inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

De grootste periode van de cinema begon in het Europa van na de oorlog, met de neorealistische beweging in Italië. In de twee of drie decennia die volgden, trok Frankrijks New Wavers de aandacht van iedereen, en er was altijd wel een Bergman ergens op zijn verlaten Scandinavische eiland die er bittere meesterwerken van maakte. Maar in 1971 bracht Luchino Visconti de kunstvorm, geografisch gezien, in zijn geheel naar de kroon met zijn wonderbaarlijke werk _Death in Venice_, dat net zo goed _The Death of Europoean Cinema_ had kunnen heten. Toen de jaren zestig ten einde liepen, deden de grote Europese filmmakers dat ook, op enkele uitzonderingen na, die over het algemeen uitgeput raakten en de fakkel doorgaven aan een nieuwe Amerikaanse generatie van Movie Brats (Coppola, Scorsese & Co.). Deze film voelt absoluut aan als een groots slot, niet alleen van Visconti's film. De Visconti's zijn niet zozeer geobsedeerd door esthetische idealen, als wel door de algemene poging van Europese filmmakers om het esthetische ideaal in de film te bereiken. En wees gerust, u zult geen strenger meester vinden dan de Visconti's die hier zijn onthuld. Hij speelt niet voor de massa, mensen: of je gaat achter hem staan en volgt hem, of je wordt achtergelaten. Het ijsberen is een uitdaging: langzaam, maar nooit zonder emotioneel gewicht. 'Incidenten' zijn er maar weinig en met grote tussenpozen, maar ze lijken stuk voor stuk geladen met symbolische betekenis in een sturm-und-drang kosmos.
'We zullen waarschijnlijk nooit meer in zulk verheven gezelschap verkeren, wat de film betreft: een van de honderd.' Visconti is een van de grote schrijvers die het verhaal inspireerden (Thomas Mann), een van de grootste filmmakers die het regisseerden (Visconti), een van de grootste acteurs in de hoofdrol (Dirk Bogarde) en bijna onophoudelijk op de achtergrond aanzwellend: de Vijfde Symfonie van Gustav Mahler. Visconti maakt volledig gebruik van Mahlers vermogen om zelfs de meest cynische vrouw tot romantiek aan te zetten, en verandert de hoofdfiguur, Aschenbach, van een afgeleefde componist in een afgeleefde schrijver, en verzint zelfs dat Bogarde op Mahler lijkt (slungelige snor, bril, warrig haar, eendachtige manier van lopen). Bogarde levert, tussen twee haakjes, de waarschijnlijk grootste prestatie van een acteur in de geschiedenis van de film. Het is een grotendeels zwijgende vertoning, en de acteur moet met een gebaar of een blik heel veel betekenis overbrengen <0xE2><0x80><0x93> een moeilijke kunst zonder als Chaplin te doen of gewoon als een levend lijk.
Cinema kan niet beter. Ik zal de klachten van de Ritalin-verslaafden negeren die zeggen dat het te langzaam gaat, maar zelfs de meer legitieme klachten over een paar flashbacks van Aschenbach met die vijandige vriend van hem zijn misplaatst. De flashbacks passen keurig binnen de thematiek van de film (d.w.z.: wat is de beste weg naar esthetische perfectie: passie of discipline?), en het plotselinge en schrille van deze onderbrekingen zorgt ervoor dat de kijkers niet slaperig worden. (Natuurlijk zullen sommige kijkers door deze film heen slapen. Een non-stop stroom van Mahler en een mooi, stervend Venetië zou niet meer dan een mooie film zijn, maar deze film gaat eigenlijk over iets. En het gaat vooral over lijden, in het bijzonder het lijden van een romantische (Capital R) romanticus. Visconti, zelf een lijdende romanticus, wist waarover hij het had.
************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************************ De klimatologische opeenvolging vat alles samen waar de film over gaat: liefde, lust, schoonheid, verlies, het einde van een leven dat zich aftekent tegen het begin van een ander leven, en een koude dood te midden van warme, zonnige schoonheid. Death in Venice** is een wonderbaarlijk kunstwerk.
**Dvd-tip** : net als bij het gelijktijdig uitgebrachte meesterwerk _The Damned_ van Visconti, raad ik je aan de Engelse ondertiteling aan te zetten als je naar de film kijkt. Hij is zogenaamd in het Engels, maar het geluid van de dvd klinkt nogal wazig en er wordt trouwens ook veel Italiaans gesproken tijdens de film.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

De controversiële roman van Thomas Mann vormt de basis voor de film 'A Death in Venice'. In het boek is de held een auteur, maar in de film verandert de regisseur Luchino Visconti, die ook het scenario heeft geschreven, hem in een compositeur. Als zodanig is de auteur/componist Gustav von Aschebach (Dirk Bogarde) een opgebrande ambachtsman. Na een lange en succesvolle carrière zoekt hij nu de rust en kalmte van een minder hectisch leven. Hij besluit op vakantie te gaan naar Venetië, waar hij zijn slinkende ambitie hoopt te verjongen. Maar terwijl hij in het pittoreske vakantieoord aan zee verblijft, trekt hij de aandacht van een beeldschone jonge tiener, Tadzio (Bj<0xC3><0xB6>rn Andrésen), die hem met nieuwsgierige belangstelling gadeslaat en op slag verliefd op hem wordt. Hoewel Gustav gefascineerd is door de wonderbaarlijke jongen, moet hij toch enige tijd alleen zijn met de gouvernante van de jongen (Nora Ricci), terwijl hij te maken heeft met een plaag die de stad lijkt te hebben geteisterd. De filmdialoog blijft, net als de roman, subtiel, net als de korte ontmoetingen tussen de jongen en de kunstenaar. Uiteindelijk wordt het publiek, in tegenstelling tot het boek, belemmerd door insinuaties en fantasierijke fantasieën. Hun verhouding krijgt nooit vleugels, krijgt nooit substantie, krijgt nooit een kans, en als er geen korte oplossing in het boek was geweest, had de film alleen maar de mogelijkheid van'stel dat'. Niettemin kun je met de held meevoelen en hem een ogenblik rust gunnen om te verkrijgen wat verboden is, ongrijpbaar, maar beslist bekritiseerd door spiedende ogen. Geweldig verhaal en een Bogarde-klassieker.

targets: De beoordeling hier is positief.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Zijn de badplaatsen de droeve, troosteloze plaatsen die ze altijd verbeelden, zoals in films en romans? Deze film, samen met de bijna-contemporaire 'Don't Look Now', portretteert Venetië als een bijzonder smerige en decadente toeristenval (voor een luchthartiger benadering, zie 'Just Married' met Ashton Kutcher en Brittany Murphy). Ik ben nooit in Venetië geweest, maar het vormt een perfecte achtergrond voor dit sombere, maar weelderige spektakel van Luchino Visconti, een van de grote stylisten van de wereldcinema. Nu ik de film heb gezien, zou ik willen dat ik de novelle van Thomas Mann had gelezen waarop hij is gebaseerd (die ook een inspiratiebron vormde voor een opera van Sir Benjamin Britten). Ik ken het achtergrondverhaal en de film heeft weinig plot of uitleg, en ik vraag me af of Aschenbach (Dirk Bogarde) geobsedeerd is door de jonge Tadzio. Is hij homoseksueel? Een pedofiel? Of is zijn verlangen naar de mooie jonge vrouw onschuldiger? Misschien herinnert Tadzio hem aan wat hij had kunnen zijn en weet hij nu dat hij dat nooit zal zijn. Degenen die klagen over het trage tempo van de film moeten zich beperken tot auto-ongelukken en kung-fu: na 2 uur en 15 minuten is de film niet bijzonder lang en beweegt hij zich in een rustig, maar nauwelijks traag tempo. De film heeft baat bij de betoverende muziek van Gustave Mahler, op wie Aschenbachs personage duidelijk is gebaseerd. Dirk Bogarde geeft een ontroerende voorstelling, en de film wordt opgeluisterd door de aanwezigheid van Silvana Mangano, een van de grote schoonheden van Italië, als Tadzio's moeder.

targets: Deze recensie is positief.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Visconti's 'Dood in Venetië', dat zich afspeelt in Venetië en voornamelijk op het Lido, is een triomf van het filmen, een combinatie van de uitmuntende Dirk Bogarde's karakterisering en de vakkundige fotografie van het gebied in al zijn dagelijkse stemmingen. Voor degenen die van Venetië houden, is dit een film om te koesteren.
Mahlers muziek, die veelvuldig in de film te horen is, verhoogt het drama. De stemming die daardoor ontstaat, is niet altijd gelukkig. Maar ja, wat kun je anders verwachten met zo'n titel?
Er is niet veel dialoog in de film. Eigenlijk niet veel. Het zijn voornamelijk achtergrondgeluiden, gebabbel en gelach van de hotelgasten. Het intrigerende onderdeel is de uitwisseling van blikken tussen een zekere Gustav von Aschenbach, een componist van enige faam, en een slanke tiener, Tadzio, die elkaar van tijd tot tijd zien aan de tafels in de eetzaal van het hotel, op het strand en op vreemde, onverwachte plaatsen in Venetië. Ze lijken elkaars aanwezigheid eerst verlegen te erkennen met weinig meer dan een zweem van een glimlach, maar later met een sterke, fascinerende, dringende blik.
Iedere toeschouwer zal zijn eigen interpretatie hebben. De componist heeft een kind van zichzelf verloren. Is dit gedrag een uiting van verlangen naar het kind van wie hij hield? Is het misschien een seksuele aantrekkingskracht voor deze fragiele jongeman met zijn verdwaasde, ietwat meisjesachtige blik? Zou hij een nieuwe inspiratiebron ontdekken voor een nog ongeschreven meesterwerk? Wie weet?
Van het begin tot het eind toont deze film de ware geest van het negentiende-eeuwse Venetië. De elegantie van de dames, de ligstoelen op het zand, de kinderen die ronddartelen in hun badpakjes van nek tot knie, de gloed van zonsondergangen en een algemeen gevoel van tevredenheid met de wereld. Hoewel sommigen misschien denken dat het tempo soms nogal traag is, heeft de film over het geheel een zachtaardige kwaliteit, maar met een smeulende besluiteloosheid tussen twee onderdrukte menselijke wezens. Wees voorbereid op een droevig en mooi einde.

targets: Het antwoord is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Het verhaal van een vreemde liefde en een ontluikend verlangen. Gedicht over schoonheid en zijn volmaaktheid, angst en aanraking. Een schijfje Visconti, Mahler en Mann. En een gekweld Venetië. Ik weet niet of het een meesterwerk is, een gedicht of de weerspiegeling van de wereld van een filmregisseur. Het is absoluut een'memento mori' en een verkenning van illusie. Een oude spiegel van grenzen, tekens en de teerheid van de dood. Een reis in een oude ruimte, nostalgisch, wreed en schitterend. 'Dood' is een reiskopie van Orfeu in de onmiddellijke werkelijkheid. En de essentie is de muziek. Een zachte, zoete muziek, als honing of het vuur van de winter. Als elke spijt en elk verdriet. Als een toevluchtsoord in diepe eenzaamheid. Hij is de onderzoeker van de laatste vorm van Gods aanwezigheid. De Schoonheid, die schoonheid die het leven zin geeft, die tegelijk zonde en deugd is, het geschenk van verwachtingen en lijden. Hij sterft omdat hij het recht heeft te hopen, te geloven in de werkelijkheid van wonderen en op zijn eigen manier. Een slachtoffer? Vergeet het maar! Alleen Tadzio kan de vrijheid geven als een onbetekenend offer. Wie heeft gezien dat de zon kan hopen in dezelfde toestand te leven?


