat leuk om af en toe te worden blootgesteld aan mooie klassieke muziek, wat bijna een zeldzaamheid is!
Ik vind deze film een welkome afwisseling, omdat hij rustige, bedachtzame waarden weerspiegelt voor de jaren van opgroeien, en godzijdank geen geweld. Een warme familiefilm om van te genieten.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

S.S. Van Dine moet een sluwe zakenman zijn geweest in de omgang met Hollywood. De meeste 'filmseries' uit de tijd van de studio's beperkten zich gewoonlijk tot een of twee studio's. Maar blijkbaar moet Van Dine zijn rechten op elk boek over Philo Vance een voor een hebben verkocht. Het viel me op dat Paramount, MGM, Warner Brothers en nog meer alle drie Philo Vance-films uitbrachten. Alleen Tarzan scheen meer in Hollywood rond te lopen.
MGM produceerde de tuinmoordzaak en speelde Edmund Lowe als de modieuze detective. Natuurlijk had MGM de oorspronkelijke Philo in die tijd onder contract, maar Bill Powell had het in die tijd druk met The Thin Man en ik denk dat Louis B. Mayer besloot hem daar op te concentreren.
Edmund Lowe is een tamelijk acceptabele Philo Vance. Lowe was aan het eind van het stille tijdperk behoorlijk groot geworden met _What Price Glory_ en daarna met een reeks films met Victor McLaglen met hun Flagg- en Quirt-figuren. Maar nadat McLaglen zijn Oscar voor _The Informer_ had gekregen, leek Lowe in de B-filmmarkt te verdwijnen.

De tuinmoordzaak omvat drie afzonderlijke slachtoffers, Douglas Walton, Gene Lockhart en Frieda Inescourt. De sinistere sfeer rond de dader verraadt het, het mysterie is in feite hoe alle moorden met elkaar in verband staan en hoe ze worden gepleegd.
Maar dit zal ik zeggen. Vance neemt een groot risico door de schurk te ontmaskeren en de laatste 15 minuten zijn een Hitchcock waard.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

EDMUND LOWE (die me een beetje aan Warren William doet denken) speelt de hoofdrol in de aardige cast van een interessant mysterie dat zich in een stevig tempo voortbeweegt en maar iets meer dan een uur duurt.
Douglas Walton speelt de ongelukkige jockey die zich op zijn eigen verscheiden lijkt te concentreren (hypnose, iemand?) en de verdachten zijn een flink aantal leden van de ondersteunende cast <0xE2><0x80><0x93> van Virginia Bruce, Kent Smith, Frieda Inescourt, Gene Lockhart, Jessie Ralph, Benita Hume, Rosalind Ivan en H.B. Warner. Als extraatje is er Nat Pendleton als een achterlijke rechercheur <0xE2><0x80><0x93> en dan krijg je ook nog eens een lading van die art-decodecoraties voor de luxueuze interieurs van een rijk huis. Dat moet een decor zijn geweest dat in veel latere films is gebruikt. Het voordeel is dat het mysterie niet zo ingewikkeld is dat iemand de plot kan volgen zonder al te zeer in de war te raken. Het wordt rechercheur Philo Vance plotseling allemaal duidelijk <0xE2><0x80><0x93> en dan heeft hij een laatste confrontatie met de moordenaar, waardoor de film vijf minuten pure spanning krijgt.
Mooi gedaan en op een onderhoudende manier.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Als Philo Vance (Edmund Lowe) wankel op de rand van een balkon hoog boven de stad staat, kennelijk gehypnotiseerd en op het punt zijn dood tegemoet te stappen, moest ik onmiddellijk denken aan een bijna identieke scène in een andere film, negen jaar later, 'The Woman in Green', waarin Sherlock Holmes (Basil Rathbone) op dezelfde manier op het punt staat zich in de ruimte te storten terwijl hij gehypnotiseerd is.<br />Gelukkig overleven zowel Philo Vance als Sherlock Holmes deze moordpogingen door gewetenloze misdadigers. In beide scènes is de cinematografische spanning voelbaar. Wanneer zullen ze leren dat je de geest van grote romanschrijvers niet kunt vertroebelen?


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Etienne Girardot is gewoon een karakterspeler, het soort persoon dat mensen bijna nooit bij naam zullen noemen. Maar hij speelt wel weer de lijkschouwer, een van de weinige acteurs in de films van Philo Vance die zijn rol meer dan eens speelde. Ik heb hem al twee keer eerder gezien en ik vond hem elke keer weer geweldig omdat hij zo grappig was en een frisse wind was. Deze film is ook geweldig om te zien, want behalve Girardot spelen er nog veel andere geweldige karakterspelers mee, onder wie Grant Mitchell, Gene Lockhart, Henry Walthal, Kent Smith, H.B. Warner en Nat Pendleton. Dit is een indrukwekkende cast, en ze hebben het de hoofdrolman en -vrouw Edmund Lowe en Virginia Bruce beslist gemakkelijker gemaakt. De geweldige acteurs zijn een van de belangrijkste redenen waarom ik van die oude B-films hou. Hoewel het mysterie zelf zelden zo geweldig is, door het luchtige schrijven en acteren, zijn de films echt bevredigend. Wat deze film betreft, Vance wordt fantastisch gespeeld door Lowe, maar zoals ik al zei, het mysterie zelf is alleen maar een na-verbeelding, met een dwaze plot waarin hypnose en zelfmoorden voorkomen. Helaas kun je niemand hypnotiseren om iets van die aard te doen - ik heb een opleiding in klinische hypnose gehad en als ik iets had kunnen doen zoals de slechterik in de film, zou ik het gedaan hebben! Gebruikte autoverkopers en een paar van mijn oude bazen zouden duidelijke doelwitten zijn geweest! Al met al was het niet de beste Philo Vance-film, maar hij was wel erg goed en het is verdomd jammer dat Lowe deze rol maar één keer heeft gespeeld. Afgezien van William Powell (die Vance vijf keer speelde) werd de serie gehinderd door een lange, lange opeenvolging van acteurs als Basil Rathbone, Wilfred Hyde-White en Warren William (en vele anderen) die Vance speelden. Dit is een soortgelijk probleem dat ook de Bulldog Drummond-serie teisterde <0xE2><0x80><0x93> te veel verschillende acteurs die de hoofdrol speelden.<br />Het was de moeite waard om te zien en opwindend <0xE2><0x80><0x93> hoewel ook onmogelijk.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

