inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

'What Alice Found' is de beste film waar niemand ooit van heeft gehoord! Ik onderschatte hem toen ik ervan hoorde, en ik dacht dat het allemaal seks zou zijn, geen plot, en gewoon echt stom, maar in werkelijkheid was het echt goed. Ze zeggen dat alle onafhankelijke films klote zijn, maar deze en Napoleon Dynamite waren niet klote. Ik vroeg het aan mijn vriendin, die hem eerder had gezien dan ik, en ze zei dat Alice al die driedimensionale beelden heeft, en dat je al die naaktheid ziet, maar nee, ik herinner me geen driedimensionale beelden, en weinig naaktheid. De film had wel een punt, en hij leerde me dat ik lifters nooit moet vertrouwen. Dat vond ik uiteindelijk wel leuk, dat ze Alice een kleine dolfijn hadden gegeven... Uiteindelijk, op weg naar Flordia.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik gaf deze 9 sterren uit een mogelijke 10. Als hij een pietepeuterig pietepeuterig beetje meer plotlijn had gehad, had ik hem 10 gegeven.
Niettemin is het een hoogst interessante film.
Judith Ivey, die een innemende oude sloerie speelt, had de Oscar voor haar optreden moeten krijgen.

Emily Grace (fotograferen van Alice), die ik nog nooit eerder had gezien, doet ook uitstekend werk en heeft het meest sexy lichaam dat ik ooit op film heb gezien.
In een mum van tijd is Alice van de n.e. naar Florida vertrokken, waar ze een vriendin heeft (of misschien is het haar zus, dat weet ik niet zeker, en dat is mijn schuld, niet de film). s) en hoge verwachtingen van een studie, die zij en haar familie zich eigenlijk niet kunnen veroorloven.
<0x3E><0x3E> Ze lijkt nogal kwetsbaar, daar in haar eentje op de weg, en inderdaad komt ze een paar nogal ruig uitziende figuren tegen, en kort daarna ontdekt ze dat er een gat in een van haar banden zit.
<0x3E><0x3E> Ze is op dat moment op een rustplaats en wordt geholpen door een vrouw die Sandra heet en haar man Bill, een ouder echtpaar dat in een camper reist.
<0x3E><0x3E> Ze gaan naar het zuiden, naar Florida, en nemen haar onder hun hoede, maar is iedereen wel zo als ze zich voordoen? Flashbacks en paranoia komen in het verhaal voor als onze jonge heldin een paar nieuwe lessen over het leven leert.

targets: De beoordeling hier is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Geweldige film, fantastisch acteerwerk, geweldige productiewaarden en een coole, actierijke korte film met een perfecte draai aan het eind. Wat een geweldige korte film!
Ik zag deze film in Vail of Aspen op een filmfestival en ik was diep onder de indruk. Daarna zag ik hem nog een keer op een ander festival (waar hij weer won) en ik was nog meer onder de indruk omdat de subtiele details de tweede keer duidelijk te zien waren <0xE2><0x80><0x93> voor een korte film legt dit een heleboel slimme laagjes over een korte tijd.
Ongeoorloofde afwezigheid is niet voor mensen met een zwak hart, maar het is heel goed gedaan en volkomen indrukwekkend voor een korte film <0xE2><0x80><0x93> voor welke film dan ook. Het is een interessant verhaal dat heel goed wordt verteld, en elke scène zet het verhaal in beweging, wat aantoont dat goede filmersinstincten deze film hebben gemaakt. De film ziet er schitterend uit en David Morse is ook verbluffend, met een dynamische prestatie in elke scène. Het is een geweldige ervaring om te zien hoe zijn karakter probeert de boogballen die het leven hem toewerpt te verslaan.
Het moet ook worden opgemerkt dat wanneer oorlogsslachtoffers dagelijks op de voorpagina's staan, de lijnen tussen werkelijkheid, goed en kwaad, heel grijs kunnen worden, terwijl de retoriek luid wordt en dingen zwart-wit probeert te maken. Awol stelt het publiek handig in staat zelf te beslissen wat ze denken dat de boodschap is, wat echt is en wat niet, wat bijdraagt aan het mysterie.
Beide keren dat ik de film heb gezien, ging het publiek veel meer op in de film dan de anderen die ermee speelden, wat veel zegt. Er zijn op dit moment veel korte films op de markt, maar er zijn er maar weinig die het soort uitmuntendheid en complexe onderwerpkeuze bieden als Awol.
Het klinkt mij in de oren alsof de vorige recensent niet goed bij zijn hoofd is, of een of andere persoonlijke agenda heeft, want dit is echt een geweldig voorbeeld van onafhankelijke korte films maken. Ik zie een heleboel korte films, en ik moet zeggen, als alle korte films die op het festival worden gemaakt zo goed waren, dan zou de korte filmbusiness een flinke opdonder krijgen.

targets: Gegeven de recensie, mijn antwoord is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik heb deze film ook op een filmfestival gezien, maar in tegenstelling tot de vorige poster vond ik hem zowel interessant als origineel. In een zee van verschrikkelijke gezichten is een korte broek vaak twee keer zo erg als voor een klein budget en slecht acteerwerk, maar A.W.O.L. is een strakke kleine thriller die teruggrijpt op 'The Outer Limits'. De opvoeringen zijn goed, niet dat je iets anders zou verwachten van Morse of McGinley, en de regie is scherp en met geld. Persoonlijk vind ik het moeilijk om de commentaren van de vorige poster te rijmen met de film die ik heb gezien. L is heel toepasselijk geschreven door Shane Black, die, zoals gewoonlijk, met het genre speelt en zowel de pulpgevoeligheid van de verhalen eer aandoet als tegelijkertijd naar het publiek knippert en zichzelf niet al te serieus neemt. Al met al blijkt A.W.O.L. een bijzonder goed uitgevoerde en grappige film te zijn.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Als je op zoek bent naar alternatieve werkelijkheden, naar wat echt is en wat alleen maar fantasie, dan is dit een thriller die je op het verkeerde been zet en je echt aan het denken zet. Probeer er een kopie van te krijgen, dan kun je het zelf zien! Ik heb hem onlangs gezien op een filmfestival in L.A. en het was verreweg de beste van de groep die ik heb gezien. Het hielp dat hij ergens over ging, in tegenstelling tot de andere die werden vertoond. Hij is heel goed geregisseerd en de productiewaarde is top. Ik zou hem vergelijken met Jacob's Ladder in die zin dat je blijft raden naar de werkelijke werkelijkheid van de wereld waarin we leven. Je moet echt proberen die film op te sporen, en als hij op festivals in de buurt wordt vertoond, probeer er dan achter te komen.

targets: Deze recensie is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film brengt de psychologische thriller tot nieuwe hoogten. De film, die goed geschreven is door Shane Black, wordt feilloos uitgevoerd door de cast onder het toeziend oog van regisseur Jack Swanstrom. Swanstrom is duidelijk een regisseur naar wie we in de toekomst moeten uitkijken. Zijn kracht ligt in zijn aanpassing aan persoonlijke ervaringen, zowel op het doek als in de collegezaal.
Deze tot nadenken stemmende film is een must-see voor iedereen die actie, drama, spanning en mysterie kan waarderen. Zoals bij alle goede films gaat de kijker zelf op reis om zijn eigen interpretatie van de film te vinden. Het mystieke aspect van de film is intrigerend en draagt bij aan de spanning. Je merkt dat je samen met Marquette naar de antwoorden zoekt. Het publiek vond de film op het festivalcircuit goed <0xE2><0x80><0x93> met vele prijzen in de wacht gesleept, moeten ze het erover eens zijn geweest dat A.W.O.L. (2006) de moeite waard is om naar te kijken.
Ik zou dolgraag een kopie willen hebben <0xE2><0x80><0x93> hoe moet ik eraan komen?

targets: Het antwoord is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Nadat hij een tijdje uit de lucht was geweest, kwam Columbo terug met een paar nieuwe tv-detectiveseries die weliswaar niet zo goed waren als de oorspronkelijke serie, maar toch beter waren dan de series die in de latere jaren negentig werden uitgezonden.
'Murder Can Hazardous to Your Health' gebruikte de toen (en nu denk ik, als je er goed over nadenkt) echte misdaadseries als de situatie voor een moord. De moord wordt gepleegd door een zeer succesvolle, egocentrische, echte misdaadpresentator, George Hamilton (in een aardige rolbezetting). Zijn kettingrokende aartsvijand, gespeeld door Peter Haskell, probeert Hamilton te chanteren als hij een pornovideo ontdekt die Hamilton in zijn jonge jaren met een minderjarige actrice heeft gemaakt. Hij rookte sigaretten om de doodssteek toe te brengen door middel van vergif, waarmee hij zichzelf ook een alibi verschafte.
Columbo wordt erbij gehaald om uit te zoeken wat er is gebeurd. De rest weet je. Heel onderhoudend.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik vond de Columbo-film eigenlijk wel leuk, de sfeer was echt thrillerachtig en de aanpak deed me soms zelfs aan film noir denken, in de film duurde de eerste 30 minuten ongeveer. Het is echt leuk en goed gedaan op de ouderwetse manier, met de juiste camerahoeken en het juiste licht. Het betekent niet meteen dat deze film briljant is, maar hij is wel goed genoeg om hem als een late Columbo-opname te beschouwen. Het is beslist een betere film dan de gemiddelde 'latere' Columbo-opname.
<0x3E> 26 jaar na zijn vorige optreden in de Columbo-film keert George Hamilton opnieuw terug om de hoofdrol te spelen tegenover Peter Falk, opnieuw als de moordenaar, natuurlijk in een totaal andere en nieuwe rol. Ik vond hem in zijn rol aardig en hij was een goede Columbo-'boef', die de goede oude inspecteur een goede concurrentie bezorgde. Ze hadden samen een paar mooie scènes. Het probleem met de'moderne' nieuwe Columbo-films was altijd min of meer geweest dat er geen goede, bekende acteur tegenover Peter Falk in voorkwam. Deze film heeft duidelijk geen last van dit probleem. Maar ik moet zeggen dat Peter Falk in deze film niet op zijn best te zien is. Hij heeft het personage zeker beter gespeeld en zijn prestatie is...' Deze film is niet consistent genoeg, wat waarschijnlijk ook te wijten is aan de regisseur Daryl Duke, die onder andere ook verantwoordelijk was voor de afgrijselijke film 'Tai-Pan'.
Het verhaal is vrij goed en aangenaam, maar het feit dat dezelfde samenzwering om de moord te verdoezelen al eerder in een eerdere Columbo-film is gebruikt, maakt het er natuurlijk ook niet beter op. Hij werd al eerder gebruikt in de film 'Columbo: Playback' uit 1975. Niettemin heeft de film natuurlijk ook nog genoeg 'originele' momenten in zijn eigen verhaal, ook al is in wezen elke Columbo-film min of meer hetzelfde. Maar ach, dat maakte de Columbo-serie zo geweldig en consistent. Als het niet kapot is, maak het dan ook niet.
Het is ook waar dat er in deze film meer aanwijzingen dan gewoonlijk voor de Luitenant worden achtergelaten, wat niet betekent dat de film waarvan de moordenaar de moordenaar is, dommer of slordiger is, maar ik zie het meer als dat de schrijvers overmatig enthousiaster zijn dan anderen. Het maakt de film of het verhaal niet slecht en het maakt het misschien zelfs wel leuker om Columbo hard aan het werk te zien en allerlei kleine, maar belangrijke aanwijzingen te ontdekken. Gelukkig is de film ook gevuld met een of andere leuke, effectieve, bevrijdende Columbo-komedie.
Gewoon een goede late Columbo-introductie.

7/10


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

In de jaren zestig was deze grimmige studie van Joy, een jonge proletarische echtgenote, de inleiding tot de carrière van Ken Loach, die een van de meest gedistingeerde en gerespecteerde Britse filmmakers aller tijden werd. Ik wist toen nog maar heel weinig van Brecht, de politiek of de realiteit van de minderbedeelden, en ik was behoorlijk onder de indruk van de esthetische waarde van de film, de vrije stijl, de sobere kleurenfilm en Joys monologen voor de camera. Ik was ook erg verbaasd dat Terence Stamp (die dankzij 'Billy Budd', 'The Collector' en 'Modesty Blaise' een beroemdheid was geworden) zo weinig tijd op het witte doek doorbracht. In Panama bleef Loach niet in de grote bioscopen (wat voor deze film nauwelijks het geval is) en ik verloor het contact met zijn films. Ik heb nog maar net gehoord over zijn successen, 'Kes', 'Family Life', 'Black Jack', tot ik in de jaren tachtig terechtkwam. De prachtige titelsong van Donovan is trouwens verkrijgbaar in zijn bloemlezing 'Troubadour'.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ken Loach liet de wereld de trieste kant zien van Swinging London met 'Poor Cow', over de Londense Joy (Carol White) die een dief aan de haak slaat en een zoon bij hem verwekt, om vervolgens te zien hoe de man in de bak belandt. Terwijl zijn vriend (Terence Stamp) haar een beetje helpt, blijkt hij niet veel beter te zijn in wat een loser hij is. Het wordt Joy al snel duidelijk dat ze een serieuze beslissing moet nemen over waar ze in haar leven naartoe wil.<br />Eén ding dat ik vaststelde <0xE2><0x80><0x93> ik weet niet of dit wel of niet klopt <0xE2><0x80><0x93> was het gebruik van ironie in de film. Ze heet Joy, maar ze ervaart geen vreugde in haar leven. Zelfs als dat niet de bedoeling was, is het nog steeds een film die ik aan iedereen aanbeveel. Featuring songs van Donovan (een ervan <0xE2><0x80><0x93> 'Colors' <0xE2><0x80><0x93> verscheen in een andere Terence Stamp-film: 'The Limey' (die, tussen twee haakjes, in 1999 uitkwam, toen ik net zo oud was als mijn ouders toen 'Poor Cow' uitkwam).