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

In Luchino Visconti's film _Dood in Venetië_ is het niet alleen de schoonheid in de omringende wereld die vervalt, maar in de jacht op de schoonheid zelf vervalt Gustav von Aschenbach tot niet meer dan een omhulsel van een man. Om het verval te begrijpen, moeten we de schoonheid erkennen die ons betovert, die het best beschreven en uitgelegd kan worden in een citaat van Socrates dat in Thomas Manns versie van _Dood in Venetië_ te vinden is: 'Alleen schoonheid is mooi en is tegelijkertijd zichtbaar - want het is het enige aspect van het spirituele dat we met onze zintuigen kunnen waarnemen - en wat zou er gebeuren als het goddelijke, als de rede en de deugd en de waarheid met ons zouden spreken via onze zintuigen? Zouden we dan niet ten onder gaan en verteerd worden door liefde?' In de film zien we precies hetzelfde gebeuren: de man wordt omhuld door een verlangen naar schoonheid, dat overgaat in een verlangen naar de jongen, Tadzio. Hoewel het nuchtere deel van zijn geest hem vertelt dat het aanbidden van schoonheid kan leiden tot sensualiteit en overgave, kan hij zich niet inhouden.
Het zou gemakkelijk zijn om dit als een mooie film te beschrijven; al in het begin zien we de extravagantie van de salon, en we worden getrakteerd op een perfecte samenvatting van het leven van de hogere klasse van rond de eeuwwisseling, allemaal perfect op film vastgelegd door de filmer Pasqualino De Santis. Maar Visconti geeft zich niet over aan de pittoreske aspecten van Venetië. In plaats daarvan zijn de glorieuze en sensuele artistieke prestaties uit het verleden gebaseerd op materialisme en sensuele schoonheid, en die dingen worden naar het verleden verbannen. De stad waarvan we weten dat hij van ongeëvenaarde schoonheid en uniekheid is, is niets meer dan een vakantieoord met een nieuwsgierig hotelpersoneel. De straten worden uitputtende labyrinten vol walgelijke viezigheid en verrotting, de stad vervalt in de pas met de hoofdpersoon. Alleen door de flashbacks krijgen we een glimp te zien van waarom deze beroemde componist een broze en onschuldige man is. De dood van zijn dochter, en waarschijnlijk ook die van zijn vrouw, en het uitvallen van zijn muziek stellen ons in staat te begrijpen waarom hij zichzelf kapotmaakt. Alfred, met wie Aschenbach diepgaande gesprekken voert over de betekenis van schoonheid en wie die kan scheppen; maar Alfred is meer dan een vriend, hij is Aschenbachs alter ego, en wat Alfred zegt verwoordt de twijfels en angsten van de componist zelf. De scène waarin Aschenbach besluit Venetië te verlaten wordt onmiddellijk gevolgd door een fragment waarin Alfred hem vertelt dat hij zwak is, vervreemd en dat hij geen gevoelens heeft. Uiteindelijk zouden we kunnen concluderen dat deze flashbacks helemaal niet de werkelijkheid zijn. Het is een verval van het geheugen in plaats van objectieve weergave van het verleden, deze flashbacks worden vervormde herinneringen. We kunnen zeggen dat het verval van herinneringen is omdat zelfs Aschenbach erop zinspeelt, hij verklaart: ' en, na de scène in het kantoor van het reisbureau, zien we hoe Aschenbach Tadzio en zijn familie confronteert en waarschuwt dat ze Venetië moeten verlaten, maar direct na de ontmoeting zien we hem weer bij de klerk zitten en beseffen dat het allemaal in zijn verbeelding is gebeurd. Hij gebruikt lange scènes zonder dialoog die worden omlijst door de aangrijpende muziek van Gustav Mahler. Hij laat de geest van de kijker dwalen terwijl we Aschenbachs leven en eerbaarheid zien vergaan met de schoonheid om hem heen.
Langzaam beseft de kijker dat onze held wordt overweldigd door uitputting, vermengd met een groeiend besef dat de stad stikt van het vuil. De afbrokkelende stad vormt het toneel voor de middelbare man.' De film eindigt met Von Aschenbach die zwakjes in een strandstoel zit te kijken hoe Tadzio met zijn vriend vecht, we zien de zwarte verf uit zijn haar over zijn wang lopen en het lijkt op verrot bloed, het is een visioen van de laatste momenten van zijn leven, maar dan voor zijn laatste adem. Het uiteindelijke verval is begonnen, overal om hem heen is de stad bezoedeld, en daarmee is hij geworden wat hij verafschuwt. Als Aschenbach sterft, heeft hij hetzelfde geschilderde gezicht als de oude man op de veerboot aan het begin van de film, een man die hem had verontrust. Het najagen van schoonheid was de oorzaak van zijn verval, bij het najagen van artistieke schoonheid kon hij zijn eigen verscheiden en dat van de stad om hem heen niet voelen; zijn sensualiteit wordt bevredigd, maar voortdurend in toom gehouden door de aanwezigheid van dood en verval. Het zijn deze drie thema's die De Verdoemde en de Dood in Venetië met elkaar verbinden, schoonheid, dood en verval, deze thema's zijn de kunst van Visconti, de schoonheid van zijn werk ligt in het verval van de schoonheid zelf. In deze film worden we getrakteerd op de uitspattingen van één groot man. We zien de geëerde componist Gustav von Aschenbach die op zoek is naar ware en zuivere schoonheid, en het is deze eigenschap die overal om hem heen vergaat en hem naar een ellendige, eenzame dood leidt terwijl hij het doelwit van zijn affectie gadeslaat. Ik geloof dat Visconti ons door deze films probeert te vertellen dat wat mooi is niet kan blijven bestaan. Verval is intrinsiek in de wereld om ons heen, en als we worden afgeleid, kan het de pracht vernietigen. In _Dood in Venetië_ wordt alles vanwege de cultuur en het streven naar schoonheid gewist. Schoonheid en vergankelijkheid zijn als doornen verweven in Visconti's werken, tegelijk mooi en destructief, het zijn deze thema's die zijn kunst bepalen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik kan niet goed verklaren waarom ik dit zo aantrekkelijk vind en 'The Leopard' niet; het kan zijn omdat de aandacht hier gericht is op alles wat geweldig was aan die film, die intieme momenten die Visconti zo schitterend kan vertolken. Net als die film heeft hij een majestueus traag tempo, maar deze keer is het niet te lang. Het is het soort film waarin niets gebeurt, behalve dat er twintig minuten voorbijgaan. Ik denk dat dat deels te danken is aan de manier waarop de film omgaat met flashbacks die fungeren als hun eigen miniverhaal. Net als 'The Leopard' heeft hij een sympathieke hoofdrol die hetzelfde soort versleten pathos opwekt <0xE2><0x80><0x93> hoewel Bogard's' De manier waarop Gustav het onderwerp van zijn genegenheid aan ons voorstelt, is briljant: de camera toont een meisje, een meisje, een meisje, en dan die mooie, vrouwelijke jongen. Het is een soort toespeling op de sonnetten van Shakespeare, en het voelt niet zwaar aan. Pas als de camera Tadzio volledig in beeld heeft, zich terugtrekt en we zijn lange, slanke benen zien, beseffen we dat hij geen jongen is, maar een puber - in het begin zijn we gedwongen om op een ongemakkelijke manier vraagtekens te zetten bij Gustavs aantrekkingskracht; Visconti moet dat hebben geweten, en hij deinst er niet voor terug.) Visconti is buitengewoon geduldig met Gustav; we krijgen een indruk van de man, we kennen hem. Het is een grotendeels zwijgende voorstelling, en als hij zijn mond opendoet, is dat om venijn uit te spuwen; geen wonder dat hij wil dat de engelachtige jongen met de open gelaatstrekken zich op hem projecteert. Er is een verschil met Tadzio (we kennen hem nooit, net zoals we nooit een handvol groteske Fellini-stukken kennen, maar dat is...' Maar het is niet zo flirterig als het lijkt (er is echter wel een scène waarin hij om een paal heen draait die te veel is). Tadzio leidt hem niet noodzakelijkerwijs af <0xE2><0x80><0x93> hij kijkt naar hem; Visconti zoomt alleen maar in, dat is alles.<br />De film beschrijft Gustav niet als homo <0xE2><0x80><0x93> Tadzio is niet eens echt een man, hij is een opgedirkte versie van een jongen (delicaat, bleek, spichtig, met gouden lokken) waar iedereen van lijkt te houden (inclusief een beeldschone, iets oudere jongeman met wie hij worstelt). Wat als een verwijzing naar Gustavs homoseksualiteit zou kunnen worden opgevat, is de beroemde kappersscène, die zijn onderdrukte ijdelheid aan het licht brengt. Het is niet helemaal geslaagd: de hele scène met Alfred is een verspilling, en een paar overbodige scènes, mensen die tassen dragen, hadden weggelaten kunnen worden. Sommige scènes zijn grof, zoals wanneer Gustavs boot aanmeert en ruige jongens hem voorbijlopen - de uitdrukking op zijn gezicht is te opvallend. (Maar in dezelfde scène krijgt Gustav een woedeaanval omdat hij een nieuwe roeier wil, iets wat zo onverklaarbaar is dat het het goedmaakt.) Maar er zijn scènes - die elkaar voor het eerst raken - die een opmerkelijke, stille intensiteit opbouwen. Tadzio die een pianoliedje steeds weer herhaalt, de noten trillend in de lucht, is misschien wel het beste voorbeeld van de spanning die de film uitstraalt. Er is één discussie die een debat bevat dat me bijzonder interesseert: kan kunst spiritueel zijn als ze de zintuigen bevredigt, of moet ze verdergaan dan de zintuigen? (We kunnen Tarkovski, die zowel Visconti als Mann waardeert, beschouwen als het beste voorbeeld van iemand die verder gaat dan de zintuigen.) Ik denk dat deze het allebei kan.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Het is misschien moeilijk uit te leggen, maar deze film is een meesterwerk. Misschien omdat ik me nooit had kunnen voorstellen dat een verhaal als dit, of een film met zo weinig woorden, al die poëzie zou uitdrukken. De ware poëzie en aristocratie van de menselijke hartstochten en obsessies. Bogard is verbazingwekkend en onnodig om te zeggen dat Venetië wordt gebruikt als een volmaakt decor: donker, deprimerend en somber, net als Bogards ziel. En klassieke muziek is meer een eenvoudige achtergrondmuziek die de menselijke gevoelens begeleidt. Naar mijn mening een klassiek meesterwerk van de europese filmkunst.

targets: De recensie is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Vanaf de eerste tot en met de laatste scène blinkt regisseur Visconti uit in zijn kunst, in die zin dat de film voor God mag weten hoe lang een culturele schat blijft. Het is perfectie <0xE2><0x80><0x93> als film, bedoel ik <0xE2><0x80><0x93> maar het verhaal heeft een paar kleine tekortkomingen.
De roman van Thomas Mann is ook een perfect kunstwerk, dus het is natuurlijk onmogelijk om het in een andere vorm te gieten. Visconti volgt het verhaal min of meer, en pas als hij een beetje afwijkt, hapert de overgang. En hoe prachtig het landschap ook is, de spanning in de lucht tussen de personages, de honderden subtiele signalen en allegorieën, de bijna onverdraaglijk verhoogde bezetting van Mahlers muziek <0xE2><0x80><0x93> toch verontrusten de minieme afwijkingen in de plot me.
Misschien ben ik gewoon het slachtoffer van het verlangen van de mens om alles perfect te hebben. Niettemin zal ik één voorbeeld noemen, dat ik als cruciaal beschouw.
WACHTWOORD: SPOILERS
In Manns verhaal eet Aschenbach de aardbeien die waarschijnlijk de ziekte bevatten die hem zal doden, nadat hij zijn gefrustreerde jacht op de jongen Tadzio in Venetië heeft opgegeven. Niet in staat om de ene lekkernij te vangen, neemt hij genoegen met een andere <0xE2><0x80><0x93> die hem vergiftigt. Het is heel subtiel in het boek, maar het is er wel. De verboden vrucht, min of meer, maar meer een teken dat hij het leven zelf opgaf.
In Visconti's film eet hij ook aardbeien, maar in een nogal onbetekenende scène bij het strand. De jacht in Venetië eindigt op een veel melodramatischere manier. Het werkt ook, maar het ontbreekt aan enige subtiliteit, inderdaad, en ook aan het gelaagde symbolisme, dat voedsel geeft om over na te denken.
Maar dat is allemaal vergeven als de film ons in staat stelt ons tegoed te doen aan prachtige scènes, gezichten en constellaties, en zeker aan zoveel andere symbolen als we kunnen verteren: het laatste gebaar van Tadzio, staande in het water, is de even sublieme en mysterieuze finale.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Bevat Spoilers