1 januari 2006**
Parsifal is een van mijn twee favoriete Wagner-opera's of muziekdrama's, om precies te zijn (Meistersinger is de andere). Het libretto, zoals gewoonlijk door de componist geschreven, is een warboel van religie, heidendom, erotiek en misschien zelfs homo-erotiek, en door de lengte ervan lijkt het voor het publiek misschien wel of je verf droog hoort worden.
Wagner, die een beroemde antisemiet is, (Klingsor is misschien wel een van zijn surrogaat-joodse schurken), heeft de première natuurlijk toevertrouwd aan een niet-bekeerde (niet omdat R.W. het zo graag wil!) Hermann Levi, die zijn favoriete dirigent was! Kundry, een zeer verward meisje en ook een waarschijnlijk joods surrogaat, is zowel een schurk als een weldoener, afhankelijk van de scène.
Als je bedenkt dat veel videoversies van Parsifal aan de saaie kant zijn, is deze film van de opera in vergelijking daarmee een verademing. Hans-J<0xC3><0xB6>rg Syberberg, de regisseur, heeft er veel fantasie in gestopt, maar het is moeilijk te zeggen waarom hij sommige keuzes heeft gemaakt. De beruchte dubbele Parsifals (van beide geslachten!), de marionetten, het doodsmasker-van-Wagner-stuk en verschillende poppen en symbolen zoals het nazi-stempel in een van de reizende scènes. (Als ik het me goed herinner, heeft de 'echte' Engelbert Humperdinck de muziek geschreven om de veranderingen in de scènes weer te geven. Hoewel Wagner zelf veel te vroeg stierf om een echte nazi te zijn, waren veel van zijn afstammelingen (evenals zijn tweede vrouw Cosima) op zijn minst medereizigers, onder wie hun kleinzoon Wolfgang Wagner, die op gevorderde leeftijd nog steeds de leiding heeft over het Bayreuth Festival. Wolfgangs zoon Gottfried Wagner, die volkomen tegengesteld is aan zijn vader, heeft zelfs geprobeerd om het op een eerlijke manier met zijn overgrootvader aan te leggen.
Ook Syberberg lijkt politiek dubbelzinnig, voor zover ik heb gelezen. In 1977 maakte hij een bekende film over Hitler, 'Hitler: ein Film aus Deutschland' (Soms in het Engels 'Our Hitler' genoemd). Omdat de film maar 8 uur duurt en niet op grote schaal is verspreid, hebben de meeste mensen hem niet gezien (onder wie ikzelf). '
Armin Jordan, de dirigent van de audio-cd waarop deze film is gebaseerd, speelt Amfortas (gezongen door Wolfgang Sch<0xC3><0xA4>chte) Edith Clever (Yvonne Minton) speelt Kundry, Michael Kutter en Karin Krick spelen de dubbele Parsifals (beiden gezongen door Reiner Goldberg!) en Robert Lloyd en Aage Haugland spelen en zingen allebei Gurnemanz en Klingsor.
Hoewel de opera zich over een lange periode afspeelt en iedereen (behalve Kundry?) wordt beschreven als aanzienlijk ouder geworden te zijn tussen de tweede en derde akte, ziet niemand er aan het eind van de opera een dag ouder uit. (De magie van de Graal? In deze opera is de Graal de beker waaruit Jezus dronk tijdens het Laatste Avondmaal en niet Maria Magdalena zoals in recentere tijden, een idee dat ik bespottelijk vind!).
Het dirigentschap en het zingen zijn allemaal heel nuttig en de dvd lijkt het geluid, zo niet de film, in grote mate te hebben verbeterd. (Ja, ik ben het met je eens dat 'Kna's' benadering superieur is, zelfs op de tweede stereoversie, maar hij is waarschijnlijk superieur aan alle opgenomen versies over het geheel genomen.)
Geen Parsifal voor alle Wagnerieten, maar ik denk dat het heel goed werkt als filmopera.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze heel merkwaardige setting van Wagners laatste opera begon me echt op mijn zenuwen te werken. Toen ik hem voor het eerst zag, ergerde ik me een beetje aan veel van de surrealistische beelden in de films en had ik het gevoel dat er veel te veel over het verhaal heen werd gelegd. Maar als je een redelijke hoeveelheid nogal recherché-'trucjes' kunt verdragen, denk ik dat je zult merken dat de DOES erin slagen de heel vreemde, bovennatuurlijke sfeer van de opera te vangen, en dat er momenten zijn die bijzonder mooi zijn.
Persoonlijk heb ik de rol van Kundry nooit echt begrepen, tot ik zag hoe Edith Slim haar schilderde. Haar vertolking (een lipsynchrone imitatie van de zangstem van Yvonne Minton) is van begin tot eind oogverblindend, en alleen dat al rechtvaardigt de uren die het kost om de film in je op te nemen.
Een andere reden om van deze film te genieten is dat hij de spectaculaire interpretatie van de cruciale rol van Gurnemanz door Robert Lloyd vastlegt, een rol die Lloyd in operahuizen over de hele wereld met verve heeft vertolkt. Ik heb het voorrecht gehad hem een paar keer te mogen bewonderen in de rol van Gurnemanz op het toneel van de Metropolitan Opera, en de weelderigheid van zijn stem en de warme, vaderlijke manier waarop hij deze nobele rol vertolkte, moesten echt worden behouden, net als zijn vertolking van die rol.' 's twee grote monologen, de Karfreitag-scène en het verslag van de profetie in het eerste bedrijf.
De versie die ik heb gezien, was een videoband die voor Amerika was gemaakt, en dus waren er ondertitels die helaas niet konden worden weggelaten. Dat is vooral zo jammer omdat de gebruikte vertaling zeer onnauwkeurig is en een uiterst christelijke interpretatie oplegt aan een film die al lagen van interpretatie oplegt aan de opera. Dit leek mij volkomen in tegenspraak met zowel Wagners duidelijke VERMOEIDING met het christendom als zijn zeer weloverwogen poging om de christelijke elementen van het verhaal te 'generaliseren'. (Zie voetnoot met spoiler aan het eind van deze recensie. Ik vind het bij het bekijken van een film met ondertitels bijna onmogelijk om ze niet in me op te nemen, en ik raad je ten zeerste aan om dat te doen als je in de dvd-versie de mogelijkheid hebt om de ondertiteling uit te zetten, en in plaats daarvan, als de opera je niet bekend is, het libretto van tevoren zorgvuldig te lezen.
Het komt erop neer dat er veel in de film zit waar ik een hekel aan heb en dat ik liever anders had gezien... maar in de jaren sinds ik hem voor het eerst zag, is hij gestaag in mijn achting gestegen, en ik merk dat ik er steeds opnieuw van wil genieten.

...
...