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Een van de beste 'keukenmeiden'. Fantastische uitzichten op Londen en onschatbare fragmenten van het arbeidersleven in de jaren zestig. Loach' oog lijkt alles te vangen, maar oordeelt niet <0xE2><0x80><0x93> een voorproefje van de dingen die komen gaan. Net als 'Kes', 'Riff-raff' en 'Sweet Sixteen' dient het als filmische sociale geschiedenis van Groot-Brittannië. Carol White is volkomen overtuigend, je houdt van haar, je vindt haar leuk, je wilt voor haar zorgen, maar je houdt je hoofd gebogen over haar zelfvernietigende beslissingen en toch volg je haar in de een of andere ijdele hoop. Goed gesteund door Terence Stamp (vers van 'The collector', ook van 'The hit') en een overvloed aan Engelse gezichten (die er allemaal erg jong uitzien). Precies afgestemd op Donovans lieflijke klanken. 'Geel is de kleur', in een prachtige scène, die eindigt met zijn woorden: 'Ik word beter, hè' (liedje dat ook werd gebruikt in 'The rules of Attraction', geloof ik) Kijk hoe Carol Whites moeder zich klaarmaakt om 'er op uit te gaan en een vent te versieren', en haar valse oogwimpers opdoet bij het geluid van 'Rosie' op de radio <0xE2><0x80><0x93> onbetaalbaar. Een schat voor iedereen die toentertijd in de buurt was en een herinnering aan hoe goed het leven nu is in Engeland. Tussen haakjes, Soderburgh gebruikte knipsels uit 'Arme koe' in 'The Limey'.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is een goede film, die onlangs op de Britse dvd is uitgebracht (zolang je je aandacht erbij kunt houden en je IQ hoger is dan dat van een fruitvliegje). Hij is niet zo deprimerend als hij had kunnen zijn, maar hij is wel op zijn slechtst. Terrance Stamp speelt geweldig, de muziek is mooi, en Carol White is heel geloofwaardig als de alleenstaande moeder die niet kan ophouden van een crimineel te houden.
Mijn favoriete scène is die waarin Carol en haar vriendin die met haar in de pub werkt (die met dat enorme bijenkorfkapsel dat over een van haar ogen valt) buitenissig zitten te roddelen over alle mannen die langslopen.
Het enige wat dit bedierf, was de beverige acteerprestatie van Carol. En Donovan zorgt voor een paar van de meest lome, milde, bitterzoete teksten uit de jaren zestig.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Geen amusementsfilm, maar een film over echte levens & beperkte ambities voor de arbeidersklasse in de jaren zestig. Vermakelijk vanwege mijn opvoeding, maar ik weet niet of het voor de meeste mensen zou werken. Typisch Loach. Vol met tv-acteurs/actrices uit de jaren zeventig/tachtig/negentig.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is een van die klassieke Amerikaanse films die gemaakt zijn voor tv-films die alleen gemaakt zijn om op een regenachtige middag naar te kijken. Hoewel het script hoogst onwaarschijnlijk is, neemt het zichzelf nooit al te serieus en dat geldt ook voor de cast die leidt tot een geweldige tongue-in-cheek-detective-/horrorfilm die je het best kunt combineren met een zak popcorn of een doos bonbons. Een groot voordeel van deze film is de fantastische locatieopnamen en ondanks de vreemde gebeurtenissen en nog vreemdere inwoners rond Lake Tommahawk zou ik het helemaal niet erg vinden om daar te wonen!<br />Al met al een geweldige film om keer op keer te bekijken.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De premisse van het verhaal is heel gewoon; de gemiddelde familie wil weg uit de ratrace; wil een eenvoudig leven leiden... dus verhuizen ze van Sherman Oaks, Californië, naar Lake Tomahawk, met de kinderen op sleeptouw.
Het meer is prachtig, ze hebben een oud huis gehuurd... maar wacht, er is misschien iets in het meer; er worden mensen vermoord, en niemand weet hoe (nooit geweten waarom). Gerald McRaney is uitstekend, een bekend gezicht voor Lifetime-kijkers; Valerie Harper is ook goed; aangezien deze film in 1988 is gemaakt, zou de schrijver misschien een vervolg moeten produceren!
Je zult ook genieten van Barry Corbin als de excentrieke dorpsbewoner, en Darryl Anderson als een Bruce Dern-achtige/gekke militair. Als de plot een beetje te veel van het goede is; als je een filmliefhebber bent, zul je herinnerd worden aan soortgelijke scenario's uit 'Psycho'; 'Deliverance'; evenals andere horrorverhalen van dat genre. Verschillende camera-opnamen en scènes zullen je een gevoel van déj<0xC3><0xA0> vu geven.
Ga achterover zitten en geniet; als je het niet te serieus neemt, is het heel vermakelijk; en beter dan, bijvoorbeeld, de recentere film:
'I Know What You Did Last Summer'; het schijnt dat ze in de goeie ouwe jaren tachtig betere films hebben gemaakt.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Rachel en Chuck Yoman (Valerie Harper, Gerald McRaney) besloten dat het in de stad te druk en te gevaarlijk was voor hun gezin, dus pakten ze hun tegenstribbelende zoon (Gregory Togel) en dochter (Tammy Lauren) op en verhuisden terug naar een meer zoals dat waar Rachel als kind woonde.
Ze zeggen dat je niet meer naar huis kunt, maar dit is een ideaal landelijk huis met wat op het eerste gezicht een Mayberry-gevoel heeft. Later lijkt het huis meer op de mensen in Deliverance. Algauw duiken er lijken op en iedereen ziet er verdacht uit, op een paar vriendelijke gezichten na. Dit weerhoudt het gezin er niet van om rond te rennen en in het bos rond te scharrelen.
We ontdekken dat ze superonwetend moeten zijn om de geheimen te vinden en ze pas aan iemand te vertellen als ze als de tegenstanders worden beschouwd.
Kan de genegeerde jonge Stevie zijn ouders redden of zal hun achtervolger zijn/haar voet ertussen zetten?
Deze film is meer dan de meeste parodieën, omdat hij werd gespeeld met schandalige gezichten. Ze hadden geen betere acteurs kunnen kiezen en Daryl Anderson was buitengewoon eng. Een bijkomend voordeel is dat ze ons laten weten wat er gebeurt voordat de personages erachter komen, in plaats van na afloop een aanwijzing uit de hoed te toveren. Hoe dan ook, deze tv-film is goed voor een paar lachbuien.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Closet Land. De titel roept gedachten aan geheimen op. En dat is in feite de kern van deze Amnesty International-film. Regeringsgeheimen, persoonlijke geheimen, het zijn integraal onderdeel van dit verhaal.
Verreweg de beste acteerprestaties in een veel te lange tijd: zowel Alan Rickman als Madeleine Stowe waren fenomenaal in hun vertolking van respectievelijk een regeringsondervrager en een slachtoffer. Met alleen de twee acteurs in deze ongebruikelijke standaardlange film is het meteen duidelijk dat beide acteurs toegewijd en getalenteerd genoeg waren om de kijker mee te nemen in deze kleine zeepbel van een wereld en de deur dicht te trekken.
Een woord van waarschuwing...

Wat is er? In de beschrijving van deze film wordt vermeld dat er een subplot is dat over seksueel misbruik in de kindertijd gaat. Hoewel er geen schokkende details over het misbruik worden vermeld, kan de aard ervan voor sommige kijkers moeilijk te bevatten zijn <0xE2><0x80><0x93> vooral gezien de intensiteit van de film in zijn geheel.
Ik ben geen grote fan van Amnesty International-films, maar deze film trok me aan omdat het acteerwerk zo uitzonderlijk was, en ik kan het niet helpen dat ik deze film een van mijn persoonlijke favorieten vind.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

'Closet Land' werd gesponsord door Amnesty International en heeft veel politieke ondertonen, maar er zit zoveel meer achter dit rijke, roerende verhaal...
Dit gaat niet alleen over de politieke spanning aan het eind van de jaren tachtig, maar ook over de persoonlijke vervolging die een vrouw doormaakt als kind dat door een vriendin van de familie is misbruikt. We zien de subtiele verwijzing naar de parallellen met een oneerlijke structuur van overheid en maatschappij en de cultuur van seksuele uitbuiting waarbij een op de vier jonge kinderen wordt misbruikt en een op de drie vrouwen een vorm van verkrachting heeft meegemaakt.
Voor mij roept het een ijzingwekkende vraag op: creëert de houding van onze seksuele onderdrukking <0xE2><0x80><0x93> aanzetten tot roof <0xE2><0x80><0x93> de politieke omgeving van angst en censuur, of voedt de socio-politieke disfunctie een cultuur van seksuele roof? De psychologische gevolgen van het stellen van deze vraag dwingen ons tot een plek waar we worden gedwongen onze eigen antwoorden te ontwikkelen.
Uiteindelijk heeft onze jonge schrijfster (Stowe) een vergelijkbaar moment aan het eind van Hensens 'Labyrint' <0xE2><0x80><0x93> ze beseft in één stralend, briljant moment dat het idee dat haar macht haar wordt ontstolen door de geheime politie (Rickman) een illusie is. Niemand kan je macht stelen <0xE2><0x80><0x93> ze kunnen je er alleen maar toe verleiden hem af te staan, en dan heb je het recht hem te allen tijde terug te nemen.
Dit is geen film om lichtvaardig in te stappen, en dat doe je dan ook niet. De minimalistische aspecten in combinatie met de kinderlijke animatie brengen de diepste delen van de psyche in beroering en laten geen toeschouwer onberoerd.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film treft het hart met een werkelijkheid zoals ik nog nooit heb gezien. Hij laat zien wat wij, in een democratische samenleving, als vanzelfsprekend beschouwen, en wat we gelukkig maar zelden meemaken. Het acteerwerk in de film is voortreffelijk; soms moet je jezelf eraan herinneren dat de film een dramatisering is, en niet het echte leven. De heer Rickman doet wonderen met zijn rol (zoals hij dat met alle rollen doet) en maakt de ondervrager volledig dimensioneel en menselijk. Het decor is ongelooflijk. Het geeft het gevoel van 'in het ronde theater'. Wat niets toevoegt of wegneemt van de emotie van de actie. Deze film probeert de ogen van de kijker te openen, en ik...' Ik zou zeggen dat ze dat doel met succes hebben bereikt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Acteren, natuurlijk! Denk je eens in, Closet Land had heel goed zo afschuwelijk kunnen aflopen <0xE2><0x80><0x93> een hele film die in één kamer is opgenomen met maar twee mensen, dan kunnen ze maar beter een paar verdomd interessante dingen hebben om over te praten.
Maar het liep niet vreselijk af. Integendeel, dankzij de ongelooflijke beelden van zowel Stowe als Rickman is Closet Land op zichzelf al een meesterwerk.
Dat wil niet zeggen dat het voor iedereen zo is. Mensen die hun aandachtsspanne hebben verkleind door g<0xC3><0xAA>nante seksscènes en lukraak schieten, hebben misschien moeite om Closet Land te verteren. Maar degenen die een goed verhaal zonder explosies kunnen waarderen, zouden het eens moeten bekijken (al moet je maar een paar videowinkels bellen om iemand te vinden die het in voorraad heeft).