Luchino Visconti's verfilming van de novelle van Thomas Mann is visueel, zo niet filosofisch, trouw aan de bron (Brittens opera is een getrouwer weergave van de apollinische en dionysische strijd die de op leeftijd geraakte schrijver teistert). Het is zonder meer een van de mooiste films die ooit zijn gemaakt.
In de Visconti-versie ligt de nadruk meer op de fysieke aspecten van het verhaal. Nooit heeft Venetië er mooier en verleidelijker, decadenter en slapelozer uitgezien. Als je de novelle hebt gelezen, is het alsof de beschrijvingen op de bladzijden tot leven komen. Hoewel hij erg weinig dialoog heeft, brengt hij de bitterheid, de opgelaaide passie en uiteindelijk het meelijwekkende verlangen van Aschenbach alleen al door middel van gezichtsuitdrukkingen over. Bj<0xC3><0xB6>rn Andresen, de jonge acteur die Tadzio speelt, het beeldschone voorwerp van Aschenbachs verlangen, was perfect gecast. Ook hij speelt de rol met gezichtsuitdrukkingen en gebaren. De rol van Tadzio is van cruciaal belang voor het verhaal, dus elke acteur in deze rol moet het waard zijn om hartstocht en verlangen op te wekken. Visconti, met zijn ongelooflijke oog voor schoonheid, wist precies wat hij deed. En om Ashenbach van een schrijver te veranderen in een componist die gebaseerd was op Gustav Mahler, en vervolgens Mahlers muziek te gebruiken, vooral de Adagietto uit de Vijfde Symfonie, was nog een briljante zet. De muziek en _Dood in Venetië_ zullen altijd onlosmakelijk met elkaar verbonden blijven in mijn gedachten. Net als de spookachtige beelden die door de film heen opduiken, vooral dat laatste van Ashenbach die op het strand sterft terwijl Tadzio langzaam de zee in loopt.
Op een dag zal deze film op dvd worden uitgebracht en zullen de visuele pracht en praal ervan volledig aan ons worden teruggegeven.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Persoonlijk kan ik het alleen maar eens zijn met Stephen-12: laat je gaan. Het heeft echt geen zin om te proberen deze film te 'vangen'. Ik hou van films waarin niets (onopvallend) gebeurt. Herzogs 'Aguirre, der Zorn Gottes' heeft hetzelfde niets, hoewel die film minder overtuigend is, omdat de climaxen nogal in het begin van het verhaal zitten, dus moest Herzog zich concentreren op de natuur versus Kinski. _Morte a Venezia_ is echter heel anders, omdat die verschillende climaxen, wendingen enzovoort heeft. Vanaf het punt waar Aschenbachs bagage verloren gaat, gaat de film bijna'snel' naar zijn grote finale (zijn laatste zandkorrels beginnen door de zandloper te lopen na het moment van gelukzaligheid waarop hij fantaseert over het waarschuwen van de Poolse familie en het strelen van Tadzio's haar). Je kunt, als je wilt, in deze een paar echte aanwijzingen/symbolen zoeken (dat hij probeert zijn bagage achter te laten vanaf het moment dat hij arriveert, dat Tadzio aan het eind wijst, dat de inhoud en de vorm van de hele film volkomen in overeenstemming zijn), maar het heeft geen zin om dat te doen: het zal de film niet beter of slechter maken, want de kracht ligt in de onderstroom van de hele verhaallijn, die nooit expliciet wordt gemaakt. Tonnen geschiedenis, rottend Europa, het einde van het 'romantische tijdperk' zoals we het hebben leren kennen, dat slechts het begin is gebleken (individuele emoties & uitdrukkingen zijn nu belangrijker dan ze ooit zijn geweest). Maar wacht, nu begin ik zelf die ene kleine (kleine) tekortkoming van de film te ontwikkelen: de 'laten we het over kunst hebben'-fragmenten. Nu is er één ding dat je nooit moet doen. Ikzelf geloof dat het op andere manieren tot uitdrukking had kunnen komen. Bovendien geloof ik dat het in de rest van de film al heel duidelijk wordt.<br />Ik hou niet van expliciete films. Ik kan boeken lezen, dus ik wil geen verhaallijn die alleen maar spreekt tot mijn beweegredenen. Ik geef de voorkeur aan films die je niet in woorden kunt uitleggen, maar alleen in film (Lynch' Lost Highway, Weir's Picknick bij Hanging Rock en Roeg's Roeg). s Man Who fell to Earth behoort ook tot die categorie, want het heeft een reden om te bestaan als film en niet alleen als boek. En de novelle van Thomas Mann dan? Ik heb het nooit gelezen, maar vergeet het maar! De film geeft een ander gezichtspunt: hij zegt dingen die je nooit in een boek kunt zeggen. Hij gebruikt de filmkunst om je door beelden en muziek hetzelfde te laten voelen als wat Mann je liet voelen door middel van tekst. Net zo briljant, maar andere werelden.

targets: Gegeven de recensie, mijn antwoord is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Visconti's meesterwerk! Ik geef toe dat ik veel van zijn werk niet ken, maar ik kan me niet voorstellen dat zijn andere werk deze fabelachtige film zou overtreffen. Gisteravond heb ik _Dood in Venetië_ gezien na een afwezigheid van ongeveer 25 jaar en ik was volkomen geboeid door alles wat ik zag. Deze geboeidheid was een pastiche die uit vele elementen bestond: de buitengewone opnamen die Visconti heeft gemaakt, voornamelijk zijn liefde voor lange, lome opnamen van mensen die eten, zwemmen, wandelen en een belangrijk karakter uitbeelden terwijl ze door deze massa mensen lopen; de briljante interpretatie door de filmers van Visconti's keuze van de opnamen; het acteren volgens de principes zonder al te veel dialogen en de scènes alleen al door de gezichtsuitdrukkingen complex laten overkomen. Het is waar: jonge mensen die deze film voor het eerst zien, moeten zich ervan bewust zijn dat ze naar een unieke film kijken, een film die in 2006 niet gemaakt had kunnen worden. Een film waarvan de tijd ligt in die korte periode in de jaren zestig en zeventig van de vorige eeuw, toen de artistieke vrijheid werd gegeven aan filmregisseurs en filmbonzen die secundaire rollen kregen. Zoals veel commentatoren van IMDb hebben geschreven, is deze film naar hun mening lang, saai (te weinig actie) en pretentieus. Ik neem aan dat deze commentaren, naar de maatstaven van Hollywood-pap, verdienstelijk zijn. Jammer genoeg minimaliseren ze op tragische wijze de verbazingwekkende schoonheid en diepte van dit werk en Alsjeblieft, als je de Dood in Venetië niet hebt gezien, huur dan een exemplaar en verdiep je in een film en een verhaal uit een andere tijd. Je zult beloond worden.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik heb die film vele jaren geleden gezien en ik vond hem verschrikkelijk <0xE2><0x80><0x93> ik kon niet wachten tot hij afgelopen was en ik zou naar buiten zijn gelopen als er niet een meisje op mijn schouder had liggen slapen. Weet je wat? Ik ben die film nooit vergeten, sterker nog, ik zou zeggen dat hij me door de jaren heen blijft achtervolgen met zijn beelden en muziek. Over hoeveel films heb ik gehuild en gelachen in de bioscoop, en ze vervolgens vergeten zodra ik de straat op ging, zoals... zie je, ik kan er niet eens een bedenken! Rarer zijn films als _De dood in Venetië_, die je bewustzijn binnendringen en de zee veranderen. De Fransen zeggen graag dat film een kunst is, en films als deze bewijzen dat ze gelijk hebben. Ik geef hem 10 sterren, hoger dan de 3 die ik hem gaf op de avond dat ik hem zag.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Het heeft alle elementen die je zult haten <0xE2><0x80><0x93> een lome benadering van de filmtaal, een schilderachtig gevoel voor compositie, een intense homo-erotische focus op het elegante verhaal, een prachtig en ongebruikelijk gebruik van muziek en, erger nog, het is gebaseerd op een verhaal dat je waarschijnlijk ook zou haten... Maar als je vindt dat films geen alternatieve plot hebben, niet vol actie en waardeloze dialogen zitten, niet de visuele grammatica van MTV/TV Commercials nodig hebben, kijk dan dit eens. Het is een van mijn favoriete films en misschien wel Visconti's meest perfect geconstrueerde werk. Het is subliem, net als de beweging van Mahler die hij door de hele film heen nadrukkelijk gebruikt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik weet niet goed waar ik moet beginnen. Kortom, het was een teleurstellende film. Omdat ik lesgaf in de novelle, was ik me ervan bewust dat het een moeilijk verhaal zou zijn om in een film om te zetten. De film heeft een paar interessante zinnen (voornamelijk tussen Alfred en Aschenbach), maar hij vertegenwoordigt niet het debat over kunst dat de novelle in wezen vormt.
Om te beginnen verwachtte ik een oudere Aschenbach en een jongere Tadzio. In het boek is Tadzio veertien, maar hij wordt beschreven als puur, ideaal, onschuldig, terwijl hij in de film naar seks stinkt en een plaaggeest is. Hij is een medeplichtige van Aschenbach, hij kijkt altijd naar hem terug, bijna uitdagend. In het boek is het Aschenbach die steelse blikken op de jongen werpt. Wat Aschenbach betreft, ik had me iets voorgesteld dat meer leek op de professor die in een clown veranderde in The Blue Angel (gebaseerd op een verhaal van de broer van Thomas Mann) dan deze veertigjarige met nauwelijks grijs haar. Eerlijk is eerlijk, ik vind dat Dirk Bogarde goed werk heeft geleverd, maar iemand anders had dat moeten doen, of hij had er in het begin ouder uit moeten zien.
Ik weet dat de ontdekking van homoseksualiteit belangrijk is voor het verhaal, maar de film beperkt het gepraat over kunst en de tweespalt tussen de apollinische en Dyonisische inspiratie en richt zich in plaats daarvan op Aschenbachs obsessie voor Tadzio en rechtvaardigt dat niet. Ik vond het mooi dat Mahlers muziek werd gebruikt, want uiteindelijk inspireerde hij Mann tot het schrijven van zijn verhaal. Ik weet niet of het wel zo'n slimme zet was om van Aschenbach een musicus te maken. Of de creatie van Alfred, die ik me niet uit het boek herinner.
En wat me vooral opviel was het geluid en het feit dat het niet bij de lippen van de acteurs paste. Ik vroeg me af of het misschien een andere titel had gekregen omdat ik verwachtte dat het in het Italiaans zou zijn. Maar toen herinnerde ik me dat elke Italiaanse film die ik heb gezien dit probleem heeft. Het zit me alleen dwars omdat deze regisseurs (Fellini is de andere persoon die ik bedoel) me dwarszit. Ik denk aan de scènes waarin Aschenbach bijna in elkaar zakt en begint te lachen. Deze scène had/had de sterkste moeten zijn, maar was in plaats daarvan irritant.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Zijn muziek, vooral wat we er hier over horen, is erg traag. Vanaf het tijdstip van Bachs dood hadden componisten manieren bedacht om de muziek in een steeds langzamer tempo te laten vorderen: meer dan een eeuw later schreven Wagner en Mahler stukken die zo langzaam zijn als muziek maar kan zijn. <0xE2><0x80><0x93> Je kunt natuurlijk vals spelen door een 4/4 mars te schrijven en dan een tempo te bepalen van, laten we zeggen, semiquaver ren 1, maar dat tempo zou niet het juiste tempo zijn. Wagner en Mahler schreven muziek die BELANGRIJK wordt gespeeld in een slakkengang. Gezien het feit dat de traagheid in geen enkel opzicht klinkt als te langzaam'slak' is dat de verkeerde uitdrukking. Een criticus schreef over een beroemde Wagner-dirigent: 'Hij slaat de tijd niet, hij slaat de eeuwigheid.' Voor zover ik weet, was dat misschien als compliment bedoeld.
Ik heb het gevoel dat de regisseurs in het begin van de jaren zeventig hebben bedacht hoe ze de traagst mogelijke films moesten maken: je hebt 'Death in Venice' en je hebt 'Solyaris'. Ik geef de voorkeur aan het eerste. Om te beginnen stapt 'Solyaris' over de streep, of een andere streep, en wordt slaapverwekkend; 'Death in Venice' grijpt je van begin tot eind bij de keel. Er gebeurt niet veel, maar het gebeurt allemaal in de juiste volgorde, in het juiste tempo, met fotografie waar je in kunt verdwalen.
Een andere manier om vals te spelen met muziek is, tussen haakjes, om iets te schrijven dat niet deugt. Dergelijke muziek klinkt traag, maar is in feite gewoon onmuzikaal, net zoals veel films traag aanvoelen omdat ze geen ritme en vorm hebben. 'Dood in Venetië' hoort daar niet bij. Het is in elk opzicht prachtig, het doet je denken aan de tijdloosheid en de contextloosheid van kwaliteit. Je hebt geen theoretische kennis nodig om te reageren op Visconti's meesterschap, zoals je ook reageert op de incompetentie van een mindere regisseur. Het is een groots werk.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Een film om de kijkers te verdelen. Alleen de kritiek wijst op het begrafenistempo, de overbelichte close-ups en de hardnekkige blikken tussen de hoofdrolspelers. Advocaten wijzen op Dirk Bogardes indrukwekkende acteerprestaties en Pasqualino De Santis' beste foto's van Venetië.
Alles bij elkaar genomen zou dit een toegeeflijke, geromantiseerde lofzang kunnen zijn op de nobele edelheid van de homoseksuele liefde (in een tijd, 1971, toen het wettelijk toegestaan werd). Visconti is er in feite in geslaagd een rijkere, complexere film te maken dan zo'n eenmalig product. Hij heeft zijn ideeën <0xE2><0x80><0x93> met fouten en al <0xE2><0x80><0x93> tot een nauwgezet geco<0xC3><0xB6>rdineerde boog samengesmeed.
Binnenin bevindt zich inderdaad de centrale voorstelling van Bogardes Aschenbach. In plaats van een onnozele, pas-op-de-wereld-homo slaagt hij erin een pathetische componist, verslagen door tragedie en onbegrepen integriteit, te helpen die redding ziet in Tadzio. Zijn gehypnotiseerde, wankelende rondgang door een steeds helser Venetië na de jongen is een treffende metafoor voor de vasthoudendheid van de kunstenaar voor de waarheid in het aangezicht van de dilettantenbende (en het is expliciet geïllustreerd met zo'n flashback).
Mahlers muziek is misschien een beetje te veel van het goede, hoewel ze goed is nagebootst. De Italiaanse overdub is een slopend anachronisme, maar gelukkig lijdt het acteerwerk er niet te veel onder.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