Foto van een lachende Kundry: een goed voorbeeld is Kundry's beroemde zin: 'Ik zag hem... hem... en lachte.' Dit wordt in de ondertitels om mij onbekende redenen vertaald als 'Ik zag het gezicht van de Verlosser'. Het irriteert me bijzonder, want in het hele libretto verwijst Wagner heel nadrukkelijk en zorgvuldig naar deze onzichtbare figuur die niet de goddelijke Jezus moet zijn als 'der Heiland', d.w.z. het Duitse woord voor 'de Genezer' <0xE2><0x80><0x93> een verwijzing naar de wond van Amfortas, en naar alle wonden en ziekten en de noodzaak tot genezing.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Parsifal (1982) Starring Michael Kutter, Armin Jordan, Robert Lloyd, Martin Sperr, Edith Clever, Aage Haugland and the voices of Reiner Goldberg, Yvonne Minton, Wolfgang Schone, regisseur Hans-Jurgen Syberberg.<br />Rechtstreeks uit de Duitse filmschool, het soort school dat de voorkeur gaf aan tonnen symboliek en Ingmar Bergman-surrealisme, kwam deze film uit 1982 van Wagners laatste meesterwerk: Parsifal, geschreven om te corresponderen met Goede Vrijdag/Pasen en de inwijding van het Bayreuth-operahuis. Deze film volgt de muziek en de plot nauwkeurig, maar de manier waarop hij werd opgenomen en uitgevoerd is brutaal en avant-garde, en geen enkele andere Parsifal overtreft de bizarre cinematografie. Syberberg staat bekend om zijn controversiële films. Vóór deze film had hij films uitgebracht over Hitler en het nazisme, over Richard Wagner en zijn persoonlijke antisemitisme en een documentaire over Winifred Wagner, een van zijn kleindochters. Deze film is mogelijk in vele opzichten verontrustend. Parsifal (geregisseerd door Reiner Goldberg, maar geacteerd door Michael Kutter) is het hele eerste deel van de film een man en verandert dan, na de betovering van Kundry's kus, in een vrouw. Dit mannelijke element toont de vrouwelijke/mannelijke/wederzijdse aard van de zoektocht naar de Heilige Graal, die de hele mensheid dient en door het bloed van Christus verzoent. In het fort van de heidense tovenaar Klingsor zijn foto's te zien van beruchte sinistere figuren als Hitler, Nietzche, Cosima Wagner en Wagners ma<0xC3><0xAE>tresse Matilde Wesendock. De Swaztika-vlag hangt voor het fort. Parsifal begeeft zich in de film in de 19e en 20e eeuw. De verleidelijke Flower Maidens zijn naakt. Kundry wordt afgebeeld als een soort mooie maar corrupte Maria Magdalena of Eva uit Genesis (gespeeld door Edith Clever, maar prachtig gezongen door Yvonne Minton, de mezzosopraan). Uiteindelijk is deze film bestemd voor fans van dit soort bizarre Germaanse/Europese symbolische metafiction en voor intellectuelen die het symbolisme, de geschiedenis en de bewonderaars van Wagner-opera's kunnen waarderen. Het zingen is inderdaad groots en meeslepend. De Parsifal van Reiner Goldberg is een geconcentreerde en intense stem, maar mist de diepte en algehele grootsheid van de grotere Parsifals van het toneel <0xE2><0x80><0x93> James King, Wolfgang Windgassen, Rene Kollo en vandaag de dag.' Yvone Minton is een sensuele, theatrale en opwindende Kundry, die perfect in haar gekwelde staat doordringt. Hoewel de productie beslist onorthodox en zo on-Wagneriaans is als maar mogelijk is (Wagners concept was christelijke ceremoniële pracht en praal met Graal, speren, kastelen, ridders en gewonde koningen, een duistere tovenaar, duisternis die in licht verandert etc., typische Wagneriaanse thema's)... is het nog steeds een plezierige, kunstzinnige film.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Vincente Minnelli regisseerde een paar van de meest gevierde amusementsfilms uit de geschiedenis van de cinema... Hij was een van de eerste regisseurs in Hollywood die lieten zien dat een diepe liefde voor kleur, beweging en muziek intelligent amusement kon voortbrengen...
_'American in Paris'_ is het verhaal van een ex-militair die na de oorlog in Frankrijk blijft om te studeren en te schilderen... Hij wordt verliefd op een charmante, speelse Lise Bourvier... Hun romantische liefdesaffaire sprankelt even helder als de Lichtstad zelf... De hele film brengt een vleugje Franse elegantie waar techniek, artistieke stijl en muziek in perfecte synchronie samenkomen...
_De eerste muzikale scène introduceert de opwindende persoonlijkheid van Leslie Caron in haar filmdebuut... Ze is als een diamant, een vleugje klasse... George Guetary beschrijft zijn verloofde in een collage van verschillende dansstijlen, lief en verlegen, levendig en modern, gracieus en ontzagwekkend... Het nummer leidt naar een pretentieloze bistro, waar Kelly en zijn zeer goede vrienden in Parijs een milde parodie op Weense walsen delen... Later viert Kelly een populair tapdansen met een menigte enthousiaste kinderen die samen met hem 'I Got Rhythm' zingen, en in de grote jazzclub ziet Kelly het meisje van zijn dromen... Hij wordt onmiddellijk getroffen door haar sprankelende saffierblauwe ogen, en er is maar één duidelijk idee in zijn hoofd: hij trekt Lize de dansvloer op en zingt voor haar: 'It' Het is heel duidelijk: Onze liefde is hier om te blijven.'
Voor het vreugdevolle 'Tra-La-La' zorgt Kelly voor humor, geestigheid en talent in de hele kamer van Oscar Levant, en zelfs boven op zijn bruine piano...
Als hij zijn mooie Assepoester ontmoet langs de Seine, wordt Kelly meegesleept door zijn gelukkige ontmoeting met Caron... Hij drukt al zijn emoties uit met 'Onze liefde is hier om te blijven'. Het stuk gaf een duidelijk nachtelijk gevoel toen de twee geliefden baadden in zacht, blauw, rokerig licht... Ze beginnen aan een betoverend dansduet dat verschillende elementen combineert... Caron danst met haar hoofd op zijn schouder, probeert dan op een vloeiende manier weg te rennen... Ze lopen achteruit, weg van elkaar, en blijven dan staan om zich naar elkaar toe te haasten voor een kusje en een warme omhelzing...
De zwakste nummers van de film waren die welke weinig met het verhaal te maken hadden... In één geval voert Georges Guetary een vermakelijke toneelvoorstelling op met showgirls in reusachtige ornamenten die naar het toneel zweven... In een ander geval stelt Oscar Levant zich voor dat hij een concert geeft en niet alleen een pianorecital speelt, maar ook de andere instrumenten... Hij applaudisseert zelfs voor zichzelf als leden van het publiek...
Het extravagante, climactische superballet van de film is een heel avontuur, een doorbraak in smaak, richting en ontwerp... Het is een uitbarsting van liefde, woede en levendigheid... Het is Kelly's film... Kelly's grootste fantasie over zijn verloren liefde en zijn gevoel over Parijs, gezien door de enorme achtergronden van enkele van de meest impressionistische schilders van Frankrijk...
Het aantal begint op het Beaux Arts-bal nadat Kelly merkt dat hij van Lise gescheiden is, en begint met een schets met een zwart potlood... Het verzamelt de belangrijke delen van het verhaal van de film via voortdurend veranderende locaties, allemaal in de stijl van de schilders die Jerry hebben beïnvloed... De rondleiding, rijkelijk aantrekkelijk en buitengewoon sfeervol, omvat de Place de la Concorde-fontein, de Madeleine-bloemenmarkt, de Place de l'Opéra, tot aan zijn Rendez-Vous op Montmartre, met de cancan-dansers in een voorstelling van Lautrecs Moulin Rouge...
Kelly lijkt de grenzen van zijn fysieke zelf te tarten... Caron lijkt haar ruimte te domineren en sleurt je mee naar een andere tijd en een andere plaats...
Nina Foch leek heel aantrekkelijk en elegant in haar witte jurk met één schouder... In een van de beroemdste scènes van de film vraagt Kelly haar: 'Dat is een mooie jurk die je bijna aanhebt. Wat houdt hem overeind?' Nina antwoordt slim: 'Bescheidenheid!'
'An American in Paris' kreeg zes Oscars, waaronder een ereprijs voor Gene Kelly... De film gaf ons een schat aan herinneringen om mee naar huis te nemen...