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze film bezorgde me steeds terugkerende nachtmerries, waarin de stem van Alan Rickman een almachtige, verraderlijke, fascistische heerser vertegenwoordigde. De engste film die ik ooit heb gezien <0xE2><0x80><0x93> psychologische terreur die krachtiger is dan alles wat een 'horror'-film ooit heeft bereikt. De stem van Alan Rickman zal voor mij altijd de macht en de angst van een totalitaire staat vertegenwoordigen, die me doen denken aan Orwells 1984. Deze film beschrijft voor degenen die zich niets aantrekken van de realiteit van een groot deel van de huidige wereldregeringen. Deze film is verontrustend, maar op een manier waarop iedereen hem zou moeten zien <0xE2><0x80><0x93> het is een beschrijving van een werkelijkheid die niemand ooit zou moeten meemaken, maar zovelen wel.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

'Closet Land' vertelt een krachtig verhaal met veel subtiele elementen. Je zou van tevoren een heleboel over de plot van de film kunnen lezen, maar dat is niet echt nodig. Het enige wat je hoeft te weten, is dat de film helemaal over een verhoor gaat. Onderweg leren we een heleboel over de ondervrager en degene die ondervraagd wordt. We leren ook dat de wereld een donkere en enge plek kan zijn. Vooral als je er absoluut geen controle over hebt.<br />Uiteindelijk komt de film neer op een waarschuwing (hoewel de film eigenlijk verschillende aspecten heeft) over wat er met de vrijheid van mensen gebeurt als ze 'de andere kant op kijken' en het onrecht negeren dat de mensen om hen heen overkomt. Als je ongeveer anderhalf uur de tijd hebt en weet waar je dit kunt huren, raad ik je sterk aan dat te doen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Zoals Margot in 'Fear of Fear' het slachtoffer wordt van haar ambitieuze echtgenoot, zoals Fox in 'Fox and his friends' tot zelfmoord wordt gedreven door zijn vriend die al zijn geld heeft afgepakt, zoals Xaverl Bolwieser in 'The Stationsmaster's Wife' die naar de gevangenis gaat om zijn overspelige vrouw de kans te geven hem kwijt te raken, zoals Hermann Hermann die zijn toevlucht zoekt in krankzinnigheid om zijn stomme vrouw en failliete bedrijf te ontvluchten, zo is ook Hans Epp het slachtoffer van de Duitse 'Wirtschaftswunder' <0xE2><0x80><0x93> Maatschappij na de Tweede Wereldoorlog in R.W. Uit het feit dat Fassbinder zowel door sociaal misbruik tussen mannen en vrouwen als tussen heteroseksuele en homoseksuele paren heen heeft gespeeld, moet het duidelijk zijn dat hij geen voorkeur voor een van beide seksen heeft.<br />In het geval van Hans Epp zijn er de vrouwen die hem tot wanhoop, ziekte en ten slotte de dood drijven. Als hij terugkomt uit het Vreemdelingenlegioen waar hij heen gevlogen is omdat hij de druk van zijn moeder niet meer kon verdragen, klaagt ze dat hij nog leeft terwijl de brave jongen van haar buurvrouw vermoord is. Dan krijgt Hans een baan als politieman, maar hij wordt door zijn voorman verrast als hij door een prostituee wordt verleid. Nadat hij zijn baan is kwijtgeraakt, werkt hij als fruitkoopman met weinig inkomen, en gaat hij van de ene achtertuin naar de andere om zijn producten 'uit te schreeuwen'. Zijn moeder, een van zijn zusters en haar man schamen zich dat ze zo'n'straatwerker' in hun familie hebben. 'De liefde van zijn leven' (ze heeft geen naam in de film) weigert met hem te trouwen omdat zijn werk niet past bij haar maatschappelijke status en afkomst. Dus trouwt hij met Irmgard, van wie hij niet houdt en die niet van hem houdt. Door haar voortdurende druk op hem vlucht hij in de drank. Op een avond, als zijn vrouw hem aan het stalken is, ontploft hij en slaat haar. Ze vlucht naar haar familie, waar deze gebeurtenis precies was waar ze op gewacht hadden. Als Irmgard een advocaat belt voor een scheiding, krijgt Hans een hartaanval. Imrgard besluit bij hem te blijven, maar van nu af aan mag hij niet meer zwaar werk doen en alcohol drinken. Dus begint hij zich steeds overbodiger te voelen, wordt steeds stiller en steeds depressiever. Als hij ontdekt dat Irmgard hem bedriegt, kiest hij ervoor een eind aan zijn leven te maken, maar niet zoals Hermann Hermann door een reis naar het licht van de waanzin te maken, maar hij drinkt zich dood in het bijzijn van Imrgard, hun dochtertje en zijn zuipende vrienden. Fassbinder zei in een interview dat Hans wist wat hij deed. De vraag is echter: pleegde Hans gewoon zelfmoord omdat hij zijn ellendige omgeving niet meer kon verdragen, of deed hij aan zelfrechtvaardiging?


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Het is moeilijk te zeggen waarom deze film zo belangrijk voor me is. Hoewel het een heel goede film is, is dit beslist niet de meest geslaagde Fassbinders-film. Hij staat nog steeds, samen met _American Soldier_, op mijn persoonlijke lijst van favorieten als ik eraan denk.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Wat ik over deze film te zeggen heb... nou, om te beginnen vond ik hem wel oké, niet de beste maar ook niet de slechtste. Ik zei dat ik het script geweldig en origineel vond, echt anders en verfrissend. Nu zou ik niet willen zeggen dat het de beste film is die ik ooit heb gezien als gevolg van het acteerwerk. De acteurs die elke rol speelden, lijken die gespeeld te hebben zonder enige emotie, alsof ze het leven uit hen hebben weggezogen. Als de vrouw lachte of huilde, leek dat me om de een of andere reden niet echt, dat is maar een voorbeeld, maar echt alle personages deden helemaal niet echt. Ik wou dat ik meer positieve dingen over deze film kon zeggen, zodat jullie hem tenminste één keer kunnen zien, maar hoe kan ik dat doen als ik weet dat ik hem nooit meer zal zien? Ik heb deze film gehuurd in de bibliotheek van mijn school, zonder iets te horen over de film zelf of de regisseur. Ik heb het erop gewaagd, omdat het verhaal dat op de achterkant werd beschreven heel interessant klonk en dat was het ook.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Na het doorslaande succes van 'Mijn naam is BARBRA' stond CBS-televisie Barbra toe een nog uitgebreider vervolg te creëren als haar tweede special. Streisand was zo verstandig om, om het doorslaande succes van 'Mijn naam is BARBRA' te kunnen volgen, te weten dat haar tweede special het niveau van inventiviteit en spektakel nog verder zou moeten opkrikken. Zoals te verwachten was, slaagde ze daar opnieuw in. Nog indrukwekkender was het feit dat Streisand erin slaagde deze grote productie op te zetten zonder de intimiteit en het visioen van 'Mijn naam is BARBRA' op te offeren.

Opnieuw is de special verdeeld in drie afzonderlijke Acts. Het warenhuis had zo'n succes met de eerste speciale aanbieding, dat Streisand en consorten besloten nog een keer op locatie te filmen voor de eerste akte van deze tweede speciale aanbieding. Deze keer werd de locatie bepaald: het Philadelphia Art Museum, waar Barbra eindeloos de kans zou krijgen om verschillende kunstwerken te 'invoeren' die pasten bij de liedjes die werden gespeeld. Naast de talloze artistieke mogelijkheden die deze locatie bood, bood het museum de perfecte gelegenheid om in kleur te filmen.
Na de opname van 'Draw Me a Circle', die zich afspeelt tegen de achtergrond van de openingsscène, rent Barbra vervolgens in een dienstmeisjeskostuum door het museum op de klanken van Kern en Harbachs 'Yesterdays'. Ze stopt om verschillende schilderijen en standbeelden te bewonderen, waarbij ze vaak het personage wordt dat wordt afgebeeld en een thematisch passend lied zingt. Streisand voert een bitterzoete vertolking op van Hammerstein en Rombergs One Kiss als Thomas Eakins publiekssinger, geeft een hilarisch campy vertolking van Chopins 'Minute Waltz' als Marie Antoinette, omhelst de abstracte kunst met het koortsachtige ritme van Peter Matz' 'Gotta Move', en voert een hartverscheurende vertolking op van Non C'est Rien als een radeloos Modigliani-meisje. Het hoogtepunt van akte I is echter wanneer Streisand profielen vergelijkt met het bustebeeld van de Egyptische koningin Nefertiti, terwijl ze een tour de force-vertolking zingt van Rogers en Harts 'Where or When'. De circusserenade uit de tweede akte stelt Streisand in staat om met verschillende boerderij- en circusdieren om te gaan, terwijl ze verschillende liedjes zingt met boerderij/circus/dierenthema's. Tot de hoogtepunten behoren Barbra die 'Were That Special Face' zingt voor een babyolifant, die 'I've Grown Getting At That Face' ten gehore brengt als serenade voor een biggetje, de kitscherige 'Sam, You Made the Pants to Long' die ze zingt voor een groep jonge pinguïns, en Barbra die een profiel vergelijkt met een miereneter terwijl ze 'We Have So Much in Common' neuriet. Streisand zwaait ook op een trapeze en springt van een trampoline op het koor van 'Spring Again', en vertraagt de boel dan door een meeslepende versie van 'I Stayed Too Long at the Fair' te zingen terwijl ze alleen Barbra krijgt ook de kans om met haar poedel Sadie te pronken en spreekt zelfs een beetje Frans.
Het derde concert is opnieuw het hoogtepunt van de avond. Het concert wordt uitgevoerd op een uniek ontworpen podium met een trap die nergens naartoe leidt. Streisand opent het concert met een zwoele vertolking van 'Anywhere I Hang My Hat Is Home' van Harold Arlen, waarna hij overgaat op hartgrondige versies van het bekende standaardnummer 'It Had to Be You' en de zelden gehoorde 'C'est Si Bon (It's So Good)'. Streisand verrast het publiek vervolgens met een adembenemend krachtige, octaafhoge uitvoering van de Sweet Charity-song 'Where Am I Going'. Streisand introduceert ook de toen pas geschreven ballad 'Starting Here, Starting Now' van Richard Maltby, Jr.-David Shire, die een hartstochtelijke stem van Streisand bevat die tot de beste vocale prestaties van haar lange carrière behoort.
Meer dan wat ook was Color Me Barbra een uitlaatklep voor Streisands steeds toenemende, megawatt-sterke macht. Ondanks de aanwezigheid van nog meer visuele chaos is Streisand zelf altijd de belangrijkste attractie. Haar stem klinkt even mooi als altijd, en deze special was de eerste om aan te tonen hoe treffend ze in kleur foto's maakt. Net als met MY NAME IS BARBRA was Color Me Barbra ook weer een daverend succes en leverde het weer een soundtrack op die in de top vijf van _Gold-selling_ kwam. Eenvoudig gezegd: _COLOR I BARBRA_ tart de traditie en ontpopt zich als een vervolg dat bijna op één lijn staat met een klassiek origineel.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

In vervolg op 'My Name is Barbra' uit 1965, en opgenomen in schitterende kleuren, 'Color Me Barbra', komt La Streisand met een mengeling van nostalgie, komische komedie, vrouwelijke romantische angst en verleidelijke ernst voor een krankzinnig uur vol showbiz-schittering. Ze is een opgeknipte femme fatale, een fee en een raadsel. Met haar Egyptische oogmake-up en voortdurend veranderende kapsels is ze ook een kameleon. Haar stem is vol en ontroerend, ook al zijn een paar van haar liedjes dat niet ('One Kiss', 'Yesterdays'). De circusact is niet zo intrigerend als het museumbezoek (waarbij de verwaandheid van Barbra de beelden in de schilderijen wordt, een idee dat beter werkt dan je zou denken). De circusmedley (gebouwd rond liedjes met het woord 'gezicht'! ) is meisjesachtig schattig zonder ooit echt betoverend te worden. Toch is dit een levendige, jazzy special <0xE2><0x80><0x93> niet zo emotioneel verlokkend als 'My Name Is Barbra', maar zeker een geweldige tweedejaarsprestatie.