De grootste tragedie die de mens te wachten staat, is dat hij, die zo vaak van het goddelijke kan genieten, genoegen neemt met het banale. Uit dit feit komt zoveel grote tragedie naar voren. _Dood in Venetië_ is een van de zeer weinige films met het geduld en de dapperheid om dit feit rechtstreeks aan te pakken. De film confronteert het menselijk oog met schoonheid en inspiratie in hun twee meest onvermijdelijke menselijke vormen: zelfontkenning en verval. Ongetwijfeld is dit de grootste film die geen merkbare invloed heeft op de bioscoop. Zijn strenge, verfijnde uiterlijk, galmende geluid, mengsel van niet-ondertitelde talen en hoogst uitdagende thema's zijn onmogelijk na te bootsen: evenzeer een toeval van zijn bijzondere productie als van de visie van de regisseur. De centrale rol, tegelijkertijd stijf, opgewonden en kwetsbaar in het aangezicht van expressie en decadentie, accentueert Bogarde alsof hij misschien niet de beste Britse acteur van zijn generatie is, maar zeker wel de avontuurlijkste. In staat om sympathie te behouden als zijn verlangens hem overmeesteren en interessant ondanks de eindeloze close-ups en de Mahler-score boven hem. Niet iets voor een vrijdagavond met je vriendin, maar zeker oké als je de grenzen van de menselijke geestelijke beperking wilt verkennen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Als alle films vernietigd moesten worden en er maar één gespaard kon worden, dan moest dat _Dood in Venetië_ zijn. Het is een monument in de filmgeschiedenis. Er is veel kritiek op deze film omdat hij traag, saai en te voor de hand liggend is als het gaat om waar het om gaat (een oude man ontdekt de schoonheid van een jonge jongen en wordt op tragische wijze vernietigd, eerst mentaal, dan fysiek). We moeten deze film waarderen om wat hij is. _Morte a Venezia_ is meer dan dertig jaar geleden opgenomen en toont een periode die zelfs nog verder teruggaat, aan het begin van de twintigste eeuw.
In die tijd was het leven traag in vergelijking met nu. Mensen werden geacht zich op een bepaalde manier te gedragen en hun ware emoties zelfs voor zichzelf te verbergen. Directeur Visconti en Dirk Bogarde, de hoofdrolspeler, slagen er op bewonderenswaardige wijze in om te laten zien hoe de oudere componist Von Aschenbach zijn romantische belangstelling voor een jonge jongen ontdekt. Voor een man als Von Aschenbach moet dit in zijn tijd een te grote schok zijn geweest om ermee in het reine te komen. We zien zijn innerlijke strijd, voornamelijk op het gezicht van Bogarde, tegen de prachtige achtergrond van Venetië en begeleid door de meest fantastische muziek, gecomponeerd door Gustav Mahler.
Deze film is traag, dat valt niet te ontkennen. Geen special effects, geen achtervolgingen in auto's of gevechten om het publiek op zijn plaats te houden. Ook geen perverse seksscènes; de interactie tussen man en jongen blijft beperkt tot steelse blikken van verre en af en toe een glimlach. In feite gebeurt er dus niet veel in deze film? Niet als je wilt dat je zintuigen worden bespeeld als de snaren van een viool in een romantisch concert. Dit is de film om dat te bereiken.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

VOORWAARDEN: SPOILERS
Hoewel deze film zich af en toe een beetje traag voortbewoog, maakten het schitterende decor, de rijke personages en de krachtige thema's van _BeMorte a Venezia_ een bevredigende ervaring. Ik heb het boek van Thomas Mann niet gelezen, maar ik ben ervan overtuigd dat Visconti's visuele pracht, de muzikale score en de krachtige evocatie van conflict en verlangen het boek recht doen.
De studie van Gustav von Aschenbach wijst op de menselijke neiging om onze emoties, gedrag en passie te rationaliseren en kwantificeren. Deze neiging wordt geïllustreerd in de scène tussen Alfred en Gustav in Duitsland, waarin Alfred Muziek zowel wiskundig als kwantificeerbaar noemt. Dit conflict doet zich in de lobby van het hotel en Gustav herinnert zich zijn bezoek aan een bordeel, waar hij wordt aangetrokken door een prostituee die hetzelfde liedje speelt. In zijn flashback, nadat hij de prostituee heeft betaald, wordt Gustav duidelijk fysiek gegrepen door de gevolgen van zijn daden. Die reactie doet hem denken aan de morele reactie op de verleidingen die Tadzio vertegenwoordigt.
Uiteindelijk wordt Gustav gedwongen zijn belangrijkste beslissing te nemen: in Venetië blijven en zich neerleggen bij zijn lusten en verleidingen? Of Venetië ontvluchten om zijn eigen leven te redden? Zijn eerste poging om Venetië te ontvluchten op het treinstation resulteerde in een futiliteit en beschaduwt het resultaat van het verlengen van zijn verblijf.
Met de complimenten voor de boeiende karakter interactie, Visconti' Het krachtige landschap (vooral van Venetië bij de dageraad en de laatste scène waarin Tadzio het water in loopt en naar de horizon wijst) maakt deze film tot een waar meesterwerk.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De dood in Venetië is een film die ik eens in de tien jaar moet zien. Hij is altijd anders, omdat ik altijd in een ander stadium van mijn leven ben.
De film gaat over kunst, schoonheid, verlangen, de dood. Sommige scènes zijn pijnlijk traag, andere zijn gewoon irritant om naar te kijken, vooral als je ze al eerder hebt gezien. Toch zou ik geen enkel beeld willen missen. De muziek herhaalt zich, het hoofdthema van het adagietto uit de vijfde van Mahler wordt keer op keer gebruikt. Toch zou ik geen enkele noot willen missen. Als het laatste beeld vervaagt, de laatste noot sterft, ben ik verdoofd en uitgeput.
Deze film is een monument voor het filmen. Net als bij de meeste echt goede films moet het publiek op een zaterdagavond uit de buurt blijven. En dit is gewoon de beste film aller tijden.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Morte a Venezia is een van mijn favoriete films. Hij is niet alleen mooi, maar ook subliem. Hij geeft je belangrijke esthetische ervaringen, het is een meesterwerk. Ik kan de roman ook aanbevelen. Luchino Visconti is een genie.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film is een opsomming van Visconti's obsessies: de decadentie van de adel, de dood, esthetiek, homoseksualiteit... Allemaal vermengd met melancholieke meesterschap. Langzaam gedraaid, zodat je meer oog krijgt voor al zijn schoonheid (die zowel in de muziek en de beelden als in het verhaal zit). Dit is het soort film waar we niet meer van mogen genieten: dapper, diep persoonlijk en intelligent. De echte vrucht van een genie als Visconti.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Geniet van elk moment van dit lome spektakel met bijpassende muziek (Mahlers Vijfde is schitterend, maar luister naar het vocale deel van de Derde Symfonie, dat in deze film zo prachtig tot zijn recht komt). Deze film heeft vele aspecten, maar het voornaamste onderwerp is de overweldigende kracht van schoonheid, de spontane aard ervan, het ontbreken van logica voor liefde en aanbidding. Ik ben ook een vurige fan van Bogarde en geloof dat hij zelden zo geweldig was (maar probeer het maar eens in 'De Dienaar').


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit is een betoverende, maar spaarzame versie van de roman van Thomas Mann met dezelfde titel. Dirk Bogarde speelt zijn beste filmrol <0xE2><0x80><0x93> dat dacht hij zelf ook. De dialoog is minimaal, dus zijn gezicht moet de nuances van zijn gekwelde personage weergeven <0xE2><0x80><0x93> een componist (een schrijver in de roman, de enige grote verandering) die in 1910 naar Venetië reist. Visconti geniet van de weergave van schoonheid, die voorbijgaat, en van de geur van verval die eronder schuilgaat. Getraind als operaregisseur mengt Visconti Mahlers muziek en beeldspraak naadloos in zijn beste film sinds 'The Leopard' (nog zo'n verbluffende film, die grote invloed had op Coppola's Sicilië in de 'Godfather').


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Luchino Visconti is wereldberoemd geworden na zijn fantastische productie THE LEOPARD. Filmfans leerden de stijl kennen van de regisseur die zich voorstelde als een van de nieuwe realisten van na de oorlog, een aristocraat die zijn individuele vrije denkwijze ontwikkelde en die als zodanig uitdrukte als kunstenaar. Maar als je deze film, MORTE A VENEZIA, die gebaseerd is op de roman van Thomas Mann, in aanmerking neemt, is het een iets ander verhaal.