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Gene Kelly kwam met een paar werkelijk fantastische ideeën voor musicals toen hij nog bij MGM werkte. Hij staat nu aan de top van zijn creatieve vermogens als hij samenwerkt met de musicalafdeling van Arthur Freed. Als je naar _An American In Paris_ kijkt, is het moeilijk te geloven dat de spelers nooit het achterste gedeelte van MGM hebben verlaten.
De magie van _An American In Paris_ is te danken aan de creatieve montage onder leiding van Vincent Minnelli en de decors die MGM ontwierp, vermengd met wat achtergrondopnamen. Het idee voor de film kwam van Kelly, die gewoon een film wilde maken met een lange balletsectie, waarin George Gershwins sonore gedicht _An American in Paris_ een rol speelt. Het klonk goed in de oren van Arthur Freed, die Ira Gershwin benaderde, die zei dat hij het best vond, zolang ze maar ander Gershwin-materiaal gebruikten.
Gershwin kreeg het soort deal voor Gershwin-muziek dat Irving Berlin normaal gesproken kreeg. In _An American in Paris_ is geen enkele noot van niet-Gershwin-muziek te horen. Luister naar een paar van de achtergrondmuziek en je hoort dingen als _Embraceable You_ en _But Not For Me_, die geen echte muzieknummers zijn.
Een andere jongen die behoorlijk goed was in het schrijven van teksten, Alan Jay Lerner, schreef het verhaal dat, toegegeven, erg mager is. Het gaat over een ex-militair, gespeeld door Gene Kelly, die na de Tweede Wereldoorlog nooit meer uit Frankrijk is weggeweest, alleen maar een appartement op de linkeroever van de Seine heeft gehuurd en een hongerlijdend kunstenaar is geworden. Hij woont samen met de excentrieke componist Oscar Levant en dat klinkt als een overbodige toevoeging.
Twee vrouwen zijn in hem geïnteresseerd. Ook een geëmigreerde Amerikaan, gespeeld door Nina Foch, die hem als schilder wil sponsoren als hij haar in andere zaken van dienst wil zijn. Maar Kelly valt voor een winkelmeisje, gespeeld door Leslie Caron in haar filmdebuut. Caron heeft ook belangstelling voor de musicalster Georges Guetary.
Natuurlijk is de plot alleen maar een excuus om te zingen en te dansen op de muziek van George Gershwin. Een Amerikaan in Parijs is toevallig de eerste film die ik ooit heb gezien als een vliegfilm tijdens de eerste vliegreis die ik ooit heb gemaakt. Ik herinner me nog dat ik van Phoenix Arizona naar Kennedy Airport vloog en Gene Kelly I've Got Rhythm zag doen. Mijn favoriete nummer in de film is echter Tra-La-La, dat Kelly zingt en door het hele appartement danst met Oscar Levant op de piano. Op een gegeven moment danst Kelly boven op de kleine vleugel. In een boek over Arthur Freed las ik een citaat waarin hij zei dat de balletscène in _American in Paris_ moest worden gedaan met de achtergrond van de Franse impressionisten, omdat hij dacht dat het publiek dan eerder naar een realistische setting op straat of achter het huis zou kijken dan naar een realistische omgeving. Zo ging het dus. Kelly had lange balletscènes gedaan in _Words_ en _Music, The Pirate_ en _On the Town_. Maar deze was de beste van allemaal. Dat vind ik nog steeds, en dat geldt ook voor een paar van Gene Kelly's latere films.
In een verrassingsaanval op de Oscars werd _An American In Paris_ verkozen tot beste film van 1951, die de favoriet _A Streetcar Named Desire_ versloeg. Ik denk dat de fantasie dat jaar het won van het realisme. Grote budgetten hebben ook in dit soort zaken de overhand.