targets: De recensie is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Een jaar na haar triomfantelijke eerste special, 'My Name Is Barbra', hergroepeerde Barbra Streisand zich met haar productieteam om deze vervolgspecial in de toenmalige revolutionaire kleuren te produceren. De eerste uitzending in maart 1966 volgt op eenzelfde opzet als zijn voorganger <0xE2><0x80><0x93> drie segmenten, de eerste twee met unieke concepten. Het eerste vindt plaats in de avonduren van het Philadelphia Museum of Art, waar ze, gekleed als een oude vrijster, door de zalen dwaalt en door middel van liedjes deel uitmaakt van de kunstwerken. In verschillende gedaanten geeft Streisand uitdrukking aan een verscheidenheid aan stemmingen, van de komische noot van de 'Minute Waltz' tot het melodrama van 'Non C'est Rien' op een schilderij van Modigliani tot de beatnikachtige razernij van 'Gotta Move' op abstracte kunst. Mijn favoriete moment in de special is wanneer ze verandert in een evenbeeld van koningin Nefertiti terwijl ze een meeslepende vertolking van Rogers en Harts 'Where or When' zingt.<br />Het tweede deel begint met weer een komische monoloog vol malle non-sequiturs, deze keer in het Frans, en het tweede deel is terug in de studio voor een felgekleurde circussuite waarin ze omgaat met dieren, waaronder haar geliefde poedel Sadie. Ze vindt een passende context voor 'Sam, You Made the pants too long' met een schare pinguïns en vergelijkt haar profiel komisch met dat van een miereneter met 'We Have So Much in Common'. Net als bij de eerste special eindigt het programma met een meeslepend soloconcert waarin ze een paar kastanjes zingt. 'Every Place I Hang My Hat Is Home', 'Where Am I Going?' en 'Starting Here, Starting Now' horen er ook bij. Ook de korte inleiding die ze in 1986, ironisch gekleed in het wit, opnam, toen de special voor het eerst op dvd werd uitgebracht, komt erin voor. De combinatie van locatie en muziek is nog effectiever dan in haar eerste special, en een 23-jarige Streisand is in topvorm.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Nou, ik ben bang dat mijn recensie van deze special niet veel anders zal zijn dan die van de anderen voor mij, maar ik heb er letterlijk alleen maar naar gekeken <0xE2><0x80><0x93> tijdens een drive voor PBS-leden <0xE2><0x80><0x93> en eerlijk gezegd ben ik te opgewonden om n<0xC3><0xAD>ét iets te zeggen. Om het raadsel van Barbra Streisand echt te kunnen waarderen, moet je terugkijken naar vóór de film. Vóór het Broadway-fenomeen halverwege de jaren zestig. Toen de televisie nog een jong medium was, was er een vorm van amusement die heel prominent in de ether te zien was en die tegenwoordig nog slechts een herinnering is: de muzikale variatie. Sommige musicals waren wekelijkse series, maar andere waren eenmalige, eenmalige specials, die meestal het speciale talent van de individuele artiest toonden. Dit is het moment waarop we voor het eerst ongeremd naar Streisand kijken. Ze was al gastartieste geweest in andere variétéprogramma's, zoals Garry Moore, Ed Sullivan, en had een grote slag geslagen in een eenmalige dubbelvoorstelling met de vrouw die haar de dirigeerstok van de trompet van het buitengewone zou overhandigen: Judy Garland. In 1966 introduceerde choreografe me buckra Barbra Streisand in kleur (vandaar de titel), maar ze kopieerde het format van haar eerste voorstelling van het jaar daarvoor bijna tot op de letter. In drie verschillende scènes zien we een abstracte Streisand (in een na-de-werk-museum, waar ze naar kunstwerken kijkt en soms zelf een kunstwerk wordt), een komische Streisand die een al bewonderend publiek bespeelt in een studiocircus (met veel pluizige en bonte dieren) en als klap op de vuurpijl een zingende Streisand in miniconcertvorm die <0xE2><0x80><0x93> nou ja, eerlijk gezegd, die het gewoon doet.<br />Het verbaast me dat ze het filmdebuut van FUNNY GIRL nog heeft meegemaakt, en dat ze ook nog songwriter, regisseur en politiek activist is geworden. Hier is ze amper 24 en doet ze buitengewone dingen omdat, zoals ze in haar eigen inleiding voor de camera zegt, 'we niet wisten dat we het niet konden, dus hebben we het gedaan'. De opname van het museum wordt in Philadelphia in een weekend gemaakt, vlak nadat het museum op zaterdagavond voor het publiek is gesloten, en kennelijk is er alleen maar een kleurencamera gebruikt. Toch zijn er veel geknipt en ingezoomd, wat resulteert in een nogal spectaculair hoogtepunt: het moderne, naar een beatnik neigende 'Gotta Move'. Nadat ze tussen de moderne abstracten zijn verdwaald, beginnen de bongo's van de jazzclub. Streisand komt tevoorschijn in een psychedelische jurk en met glinsterende oogmake-up, en speelt de pakkende staccatomuziek met een bijna androgyne sexappeal. Pas in het derde bedrijf, of je het gelooft of niet, wordt het hoogtepunt geëvenaard of verbeterd door een ander staaltje van Streisands kunnen: in de muziek van het concert, in een witte jurk en met parels in haar oren, reciteert Streisand het vurige 'Gotta Move'. 'Every Place I Hang My Hat is Home', en dan de laatste noten, met zo'n climax die je doet gillen als een klein meisje, ook al ben je 44 jaar oud... en een jongen.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Drie afzonderlijke en afstandelijke individuen kruisen elkaar met de brute moord op een van hen. De één uur durende film onthult alleen de gebeurtenis die de drie individuen pas bij elkaar brengt nadat de helft van de film is afgelopen. Ik heb andere fragmenten van de 'Dekalog' gezien, maar deze kwam op mij over als het spaarzaamste deel van de dialoog en toch het fascinerendste deel van de structuur.
De film begint met een rechtenstudent die een zogenaamd verweer betoogt tegen een man die van moord wordt beschuldigd. Uiteraard moeten dezelfde argumenten door de man als een volwaardige advocaat zijn herhaald, maar dit wordt nooit op het scherm vertoond (tenminste niet in de korte één uur durende versie van Dekalog 5). We moeten ons voorstellen dat dit het geval moet zijn geweest. Een taxichauffeur die een misantroop is, heeft twee facetten in zijn karakter: de goede kant geeft een schurftige hond te eten, maakt zijn taxi zorgvuldig schoon, raapt de vuile vodden op van mensen die geen greintje gezond verstand hebben en denkt aan zijn vrouw terwijl ze op sterven ligt; de slechte kant jaagt kleine poedels de stuipen op het lijf, weigert een dronkenlap een lift te geven <0xE2><0x80><0x93> waarschijnlijk omdat hij bang is dat hij in de taxi zal kotsen <0xE2><0x80><0x93> en lonkt naar mooie meisjes. De weerzinwekkende hoofdpersoon die genadeloos moordt, stenen van bruggen in het snelverkeer gooit en vreemden zonder enige aanleiding in urinoirs duwt, is ook iemand die onschuldige jonge meisjes aan het lachen kan maken. De film en het script laten dus de goede en de slechte kant van twee van de drie hoofdpersonen zien.
Toch gaat de film niet over de doodstraf, maar meer over moord. Het vijfde gebod 'Gij zult niet doden' wordt theologisch onderzocht ('Zelfs God heeft Kaïn gespaard...'), sociologisch wordt de tederheid van bruten tegenover kinderen en arme, eenzame honden onderzocht, en psychologisch (nawerkingen van een dronken nacht met een vriend die leidde tot de onbedoelde dood van zijn zus, van wie hij een foto bij zich heeft). Wat maakt dat gewone mensen in moordenaars veranderen <0xE2><0x80><0x93> dit wordt nooit helemaal verklaard, maar er zijn talloze suggesties.
In Kieslowski's film wordt het vijfde gebod 'Gij zult niet doden' gebruikt. In de wereld van Kieslowski en de jonge idealistische advocaat zien we een patroon waarin gebeurtenissen en mensen in een kosmische zin met elkaar verbonden zijn (let op de gelijkenis tussen de clown en de moordenaar, zoals die in de spiegel van de cabine hangt). Kieslowski en de jonge idealistische advocaat lijken ons te vragen om het gebod letterlijk en figuurlijk te bekijken: waarom doden we? Zijn de mensen die volgens de wet gedood worden echt slecht? Is er een kracht buiten de maatschappij (de dronken nacht die tot het leven van een meisje leidde) die ons tot weerzinwekkende moordenaars maakt?
Het zou het bos missen als de bomen de twee gedetailleerde moorden in de film zouden bespreken <0xE2><0x80><0x93> beide zonder genade. De film nodigt de kijker uit om na te denken over de vraag waarom God ons vraagt om niet te doden. Ik heb begrepen dat een langere, volledige versie van de film door Kieslowski is gemaakt. Maar zelfs deze korte versie is schitterend, met zijn sobere en sobere script, intelligente montage, interessante filmografie en een uitstekende regie die veel meer biedt dan de som van de delen.
Dit deel gaat over de meer gezonde Dekalogs 6,7 en 8.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Toen we jaren geleden de film zagen die Kieslowski van deze aflevering van 'De decaloog' had gemaakt, gingen we terug naar deze kijker terwijl we naar de volledige tien afleveringen keken. Net als de andere films is deze losjes gebaseerd op het vijfde gebod, of 'Gij zult niet doden'.
Kryzsztof Kieslowski, die samen met Kryzsztof Piesewicz schreef, keek naar de geest van een jongeman die een gruwelijke misdaad begaat door een onschuldig iemand te vermoorden om zijn frustraties af te reageren. Deze aflevering heeft een Dostojevski-personage dat ons bleef herinneren aan 'Misdaad en straf', of in elk geval aan een aantal van de eigenschappen van de roman, die worden doorgegeven aan de doelloze jongeman die blijkbaar geen goede eigenschappen heeft. Het verhaal laat de jongeman zien terwijl hij door de straten van de stad zwerft, zonder een duidelijk idee te hebben wat hij moet doen of waar hij naartoe moet. Het enige tedere moment dat hij toont, is wanneer hij bij de fotograaf langsgaat om te vragen of hij een oude foto van zijn zus kan laten restaureren. Kieslowski laat het aan het lot over om de moordenaar in een taxi te laten stappen met de bedoeling de chauffeur te beroven, maar het zijn zijn woede en frustratie die de jongeman de overhand geven om een man te vermoorden die het niet verdiende om te sterven. De laatste momenten van deze misdadiger zijn een van de aangrijpendste scènes in elke film, zowel uit het verleden als uit het heden. Het andere element in het verhaal is de relatie tussen de verdachte en de misdadiger. Niets kan de rechtbank ervan weerhouden de jongeman ter dood te veroordelen. De advocaat heeft aan het eind het gevoel dat hij zijn cliënt in de steek heeft gelaten en gaat naar de rechter om te zien waar hij de fout in is gegaan. Het enige wat de jongeman hem vraagt is de foto op te halen en naar zijn moeder te sturen.