De hele film is, op het eerste gezicht, zo uniek, zo psychologisch en zo sterk beïnvloed door de verschillende gedachten van een kunstenaar ( zowel van de regisseur als van het hoofdpersonage Gustav von Aschenbach) dat hij voor veel kijkers 'onkijkbaar' lijkt te zijn. Daarom zijn dergelijke meningen over de film veranderd in 'te traag', 'ondraaglijk'. of 'eindeloze verveling'. Waarom? De reden lijkt te liggen in een belangrijk perspectief dat tegenwoordig wijdverbreid is: 'GOED MOVIEZIE IS PARALLEL OM AFSCHUWELIJKE ACTIE'. Hier zou het gepast zijn om te zeggen: 'GOED MOVIEZIE IS PARALLEL OM AFSCHUWELIJKE ACTIE'. In feite zou iedereen in staat zijn om één zin te zeggen over de hele inhoud van de film en dat zou voldoende zijn. Alles wat we in _MORTE A VENEZIA_ aantreffen heeft een vaag gevoel van realiteit, gevuld met zowel diepgang als oppervlakkigheid, dat belangrijk lijkt omwille van elk afzonderlijk moment. En dat is het ook wanneer we de psychedelische scènes in Venetië zien, wanneer we Gustav op het station zien, wanneer we worden voorzien van zijn intens emotionele herinneringen. Het inzicht in zijn aftakelende geest is soms zo intens dat de kijker de film alleen kan blijven bekijken door zijn/haar best te doen om te voelen en te ervaren, in plaats van te kijken en te denken. Alles is gedoemd om te vervagen, te verwelken als bloemen op een weiland wanneer hun tijd gekomen is. Met andere woorden, alles heeft een gevoel van verlies en dood zonder veel gebeurtenissen of zelfs maar dialogen. Als gevolg daarvan is het heel onwaarschijnlijk dat je het idee van de film krijgt na één keer kijken. Je moet hem meer dan twee keer zien met een geest die voortdurend openstaat. Of je hem leuk vindt of niet... dat is een heel ander verhaal, een heel persoonlijk verhaal. De artistieke waarden zijn de factor die op het eerste gezicht opvalt en ons de hele film bijblijft. Schoonheid als iets heel belangrijks voor de hoofdfiguur die lijkt te komen en te gaan; rust als iets waar hij zo slecht naar op weg is en wat hem op de meest onverwachte manier ten deel valt; het gevoel dat hij vindt in een tienerjongen die verschijnt als een voorbeeld van alle dromen en verlangens, als een verboden vrucht van homoseksuele lust die verdwijnt. De kostuumontwerper Piero Tosi levert in deze film een schitterend werkstuk af. Door middel van een heleboel prachtige kostuums voorziet hij ons van een zeer realistisch beeld van 1911 wanneer de actie plaatsvindt. De filmmaker Pasqualino De Santis voorziet ons van een geweldige visuele ervaring die je een waar feest voor de ogen zou kunnen noemen. Op de achtergrond klinkt muziek van Gustav Mahler, de componist wiens leven Thomas Mann inspireerde om het personage te introduceren.
De uitvoeringen zijn van het hoogste niveau, met name van Dirk Bogart als Gustav von Aschenbach, die na een zware artistieke taak en vergeefse pogingen om rust te vinden in het overvolle Venetie rust wil hebben. Voor het grootste deel van de film hebben we een goed inzicht in zijn gedachten, gevoelens en daden van woede, uitputting en wanhoop. Hoewel het soms deprimerend is, houdt hij ons op het juiste spoor tot het einde, zodat we de hoop op een minder tragisch einde niet verliezen. Tadzio (Bj<0xC3><0xB6>rn Andersen) is het toonbeeld van decadente homoseksuele begeerte, maar ook een toonbeeld van schoonheid en zuiverheid, dat vrij kort lijkt te duren... 'Adieu Tadzio, het was allemaal te kort,' zegt de hoofdpersoon. Mark Burns speelt een grote, zij het zeer controversiële rol als een soort'superego' Alfred, met wie Gustav polemiseert over idealen als schoonheid, rechtvaardigheid, hoop, menselijke waardigheid. Voor Alfred behoort schoonheid tot de zintuigen. Wat freudiaans, maar wat zou het idee gevaarlijk kunnen zijn! En altijd aanwezig in de artistieke Italiaanse films van die tijd, Silvana Mangano <0xE2><0x80><0x93> hier als een elegante dame uit Polen, Tadzio's moeder.
Gedenkwaardige momenten vormen inderdaad de sterke punten van de film; toch zullen niet alle kijkers ze onvergetelijk vinden. Net als bij de hele vreemde film kost het veel moeite om in het individuele ego van de regisseur en binnen de vier muren van zijn psyche op het juiste spoor te komen. Bij zulke scènes vind ik de strandscène heel belangrijk, vooral de manier waarop Gustav Tadzio observeert. De fysieke afstand vertegenwoordigt het gebrek aan moed om dichterbij te komen... Ik waardeer ook de opnamen als Gustav in de gondel zit en het uitzicht van de stad zich op de achtergrond beweegt <0xE2><0x80><0x93> hoe gedenkwaardig dat existentiële gedachten over overdracht kan oproepen. Zijn wij, mensen, niet een soort 'avonturiers' in de wereld, in de reis die het leven is?
Uiteindelijk moet ik jullie één belangrijk ding vertellen. Ik had MORTE A VENEZIA heel vreemd gevonden, tot ik dieper begon te kijken naar wat de regisseur werkelijk probeert over te brengen. Toen bleek elke scène betekenisvol te zijn in zijn interpretatie, waarmee je het niet eens hoeft te zijn (ik ben het niet eens met alles wat de hoofdpersoon doet), maar je zou dit op zijn minst moeten tolereren als iets wat de schrijver heel graag wilde zeggen. Luister naar zijn stem, laat hem een paar woorden zeggen op één pagina werkelijkheid...
Daarom is er een lange weg naar begrip van de film, aangezien er niet veel van zulke films in 1971 werden gemaakt en nu worden gemaakt. Paradoxaal genoeg lijkt het erop dat we allemaal op de lange duur de juiste gevoelens over deze film zullen hebben, net zoals we allemaal ooit de vreemde, onvermijdelijke, meestal onverwachte realiteit zullen ervaren dat de dood... 7/10.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Visconti's _Dood in Venetië_ wordt beschouwd als een van de mooiste films die ooit zijn gemaakt. Tijdens het kijken erkennen we dat we in de handen van een visionair genie zijn gevallen. _Dood in Venetië_ is inderdaad eindeloos weelderig; maar in andere belangrijke opzichten is het een onbevredigende film. Thomas Mann schrijft met minachting en vanaf een afstand over Von Aschenbachs literaire carrière en productie; over zijn heerszuchtige manier van doen, zijn laag-op-laag-geprogrammeerde, zelfbewuste gedrag. Als Tadzio opduikt en hij wordt geobsedeerd, is het duidelijk dat Aschenbach geen flauw idee heeft wie hij is onder zijn Gilded-Age-uitdossing en zorgvuldig geleefde leven. Als hij Tadzio ziet, splitst de 'Solitair', zoals Mann hem soms noemt, zich in tweeën. Ik neem de aanblik van een mooie 14-jarige jongen in me op, en probeer dan de duizelingwekkende stijging van de bloeddruk te verwerken zoals hij een kunstwerk zou doen, een 'goddelijk' kunstwerk. Maar Aschenbach nr. 2 komt naar voren als een stalker die de rationele Aschenbach nr. 1 overneemt en daarna vervangt. Net als de oorspronkelijke Aschenbach is zijn seksuele dubbelganger doodsbang om menselijk contact te maken met het voorwerp van zijn obsessie, en dus blijft Tadzio een vervloekt ideaal. Thomas Mann heeft geen genade voor dit spel. Elk greintje zelfkennis komt te laat en te sterk; de opwinding van seksuele opwinding is te groot om te weerstaan. Dat Venetië in de greep van de ziekte is, betekent niets voor Aschenbach <0xE2><0x80><0x93> behalve dat zijn spel nu hogere inzet vergt. Als hij ten slotte binnensmonds 'Ik hou van je' fluistert, weet hij dat alles verloren is, en dat de afgrond op hem wacht. Is iets van dit alles te filmen? Misschien, en Visconti creëert een visueel feestmaal waar je onmogelijk van weg kunt kijken. Maar er zijn fouten: hij en Dirk Bogarde creëren Aschenbach als sympathieke figuur; Mann deed dat weer niet. Aschenbachs pov domineert de film en we worden geacht hem te identificeren. Maar nergens op het scherm wordt een man van binnenuit verscheurd. Bogarde schakelt met gemak tussen het subliem beheerste en het belachelijke temperament <0xE2><0x80><0x93> maar wat zit eronder? Bogards reactieve optreden heeft geen anker. Mann schrijft een personage dat in zijn verbeelding de Dans van de Zeven Sluiers uitvoert, zich maar al te bewust van de gevolgen die zo'n vrijheid met zich meebrengt, maar niet in staat, niet bereid om die te weerstaan. Ook creëert Visconti's scenario een personage dat niet in het origineel voorkomt <0xE2><0x80><0x93> Alfred, een vriend van Aschenbach <0xE2><0x80><0x93> om Manns discussie over kunst en kunstenaars te dramatiseren. Deze scènes zijn slecht geschreven rampen, en de acteur die Alfred speelt is moeilijk om naar te kijken. Ook is Aschenbach een Teutoonse componist uit de Gouden Eeuw, wat volgens mij goed is voor de film; en de symfonieën van Mahler zijn een vervanging voor Aschenbachs romans. Mahlers grote muziek is helaas slecht opgenomen en heel slecht gespeeld. Dus de Dood in Venetië, zoals Visconti het ons voorhoudt, is niet het volledige succes dat het had kunnen zijn, maar als zuiver visuele ervaring kan zijn kracht niet worden ontkend. Alle studenten van de film, vooral die van de cinematografie, zullen een kijkje willen nemen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Een rare, maar grappige afleidingsmanoeuvre. Je moet het eigenlijk van het begin af aan zien om te kunnen volgen wat er gebeurt, maar elk verslag op aarde heeft zijn eigen grapje. Behoorlijk goede special effects voor een heel goedkope sf-film. Het is leuk om te zien. Een beetje in de trant van _Red Dwerg_, maar dan nog goedkoper. Voor iemand die net midden in een van de afleveringen binnenkomt, moet je je realiseren dat deze kerels allemaal incompetent zijn, omdat ze hoger op de ladder zijn gekomen, omdat de andere officieren zijn gestorven. Bovendien zijn de grote jongens van de wasserij, en daarom hebben ze overal wasgoed. Als je van _Red Dwerg_ houdt, moet je kijken.' 'Dit zal ik waarschijnlijk wel leuk vinden. Een beetje een ander concept t.v., in die zin dat je elke dag alleen maar het rapport van de commandant ziet.'<br />'Het zou beter zijn als dit meer werd uitgelegd, niet alleen maar aan het begin van de eerste episode, maar het was ook nogal moeilijk om erachter te komen wat er in de Rode Dwerg was gebeurd, als je dat niet was verteld.'


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Na de dood van alle hogere officieren wordt kapitein-luitenant-ter-zee Craig-Scott bevorderd tot het commando over een intergalactisch ruimteschip dat eigendom is van Starcups Corporation. Zijn voornaamste taak is het zoeken naar bewoonbare planeten en, uiteraard, koffiemarkten voor de lange termijn.
Craig-Scott en zijn tweede man, commandant Blather, zijn slecht voorbereid op het commando, behalve in zoverre dat ze volledig in staat zijn de onderbroeken van de bemanning schoon te houden <0xE2><0x80><0x93> wat het belang van schone onderbroeken niet tenietdoet, vooral niet wanneer incompetente commandanten ervoor zorgen dat diezelfde onderbroeken regelmatig, nou ja, bevuild worden.
De episodes worden gepresenteerd als een reeks korte rapporten van 2-3 minuten van de commandant aan de Aarde. De humor is een mengeling van wrange humor en buitensporige fysieke komedie. Denk aan _Ja, Minister ontmoet Rode Dwerg_, maar dan met een budget van een schoenveter. Alle gebruikelijke plotelementen van sciencefiction zijn hier aanwezig - buitenaardse wezens, kernwapens, computerstoringen - maar ze worden stuk voor stuk verbeterd door de frisse citroenachtige geur van het allerbeste wasmiddel.
_Commanders Log_ is beslist goedkoop, maar de ietwat goedkoop aandoende effecten en rekwisieten passen bij de absurde opzet van de show. Herinner je je die hilarische hockeyhelmen nog die ze op de oude Battlestar Galactica droegen? Met de merknaam 'Jofa' nog zichtbaar? Oké, daar staat veel van in _Commanders Log_, maar het is wel grappig.
_Commanders Log_ is geen hoogstandje, maar dat is ook niet wat het probeert te zijn. Het is gewoon een beetje flauwe lol. Dat doet het goed.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik hoorde voor het eerst over _Commander's Log_ toen ik meedeed aan de plaatselijke sciencefictionconventie. Craig Bowlsby, Linden Banks, Sophie Banks en Brian Oberquell kwamen naar buiten om de video te laten zien en een paar lezingen te geven over het maken van tv met een heel klein budget. Ik moet zeggen dat ik heel blij was toen ik eindelijk de kans kreeg om de serie te zien. Vergelijkingen met _Red Dwerg_ zijn onvermijdelijk, aangezien de eerste seizoenen van _Red Dwerg_ ook met een laag budget werden opgenomen (hoewel _Commander's Log_ een soort record moet vestigen voor het minste geld per minuut dat aan uitzendingen wordt besteed), en dus het gebrek aan 'oogsnoepjes' moet goedmaken. met goed schrijven en acteren. Linden Banks, die de rol van hoofdcommissaris Blather speelt, doet het bijzonder goed met het neerzetten van een ernstige maar onwetende persoonlijkheid.<br />Bowlsby's oorspronkelijke idee was om het verhaal in twee minuten 'interstitiële' afleveringen te vertellen, die in de loop van de avond tussen de andere programma's door werden uitgezonden, hoewel Space om de een of andere reden niet doorhad hoe cool dat zou zijn geweest, en dus werden de interstitiële afleveringen opgerold tot een programma van een uur, dat Space normaal gesproken in twee afleveringen van een half uur uitzendt. De bestaande dvd bevat geen aflevering 3 (die in 2005 op Cascadia-Con in Seattle werd uitgezonden) of aflevering 4 (die in 2006 op VCON in Vancouver werd bekeken), maar als je wilt...' Als je contact opneemt met je plaatselijke fanclub, kun je misschien iets opvangen over een tentoonstelling ergens bij jou in de buurt.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Onlangs heb ik _Episodes 1-4_ gezien, en nu kan ik niet wachten tot _5 & 6_ beschikbaar is! (Ik heb gehoord dat ze binnenkort komen.) _Commander's Log_ lijkt voorbestemd om een cultstatus te verwerven onder het universiteitspubliek en alle anderen met een voorliefde voor eigenzinnige komedie. Het is duidelijk dat het budget klein was, maar de zorgvuldigheid waarmee het script is geschreven, is duidelijk. De eenvoud van de show stelde me zelfs in staat het schrijven en acteren meer te waarderen. Bowlsby is een meester in de neerbuigendheid... Ik wou alleen dat ik alle beste kon onthouden voor later gebruik bij nietsvermoedende collega's! Laten we het er maar op houden dat als je _Commander's Log_ niet leuk vindt, ik er persoonlijk voor zal zorgen dat je ondergoed extra stijf wordt!


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

'Inktvissen van een schoonheid' gaat over een bende yakuza-jongens die een vrouw verkrachten en haar verdoven, en later sterft ze en komt terug als een groot slijmerig monster met een enorme penis met scherpe tanden en ook een grote slonzige vagina. Een krankzinnige film, maar niet erg goed. Het geronnen bloed komt pas de laatste 20 minuten en het grootste deel van de film is een standaard softe seksfilm met veel verkrachtingen. De moeite van het bekijken waard, helaas optisch zwaar gecensureerd en lang niet zo leuk als 'Inktvissen van een maagd'.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik weet dat Guts of a Beauty en Guts of a Virgin waardeloze films zijn en door veel mensen gehaat worden, maar ik ga mezelf hier onder de bus plakken en zeggen dat ik ze wel leuk vind, vooral Guts of a Beauty (ook wel bekend als Entrails of a Beautiful Woman). Heb er laatst een avond naar gekeken met een paar mensen op het terrein en het verbaasde me hoe goed het eigenlijk ging.
Entrails is het soort maffe goedkope horror softcore griezelfilm waar je buiten Azië (in dit geval met name Japan) niet veel van tegenkomt. Het is in feite een verkrachtings/wraakfilm met een gereïncarneerd monster in plaats van een paar moord met een geweer of een strop met motorbootaandrijving of zelfs een afgeranselde pappie met een kettingzaag. Dat is gewoon belachelijk. Zou je niet liever een hermafrodietisch monster zien met een hilarisch slangenmonstertje als een uilskuiken?
<0x3E> PERVERSION FACTOR: Deze film staat bol van de beeldende, soms maffe verkrachtingsscènes, nep-popsterretjes en bevredigende masturbatie- en monsterseksscènes die je zou moeten zien als je van Corman houdt, zoals Humanoids From the Deep. Ik weet het niet, misschien is het vergezocht, maar ik persoonlijk dacht niet dat Enter of a Beautiful Woman me kon afdoen als een enthousiaste fan van Aziatische smeerlapperij en bizarre B-films.
<0x3E> Ja, ik weet dat sommige van mijn aanbevelingen niet altijd bij iedereen in goede aarde vallen (zelfs niet bij diegenen van jullie die van hetzelfde soort rotzooi houden als ik), maar ik sta hierachter.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Deze film, zou ik willen zeggen, was echt geweldig. Ik kan me voorstellen dat veel mensen denken dat het gewoon een shocker-film is. Dat is niet helemaal onwaar, maar het is net zoveel shocker-fictie als de boeken van Chuck Palahniuk. Bijo no Harawata is een van mijn favoriete films aller tijden. Het is een bepaald soort primitief gemaakte film waar je zo'n beetje op elke manier op kunt reageren. Het is eng, grappig, mal, grof, vol van het verkeerde materiaal en voor sommige mensen opwindend. De keer dat ik dit zag, was met mijn vriend, en zijn moeder had hem mee naar huis genomen om hem te laten zien. Hij zei dat het gewoon een verknipte Japanse film was, maar ik heb er zoveel meer van gezien. Het is slecht gemaakt, dat is waar, maar het heeft ook een bepaald soort schrijnendheid om mooi te zijn. Zoals de regisseur zelf zegt, is dit een schokkerige film die om een bepaalde reden is gemaakt. Het is net atrofie. Als je het publiek zacht laat, dan zal het hele menselijke ras zacht zijn. Ik vind dat een goede filosofie en ik ben het voor honderd procent met hem eens. Bijo no Harawata is het soort film dat de fitness, yoghurt en al dat nieuwe-golf-gedoe door elkaar haalt.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