Still An American in Paris is een van de beste filmmusicals die ooit zijn gemaakt, en aangezien de studio's niet langer al dat creatieve talent onder één dak hebben, is het minder waarschijnlijk dat het nog eens wordt herhaald.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik heb 'An American in Paris' voor het eerst gezien toen ik nog op school zat en ik werd er meteen verliefd op. De volgende dag ging ik terug om het nog een keer te zien en ik ben de tel kwijtgeraakt van het aantal keren dat ik het sindsdien heb gezien, zowel in de bioscoop als op tv. Het maakt een fantastisch gebruik van een aantal van de beste muziek en liederen van de grootste populaire componist van de twintigste eeuw (George Gershwin) en beschrijft de grootste mannelijke (Gene Kelly) en vrouwelijke (Leslie Caron) danseressen in de geschiedenis van Hollywood. De bijrollen van Oscar Levant (even grillig als altijd), Georges Guetary (waarom maakte hij niet meer films? ) en Nina Foch (briljant in een onsympathieke rol) staan in topvorm. Het slotballet, voortreffelijk gechoreografeerd naar de titelmuziek, maakt uitstekend gebruik van de bezienswaardigheden en geluiden van Parijs en van de beelden van impressionistische en postimpressionistische kunstenaars. Alle nummers van Gershwin zijn prachtig geënsceneerd, maar de meest gedenkwaardige zijn 'It's Very Clear' (Caron en Kelly op de oever van de Seine) en 'I Got Rhythm' (de kinderen van Parijs die Gene Kelly vergezellen in 'Une Chanson Americaine'). Als je van Parijs houdt, moet je deze film zien. Als je nog nooit van je leven in Parijs bent geweest, moet je hem zien.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Een Amerikaan in Parijs was in veel opzichten de ultieme mengeling van kunst en Hollywood-musical. De film, die op het hoogtepunt van MGM's macht werd gemaakt, bevat gedenkwaardige muziek van de Gershwins, die terecht de 20th Century-equivalent van Beethoven en Mozart werden genoemd.
Ook Gene Kelly bevond zich in deze film op het hoogtepunt van zijn macht, al zou je terecht kunnen zeggen dat deze film alleen maar de warming-up was voor zijn beste werk in Singin' in the Rain (1952). De twee films zijn in feite nauw met elkaar verbonden. Afgezien van het verband met Arthur Freed, dankt het Broadway Melody-fragment in 'Rain' zijn bestaan aan de ongelooflijke Amerikaanse in de Parijse Ballet-episode in deze film. Dit zou heel goed de enige keer kunnen zijn geweest dat een dansnummer speciaal in de openingstitels van de film wordt genoemd. En dat was ook terecht, want het toont Gene Kelly's vaardigheden als danser en choreograaf in al hun facetten.
De cast van de film is allemaal even uitstekend. Leslie Caron, die op een ongelooflijke manier haar filmdebuut maakt, toont een rijpheid die je doet denken dat ze al jaren films maakt. Haar inleidende dansscènes, en later haar werk voor het ballet, leveren een aantal verrassend sexy momenten op, die in MGM Musicals slechts worden geëvenaard door het werk van Cyd Charisse in Singin' in the Rain en The Band Wagon. De beste momenten van de film: tijdens de laatste scène (die ik niet zal weggeven aan iemand die de film niet heeft gezien) en een van de meest memorabele muzieknummers van de film, die zijn ongelooflijke pianovaardigheid koppelt aan (voor die tijd) ultramoderne special effects.
Minder memorabel zijn Georges Guetary als Kelly's romantische rivaal, hoewel hij wel een paar muzikale hoogtepunten heeft, en Nina Foch als Leslie Caron's romantische rivaal. De relatie tussen Kelly's personage en dat van Nina deed me denken aan de relatie tussen George Peppard en Patricia Neal in Breakfast at Tiffany's.
Er zijn een paar elementen in de film die het minder bevredigend voor me maakten dan Singin' in the Rain. Het ballet, hoewel overdadig en goed geproduceerd, past niet echt bij de rest van de film. Zonder de plot prijs te geven, gebeurt het gewoon, zonder enige reden of reden. En in tegenstelling tot de Broadway Melody-sequentie, heeft het eigenlijk niets te maken met de plot <0xE2><0x80><0x93> en in de beste musicals hebben de liedjes altijd een soort raison d'<0xC3><0xAA>tre.
Wat het nog erger maakt, is het einde van de film, dat zich onmiddellijk na het ballet afspeelt. Hoewel het einde geen verrassing zou moeten zijn (het is tenslotte een musical van MGM), had ik gehoopt op een beetje meer... film nadat het ballet was afgelopen. Het is alsof regisseur Vincente Minnelli het gevoel had dat hij het ballet niet met iets anders kon volgen. De film liet me letterlijk in de steek.
Afgezien van dat negatieve, staat _An American in Paris_ terecht in de rij van de beste Hollywood-musicals. Het haalt het niet helemaal bij _Singin' in the Rain_, maar het komt in de buurt en het is een getuigenis van Gene Kelly's vaardigheden als een van de grootste dansers aller tijden.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik vond het nodig om te reageren op de commentaren die op de voorpagina van deze film waren geplaatst, omdat sommige ervan een beetje onjuist waren.
Oorspronkelijk heb ik citaten van de oorspronkelijke poster opgeplakt, maar ik wist niet zeker of dat wel gepast was, gezien het feit dat dit de 'aanvullingen'-index is en geen mededelingenbord (hoewel we die gebruikten voordat IMDb de mededelingenborden aan de film toevoegde), dus ik zal dit bewerken om het onnodig te maken.
Nou, ten eerste is het misschien niet tot je doorgedrongen, maar Gene Kelly werd beroemd omdat hij in de oorspronkelijke productie 'Pal Joey' op Broadway speelde. Toen Vincente Minnelli besloot een Gershwin-'panorama'-film te maken, wilde hij Kelly's rol. Kelly's karakter werd verfijnder dan de 'goody two shoes'-rollen die hij in de meeste van zijn films had gespeeld (met uitzondering van 'For Me and My Gal'). Alan Jay Lerner kreeg de opdracht een nieuw verhaal te schrijven dat zich in Parijs afspeelde en gebaseerd was op het verhaal van 'Pal Joey'. Dit gaf Kelly de kans zijn beroemde rol op Broadway te spelen, ook al had Warners meer op MGM geboden voor de rechten van 'Pal Joey'. Naar mijn mening is de WB-film 'Pal Joey' een ramp, hoewel Sinatra geschikt was voor de rol, maar de film ging ten onder aan andere problemen (wijzigingen in het script en een slechte regie).
Je klaagt dat Kelly's foto's niet goed zijn, je noemt zelfs je kunstopleiding als bewijs. Maar je mist het feit dat Kelly's slechte kunst duidelijk bedoeld was om slecht te zijn, en dat het nodig is voor het verhaal/personages. De films zijn zo slecht dat het publiek weet dat Kelly nog niet klaar is voor een tentoonstelling. Zelfs hij weet het, hoewel Milo hem zo heeft gemanipuleerd dat hij haar bijna gelooft. Maar het is belangrijk dat het publiek niet zit te zeggen: 'Maar hij is een groot kunstenaar, als hij maar de kans kreeg!' Je wilt dat het publiek zich volledig bewust is van zijn tekortkomingen.
Dan klaag je dat hij zijn belangstelling voor de show saboteert; opnieuw begrijp je de structuur van het verhaal niet. Hij weigert omdat hij het niet begrijpt.' Hij wil zich voelen als een gigolo, en omdat hij weet dat hij niet echt klaar is voor de tentoonstelling. Zijn enthousiasme voor de tentoonstelling is zeker niet zo groot als het enthousiasme van 'Joey' om 'een nachtclub te beginnen'. Maar het dient dezelfde functie in de plot. Vergeet niet dat het essentieel is in 'Pal Joey' (het toneelstuk) dat Joey zijn nachtclub opgeeft als hij beseft dat hij die niet verdient. Hetzelfde geldt voor de kunsttentoonstelling. Als Kelly's schilderijen echt goed waren, zou dat dit hele punt ondermijnen.
Dan klaag je dat Caron en Kelly geen'chemie' hebben. Ik denk dat het in de ogen van de toeschouwer zo is. Ik ben het met je eens dat de chemie tussen hen niet zo sterk is als hij zou moeten zijn, maar voor mij was het prima. Vergelijk het maar met de nog slechtere 'gedwongen' romances zoals die tussen Cary Grant en Sophia Loren in 'The Pride and the Passion'.