Kieslowski's verslag van de interpretatie van het vijfde gebod zorgt voor een verrassende film die de kijker nog lang zal heugen nadat deze episode is vergeten.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit is de episode die waarschijnlijk het meest in verband staat met het partnerrecht, 'Gij zult niet doden', in die zin dat het direct de immer controversiële kwestie aan de orde stelt: 'Waarom doden we mensen die mensen doden om aan te tonen dat doden verkeerd is?' Deze kwestie wordt in deze episode in twee delen uiteengezet: voor de moord, wanneer de film de tweedeling laat zien tussen de idealistische, veelbelovende advocaat en de straatcrimineel die zo opgaat in zijn manier van leven dat zijn leven niet meer is dan een weergave van wat hij geacht wordt te doen, gevolgd door de periode na het proces en voor de executie, wanneer ze allebei moeten boeten voor de doden waarvoor ze zich verantwoordelijk voelen en die dus delen. Een van de grote pluspunten van dit soort verhalen is dat het verhaal zowel in kleine als grote lijnen volledig is uitgewerkt, zodat we zowel de motivaties en de levensgeschiedenissen van de personen met wie we maar iets minder dan een uur kunnen doorbrengen, begrijpen. Ondanks al zijn misdadige bedoelingen en spot, is de moordenaar nog steeds erg sympathiek, en draait het belangrijkste deel van zijn daden om een geschiedenis van een ongeluk. Zijn manier van moorden is meer een verlangen om de dood in de hand te houden dan een verlangen om daadwerkelijk te vernietigen. De idealistische naïviteit van de advocaat toont aan dat je de dood niet toestaat in een wereld waarin je die niet in de hand kunt houden. Hun ontmoeting is inderdaad belangrijk; ze moeten er allebei aan toegeven, maar ze moeten het niet verder uitbouwen.
Afgezien daarvan is het interessant om te zien hoe deze episode van invloed is op Rouge, Kieslowski's latere voltooiing van de Trois Colours-trilogie. Een van Kieslowski's grootste invloeden lijkt het idee van rechtvaardigheid te zijn, en gezien het feit dat de decaloog een meditatie is op iets wat staat voor Goddelijke rechtvaardigheid, lijkt dit wel de meest zelfbewuste.
-PolarisDiB.
-PolarisDiB.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dekalog Vijf was een interessante kijkervaring voor me, vanwege de vraag die Kieslowski op subtiele wijze aan het publiek lijkt te stellen. In dit hoofdstuk gaat het om drie mannen, en Kieslowski laat de twee mannen die betrokken zijn bij een moord zien met zowel goede als slechte eigenschappen (in het geval van een van hen bijna overweldigend slecht). Met zulke verachtelijke figuren was ik bijna blij dat ze op de een of andere manier gestraft zouden worden. Maar als het moment van de moord is aangebroken (en het effect daarvan op de moordenaar) neemt Kieslowski een interessante invalshoek en lijkt hij aan de mensen die mijn mening deelden te vragen: 'Zijn jullie niet net zo schuldig als deze man?' Dit soort indirecte toespraken van het publiek maken de finale van Dekalog Vijf zo veel diepgaander als Kieslowski (zoals gewoonlijk) niet binnen de letterlijke grenzen van zijn thema blijft. Net zoals de andere delen van de Dekalog het thema van het gebod niet letterlijk opvatten, doet Dekalog Vijf dat ook niet. Het vraagt ons wat moord is, wie er meer schuldig is aan moord, en wat de juiste straf zou moeten zijn, als die er al is. Het is een fantastische film en, typisch Kieslowski, absoluut verbijsterend.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De Dekalog 5 kan worden beschouwd als een gewelddadige beschuldiging tegen de doodstraf, volgens het vijfde gebod 'Gij zult niet doden': het is niet toevallig dat het concept van een staat die volledig heeft voldaan aan de bepalingen van een onrechtvaardige wet, op hetzelfde niveau wordt geplaatst als de figuur van een moordenaar. 'Maar de wet zou de aard van de wet niet kunnen imiteren, hij zou hem kunnen corrigeren,' stelt Piotr, de raadsman van de verdediging, een echte katalysator, 'de straf is een vorm van wraak die erop gericht is het kwaad voor het kwaad terug te brengen zonder de misdaad te voorkomen. Maar in naam van wie neemt de wet wraak? Echt in naam van de onschuldigen?' De afgrijselijke en gedetailleerde opeenvolging van het laatste halfuur van een ter dood veroordeelde geven waarde aan de afschrikwekkende functie die op de doodstraf wordt toegepast om alle potentiële misdadigers te intimideren. 'Wanhopige stumpers vragen niet om wanhopige oplossingen,' zegt Kieslowski in zijn boodschap, waarmee hij ons leert hoe onrechtvaardig het kan zijn om ongehoorzaam te zijn aan een gebod van God dat de straf op dezelfde manier beoordeelt als de misdaad. Er zijn hier drie verschillende morele standpunten: het aangeboren gevoel van rebellie van de moordenaar die de vijandige apathie van de omgeving wil opwekken; het sterke gevoel van chronische onverschilligheid van het slachtoffer dat geneigd is om anderen uit te lachen.' 'Dekalog 5' geeft blijk van een afschuwelijk gevoel van vervreemding en isolement: beschrijvingen van een wildernis van geweld en dwaasheid, taferelen van precaire werkomstandigheden, sinistere verschijningen van gebouwen die in een anoniem aura van verlatenheid zijn gehuld, doelloze omzwervingen door een ontmoedigende omgeving. Jazek, de hoofdfiguur, ziet zich gedwongen te worstelen met een tegenstander die sterker is dan hij: een stad die volledig is gehuld in diepe onverschilligheid, ogenschijnlijk vijandig, doof voor al zijn stomme kreten om hulp, terwijl een verbleekte foto van een klein meisje in een eerste communiejurk aan zijn ziel blijft knagen. Hij is onherstelbaar bezig zijn schreden te richten naar een onlosmakelijk verbonden weg naar de verdoemenis, gezien door de misvormingen van de 18-mm breedhoekcamera, die erop gericht is alle details te vervormen, de werkelijkheid te veranderen, haar te doen vervagen in verre en vreemde echo's. Om Jazeks schuld af te zwakken en de wreedheid van de misdaad te verzachten, heeft Kieslowsky de bananeschil van nutteloze scènes gebruikt om de schuld van Jazek af te zwakken en de wreedheid van de misdaad te verzachten, zonder zich te bekommeren om directe psychologische motieven om elk vertoon van extreem of gewelddadig gedrag te rechtvaardigen en om elke nutteloze gerechtelijke procedure te vermijden. Met andere woorden, volgens Kieslowsky is 'een misdaad altijd een misdaad': volgens het principe van 'par condicio' plaatst hij de aanklager op hetzelfde niveau als de veroordeelde, waarbij hij vele tekens of symbolen gebruikt om een samenleving te vertegenwoordigen die in het meest sinistere licht wordt gezien. Zijn smekende ogen doen dat ook.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

'Identiteit... Ik ben een deel van mijn omgeving en ik ben ervan afgescheiden geraakt, en het feit dat we in staat zijn die verschillen duidelijk te maken, geeft ons een identiteit, en wat zich binnen onze identiteit bevindt, is alles wat ons ooit is overkomen' (Ntozake Shange in 'Vuur in de Spiegel').
Pieces zoals Decaloog V intimideerden me vroeger. Ik had het gevoel dat als ik ze accepteerde, ik iets zou compromitteren. Wat ik vroeger dacht, is het echt niet waard om je in te verdiepen. Ik begrijp wat het naturalisme probeert te zeggen. Ik heb een tastbare katharsis ervaren, een die stukje bij beetje in het niets is verdwenen, en een die nog steeds leeft, waar ik nog steeds rekening mee moet houden. Hij werkt nog steeds in mijn binnenste.
De film was niet per se meelevend. Hij hoeft niet te zeggen dat de doodstraf een verdorven iets is. Er zijn zeker verdorven mensen; of ze al dan niet moeten sterven is een andere zaak. Wat Decalogue laat zien, is dat er goede, mooie mensen bestaan die andere mensen doden als hun samenleving en hun oerdriften ze te pakken krijgen.
De 'wetenschap' van het naturalisme heeft me geholpen om Decalogue V. te waarderen. Het is de schrijfruimte niet waard om in te gaan op de reden waarom ik het mezelf niet eerder heb toegestaan, maar ik zie nu in wat het waard is om dit soort kunst te maken om mensen te'maken', of misschien om mensen iets te laten doen.
Er is een methode voor Lazars compromis met zijn...' Een groot deel van die betekenis is alleen achteraf te begrijpen. Dat zou geen vreemde gedachte moeten zijn: hoeveel van een respectabele wetenschap krijgt achteraf geen betekenis? Ik huiver als ik het zeg, maar het naturalisme lijkt zoveel productiever en zoveel minder nihilistisch als ik de macht heb om tegen mezelf te zeggen: 'Deze ruïne, dit proces, dit natuurlijke proces, maakt dat ik me tegen het systeem wil verzetten.'
Ik denk niet dat het naturalisme een onheilsportret van de mensheid schildert en ons vertelt dat we onze gepoederde pruiken moeten afwerpen en naar het bos moeten gaan. In plaats daarvan denk ik dat het bewijzen en experimenten catalogiseert, die we natuurlijk mogen negeren. We kunnen het negeren zoveel we willen, als we de naturalisten maar meer lijken willen geven om te begraven.
Want ondanks het feit dat ze hun esthetiek speciaal hebben ontworpen zonder sympathie te voelen voor het waarschijnlijke en catastrofale lot van hun personages, zijn ze ongetwijfeld bevangen door leesblindheid en schrijverssnobisme. Ik zie het verrukkelijke risico in de hoop dat het publiek zal begrijpen wat er moet gebeuren met wat ze zien. Zoals gezegd, er schuilt gevaar in het hopeloze zien van hun lot, vereeuwigd in steen. Er schuilt gevaar in het hoopvolle de natuur te kleineren, omdat die niet overeenkomt met hun wereldbeeld.
En ik denk niet dat het 'hoopvolle' rijk of gelukkig hoeft te zijn. Ik heb de film niet gezien, maar het lijkt erop dat de film _American Beauty_ de ontoereikendheid van de omstandigheden bewijst als leverancier van visie of comfort. Er zijn zowel asceten als gulzigaards als bedelaars die zich afvragen waar in zichzelf hun menselijkheid is, die rouwen omdat ze niets kunnen vinden dat hen van hun landschap scheidt.
Landschappen kunnen krachtig en prachtig geportretteerd worden, maar in werkelijkheid worden landschappen niet geacteerd. Ze veranderen, zeker, en dramatisch, maar alleen door een groot aantal natuurwetten waarover niemand werkelijk macht heeft. Maar die kunnen zelf niet veranderd worden.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Een meedogenloos rechtlijnig verhaal over moord en de doodstraf door de staat. Zo pijnlijk langzaam en accuraat in de beschrijving van de doodstraf (van de voorbereiding van de galg tot het slachtoffer dat in zijn eigen broek pieste voordat hij stierf) dat het de macht heeft je van gedachten te doen veranderen over de doodstraf. De hele Dekalog is uit dit verhaal voortgekomen: de scenarist van Dekalog was de machteloze advocaat die vergeefs probeerde de beklaagde te verdedigen en te troosten.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Het zou geweldig zijn als een discussie over deze middellange film in gang werd gezet met een kort verhaal over de hypocrisie van de mensen in Hollywood. Het was in 1988 dat Chuck Norris deze film zag op het Internationaal Filmfestival van Cannes. Hij maakte een dwaze opmerking door te zeggen dat de zinloze moord die in Dekalog 5 wordt afgebeeld veel effectiever is dan de moorden die in zijn Hollywood-films zijn opgenomen met hem als krachtige actiester. Hij had het over een onschuldige taxichauffeur wiens gezicht in Kieslowski's film wreed wordt verminkt door een roekeloze psychopaat die hem wreed met een grote steen slaat. Er zou absoluut geen rechtvaardiging moeten zijn voor geweld en de daders ervan in een waardige menselijke samenleving. Dat is de reden waarom Chuck Norris' film _Dekalog 5_ zo'n succes was. Een eerlijke recensent zou zich niet vergissen als hij/zij zegt dat de film van Kieslowski 'Dekalog: Dekalog,Piec (1.1.5)' universele connotaties heeft. Dat komt omdat de gebeurtenissen die in Dekalog 5 worden beschreven, in elk deel van de wereld kunnen plaatsvinden. De beste les die Kielowski ons geeft, betreft geweldsniveaus die aanvaardbaar zijn in een rechtvaardige samenleving. Dat is de reden waarom het brute afslachten van een onschuldige taxichauffeur bij ons een gevoel van weerzin kan oproepen. We zouden niet dezelfde haat voelen voor moord als die voorkomt in films met Arnold Schwarzenegger, Chuck Norris en Jean Claude van Damme, omdat ze veel te kunstmatig lijken. Je kunt je gemakkelijk voorstellen dat special effects en moderne studiotechnieken alleen peuters kunnen bekoren, maar dat serieuze filmfanaten er niets in zien. Kislowski pleit ook voor de hulpeloosheid van mensen bij het redden van medemensen uit de klauwen van dood en ellende. Dit is vooral interessant omdat keer op keer bewezen is dat strenge wetten en doodstraffen niet in staat zijn moord te voorkomen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Anne of the Indies, geregisseerd door Jacques Tourneur (Cat People, Out of the Past, Night of the Demon) en geschreven door Phillip Dunne (How Green was My Valley) <0xE2><0x80><0x93> is een heel interessante avonturenfilm voor piraten. Het hoofdpersonage, kapitein Anne Providence, is gebaseerd op een echte vrouwelijke piraat, Anne Boney, die in werkelijkheid in de achttiende eeuw leefde en door de Atlantische Oceaan zeilde.
De film begint met de zeeslag waarin Annes (Jean Peters) piratenschip een handelsschip aanvalt dat vanuit Zuid-Amerika op weg was naar Europa. Als gevolg daarvan wordt een zeer waardevolle schat buitgemaakt, samen met een knappe Franse officier, Pierre La Rochelle (Louis Jourdan), die gevangen wordt genomen. Anne wordt uiteindelijk verliefd op hem en haar gevoelens zijn kennelijk wederzijds, maar ze laat hem pas gaan als ze ontdekt dat hij een mooie jonge vrouw heeft, Molly (Debra Paget), op wie hij behoorlijk verliefd is. Anne begint wraak te nemen op hen beiden, maar in een onverwachte wending van het lot brengt ze een groot offer om hen te redden. De piratenfilm-scenariofiguur 'Zwartbaard' duikt hier ook op, deze keer gespeeld door Thomas Gomez.