GUTS OF A BEAUTY is een beetje beter dan zijn voorganger GUTS OF A VIRGIN. Hoewel deze film niet echt een vervolg is in de zin dat hij absoluut niets te maken heeft met de eerste aflevering, vond ik BEAUTY wel een beetje sterker en beter in elkaar gezet dan VIRGIN... maar goed, dat zegt niet veel.<br />BEAUTY begint als een nogal ruwe en rechttoe rechtaan actiefilm. Een paar yakuza-katten houden een jonge vrouw gevangen en beginnen haar op een nogal brute manier te verkrachten. Terwijl dit allemaal gebeurt, vertelt de leider het meisje dat ze hetzelfde met haar zus hebben gedaan en haar in Afrika als slaaf hebben verkocht, en dat ze...' 'Ik weet het niet. Ik weet alleen dat ze haar hebben verkracht en dat ze haar daarna hebben meegenomen naar een kliniek. Daar hebben ze haar verkracht en daarna hebben ze haar nog een keer verkracht. Op de een of andere manier is ze ontsnapt en belandt ze in een kliniek waar de verpleegster naar haar zielige verhaal luistert. De verkrachting loopt uit de hand en ze pleegt zelfmoord. De verpleegster, die geraakt is door het verhaal van de jongedame, besluit wraak te nemen op de bende door een van de jongens van lager niveau te verleiden en te proberen hem te hypnotiseren zodat hij de yakuza-leiders zou vermoorden. Vigilante-Clinic-Worker krijgt ongeveer dezelfde behandeling als onze oorspronkelijke verkrachting, maar dan erger (sommige vrouwen worden ruw van achteren verkracht, samen met de gebruikelijke groepsverkrachting...). Ook zij wordt gedrogeerd, maar het middel heeft een vreemde bijwerking op ons schijnbaar ongelukkige slachtoffer: het verandert haar in een razende hermafrodiete bloeddemon!!! (nee, sh!t, dat gebeurt echt!!!) Op dat moment gaat BEAUTY er echt vandoor met een paar behoorlijk waanzinnige moordscènes <0xE2><0x80><0x93> waaronder een heel chique borstverkrachting die eruitziet als een kruising tussen ALIEN en een slechte pornofilm, en mijn favoriet <0xE2><0x80><0x93> een moord waarbij het hoofd wordt opgeslokt door een demonische vagina (compleet met een demonische vagina...) die je moet zien om het te geloven... Absoluut veelbelovende dingen in GUTS OF A BEAUTY, maar nog steeds heel onsamenhangend. BEAUTY voelt bijna alsof twee verschillende films op een niet-verenigbare manier aan elkaar worden geplakt. Toch moet ik de film de eer geven <0xE2><0x80><0x93> de verkrachtingsscènes zijn heel ruw en vrouwenhatend, en de moordscènes zijn gewoon helemaal te gek. Een solide 7/10 voor weer zo'n krankzinnige J-horror 'classic'.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Kazuo Komizu slaat opnieuw toe met 'De ingewanden van een mooie vrouw', het vervolg op 'De ingewanden van een maagd'. Deze keer is het verhaal gebaseerd op een psycholoog (Megumi Ozawa) die besluit het op te nemen tegen de yakuza om de zelfmoord te wreken van een gedrogeerde en verkrachte patiënte die op een dag bij haar op de stoep staat. Als ze over de schreef gaat en de yakuza haar gevangenneemt, leert ze hun geniepige trucs met meisjes die ze verdoven en als slavin verkopen. Het loopt blijkbaar slecht af als ze een overdosis cocaïne neemt. Maar ze versmelt al snel met een ander lichaam dat ze kan wegwerken, zodat ze 'Superslijm Hermaphrodite Zord' wordt! Deze keer maakt hij gehakt van de yakuza's en bespaart hem een hoop tijd <0xE2><0x80><0x93> niet echt.<br />Nou ja, het is beter dan 'De ingewanden van een maagd', maar niet veel beter. Het grootste deel van de film (een geweldige 67 minuten) bestaat uit verkrachting en seks met beneveling en de gebruikelijke ho-ho-dingen. Bijna tegen het eind krijgen we eindelijk onze bloeddorstige kick met een paar coole scènes (zoals een door buitenaardse wezens geïnspireerd penismonster door de maagscène en een kleverige verstikkingsdood), maar hij lijdt nog steeds aan een hyperlaag budgetgevoel dat het leuk maakt, maar het niet hoger kan tillen dan een z-z-zware horrorfilm.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Als ze prijzen zouden uitreiken voor de meest ontaarde en verknipte films ter wereld, zou de Japanse filmindustrie de vloer aanvegen met de meeste andere. De meest extreme voorbeelden daarvan zijn absoluut verbazingwekkende oefeningen in slechte smaak, misselijkmakend bloed, buitenissige vreemde dingen en vrouwenhatende seks.
Guts of a Beauty is een prima voorbeeld van zulk uitschot, en biedt kritische kijkers iets meer dan een uur vol uitspattingen en nodeloos geweld, afgemaakt met een of andere waanzinnige J-spetter goedheid. De film begint met een jonge vrouw, Yoshimi, die op zoek naar haar vermiste zus in handen is gevallen van een gemene yakuza, die haar verkracht en volstouwt met Angel Rain, een sterk verdovend middel. Als de gangsters klaar zijn met hun geintjes met de arme vrouw, weet ze te ontsnappen en vlucht ze naar een ziekenhuis in de buurt, waar sexy psycholoog Hiromi (Megumi Ozawa) haar probeert te helpen. Maar de radeloze en verwarde Yoshimi gooit zichzelf uiteindelijk van het dak van het ziekenhuis en verandert in een watermeloen als ze de grond raakt (zo zag ik het tenminste!).
Op zoek naar wraak voor Yoshimi's dood. Na Hiromi's dood lokt ze Higashi, een lid van de yakuza, naar haar kantoor, en terwijl ze hem afknalt, hypnotiseert ze hem om zijn mede-gangleden aan te vallen. Nadat Higashi in het hoofdkwartier van de yakuza tevreden met een mes in de weer is geweest, wordt hij ernstig mishandeld en neergestoken, gedwongen om te vertellen over zijn ontmoeting met Hiromi, en vervolgens in mootjes gehakt.
De psycholoog wordt vervolgens door de bende gevangen genomen, krijgt een fikse aframmeling (waarbij ze tegelijkertijd gedwongen wordt om een yakuza-slet een kopstoot te geven) en krijgt een injectie met Angel Rain (waarna ze er prompt weer vandoor gaat). De gangsters dumpen haar lijk in de kofferbak van hun auto, samen met de overblijfselen van Higashi, klaar om te worden afgevoerd. Maar voordat ze de lijken kunnen dumpen, heeft de superdrug een onverwacht effect op Hiromi: ze komt uit de dood terug als een hermafrodiet met een penis met tanden en een vlijmscherpe snee, en vastbesloten om wraak te nemen begint ze de yakuza-leden een voor een te vermoorden. Dit leidt tot een paar gedenkwaardige taferelen van bloederig gespetter, waaronder een bloederige plons in het hoofd, een man die wordt gestikt in de druipende vagina van het monster en een vrouw die wordt dood geneukt door zijn reusachtige, knarsende fallus. Zoals je uit bovenstaande synopsis waarschijnlijk wel kunt opmaken, is dit een of ander krankzinnig, verknipt spul, en waarschijnlijk niet naar de smaak van de meeste gezonde mensen, maar voor die mafkezen die al heel lang genoeg hebben van de gewone bioscoop en al goed thuis zijn in Aziatische uitspattingen, zou _Guts of a Beauty_ heerlijk vermakelijk en afwijkend vermaak moeten zijn.

7,5 van de 10, bij elkaar opgeteld tot 8 voor IMDb.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik ben net klaar met deze indrukwekkend maffe geschiedenis en hoewel ik niet kan zeggen dat het zo goed was als ik het in mijn hoofd had gestampt, was het toch een effectief en op het moment zelf behoorlijk akelig stuk hersens dat door vrouwenhaat is opgestookt. Het verhaal gaat over een arme meid die op zoek is naar haar zus die uiteindelijk wordt verkracht en gedrogeerd door yakuza-tuig, en de behulpzame vrouwelijke dokter die haar wil wreken, op een bizarre, gruwelijke manier na een soortgelijke verkrachting en verdovende middelen. O ja, en dan...' Er zit ook een beetje ongecompliceerde seks in, jammer genoeg alleen maar zachte seks, volgens de Japanse afkeuring van naaktheid onder de gordel, maar het aantal pixels is minimaal, eigenlijk alleen merkbaar in een hilarische pijpscène. Hoewel schrijver/regisseur Kazuo 'Gaira' Komizu er niet in slaagt om een bijzonder meeslepend verhaal te creëren, is dit in elk geval behoorlijk smerig spul, om al vroeg in de put van het vuil te duiken met een nogal verontrustende verkrachting (die nog erger wordt gemaakt door het feit dat het meisje er nogal jong uitziet, hoewel ik er vrij zeker van ben dat ze meerderjarig was). Ook ziet dit er voor het grootste deel behoorlijk professioneel uit, misschien niet stijlvol, maar het heeft een zekere flair en de inhoud wordt redelijk goed behandeld, met speciale lof voor het feit dat er niet veel pixels nodig zijn. Het gaat voornamelijk over seks/verkrachting, voor ongeveer twee derde van de scherpe starttijd, en het is behoorlijk om naar te kijken als je van dat soort kost houdt, het wordt na een tijdje een beetje verdovend, maar de dames zijn een lust voor het oog en het is soms redelijk hard. De muziek van Yftichi Takahashi is af en toe effectief, hoewel ze nauwelijks een belangrijk onderdeel van de show vormt, maar op een paar plaatsen vult ze de actie keurig aan, in elk geval genoeg voor mij om het op te merken. Belangrijker zijn de effecten, door Nobuaki Koga, die een indrukwekkend spetterend effect hebben als ze verschijnen, geholpen door de waanzinnige aard van de climactische stunts. De dingen komen zelfs tot een merkwaardig aangrijpend einde, zeker, het is geen sentimenteel gedoe of zo, maar voor een film die het grootste deel van zijn speeltijd in de goot heeft doorgebracht, is het relatief aangrijpend. Al met al is dit een behoorlijk onderhoudende afleiding voor boosaardige afvalfans, vooral diegenen die van Japanse verkrachtingsavonturen houden. Ik had echt wel toe gekund met een langere scène over wraak en meer bloed, en misschien ook meer een punt/brein, maar ach, ik bleef ernaar kijken en het is heel aardig voorzien van gedenkwaardige momenten. Dus als je dit soort gedegenereerde troep graaft en het waarschijnlijk de moeite waard vindt, verwacht dan misschien niet dat er een tweede komt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