Als je zegt dat de grote dansfinale niets te maken heeft met iets anders in deze film, laat je zien dat je niet onder de oppervlakte van de film hebt gegraven in de symboliek ervan. Veel elementen in de danssequentie hebben te maken met het verhaal en de personages, en in de dans wordt de plot opgelost door middel van beelden en symboliek. Het gaat over het vinden van de liefde, het genieten van de liefde, en dan de liefde verliezen (hij kijkt om zich heen en zijn liefde is verdwenen). De bewegingen van de symfonie zijn zodanig geconstrueerd dat een deel van elke dansscène een aparte fase van de Parijse kunst weerspiegelt en ook een aparte fase van hun relatie. Als je dat niet hebt gezien, is dat niet de schuld van de film. Het is zeker geen 'heleboel troep'.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Oké, dus de plot bevindt zich op wankel terrein. Ja, oké, dus er zitten een paar willekeurige liedjes en/of dansscènes in (bijvoorbeeld: Adams concert en Henri's toneelact). En Leslie Caron kan niet echt, eh, je weet wel... acteren.
Maar op de een of andere manier slaagt 'An American In Paris' erin door het hele stuk heen te komen als een gepolijste, eersteklas musical <0xE2><0x80><0x93> voornamelijk op basis van Gene Kelly's ongelooflijke danstalent en choreografie, en de ladingen charme die hij in elke scène met Caron lijkt te integreren. (Dat moet ook wel, want ze lijkt een... probleem te hebben met emotie.)
Het meest geperfectioneerde en technisch ontzagwekkendste nummer in deze musical is natuurlijk het 16-minutenballet tegen het eind van de film. 's Verbluffend goed gefilmd, en Kelly en Caron dansen prachtig. Maar mijn favoriet zou Kelly's personage moeten zijn, die 'I Got Rhythm' zingt met een stel Franse schoolkinderen, om vervolgens in een reeks Amerikaanse dansen uit te barsten. Dat bewijst maar weer eens dat je geen special effects nodig hebt als je echt talent hebt.
Niet op het 'klassieke' niveau van 'Singin' In The Rain', maar toch behoorlijk hoog. Het horloge waard!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik heb van deze film genoten. Hij was luchtig, verrukkelijk en heel kleurrijk. Je kunt zien dat MGM met Technicolor wilde pronken. Er zijn bijna geen kleuren die niet in deze film voorkomen. Elke scène zit stampvol. De choreografie was geweldig. Gene Kelly is een wonder. Hij is zo getalenteerd. De dansnummers in deze film zijn allemaal perfect uitgevoerd en perfect ontworpen. Hij begrijpt dat de dans het verhaal net zo goed kan vertellen als al het andere. Het laatste deel van de film, de grote dansscène, is heel indrukwekkend. Wat deze film zo bijzonder maakt, is Gershwins muziek. Er zijn maar weinig Amerikaanse componisten met een beter talent voor melodie. Ik hou heel erg van Gershwins muziek. Het is betoverend. Ira Gershwin is zonder meer een van de grootste lyrische schrijvers. Hij is zo geestig en charmant. Dit was een hoogst onderhoudende film.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Tijdloze muzikale edelsteen, met Gene Kelly in topvorm, stijlvolle regie van Vincente Minnelli, en fantastische muzikale nummers. Het is van begin tot eind geweldig amusement, een van die films waar mensen met een glimlach naar kijken en zeggen: 'Ze hebben ze niet meer zo gemaakt als vroeger!' Maar zo hebben ze ze nooit gemaakt. De climax van 25 minuten muziek zonder dialoog behoort tot de mooiste in de geschiedenis van de film. Filmmagie, duidelijk afgeleid van het hart en de ziel van alle betrokkenen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze Oscar-winnende film, die twee jaar voor mijn geboorte in première ging, heeft het allemaal <0xE2><0x80><0x93> overdadige technicolor-opvoeringen en kostuums, adembenemende cinematografie, fantastische kamerbrede Gershwin-muziek, superieure choreografie, een lichter-dan-lucht-script en geweldige opvoeringen van Kelly, Levant, Foch, Guetary en Caron. Hollywood maakt zulke films niet meer. Dit is absoluut mijn favoriete film aller tijden, een norm waaraan ik alle andere films toets. GENIE, GENIE, GENIE!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik heb wat oude musicals uit mijn garage opgediept en dit is weer een van mijn favorieten. Het is geschreven door Jay Alan Lerner en geregisseerd door Vincent Minelli. Het heeft twee Academy Awards gewonnen voor de beste film van 1951 en de prijs voor het beste scenario. Het verhaal van een Amerikaanse schilder in Parijs die probeert het ver te brengen. Nina Foch is een welgestelde dame en wil hem graag helpen, maar komt er al snel achter dat ze van hem houdt. Ondertussen valt Gene Kelly voor een lieftallige jongedame, Leslie Caron. Zijn belangrijkste danspartner, en ik moet zeggen dat ze samen fantastisch zijn, op de dansvloer en anderszins. De beroemde Franse zanger Georges Guietary zingt ook. Dus als je van goed, soepel dansen houdt en van vrolijke, met Oscar Levants lenige pianovingers gevulde scènes, dan zullen de songs van George Gershwyn eeuwig voortleven in dit kleurrijke juweel.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Hoewel het verhaal mooi is en het dansen en zingen in het grootste deel van de film een genot zijn, is het unieke van de film (en wat hem tot een meesterwerk maakt) de droomsequentie. Hij bevat de combinatie van de hoogste vorm van werkelijk Amerikaanse muziek (Gershwin), de innemende schoonheid van Franse impressionistische kunst, Kelly's betoverende choreografie (inclusief zijn hartstochtelijke 'pas de deux d'amour', eigenlijk een apart genre), met het schitterendste kleurenpalet dat ooit voor de set is ontworpen. De combinatie van de opzwepende muziek en de visuele explosie was een waarlijk werk van een creatief genie en een groot kunstenaar.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik was niet echt onder de indruk van deze film, hoewel ik moet toegeven dat hij technisch gezien goed gemaakt is. Hij krijgt een 7 voor zeer hoge productiewaarden, maar wat de amusementswaarde betreft, is hij nogal matig. Ik beschouw dit zelfs als een van de meest overschatte films uit de jaren vijftig. Hij won een Oscar voor de beste film, maar de film is soms gewoon saai door al dat dansen en dansen en nog eens dansen. Dat komt doordat deze film, in tegenstelling tot sommige musicals met een redelijk aantal liedjes en een goed verhaal en acteerwerk (zoals _Meet me in st. louis_ ), bijna alleen maar zingen en dansen is. In feite heeft deze film zo ongeveer het langste nummer uit de geschiedenis van de popmuziek, en als je daar niet van houdt, zal de film je snel vervelen. Geef me meer verhaal! Als gevolg daarvan, met overdreven productiecijfers en een slap verhaal, is deze film net een dieet van schuimgebak <0xE2><0x80><0x93> op de lange duur is het gewoon niet bevredigend.<br />En dan te bedenken... dit is de film die 'A Streetcar Named Desire' en 'A Place in the Sun' versloeg voor de prijs van de beste film! En, om het nog erger te maken, 'The African Queen' en 'Ace in the Hole' werden niet eens genomineerd voor deze categorie! Nog verbazingwekkender voor mij is dat 'Ace in the Hole' de prijs van beste script en scenario niet won voor deze film <0xE2><0x80><0x93> terwijl 'An American in Paris' wel genomineerd werd voor de prijs van beste film. Hij had nauwelijks een verhaal te vertellen en werd voornamelijk gedreven door dans en zang.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Parijs is de plek waar je moet zijn om te genieten van mooie kunst en muziek, en om stapelverliefd te worden <0xE2><0x80><0x93> zoals in deze film het geval is. Jongen ontmoet meisje, ze worden verliefd, maar iets staat hun het eeuwige geluk in de weg, het klassieke verhaal.
De prachtige muziek van George Gerschwin past goed bij de geweldige dans van Gene Kelly en Leslie Caron. 'An American in Paris' is een humoristische, luchthartige, liefdevolle film die de moeite waard is om naar te kijken.