Hoewel Anne of the Indië waarschijnlijk niets meer of minder is dan een herhaling van piratenfilms, heeft het nog steeds zijn klassieke momenten in prachtige beelden en zeeslagscènes die in technicolor zijn gefilmd, evenals in sommige aspecten van het verhaal, en vooral in de persoonlijke touch waarmee Jacques Tourneur het allemaal regisseert.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik vind de film goed, het is de beste piratenfilm die ik tot nu toe heb gezien (vergeet dat stomme Errol-Flynn-gedoe en de Pirates of the Caribbean niet). Deze film is heerlijk melancholisch. Ik vergelijk hem met 'Johnny Guitar' aan zee (maar 3 jaar eerder), twee vrouwen die vechten voor een man, waar waanzinnige liefde toe zou kunnen leiden.
Het karakter van de vrouwelijke (anti-)heldin, Anne Providence, is uitmuntend, ze handelt zonder compromissen als een kind, alleen verloren in haar zoektocht naar een eigen vrouwelijke identiteit in een echte mannenwereld. Ze heeft een heel vreemde film gemaakt <0xE2><0x80><0x93> een heldin, geen grappige piraat, zoals de meeste van haar collega's in dit genre, ze maakt niet de hele tijd grappen, ze vecht voor de armen en de goeden en doodt alleen maar die stomme spanish of barbaarse soldaten of <0xE2><0x80><0x93> beter nog <0xE2><0x80><0x93> sluwe gouverneurs, maar ze vermoordt alle arme krijgsgevangenen nadat ze een schip heeft buitgemaakt (kijk goed naar dit aan het begin van de film), ze is primitief (ze kan niet eens lezen), ze is wanhopig en ze krijgt een alcoholist, ze laat al Maar er is ook een vrouwelijke 'Anne' geweest, Anne Boney, die in de wrede werkelijkheid heeft geleefd.
De film is heel kort en het verhaal wordt op een adembenemende manier verteld. Natuurlijk heeft een film uit de jaren vijftig geen opwindende special effects voor de huidige kijkers (de schepen zwemmen heel duidelijk in een badkuip), maar dit echte drama over liefde (dat doodt), vertrouwen, verraad, wraak, haat en offers maakt je gek. Misschien is het zelfs de bedoeling dat Anne Judas Iskarioth en Jezus van Nazareth in één persoon is, dat ze wordt verraden door haar vriend (de fransoos LaRochelle) als Jezus, dat ze teleurgesteld wordt door haar vriend en hem de doodstraf bezorgt (als Judas), dat ze daar berouw over krijgt (zoals Judas, die zelfmoord pleegt volgens het evangelie van Mattheus) en dat ze zich uiteindelijk opoffert voor de redding van de geliefde vijand (als Jezus). Maar zelfs als je niet geïnteresseerd bent in deze filosofische kwesties van schuld en boete, brengt de film een heleboel (goedkope) actie als zwaardgevechten en brandende (plastic) schepen in een heel kort anderhalf uur.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Deze film was veel beter dan ik had verwacht. Jean Peters speelt een redelijke piraat en levert goed werk in haar zwaardgevechten. (Het is moeilijk te zeggen in hoeverre ze een dubbelrol heeft, maar Peters zelf doet het duidelijk heel goed.) Met een goed en serieus scenario had dit een uitstekende film kunnen zijn. Maar het is in wezen een goedkope film. Maar nog steeds vermakelijk. Hij is niet te vergelijken met een normale Jacques Tournier-film, maar hij steekt beslist boven een gewone Jean Peters-film uit. De kleur is typerend voor deze tijd van de jaren vijftig, te opzichtig en niet realistisch. De acteurs van Zwartbaard en haar eerste stuurman en de dronken dokter waren goed. Louis Jordan was een beetje zwak. Ik denk ook niet dat Debra Paget gelijk had. Maar Jean Peters en Debra Paget waren waarschijnlijk de twee best uitziende vrouwelijke sterren van de jaren vijftig.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Dit is een van de vele verhalen uit de tijd van de zeevaarders uit die tijd, met het extra onderscheid (hoewel op zichzelf niet uniek) van een vrouwelijke boekanier in het middelpunt. In het begin lijken beide hoofdrollen van Jean Peters en Louis Jourdan misschien misplaatst, maar uiteindelijk groeien ze aardig in hun rol, ongetwijfeld dank zij de getalenteerde spelers (Herbert Marshall, Thomas Gomez en James Robertson Justice) die hen steunen. Met zijn fluwelen stem is Marshall, anders dan anders, gecast als de verplichte filosofische zuiplap van een dokter, en Gomez is passend groter-dan-het-leven als Zwartbaard de Piraat. Debra Paget speelt de vrouw van Jourdan, die zich de jaloerse woede op de hals haalt van de kwajongensachtige titulaire figuur in wie Jourdan de eerste liefdespijnen wakker maakt (die hem echter niet de af en toe voorkomende geseling of zwaardwonden besparen). Tussen twee haakjes, de film was de tweede buitenaardse samenwerking van Jourdan en Paget in één jaar, na Delmer Daves _de vogel van het paradijs_. Het directe gevolg van deze onverwachte verzachting van Anne-Annes karakter is dat ze ruzie krijgt met de bemanning van Blackbeard-schepen en haar onwaarschijnlijke De energieke regie van Jacques Tourneur en de grandioze score van Franz Waxman zorgen voor een bovengemiddelde inspanning die in een hoog tempo wordt uitgevoerd. Tourneur had trouwens al in het genre gediend met het superieure voertuig van Burt Lancaster, THE FLAME AND THE ARROW (1950). Zoals gebruikelijk bij klassieke technicolorproducties geeft de cinematografie de film een weelderigheid die verkwikkend is. Tussen haakjes, er worden voor deze film verschillende looptijden gegeven (81 of 87 minuten) en, voor de goede orde, de versie die ik heb gezien was de kortste.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Soms is het moeilijk om een piraat te zijn... maar allemachtig, mejuffrouw Jean Peters heeft een hoop lol als ze het probeert <0xE2><0x80><0x93> en dat is duidelijk te zien, vooral tijdens haar eerste vriendschappelijke partijtje zwaardvechten met Zwartbaard (de heer Thomas Gomez <0xE2><0x80><0x93> voortreffelijk sissend) als de loutere vreugde van het optreden duidelijk op haar gezicht te lezen staat. Louis Jourdan is zowel innemend als verraderlijk als haar geliefde. Meneer Herbert Chapman is wijs en filosofisch als de wijze en filosofisch ingestelde dokter. Meneer James Robertson Justice is net iets te ongeloofwaardig als de bootsman. Maar het is juffrouw Peters die in de herinnering blijft. Welbewust puberaal, ongeletterd, taai maar kwetsbaar, wonderbaarlijk lenig en uiteindelijk moedig, is ze ieders idee van een vrouwelijke piraat. Er was beslist een kans voor haar in een pittige rol in kostuum <0xE2><0x80><0x93> dat ze die niet heeft aangegrepen is iets waar ze spijt van heeft.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik heb die film gezien toen ik nog heel jong was en in Houston, Texas, woonde. Ik vond hem geweldig en ik heb Jean Peters in Hollywood geschreven en haar verteld hoe leuk ik het vond om haar in deze film te zien. Ze stuurde me een gesigneerde foto. Deze film werd geregisseerd door Jacques Tourneur, en naast Jean Peters speelde ook de hoofdrolspeelster Louis Jourdan, Debra Paget en Herbert Marshall. Hij werd in 1951 in kleur uitgebracht en duurt 81 minuten. Jean Peters was getrouwd met Howard Hughes. Ze speelde ook in 'Viva Zapata' met Marlon Brando, Anthony Quinn, die een Oscar won voor de rol van Zapata's broer (Marlon Brando speelde Zapata's broer) (1952). En ze speelde ook in 'Viva Zapata' (1952). 'Captain from Castile' (1947) met Tyron Power. Sinds die tijd heb ik geprobeerd een plek te vinden waar die film te koop is, maar tot nu toe is me dat niet gelukt. Heeft iemand een idee waar ik die film kan vinden en kopen? Er staan spoilers in dit bericht, daar ben ik me niet van bewust.'


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De bezetting voor deze uitvoering van Rigoletto is uitstekend. Edita Gruberova zingt Gilda schitterend en hartstochtelijk. Luciano Pavarotti zingt eveneens schitterend. Vergara is een prachtige Maddalena; Fedora Barbieri is een beroemde oudere zangeres die Giovanna, de dienstmeid, zingt. Weikl zingt Marullo; Wixell zingt zowel Rigoletto als Monterone. Als Rigoletto is Wixell waarschijnlijk de meest overtuigende actrice in dit hard-to-beat ensemble van grote zangeressen. Kathleen Kuhlmann in de Contessa. Alle hoofdrollen zijn bekend en wereldberoemd.
Dit is zowel visueel als muzikaal een opwindend Rigoletto.
Ik heb het zowel op de laserdisc als op de dvd. Jij zou het ook moeten hebben!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Pavarotti en de rest van de cast zijn fantastisch in deze prachtig gefilmde opera van Giuseppe Verdi,'s werelds beste componist van opera's. De coloratuursopraan is bijzonder spectaculair met haar perfecte hoogte. De titelrol is goed gespeeld en goed gezongen. De hele productie is zo perfect als je maar kunt verwachten.
Een meesterwerk van cinematografie!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik hou net zo veel van de goede dingen des levens als wie dan ook, maar tot een jaar of vijf geleden speelde de opera geen rol in mijn amusementskeuzes. O, ik heb wel een paar pogingen gedaan om erachter te komen waar al die drukte om was; ik had verschillende televisieproducties gezien <0xE2><0x80><0x93> met name delen van Wagners Ring Cycle op de openbare televisie <0xE2><0x80><0x93> in de hoop de fascinatie van andere mensen voor de kunstvorm te begrijpen. En ik wist dat ik delen van verschillende opera's kon waarderen (ik herinner me dat ik als kind verbaasd was dat ik de fragmenten van Madame Butterfly in My Geisha echt mooi vond, en ik genoot van de operascènes in Moonstruck en Pretty Woman), maar in tegenstelling tot de personages in die films begreep ik het gewoon niet. In 1995 zag ik een live-uitvoering van _Rigoletto_ door de New York City Opera Company, en die avond 'kreeg ik het voor elkaar'. Wat een prachtige, glorieuze optocht van kleur en muziek en rauwe emotie! En ik bedoel echt _emotie_ met een hoofdletter! De sleutel, denk ik, is dat de operamuziek de artiesten in staat stelt om vrijelijk en geloofwaardig te acteren op een manier die belachelijk zou lijken als hun woorden alleen maar werden uitgesproken. Alles hangt natuurlijk af van de muziek, en als de muziek magisch is, zoals in _Rigoletto_, kan een opera een schitterend vermaak zijn.
Een meelevend familielid gaf me een laserdisc-kopie van de tv-productie van de opera uit 1982, en ik...' Aangezien ik 'Rigoletto' niet regelmatig live kan zien, heb ik ontdekt dat deze video-uitvoering een prima vervanging is. Luciano Pavarotti is perfect in de rol van de hertog; Ingvar Wixell is uitstekend als zijn laaghartige hofnar Rigoletto; en Rigoletto's geliefde dochter Gilda wordt gespeeld door de enigszins onopvallende Edita Gruberova. De decors en kostuums zijn overdadig, en de locatieshots op de rivier laat in de film geven een extra dramatiek aan het verhaal die op het toneel nooit kan worden geëvenaard.
Als je 'Rigoletto' nog nooit hebt gezien, of als je denkt dat je niet van opera houdt of het niet begrijpt, raad ik je aan deze op video te zoeken en hem te kopen of te huren. Als dit je niet bevalt, als deze uitvoering van 'Rigoletto' je niet de kracht van de kunstvorm opera laat inzien, nou, dan geef je het gewoon op en ga je ergens anders heen. Maar ik vermoed dat je, als je net zo nieuw bent met opera als ik, aangenaam verrast zult zijn.

Bill Anderson.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit is het soort onbekende en vergeten film waarvan je droomt als je naar oude video's kijkt. Het is een prachtig komisch juweel met een briljant grappige tekst, ingebed in de prachtige opeenvolging van personages, een prachtig inventieve en grappige muzikale score en geestige, luchtige aanwijzingen van Montgomery zelf. Dit is een film om keer op keer te bekijken. Montgomery is een beetje een acteur die door zijn militaire reservedivisie opdracht krijgt het huis van een jonge debutante te infiltreren om de identiteit van haar voormalige minnaar, een vermoedelijke juwelendief, te achterhalen. Hoewel de premisse nogal belachelijk is, zijn de resultaten hilarisch. Montgomery is de verwarde plant, Ann Blyth is een wonder als de romantisch geobsedeerde, vreselijk serieuze debutante en de stoet van komische karakters, variërend van doorgewinterde toneelspeelster, de moeder van Jane Cowl, de advocate van Jane Cowl, tot het hulpje van Lillian Randolph <0xE2><0x80><0x93> ze zijn allemaal fabelachtig.

Vreemd genoeg heeft dit alleen maar een Oscar gekregen voor Sound, terwijl het toch de hoogste lof verdiende voor Direction, Screenplay en Musical Score.