'What Alice Found' was een aangename ontdekking. Zoals geschreven en geregisseerd door A. Dean Bell, is dit een combinatie van een reisfilm met een waarschuwend verhaal, en een ontdekkingsreis.
Als je de film niet hebt gezien, moet je misschien ophouden met lezen.
Alice is een casestudy van een jonge vrouw die zich wil losmaken van het ongelukkige leven dat ze leidt in een stadje in New England. Haar voorwendsel om weg te gaan is dat ze naar haar beste vriendin gaat, die aan de universiteit van Miami studeert. Alice is het product van een alleenstaande moeder, die moeite heeft om de eindjes aan elkaar te knopen, in scherp contrast met het gemakkelijke leven dat haar vriendin lijkt te leiden. In flashbacks zien we Alice' leven voordat we de weg op gaan.
Net als haar naamgenoot in 'Alice in Wonderland' begint Alice aan een reis naar het onbekende waar het leven haar niet op heeft voorbereid. De snelwegen van Amerika wemelen van de roofdieren die op zoek zijn naar de zwakken en onschuldigen. Alice komt op een ramp terecht als haar auto het op de weg laat afweten en een vriendelijk stel uit het zuiden haar te hulp schiet als er in het donker een vreemde man aankomt met het excuus dat hij haar wil helpen. Sandra en Bill halen haar over om mee te gaan in hun luxueuze R.V. op weg naar het zuiden.
Niets heeft Alice voorbereid op wat dit stel blijkt te zijn. Per slot van rekening heeft ze in haar beschermde leventje nooit te maken gehad met wat Sandra en Bill, haar nieuwe weldoeners, doen tijdens de overnachtingen bij de benzinestations op de Amerikaanse snelwegen. Ze schrikt als ze zich realiseert dat de vriendelijke Sandra niets anders is dan een prostituee die haar vak uitoefent tussen de vrachtwagenchauffeurs die je op die plekken tegenkomt.
Alice, briljant gespeeld door Emily Grace, is een voorbeeld van hoe de jonge vrouw ontwaakt uit de nieuwe werkelijkheid waaraan ze niet kan ontsnappen. Sterker nog, Sandra maakt het zo gemakkelijk dat Alice haar geluk beproeft in het oudste beroep ter wereld om het geld bijeen te krijgen dat ze zo hard nodig heeft.
Judith Ivey geeft een geweldige voorstelling als Sandra. Ivey is perfect als de ogenschijnlijk normale vrouw, je zou niet denken dat ze het vuile werk opknapt voor de cliënten die Bill en zij onderweg tegenkomen. Mevrouw Ivey is verbazingwekkend als ze de waarheid over haar leven aan een beschuldigende Alice vertelt. Als de echtgenoot is Bill Raymond goed in zijn rol als de echtgenoot, die in werkelijkheid een leverancier is.
Onder de uitstekende leiding van Dean Bell is de film niet bang om naar plaatsen te gaan waar normale films niet durven te komen. Gefeliciteerd met deze regisseur, die een geloofwaardig verhaal heeft geschreven en de perfecte cast heeft verzameld om het voor ons te spelen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Tot ik op het internet ging zoeken naar 'What Alice Found', had ik me niet gerealiseerd dat de naam van de film in de titel van een van Lewis Carrolls boeken is verwerkt. De volledige titel van het boek is 'Through the Looking-Glass (And What Alice Found there)'.
De Alice uit de film heeft een heel andere achtergrond dan die van Lewis Carrolls Alice. Haar frisse en assertieve karakter is echter wel vergelijkbaar. Alice (die met pensioen is en niet meer voor het leger werkt) die haar redt van een vreemde man bij een wegrestaurant en van het auto-ongeluk (misschien veroorzaakt door hun mechanisatie).
Het blijkt dat het echtpaar zwaar betrokken is bij de prostitutie in wegrestaurants en de lieve, jonge Alice als een veelbelovende rekruut ziet. De vrouw (gespeeld door Judith Ivey in een voorstelling die een of andere grote prijs waardig is) koopt sexy kleding voor Alice en laat haar zien hoe ze hete make-up moet aanbrengen. Aanvankelijk accepteert Alice haar hulp en doet ze, volgens de instructies van het echtpaar, verschillende trucs. De ontmoeting die tot in de kleinste details wordt getoond, is heel anders dan de meeste filmseks, maar is misschien kenmerkend voor wat er in het echte leven het vaakst gebeurt. De man is verlegen en eerbiedig en verontschuldigt zich voor het 'afronden'.
Wat zo geweldig is aan Alice (en anders dan haar prototypes van Clarissa tot en met Zuster Carrie) is dat ze van haar ervaringen leert en voor zichzelf opkomt. Zo gaat dat echt. Overal is prostitutie. Mensen zijn niet allemaal goed of slecht. Alice verlaat de camper met haar welverdiende geld en een gevoel van wederzijds respect.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Schrijver-regisseur Dean Bell zorgde voor veel verrassingen en boeiende momenten in deze bescheiden maar boeiende wegfilm. Zijn dialogen waren gevat en zijn gebruik van heel korte flashbacks was vooral effectief in de verhaalstructuur van de film.
De kern van de film wordt gevormd door het personage van Alice, die op de vlucht is voor haar verleden in New England in een wanhopige poging om naar Florida te komen. Onderweg reist ze samen met een stel excentriekelingen, Bill en Sandra, die ongelooflijk genoeg een poging doen om Alice op te voeden als prostituee die geld verdient bij wegrestaurants.
Als nieuwkomer in haar eerste filmrol is Emily Grace als Alice sensationeel. Er zit geen valse noot in haar karakterkeuzes. Maar de film is vooral de moeite waard vanwege het sluwe maar gevoelige karakter van Sandra, als meesterlijk gecreëerd door Judith Ivey. Er zit een bijzonder sluwe subtekst in vrijwel elk moment waarop Ivey voor de camera staat. Als kijker merkte ik dat ik de band stilzette, terugspoelde en haar scènes bekeek in een poging de psychologische subtiliteiten te ontdekken.
De film roept de volgende vraag op over de personages: zijn Bill en Sandra goede Samaritanen of zijn ze een boosaardig stel Dickensiaanse roofdieren die het op de jeugdige Alice voorzien hebben? Een van de sterke kanten van de film is dat die vraag nooit helemaal beantwoord wordt. Alice lijkt zelfverzekerder dan ze in het begin was als gevolg van haar ervaringen met Bill en Sandra. Maar is ze echt een beter mens?
Deze zorgvuldig in elkaar gezette film, deels komedie, deels roadmovie en deels coming-of-agedrama, slaagt erin ons op vele niveaus te betrekken.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit is een goedkoop, goed geacteerd juweeltje. Alice, een tiener uit een klein stadje in Massachusetts, die genoeg heeft van haar bestaan, gaat de weg op om aan haar moeder te ontsnappen, die hamburgers en haar eigen baan verkwanselt als fooi in een supermarkt. Ze gaat op weg naar Florida en logeert bij haar rijkere schoolvriendin, die eerstejaars is in Miami. Nadat haar auto op een verdacht moment op de snelweg pech krijgt en ze al haar geld kwijtraakt, komt ze terecht bij een gepensioneerd echtpaar in een camper dat toevallig ook naar Florida gaat. Het echtpaar, dat briljant gespeeld wordt door Judith Ivy en Bill Raymond, is overdreven gastvrij en, zo blijkt, een prostituee en haar pooier. Langzaam wordt Alice in de prostitutie gelokt terwijl de camper over de snelweg zo'n beetje in de richting van Florida slingert. Door af en toe flashbacks leren we iets meer over Alice en haar verlangen om het piepkleine Milford achter zich te laten. We zien het stel ook in een nieuw licht en hun leven en de keuzes die het stel en Alice hebben gemaakt lijken allemaal heel geloofwaardig. Een uitstekende, goed gemaakte film waar je nog aan zult denken als hij uit is.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Nadat ik professioneel met jonge meisjes had gewerkt die op de vlucht waren, vond ik deze film verrassend authentiek. Ik zou hem nooit hebben gevonden als een vriend me zijn video niet had geleend. Er zijn klassieke thema's: het komen van de ouderdom, de verhouding moeder-dochter, de beperkte keuzemogelijkheden van de minderbedeelden, Wie is de barmhartige samaritaan, Tragedie is in ieder leven & de vele lagen en relaties. Flashbacks zijn betekenisvol (als Alice een pistool krijgt weten we dat ze enigszins vertrouwd is met hoe ze het moet gebruiken) en het eindigt niet in clichés. De cast'verkoopt' hun rol echt. Het is materiaal voor volwassenen en de audio is een beetje te korrelig. Geef het 15 minuten de tijd om je in te palmen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Het is een trieste toestand in het zakenleven van Hollywood als een film je verrast door niet de route te nemen die je vanaf de eerste dag in de bioscoop hebt gezien. Ik had letterlijk geen idee hoe deze film zou aflopen, want hij ging naar links als ik verwachtte dat hij naar rechts zou gaan, zwenkte als ik verwachtte dat hij naar rechts zou gaan, et cetera. Dit had gemakkelijk kunnen ontaarden in een algemene thriller, of een deprimerende witte-boorden-drama, maar het bleef helemaal op zichzelf staan tot het einde. Het is echter een triest verhaal. Niet vanwege wat er met Alice gebeurt, maar vanwege de trieste wereld die haar omringt en haar over dit pad leidt.<br />De plot heeft een rustige waardigheid van vorm die...' Het is meestal een theaterfilm, maar het tempo kan wel wat strakker. Hoe dan ook, het is een heel goede film, en om de een of andere reden verdenk ik degenen die deze laag hebben gescoord van slechte druiven.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Hoewel ik een aantal punten met betrekking tot de cinematografie kan begrijpen (ik dacht dat een meer doelgerichte aanpak beter zou hebben gepast bij de sfeer van een low-fi-huisfilm) moet ik zeggen dat ik het script en de acteerprestaties van WAT ALICE GEvonden heeft uitstekend vond! Dean Bell heeft een echte edelsteen gecreëerd die Judith Ivey met gedreven verrukking weet te betoveren. Haar vertolking van Sandra is een genoegen <0xE2><0x80><0x93> ze ontvouwt zich afwisselend als duivels en romantisch. We zijn zowel geïntrigeerd als vervuld van weerzin door wat ze doet... en krijgen nooit meer informatie dan nodig is. Haar en de andere leden van de cast doen hun best om Bells postmoderne sprookje met open armen te ontvangen. De Alice van Emily Grace is doordrenkt van een beverige magie. Ze lijkt als klei voor ons te vervloeien en te veranderen in een mooi, verloren beest. Aan het eind hebben we woordenstrijd, net als zij, als ze afscheid neemt van haar moeder. Ook aan Jane Lincoln Taylor <0xE2><0x80><0x93> wier moeder precies het juiste tragische historische gewicht heeft <0xE2><0x80><0x93> en Justin Parkinson <0xE2><0x80><0x93> wiens verlegen eerste John, Sam, een van de mooiste, zo niet meest g<0xC3><0xAA>nante seksscènes in een film oplevert. Bell heeft een eersteklas verhaal geschreven en een overvloed aan talent verzameld om het te schrijven.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit is een verbazingwekkende film! De personages leken me zo realistisch dat het moeilijk te geloven was dat het geen echte mensen waren. Omdat ik uit het Zuiden kom, vond ik Judith Iveys personage bijzonder echt lijken, en zoals iedereen al heeft gezegd, kan ze uitstekend acteren. De personages zijn niet mooi en lijken in niets op de gemiddelde Hollywood-sterren <0xE2><0x80><0x93> hun onvolmaakte lichamen en persoonlijkheden lijken zoveel natuurlijker en echter.
Een recensent zei dat het hoofdpersonage, Alice, geen goede reden had om van huis weg te lopen, wat waar is <0xE2><0x80><0x93> ze had geen enkele morele of gerechtvaardigde reden om weg te lopen, zoals ontsnappen aan kindermishandeling, enzovoort. Ik dacht dat ze gewoon genoeg had van saaie baantjes in een arbeidersbestaan en naar Florida wilde vluchten, waar haar vriendin het aantrekkelijke en bevoorrechte leventje van een studente in Miami leidde. De actrice laat zien hoe Alice' verwarring, onzekerheid en vragen om hulp omslaan in besluitvaardigheid en bereidheid om met indrukwekkende natuurlijkheid de touwtjes van haar leven in handen te nemen. De film laat ook zien hoe Alice vastzit in situaties waarin ze geen enkele keus lijkt te hebben, waardoor ze in paniek raakt, tot actie overgaat en hulp zoekt.
In het begin vond ik de korrelige filmstijl een afknapper en dacht ik dat het een heel goedkope of zelfgemaakte film was, maar in werkelijkheid is hij heel goed gemaakt. De huisfilmkwaliteit geeft je echt het gevoel dat je erbij bent met de personages, dat je deel uitmaakt van hun RV-reis door het land. Dit is absoluut een film die de moeite waard is, hoewel ik niet alle beschrijvingen begrijp van het als een hartverwarmend verhaal over de opkomst van de ouderdom. Het is soms nogal vulgair en verontrustend, ook al is het uiteindelijk niet helemaal triest.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Het verhaal stelt niet veel voor. Een jonge vrouw steelt wat geld uit de saaie supermarkt in Vermont waar ze werkt, besluit weg te lopen naar Florida, waar hij ervan droomt om met haar vriendin Julie naar school te gaan, en komt op de snelweg een vreemd stel tegen. Als je je het oudere stel uit 'Rosemary's Baby' herinnert, heb je een idee van hoe die twee zijn. Bill heeft een komisch gezicht en is gepensioneerd. Sandra is een ex-stripteasedanseres die nu een truckstophoer is, al komen we daar niet meteen achter. Ze zijn hartelijk, behulpzaam en vol gezond verstand. Ze adopteren het meisje, Alice, en beloven haar een lift te geven in hun uitgebreide camper, hoewel ze niet'rechtstreeks' naar Florida rijden.
Hier had de film honderd procent fout kunnen gaan. Het enige wat de filmmakers hoefden te doen, was het bejaarde echtpaar in de verpersoonlijking van het kwaad veranderen. Ze zouden de maagdelijke Alice (met handboeien aan het bed vastgemaakt of zoiets) meenemen en haar lichaam verkopen aan elke gladjanus die veel geld heeft en van ruige seks houdt. (Het zou Alice heel wat moeite hebben gekost om te ontsnappen, met veel mislukte pogingen, voor de laatste schietpartij.) Maar nee. Het echtpaar is echt heel aardig, en Alice is verre van maagdelijk. Alice hoort Sandra met een klant praten, vraagt hoe het met de zaak gaat en probeert zelf een klant te versieren. Bill voorkomt dat er iets gebeurt en staat erop dat ze het goed doet, als ze het al wil doen. Ze praten haar niet om. Ze leiden haar.
Alice verdient een paar honderd dollar, wat een paar honderd dollar meer is dan ze had toen ze het stel leerde kennen. Bill en Sandra bewaren haar geld in de kluis, waar klanten het niet kunnen vinden. Alice begrijpt het niet. Ze vindt hoerenlopen geen prettig werk en ze denkt dat ze nooit betaald zal worden, want elke keer als ze vraagt of ze ergens afgezet wil worden, antwoordt Sandra met: 'Wat? Niet hier, schat. Niet midden in de rimboe.' Nadat ze echter is overgehaald om haar pistool aan Sandra te geven, geeft het stel haar het geld dat ze wil en laat haar vrij liefdevol gaan om haar reis naar Florida voort te zetten.
Weet je wat ik het meest tragische moment in de film vond? Het had niets te maken met prostitutie of diefstal. Alice had verwacht dat ze na haar aankomst in Miami bij haar vriendin Julie zou kunnen intrekken. Julie is tenslotte een echte studente. Maar als Alice haar vriendin uit Alabama belt om haar ervan te verzekeren dat ze onderweg is, maar later zal komen, aarzelt Julie en zegt: 'Nou, mijn moeder vindt niet dat je bij ons kunt intrekken. En om je de waarheid te zeggen, mijn kamergenote is...' Er valt een lange stilte voordat Alice ophangt.
Er wordt maar één schot gelost (een paar witte rolletjes film) en er wordt niemand geraakt. Er verschijnen maar één paar tranen. Niemand raakt iemand anders. Er explodeert geen auto in een vuurbal. Er zit geen agent achter hen aan over de snelweg.
De richting is af en toe onhandig. Te veel kruispunten tussen Sandra die Alice probeert te ontwapenen en Alice' hand met het wiebelende pistool. Er is nauwelijks muziek. Er is korte mannelijke en vrouwelijke naaktheid en het is onhandig, zoals het waarschijnlijk hoort. Ze is niet onaantrekkelijk, maar ook niet onbeschaamd. Ze heeft Aziatisch aandoende ogen, een soort robuuste versie van Molly Parker. De film ziet er goedkoop uit en de kleuren zijn verbleekt. De richting is een rechttoe rechtaan verhaal, met een paar verhelderende flashbacks. Niets is verspild. En het is duidelijk allemaal opgenomen in de buurt van Danbury, Connecticut. De stad blijft in mijn geheugen hangen omdat ik er na een van de overstromingen doorheen ben gereden en me herinner dat de auto's tot aan de portierhendels onder de aangekoekte modder zaten.
Ik weet niet precies _What Alice Found_. (Ik ben zelfs bang dat het antwoord op het raadsel 'ze heeft zichzelf gevonden' is.) Het acteerwerk is helemaal niet slecht. Judith Ivey is nog beter. Het is beslist de moeite waard om naar te kijken, een rustige, ordelijke film die het publiek als volwassenen behandelt.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Zes van de zeven mensen die de tijd hebben genomen om commentaar te leveren op deze film, reageren zeer positief. De enige negatieve recensie staat (of stond) toevallig op de eerste pagina van de IMDb-site over de locatie van de film.
Ik vond 'What Alice Found' een van de beste films waar bijna niemand van heeft gehoord die ik dit jaar heb gezien. De score van 6,4 is misleidend en kan meer te maken hebben met het moeilijke onderwerp dan met de kwaliteit van de film. Wie had gedacht dat een film die zogenaamd over prostitutie in een truckerscafé gaat de moeite van het bekijken waard zou zijn?
Voor mij was 'Alice' een bijzonder aangrijpende psychologische thriller. Ik zat de hele tijd bijna op het puntje van mijn stoel. Het is een heel geloofwaardig verhaal met een realistisch script en een heel goede cast. In een rechtvaardiger wereld zou actrice Judith Ivey prijzen winnen omdat ze je liet raden of ze goed of slecht was.
Negeer de kritiek en kijk naar deze geweldige film. (En tussen haakjes, ik wou dat er een soundtrack was.)