8/10


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik kan je vier redenen geven om deze film te gaan zien.
1. Vier van de beste filmmakers in de hedendaagse Mexicaanse cinema.
2. Vier goede verhalen, die samen een groots plan vormen.
3. Een verrassend goede cast.
4. Een verbitterde repliek op de grootste problemen in dit land (en vele andere).

 (mogelijke smoezen)

Alejandro Gamboa opent deze film met een goed verhaal in een komische bui over het gezag dat afpersing praktiseert tegen gewone mensen en nog steeds verwacht dat zijn inspanningen worden gewaardeerd.
Dan wordt Antonio Serrano dramatischer in het tweede stuk met een verhaal dat de erfgenaam is van het Italiaanse neorealisme, met een 'Peter en de wolf'-achtige anekdote. In het derde verhaal, dat zelfs in de context onafhankelijker lijkt van deze serie, vertelt Carlos Carrera ons het verhaal van een man die op het verkeerde moment op de verkeerde plaats was. Maar na de recente lynchpartij in Tlahuac en de traditie in deze afschuwelijke zaak in de staat Mexico, zou dit verhaal niet beter kunnen worden bijgewerkt.
En aan het eind keert Fernando Sari-nana terug naar de zwarte humor in de 'grand finale', waarin hij de meeste personages uit de vorige afleveringen samenvoegt in een van de beste komedies die ooit zijn gemaakt. Als revanche voor de centrale scène uit een van zijn vorige films 'Todo el poder' geeft Sari-nana de laatste les van het thema. En tussen haakjes, geef ons de scène die de film steelt met Anna Ciochetti die een korte striptease opvoert.
Als de film is afgelopen, krijg je een bitterzoet gevoel omdat je naar een goede film hebt gekeken (en er misschien van hebt genoten) met een heel pijnlijk onderwerp. Ze zeggen dat de mensen in Mexico lachen om hun eigen schande en dit is het beste voorbeeld. Deze film is een getuigenis van hoe de Mexicanen hebben geleerd te leven in het midden van een misdaadstaat (en die misschien hebben geaccepteerd), tussen twee vuren: de misdadigers en de zogenaamde autoriteiten vol corruptie. Zelfs deze film is een wensdroom omdat bijna alle goede mensen slachtoffer zijn van misdaad en ze niet ongedeerd blijven. Als je een aanval hebt gehad zonder een schrammetje, dan heb je geluk gehad. En ondertussen moet je de kans om deze film te zien niet laten lopen. Hij wordt van harte aanbevolen.
En het is een prachtig leven in Mexico...


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze film, ook al gaat hij over een van de favoriete onderwerpen van Mexicaanse producenten: het extreme leven in onze steden, heeft een vreemde manier om hem op het scherm te brengen.