VERGEET HET NIET <0xE2><0x80><0x93> het is een van de beste films van Hollywood.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik was verbaasd dat 'Once More, My Darling' ('Once More, My Darling') niet genoeg stemmen had geoogst (op dit moment) voor een 'gebruikersrating'. Het is een 'krankzinnige' komedie waar ik in de loop der jaren vele malen van heb genoten. De missie van Robert Montgomery plaatst hem in een aantal zeer onwaarschijnlijke situaties, en hij is precies de juiste man voor deze taak. Hij houdt zijn kenmerkende 'benevelde' blik gedurende de hele film en ook nog hysterisch. Ann Blyth speelt zijn vroegrijpe/excentrieke achtervolgster, die een relatie aangaat die niet bestaat. Haar personage is geschift genoeg om de onverdiende bijnaam 'Moordenaar' te verdienen, maar blijft schattig en knuffelig.<br />Onder de overvloed aan B-films uit het eind van de jaren veertig en het begin van de jaren vijftig is 'Once More, My Darling' een topper.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

In deze ongeveer 34-seconden korte film van Thomas Edison zien we Annabelle Moore de 'Serpentine Dance' van Loie Fuller uitvoeren in twee verschillende fantastische, golvende gewaden.
Moore was een van de grootste sterren van het eind van de negentiende eeuw. Ze speelde in een aantal korte films van de Edison Company, waaronder deze, die een van de eerste Kinetoscoop-films was die in 1894 in Londen werden vertoond.
Loie Fuller had zelfs het patent op de Serpentine Dance, die Moore hier uitvoert in gewaden (en ook in hele lijsten) die vaak met de hand zijn gekleurd, als voorbode van een van de meer gebruikelijke symbolische toestellen van het stille tijdperk. De films van Moore waren blijkbaar zo populair dat ze vaak opnieuw moesten worden gedraaid (inclusief opnieuw filmen). De versie die ons nu ter beschikking staat, is misschien een latere versie/remake. Moore werd nog populairder toen het gerucht ging dat ze naakt zou verschijnen op een privéfeestje in een restaurant in New York City. Ze werd later in 1907 de ster van de 'Gibson Bathing Girl' in de Ziegfeld Follies. Daar verscheen ze tot 1912.
Het korte stuk valt op door de bewegingsstructuur, die vooral tijdens de 'tweede helft' bijna abstract wordt. Het lijkt een beetje op een schilderij van Morris Louis, ook al is dat bijna zestig jaar voor Louis' relevante werk.
Je zou dit korte stuk op dvd moeten kunnen vinden in een aantal verschillende anthologieën van vroege films.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Zoals alle vroegste films is deze 'film' heel, heel kort <0xE2><0x80><0x93> hij duurt ongeveer één minuut! Daarom is het vanwege de korte duur niet echt mogelijk hem te vergelijken met modernere films. Maar voor die tijd is het in feite een heel bijzondere film. Dat komt grotendeels doordat de afdrukken met de hand zijn geschilderd, waardoor Annabelle rood en andere kleuren heeft terwijl ze haar verbazingwekkende dans uitvoert. Ik heb twee verschillende versies gezien <0xE2><0x80><0x93> een waarin ze rood is en een waarin ze de hele tijd van kleur verandert. Ik denk dat de rode op de dvd 'The Great Train Robbery and Other Primary Works' de beste van allemaal is. De dans zelf is heel hypnotiserend en lijkt veel op een verbazingwekkend kunstwerk. En in tegenstelling tot andere films van één minuut (of minder) van de dag, is dit er een die ik herhaaldelijk zou kunnen zien <0xE2><0x80><0x93> het is alleen maar zo visueel boeiend en vreemd.<br />Als je hem online wilt zien, is er een tweede versie van 36 op Google Video (tik in'serpentinedans').


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Zou dit een van de vroegste kleurenfilms kunnen zijn? Het is eigenlijk de tweede. Dit is een heel mooi stuk film van Thomas Edison. Dit was een van zijn vele andere films.
Ik vind dit de mooiste van alle Thomas Edison-films. Er is een meisje op te zien dat danst en haar jurk om zich heen beweegt, die rood wordt van de film. Het is gewoon prachtig.
Je kijkt naar de geschiedenis als je dit ziet. Je kijkt naar wat films van die tijd groot maakte! Dit heeft misschien geen plot of iets anders interessants, maar dit is de tweede kleurenfilm ooit.
Ik kan dit iedereen aanbevelen, vooral als je...' Je moet de leerlingen iets leren over filmen of zoiets, je moet ze laten zien waar kleurenfilms zijn begonnen!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Jammer, niemand schijnt dit meesterwerkje van een thriller te kennen. Waar grotere films met een groter budget falen, levert 'Terminal Choice' een hoop opwinding, schokken en bloedig geweld op. Een klein juweeltje, dat het verdient om in je plaatselijke videotheek te worden bekeken. Die anonieme vent daar beneden heeft groot gelijk als hij zegt dat je nooit meer een ziekenhuis zult vertrouwen... zo effectief is het! Goed einde ook, niet echt een draai, maar het eindigt niet zoals je zou verwachten. Ja, dat is Ellen Barkin in haar eerste rol... en dat is het einde.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

'Hoppity Goes to Town' was de tweede en laatste volledige animatiefilm, gemaakt door Max en Dave Fleischer, die een parallel universum creëerden met Disney. Hoewel de films van Disney tegenwoordig goed in de herinnering blijven, zijn de Fleischer-films 'Gulliver's Travels' en deze vergeten.
'Hoppity' is een fascinerend origineel, geen aanpassing van de eerste film. Dat is een groot pluspunt, zou je denken. Nee, de critici, die om te beginnen zelden aan de kant van de Fleischers stonden, hebben zich hiervoor op hen gestort. Ja, het verhaal is niet zo spannend als 'Gulliver', maar hoe kun je een film haten die zo vrolijk met zichzelf te koop loopt?
De film zit vol geweldige muzikale nummers en een heel meeslepend verhaal, wat een misdaad zou zijn om te onthullen. De personages zijn beminnelijk en charmant en er zit pit in deze film.
De Fleischers hebben zichzelf hier echt overtroffen en dat is nooit meer helemaal goed gekomen. Het grootste deel van hun tijd zouden ze hebben besteed aan eendagsvliegen, nadat ze zich bij de kassa een stuk in de kraag hadden gezopen. Het is jammer dat ze geen hoofdrollen meer hebben gespeeld. Wie weet? Hun volgende poging zou wel eens het meesterwerk kunnen zijn geworden waar ze op uit waren.
**** van 4 sterren.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Leslie Carbaga's uitstekende boek over de Fleishers vertelt het hele verhaal van de grote verhuizing van de Fleischers van hun hele animatie-eenheid naar Florida, en hun daaropvolgende uitschakeling door Paramount.<br />Meneer Bug Goes to Town heeft de reputatie van de animatiepioniers niet aan Paramount ontnomen, hoewel het vaak op die manier wordt verteld, en dit was Paramounts favoriete versie van het verhaal. Volgens Carbaga wilde de grote studio vooral de animatiestudio in de tang nemen en de berucht kibbelende broers helemaal uit de film werken. Meneer Bug verschafte hun precies het voorwendsel om dat te doen... De trieste afsluiting van een groots, eigenzinnig, vernieuwend hoofdstuk in de Amerikaanse animatie. Ik wilde ook opmerken dat de film eigenlijk op 4 december 1941 in première ging, niet op 7 december. Dat zou in elk geval wel eens kunnen kloppen, want in termen van de nationale stemming zou dat het succes van de film kunnen aantasten. Maar een ander deel van de legende rond dit woelige filmpje is dat hij werd afgelast omdat hij de pech had in de bioscopen te draaien op hetzelfde moment dat Dombo (verschenen op 23 oktober 1941) nog steeds heel druk bezig was met zijn vakantie. Ik heb geen onderzoek gedaan naar de kassanummers, maar ik zou zeggen dat Dombo's gelijktijdige aanwezigheid in de bioscopen waarschijnlijk indruk heeft gemaakt op meneer Bug. Films kijken was in die tijd op z'n best, en succesvolle films deden het maanden in de bioscopen goed... Iets onvoorstelbaars in deze typisch korte-film-dagen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik heb dit voor het eerst in zwart-wit gezien, rond Kerstmis in het begin van de jaren zestig, toen het op de Britse televisie werd uitgezonden. Ik was er helemaal weg van en keek het telkens weer na als het op tv werd herhaald (misschien maar twee of drie keer, toevallig <0xE2><0x80><0x93> als we toen videorecorders hadden gehad!).
Zoals door andere medewerkers is beschreven, beschrijft het verhaal de terugkeer van Hoppity de Sprinkhaan, na een lange afwezigheid, naar een Amerikaanse stad uit de jaren veertig. Hij ontdekt dat alles niet is zoals hij het heeft achtergelaten en zijn goede insectenvrienden (die in de 'hoge landen' wonen, net buiten de tuin van een songwriter en zijn vrouw) worden nu bedreigd door de'menselijke wezens'. <0xE2><0x80><0x93> die het kapotte afrasteringshek voor het huis vertrappen, dat zij als sluipweg gebruiken.
--Insectenhuisjes worden aan hun voeten platgetrapt en ook vaak verbrand door weggegooide sigarenpeuken en lucifers. De oude meneer Bumble en zijn mooie dochter Honey (Hoppity's jeugdliefde) lopen ernstig gevaar hun Honey Shop aan deze dreiging te verliezen.
--Om hun problemen nog groter te maken heeft de sluwe insectenmagnaat C. Bagley Beetle zelf romantische plannen met Honey Bee en hoopt hij met de hulp van zijn handlangers de Vlieg en de Mosquito te kunnen overreden Bumble te dwingen hem haar hand te geven. Zal de heldhaftige en onbevreesde Hoppity de slag winnen en erin slagen de insectengemeenschap te redden van hun lafhartige lot, en vooral zijn dierbare Honey van het hare? Geniet van de klassieke liedjes ('Katy Did, Katy Didn't' is een schitterend, swingend, vrolijk voorbeeld) en de kleurrijke beelden terwijl het verhaal zich ontvouwt.
De tijd heeft mijn fascinatie voor dit meesterwerk van animatie en verhalen vertellen niet afgezwakt, en ik was heel blij toen ik hoorde dat het op video was uitgebracht, hoewel ik er later achter kwam dat het een NTSC-PAL-formaat was. Hoe dan ook, ik liet onmiddellijk de video opsturen en kocht toen pas een draagbare tv-/videocombinatie (compleet met de weergave van de NTSC). Sindsdien heb ik veel nostalgische beelden gezien, en ik heb zelfs ontdekt dat de tv-rechten zijn overgegaan van de BBC (die me vertelde dat ze de film waarschijnlijk nooit op een van hun zenders zouden vertonen) naar FilmFour, die de film (eindelijk!) in het begin van 2007 op hun digitale zenders hebben uitgezonden.
Mijn kleindochter (die toen drie jaar oud was) was helemaal in de ban van de film <0xE2><0x80><0x93> en dit is een kind dat is beïnvloed door het digitale tijdperk en de daaruit voortvloeiende door de computer gegenereerde producties!
Ik zou deze film aan iedereen aanbevelen, en vooral aan de jongste kijkers.
Geef Max Fleischer een postume Oscar!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Mr. Bug Goes to Town was een van die films waar ik als kind over hoorde, maar tot nu toe was er nooit een kopie van gemaakt. Ik had de film net op dvd gezien en vond het een verrukkelijke, charmante film, met prachtige animatie, een goede plot en geweldige liedjes. Als deze film door Disney was gemaakt, zou hij als een klassieker worden beschouwd, maar omdat hij was gemaakt door een kleine, bekende filmstudio die allang niet meer bestaat, is de film door de mazen van het net geglipt.
De film was gemaakt door de Max Fleischer-studio's in hun studio's in Miami, FL, en werd uitgebracht door Paramount Pictures. De film zou op 1 december in première gaan. 7 mei 1941, de dag van de bomaanslag op Pearl Harbor. Hoewel dit waarschijnlijk niet bevorderlijk was voor de release van de film, draaide de film nog wel een jaar in een aantal bioscopen, wat bewezen kon worden door wat research. De film werd door de meeste grote Amerikaanse kranten een 'familie favoriet' genoemd. De film werd ongeveer elk jaar opnieuw uitgebracht, meestal rond de feestdagen, zoals Pasen, in elk geval in de grote steden.
Halverwege de jaren vijftig werd de film opnieuw uitgebracht onder de nieuwe naam 'Hoppity Goes to Town', genoemd naar de hoofdrolspeler in de film.
De film is een echt periodiek werk, waarin een stukje Americana wordt vastgelegd zoals dat aan het eind van de jaren dertig en het begin van de jaren veertig van de twintigste eeuw gebeurde. De animatie is geweldig en veel van de personages zijn heel schattig. De animatie van de mensen in de film gebeurt via het rotoscope-proces, wat betekent dat eerst de acteurs werden gefilmd en daarna de beelden door animators werden nagebootst, waardoor de beweging er heel echt uitziet.
De Fleischer-studio's waren een van de vele studio's die in de jaren dertig en veertig animatiefilms maakten. Hoewel sommige Fleischer-personages zoals Betty Boop, Popeye en de Superman-tekenfilms bekender zijn, wordt het werk van de studio min of meer vergeten.
Bijna als geheel is het werk van de Fleischer-studio's in het openbaar domein. Alle Superman-cartoons zijn openbaar, op één na alle 'Color Classics'-series zijn openbaar, en de film 'Gullivers Reizen' is ook openbaar. Deze film is naar het schijnt nooit in de Verenigde Staten op dvd of vhs uitgebracht, maar in Europa. Maar als je even op internet zoekt, kun je heel snel een kopie vinden. Ik kan je de zoekmachine aanbevelen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik herinner me al jaren een liedje:'just a couple in a castle' ('No. 20 moonbeam square, just a couple in castle in the air'). Ik kon het liedje niet vinden, maar ik herinnerde me dat het te maken had met tekenfilminsecten. Ik vond een verwijzing naar de film op internet. Ik had de film gezien toen ik nog maar 9 jaar oud was in het Ligonier PA-theater. Ik was blij toen ik zag dat Kenny Gardner de zanger was in de rol van Guy Lombaro (ik ben een fan van Lombardo). En toen zag ik dat de film geproduceerd was door de Fleisher Bros. die weer een heel goede, hele enge tekenfilm had gemaakt van 'Gullivar's Travels' (die ik me ook heel goed herinnerde). De liedjes werden ook geassocieerd met Hoagy Carmichael en Frank Loesser, die tot de allerbesten behoren. Geen wonder dat ik me de film, de song en de kleurrijke animatie herinnerde. Als volledige musical is dit een film die je je moet herinneren als een van de beste van de eerste volledige musicals. Nu ik eraan terugdenk, was de plot misschien niet zo geweldig, maar hij was heel goed in elkaar gezet en het was een gemakkelijke film om naar te kijken.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Hallo, ik denk al mijn hele leven over deze film. Ik zag hem toen ik 5 jaar oud was in Los Angeles, Californië, in 1942. Wat een prachtig verhaal van goed zijn voor elkaar, vriendelijkheid en liefdadigheid. Je vergeet dat het de insecten zijn die met elkaar verbonden zijn. Het was net alsof het mensen waren. Ik ben dol op deze film en mijn volwassen kinderen ook. Wat een prachtige kleur in deze film. Ik moet deze film nog eens zien. Er is een verhaal over een envelop in de film, maar ik kan me het 'waarom' ervan gewoon niet herinneren.<br />Bedankt voor het luisteren.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik heb deze tekenfilm gezien als kind, als vader en nu als opa. Het is mijn favoriete tekenfilm. Ik ben dol op de personages, de leuke deuntjes en de heel goede tekeningen. Ik ben helemaal weg van het belangrijkste liedje dat door de hele tekenfilm heen te horen is. Ik vind het een prachtig tekenfilmpje. Iedereen die ik het heb laten zien, is er gewoon dol op. Het is jammer dat het op zo'n slechte dag (de bomaanslag in Pearl Harbor) is uitgekomen. Als het niet zo slecht was getimed, zou het een groot succes zijn geweest. Ik hoop dat ik er een dvd van kan vinden, want alle videobanden doen het geen recht. Ik denk dat als iemand het aan zijn kind laat zien, ze hetzelfde resultaat zullen bereiken. Ze zullen het prachtig vinden.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Wat ik het mooist vond aan deze animatiefilm uit 1941 is het gevoel dat hij geeft voor het begin van de jaren veertig. Het zijn de liedjes, de kleding, auto's, het gebouwenjargon van die tijd, et cetera. Je hebt het gevoel dat je terug bent in de tijd.
Door sommige recensies die ik hier heb gelezen, begrijp ik dat het een pechfilm was, die een paar dagen voor de aanval op Pearl Harbor werd uitgebracht. Wauw, niemand zou in die roerige en schokkende dagen naar de film gaan voor een animatiefilm, dat weet ik zeker. Jammer, want de mensen zouden in die tijd, bijna zeventig jaar geleden, echt onder de indruk zijn geweest van een leuke animatiefilm. De kleuren zijn mooi, de tekeningen zijn goed en het verhaal zit goed in elkaar terwijl we de insecten zoeken die geleid worden door 'Hoppity' en zijn mooie meisje 'Honey' om het nog lang en gelukkig te maken en veilig te zijn. Het gaat er ook om dat ze allemaal een plekje in het gras vinden waar ze kunnen leven zonder bang te hoeven zijn dat ze door mensen vertrapt worden.
Maar er is een gemene schurk <0xE2><0x80><0x93> 'C. Bagley Beetle' <0xE2><0x80><0x93> en twee van zijn handlangers. Die helpers ('Swat, The Fly' en 'Smack, the Mosquito') zijn komieken, compleet met hun Brooklynse accent! Het verhaal is een bekend verhaal waarin een gemene oude man met het lieve jonge ding wil trouwen en haar op gewetenloze wijze tot een huwelijk dwingt. De goeierd heeft intussen het hele zooitje tegen zich, maar uiteindelijk wint hij natuurlijk.
Mijn favoriete gedeelte <0xE2><0x80><0x93> dit zal erger klinken dan het was <0xE2><0x80><0x93> was toen de goeierd 'Hoppity' tijdelijk geëlektrocuteerd werd en hij in zwart-wit danste. Dat was fantastische animatie!
Weet je, het is maar goed dat ik dit niet als klein kind heb gezien; ik zou bang zijn geweest om buiten te spelen en al die aardige insectwezens te verpletteren! Je weet nooit wat (of wie) er in dat gras onder je voeten zit!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Hoppity is een charmante, zij het lichtelijk grillige animatiefilm die, gezien het feit dat hij in 1941 is gemaakt, de tand des tijds ongelooflijk goed heeft doorstaan. Nu moet ik toegeven dat ik een zwak heb voor 'Hoppity gaat naar de stad' (zoals hij in het Verenigd Koninkrijk wordt genoemd), nadat ik met mijn broertjes en zusjes vaak naar een vhs-versie heb gekeken die door onze ouders op de tv is opgenomen. Stel je mijn verbazing voor toen ik vanochtend wakker werd en nog net op tijd was om hem op Channel Four te zien (om 06.15 uur was het weer zover!). De film was net zo verrukkelijk als ik me hem herinnerde, met de animatie die de tand des tijds heeft doorstaan en een prachtig moreel verhaal dat zowel ouders als kinderen zal aanspreken. Misschien dat ik deze vergeten klassieker op een dag met mijn eigen kinderen zal delen. Met een leuke aanloop voor kinderen (88 Mins) en een eenvoudige, maar toch meeslepende verhaallijn zit er echt iets voor iedereen in dit verhaal over de kleine jongen die op het goede pad komt. Ik kan me echt voorstellen dat dit met succes in CGI wordt herschreven. Let op Pixar.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