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Bij de eerste blik op deze film doen de camerastandpunten je meteen denken dat het een lowbudgetfilm is die je tot tranen toe zal vermoeien of die je op de stopknop zal doen drukken. Verrassend genoeg komt het verhaal naar voren en wordt het op het scherm gespeeld op een manier waarvan ik het gevoel heb dat de meeste mensen er iets mee zouden hebben. Ik had deze film op 7 gezet, maar zoals de meeste mensen zouden doen, het gevoel hebbend dat het een 10 moest zijn, zul je het begrijpen als je ernaar kijkt, want het komt zelden voor dat een film in contact komt met de gevoelens van een persoon en hoe het leven door een tv-toestel getoond zou moeten worden. De meeste films proberen je vol ontzag achter te laten voor hun special effects, kronkels en bochten en zo, maar deze film was met de hand gemaakt en toonde een goede film met een verhaallijn in Alabama-stijl die de meeste mensen als een goede verspilling van een paar uur zouden beschouwen. Ik wou dat ik de popcornmachine had aangezet. Goed gedaan!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Een geweldige voorstelling van Emily Grace! Ik stuitte op deze film toen ik mijn satellietlijsten bekeek en was nieuwsgierig naar de samenvatting van de plot die mijn satellietprovider me gaf. Ik was zeer geboeid en had veel medelijden met het personage 'Alice' dat door Emily Grace werd gespeeld. Het verhaal liet me raden wat er met Alice zou gebeuren en was niet voorspelbaar. Het verhaal in het algemeen was verfrissend en de bijrollen hadden een paar geweldige wendingen. Het einde van het verhaal eindigde op een vrij eerlijke manier. Ik zal deze dvd kopen om aan mijn bibliotheek toe te voegen. Ik ben een nieuwe fan van Emily Grace en ik verheug me erop meer van haar optredens te zien.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Dit heb ik net op de kabel gezien. Ik vond het een goede film. Hij hield mijn aandacht vast en de dramatische keuzes waren goed. Het oude echtpaar was heel goed en goed in het subtiel en eng spelen. De cinematografie is niet zo geweldig, maar de sjofele video draagt ook bij aan het gevoel van realisme, dus het is een compromis, snap je? Soms sloeg het meisje het New England-accent helemaal over. Het accent kwam en ging. Maar goed, ik vond de film over het geheel genomen goed. De verhaallijn was sterk en de dramatische spanning werd vastgehouden omdat je het gevoel had dat er een subtiel mysterie gaande was, ook al leek het allemaal heel gewoon. Goed werk voor een laag budget. Nog een goede SUNY Purchase-filmer. Prima werk.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Judith Ivey als de bedrieglijke oude hoer is geweldig. Emily Grace als het jonge meisje. Is onschuldig en opwindend als ze hoort wat er gaat gebeuren. Uitstekende regie en camera. Verhaal is duister en verontrustend. Ondersteunende cast is goed. Laat zien wat er gebeurt en wat er kan gebeuren als je pech hebt. Geweldige, onafhankelijke film. Kleine bezetting. Pace is in het begin traag en beweegt dan goed. Een goede film om je tienerdochter te laten zien die al vroeg het huis uit wil, op avontuur wil gaan. Deze film, deze film heeft een lowbudgetgevoel, maar het werkt vanwege de lage levens en gebieden waarin deze mensen zich bewegen. Ik zal nooit meer ergens stoppen zonder aan die film te denken en mijn banden te controleren voordat ik vertrek.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Het verhaal is een mengeling van werkelijkheid en Americana <0xE2><0x80><0x93> en heel origineel.
Emily Grace is een jong meisje dat haar saaie leventje in New England beu is. Haar louche baas doet haar een voorstel <0xE2><0x80><0x93> ze neemt ontslag en haalt wat geld uit de kassa. Het is geen kort ritje van New Hampshire naar Miami, Florida, en haar Ford Escort raakt leeg. Dan ontmoet ze een knap ouder echtpaar, geportretteerd door Judith Ivey en Bill Raymond. Ze maken een afspraak en bieden haar hun hulp aan <0xE2><0x80><0x93> het is niet veilig voor een meisje om alleen op de weg te zijn. Vooral de I-95 niet.
Emily Grace is erg realistisch als Alice, en in het begin laat ze zich door de Judith Ivey-figuur helpen; ze koopt fatsoenlijke kleren voor haar, cosmetica en zo. In het begin is het een leuke vakantie voor Alice, die hoopt dat ze haar vriendin, die in Miami studeert, tegenkomt. Er is interessante filmmuziek als het trio de camper naar Florida rijdt: de rustplaatsen, het saaie landschap en uiteindelijk de prachtige bergen van North Carolina.
Uiteindelijk is er iets mis, en de Ivey-figuur heeft blijkbaar verhalen verzonnen over haar dochter en haar man, die nu een beetje sinister lijkt. De film deed me een beetje aan Spielbergs Duel denken, hoewel het in het begin niet zo dreigend was. De moraal van het verhaal is dat je nooit weet wat de mensen denken, vooral niet als je door het land rijdt. Pas op!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is naar alle waarschijnlijkheid de beste film die niet veel mensen zullen zien. Hij gaf een cultuur weer op een echte, niet-hollywoodachtige manier. Die moet je zien voor iedereen die van _Indie_ houdt en voor iedereen die dat niet doet. Ik denk dat deze film meer aandacht zal vestigen op de _Indie_ -scène. Het acteerwerk was top! Het personage van Alice was zo goed geacteerd. Met volmaakte onbeholpenheid. Deze film moet naar de mainstream worden gehaald! Ik denk dat hij het heel goed zou doen! _Alice_ is de meest reële kijk op een element van onze cultuur die ik heb gezien sinds _Ga naar Alice_. Een blik die niet is aangeraakt door de hand van Hollywood. Films als deze laten jonge mensen zien dat deze dingen geen glamour hebben, maar dat ze echt en meeslepend zijn. Als je van PIECES OF APRIL hebt gehouden, zul je van deze houden!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik verwachtte er niet veel van toen ik deze film huurde, want veel onafhankelijke films lijken tegenwoordig een beetje overschat te worden (nou ja, Hollywood-films trouwens ook), maar deze film was fantastisch, echt geweldig, het is jammer dat hij niet een enorm publiek heeft bereikt, want hij is gewoon fantastisch. Ik ben echt dol op Alice' vastberadenheid, daardoor zie ik mijn leven echt als een geschenk, en ik zie hoe bevoorrecht ik ben alleen al om een opleiding te hebben. Maar afgezien daarvan bewijst deze film echt dat een goede kunstenaar een goed verhaal kan vertellen, ongeacht het budget, het is een uitstekende film en iedereen moet hem zien, ze zullen hem prachtig vinden en er beslist iets van leren. Ik hoef geen genie te zijn om te weten dat het een van de beste films is die ik het hele jaar heb gezien, en zeker een van de meest waarheidsgetrouwe.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Fantastische film! Wauw <0xE2><0x80><0x93> dit is echt een traktatie. Niet te geloven dat ik zo'n juweel van een film heb ontdekt.
Een knap jong meisje dat naar het zuiden reist, naar Florida, ontmoet een vriendelijk ouder echtpaar met een camper, nadat ze een flat heeft gehuurd bij een wegrestaurant. Maar ze komt erachter dat de dingen niet zijn wat ze lijken en het echtpaar wordt een beetje eng als ze een tijdje met hen onderweg is.
Iedereen in de film was zo perfect in zijn rol dat je bijna gelooft dat je dit in het echte leven voor je ogen ziet gebeuren.
Nieuwkomer Emily Grace deed het fantastisch als de heel schattige, maar toch een beetje verlegen Alice. Emily geeft je het gevoel dat je kunt begrijpen wat ze doormaakt en dat je kunt zien hoe ze in de situatie terecht is gekomen die zich in de film ontwikkelt. Ik weet zeker dat we Emily in de toekomst in meer films zullen zien.
In tegenstelling tot wat sommige anderen hebben gezegd, waren de belichting en de foto's in deze film perfect. De montage was ook goed <0xE2><0x80><0x93> precies de juiste manier om beelden van de snelweg in elkaar te zetten, zodat je het gevoel krijgt dat je met de cast meereist op hun reis.
Ik heb het niet op het witte doek gezien, maar ik kan er alleen maar op aandringen dat iedereen naar buiten gaat om het te zien. Meer van dit soort films zijn precies wat we nodig hebben.

SF.
SF.