Vier van de belangrijkere Mexicaanse regisseurs van de laatste tijd benaderen de geschiedenis van onze stad in diverse literaire vormen, zoals de klucht of de satire, wat ons een film geeft met een veel te blootgelegd onderwerp in ons land, maar die op een heel andere manier wordt verteld, wat hem een frisse toon geeft. Met weinig bekende acteurs, maar dat is een uitstekende interpretatie van hun krant, weerspiegelt elk van de regisseurs in de verhalen het vermogen om overal ter wereld herkend te worden, het vermogen om de pijn te lachen en de droefheid te vieren. Misschien hebben veel mensen in ons land de film niet mooi gevonden, maar ik denk dat mensen uit andere landen de film aantrekkelijk zouden kunnen vinden en het surrealisme van de Mexicanen zouden kunnen delen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik was op Frankrijk, rond 5 maart, en ik vind het heerlijk om naar die filmfestivals te gaan. Ik wist van die Cinémas d'Amérique Latine de Toulouse, maar ik ben er nog nooit geweest. Ik besloot erheen te gaan en toen zag ik Cero y Van 4.
De film is verbijsterend. Hij heeft niet de impact op mij zoals bij de Mexicaanse gebruikers, want hij had een franse ondertiteling, maar hij is nog steeds schokkend.
Deze film is een satire over stedelijk geweld, over ontvoeringen en misdaad in de straten van Mexico. Het is een primitief portret van de stad. Van een Metropolis. Secuestro Express, met een verbluffende Mia Maestro, die bijna een satire op kidnapping was, maar met een serieuzere toon, en ik denk het ook, had een soort verband met Cero y Van 4. Een soort verlossingsverhaal, en hoeveel is te veel? Man on Fire, die verbluffend sterk was, was ook geen satire, maar een grof portret van de straten van Mexico. Of het is zoiets als The Brave One. Een film die je schokt en heel hard in je maag treft. Dit is zoiets als The Usual Suspects, er zitten een paar wendingen in de plot, maar dat maakt het nog geloofwaardiger. Verdict: een film die je schokt en je doet geloven dat er geen bewaking meer op straat is. Verbluffende dialogen, indrukwekkende regie en verbazingwekkende uitvoeringen. Cero y van 4 is een film die je niet snel zult vergeten. Je blijft trillend en verbijsterd achter.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit programma is geweldig! Ik ben een fan sinds de première, en ik kijk er alleen maar naar... Ik heb hier een paar verschrikkelijke dingen gezien, en ik wou dat ik ze niet had gezien, maar het laat echt zien hoe verslaving alle betrokkenen beïnvloedt, niet alleen de verslaafde. Je ziet allerlei soorten verslavingen, van drugs en alcohol tot de winkelverslaafde of de eetstoornisverslaafde. En het is eigenlijk heel triest om te zien dat sommige beroemde gezichten er ook doorheen zijn gekomen. We hebben ervaren musici gezien, een NBA-speler, en zelfs jonge mensen, die echt hulp nodig hebben. En sinds ze een paar vervolgprogramma's hebben uitgezonden, is dat ook geweldig. Nou, je kunt zien hoe lang het duurt voordat hun ep is uitgezonden. Als je deze nog niet hebt gezien, doe dat dan alsjeblieft. Hij is op A&E, en hij is geweldig! De nieuwe eps zijn op zondagavond om 22.00 uur EST, als ik het me goed herinner... dus zet je dvd-recorder aan!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik merk dat ik van deze show geniet, maar er moet nog wel het een en ander aan de opbouw worden gedaan. Om te beginnen de goede eigenschappen. Ik vind het leuk dat deze show ons door het dagelijks leven van een verslaafde leidt, want de producenten hebben er slag van om de verslaafde te laten zien hoe slecht ze hun leven hebben laten worden. Dit wordt gevolgd door een interventie, die weer wordt gevolgd door een resultaat. Interventie maakt de dingen niet mooier dan ze zijn, en soms is het resultaat (vaak op de korte termijn, vanwege de tijdsdruk tussen filmen en uitzenden) een negatief resultaat. Dat maakt de positieve resultaten des te beter.
Nog iets wat ik leuk vind aan de show is de kwaliteit van het camerawerk. Gezien het feit dat deze cameramannen zich overal tussen moeten persen en niet het voordeel hebben van het opnieuw filmen van scènes, is de fotografie verbazingwekkend goed en stabiel. Ze is zelfs beter dan het script van programma's als 'The Shield', waar de fotografie zo slecht is dat je er misselijk van wordt.
En nu de slechte dingen. In een aflevering zitten soms twee totaal verschillende en niets met elkaar te maken hebbende zaken die tijdens het programma met elkaar in verband worden gebracht. Je wordt meegesleept in het verhaal van de ene verslaafde en dan opeens word je meegesleurd in het verhaal van de andere. Je wordt meegesleept in dat verhaal en dan ben je opeens weer terug bij de eerste verslaafde... of niet? Je bent misschien al vergeten bij welke zaak de persoon op het scherm op dat moment hoort. Dit constante heen-en-weergefladder tussen verslaafden is echt ontwrichtend tijdens de interventiescènes, omdat de show zelfs de twee totaal verschillende interventies met elkaar vermengt! Ik heb ooit de marketing-B.S.-reden voor dit slechte ontwerp gehoord: 'De show kan zo intens worden dat door over te schakelen op een andere verslaafde de kijker de tijd krijgt om in zich op te nemen wat hij ziet.' O, alsjeblieft zeg. Dit wordt duidelijk gedaan omdat ze twee gevallen hebben die niet groot genoeg zijn voor een uur show, dus mengen ze er twee door elkaar. Door ze door elkaar te mengen in plaats van ze elk een half uur te geven, zoals ze zouden moeten doen, dwingt het de kijker om het hele programma (en de reclamespots) te zien als hij wel geïnteresseerd is in het ene geval, maar niet in het andere. Vroeger vond ik die 'blender'-episodes zo irritant dat ik alleen maar tegen mijn dvd-recorder zei dat hij afleveringen met één verslaafde moest opnemen, maar toen werd het gemakkelijker om ze allemaal op te nemen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

''Interventie'' heeft me geholpen bij mijn eigen verslavingen en herstel. Ik ben een getrouwde vader van middelbare leeftijd met twee kinderen. Ik functioneer vrij goed in mijn persoonlijke en professionele leven. Toch heb ik pijn uit mijn verleden die ik met verslavingen probeer te verzachten, en kwesties waarvan ik langzaam aan het herstellen ben. Wanneer deze verslaafden en hun gezinnen hun leven met me delen, helpen ze me mijn leven en mijn relatie met mijn familie te verbeteren.
In tegenstelling tot veel andere programma's graaft dit programma zich in het verleden van de verslaafde en onthult gebeurtenissen die waarschijnlijk de oorzaak van zijn verslaving zijn. Velen van ons lijden omdat het te eng is om terug te gaan en te doen, zoals Alice Miller zegt.' de ontdekking en emotionele acceptatie van de waarheid in de individuele en unieke geschiedenis van onze jeugd.' De serie verdient veel lof voor het feit dat ze dit proces in elk geval op gang heeft gebracht. Het graven is pijnlijk en moeilijk, maar het is het waard. Zo veel verslavingsverslaggeving <0xE2><0x80><0x93> fictie en non-fictie <0xE2><0x80><0x93> lijkt de onderliggende kwesties te negeren. Vaak wordt aangenomen dat de verslaafde op een dag begon te spuiten of wat dan ook voor de lol of uit eigenbelang, en dat ze nu niet meer kunnen stoppen. Maar dat is niet zo: verslavingen gaan over het doden van pijn. Ik kan me inleven in de verschillende gebeurtenissen en ontberingen in het leven van mensen. Er zijn gemeenschappelijke thema's en verrassende uitzonderingen. Veel verslaafden hebben zwaar geleden onder misbruik. Sommige kinderen reageren gewoon slecht op een scheiding. Voor degenen die denken dat verslaving een overdreven reactie is op ontberingen, wil ik alleen maar zeggen dat verschillende mensen er anders op reageren. Hoewel sommige kinderen goed omgaan met een scheiding, kunnen anderen, zoals Cristy in het programma, 'in een hoopje op de grond in elkaar zakken' en hun leven voor altijd veranderen.
De therapeut van gisteravond zei bijvoorbeeld dat de knappe jonge Andrea bevestiging zoekt bij mannen. Ze stript voor geld voor een 75-jarige buurvrouw en laat zich door mannen misbruiken. Klinkt dat iemand bekend in de oren? De serie zit vol informatie die we kunnen gebruiken om onze eigen motieven te begrijpen en ons leven aan te passen. Vaak zijn het degenen onder ons met kleinere problemen die het langst lijden. Zoals ze zeggen: zelfs een stilstaand horloge is goed voor twee keer per dag, maar een langzaam horloge kan een hele tijd onopgemerkt blijven, tot het je het leven zuur heeft gemaakt.
Aan de producers: bedankt dat jullie de show hebben gemaakt, dat jullie in het verleden hebben gegraven, dat jullie de follow-ups hebben gedaan. Ook de graphics, het format en de themamuziek zijn briljant.
Aan de verslaafden: bedankt voor jullie moed om te delen. Of jullie jezelf nu wel of niet hebben geholpen, jullie hebben mij geholpen.