'Mr. Bug Goes To Town' was de laatste grote prestatie die de Fleischer-studio's produceerden. De kwaliteit van de Superman-serie die tegelijkertijd werd geproduceerd, is duidelijk te zien in deze buitengewone film.
De muziek en de tekst van Frank Loesser en Hoagy Carmichael (met hulp van Flieshcer-veteraan Sammy Timberg) zijn heel goed, maar niet zo goed als de score van de film door Leigh Harline, die ook Sneeuwwitje voor Disney scoorde. Harlines 'atmosfeermuziek' is voortreffelijk en een traktatie voor de oren.
De opbouw en de regie van de film waren jaren voor het tijd was, en opnieuw overtroffen de achtergrondartiesten van de Fleischer-studio zichzelf. De techin-kleurige schoonheid van de film valt niet te ontkennen, en hoewel Hoppity de sprinkhaan de ster is, wordt de film gestolen door de personages van Swat the Fly en Smack the Mosquito. De tekst van Swat door Jack Mercer (van de roemruchte Popeye-film) is van onschatbare waarde. Kenny Gardner (zwager van Guy Lombardo... en een van de sterzangers van zijn band... doet zijn gebruikelijke aardige werk in de rol van Dick Dickinsen.
De film is om alle verkeerde redenen bekritiseerd. De Fleischer Studio's waren animatiedeskundigen bij uitstek, en dit blijkt duidelijk uit het eindproduct. De film is melodieus, het verhaal groots voor alle leeftijden, en de laatste scènes van de insecten die voor hun leven vechten op een oprijzende wolkenkrabber vormen een van de beste montages en animaties van alle geanimeerde films uit verleden en heden.
Mis deze prachtig met de hand getekende film niet. Vergeet ook de titelsequentie niet met het meest gedetailleerde voorbeeld van Max Fleischers opmerkelijke 3-D steriotical proces dat vier maanden in beslag nam om 16.000 piepkleine glasruitjes te bouwen en te gebruiken in de 'geëlektrificeerde' gebouwen van Manhattan.
Mis niet de heer Bug Goes To Town... oftewel Hoppity Goes To Town. Ik durf te wedden dat je met open mond naar het resultaat kijkt!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Nou ja, misschien ben ik wel bevooroordeeld omdat ik als kind naar een dvd van deze film heb gekeken, die nu klaar is om afgedraaid te worden en ik net een paar uur bezig ben geweest om een dvd te vinden als verjaardagscadeau voor mijn vader. De film is zo onschuldig en onschuldig dat hij voor alle leeftijden geschikt is... veel beter dan alles wat Disney ooit heeft gemaakt naar mijn mening (en ik werkte vroeger in de Disney-winkel!!!). De personages zijn leuk en de prijs voor de beste scène is een verband tussen de verstoorde bruiloft (vooral de muzikale talenten van Swat, the fly, en Smack the mug) en de fantastische nachtclubscène. Bij de muzieknummers moet ik nog steeds neuriën, twintig jaar nadat ik hem voor het eerst heb gezien. Er is geen andere film die ik beter kan aanbevelen tijdens het babysitten, en in feite heeft elk kind dat ik ken (dankzij mijn liefhebbende Hoppity-ouders) deze film al vele malen gezien. Hij zal altijd hoge cijfers krijgen voor zijn fantastische liefdesverhaal, een briljante slechterik en boven alle originaliteit.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Als Hoppus naar de stad gaat, ontdekt hij alleen maar slecht nieuws voor zijn insektachtige buren in de Lage Landen. Kan deze eerlijke, goedmoedige sprinkhaan zijn liefje, Miss Honey Bee, redden van de machinaties van de kwaadaardige C. Bagley Beetle <0xE2><0x80><0x93> en ook zijn vrienden naar een veilig nieuw thuis leiden <0xE2><0x80><0x93> voordat het te laat is?
Hoewel niet een van de grote geanimeerde onderdelen (een zeer nieuwe kunst in de tijd dat deze film werd gemaakt) Hoppus is een plezierige film die de kritiekloze kijkers plezier zou moeten doen. Technisch is hij goed gemaakt, met een over het algemeen goede animatie. Het grootste nadeel van de film is dat geen van de personages echt een hart van goud heeft <0xE2><0x80><0x93> ze komen niet levensecht over. op het scherm, zoals Jiminy Cricket een jaar eerder in PINOCCHIO.
Het is echter niet eerlijk om de productie van de Fleischer Studio te vergelijken met die van Disney. Max & Dave Fleischer hadden hun eigen ster te volgen; hun bijdrage <0xE2><0x80><0x93> en het zou een aanzienlijke zijn <0xE2><0x80><0x93> zou in het domein van de tekenfilm liggen. Met hun POPEYE en BETTY BOOP-serie schiepen ze alternatieve werkelijkheden die even levensvatbaar waren als die van andere tekenfilmstudio's. HOPPITY was hun tweede experiment met animatie over de gehele lengte (na GULLIVER'S TRAVELS in 1939), en vanaf dat moment zouden ze hun energie weer aan het korte tekenfilmonderwerp wijden. In feite was de eerste van de zeer lovende SUPERMAN-serie al in omloop.
HOPPIE' Het verhaal heeft veel te danken aan Frank Capra, het is energiek, ga als held de strijd aan met machtige maatschappelijke krachten. De oorspronkelijke titel van de film was 'Mr. Bug goes to town', wat je onmiddellijk doet denken aan Gary Cooper of Jimmy Stewart en hun Capra-achtige avonturen.
Jack Mercer, beroemd als de stem van Popeye, spreekt hier voor twee heel verschillende personages, de oude heer Bumble & Swat the Fly. Filmfanaten moeten in staat zijn om veteranen als Pinto Colvig & Mae Questel te strikken, beiden in ongecensureerde rollen.
De film bevat een paar leuke liedjes van Hoagy Carmichael & Frank Loesser, waarvan 'Be My Little Baby Bumble Bee' het bekendst is. is een mooie romantische melodie die herontdekt dient te worden.
Het is jammer dat de eerste animatiefilm, met zijn zwaai vanuit de hemel en voorbij de ondoordringbare skyline van New York, achter de openingstitels verdwijnt.