inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Oorspronkelijk bedoeld als onderdeel van een groots epos, _Het jaar 1905_, waarin de revolutie van 1905 wordt beschreven, is _Poemakin_ het verhaal van de muiterij van de bemanning van de _Poemakin_ in de haven van Odessa. De film begint met de bemanning die protesteert tegen het door de maden aangevreten vlees en de kapitein die opdracht geeft tot de executie van de dissidenten. Er vindt een opstand plaats waarbij de revolutionaire leider wordt gedood. Dit bemanningslid wordt naar de kust gebracht om daar in staat van beschuldiging te worden gesteld. Wanneer de burgers zich verzamelen op een enorme trap die uitkijkt over de haven, verschijnen er tsaristische troepen die de menigte uiteendrijven. Er wordt een marine-eskader op uitgestuurd om de Potemkin te heroveren, maar op het moment dat de schepen binnen bereik komen, laten hun bemanningen de muiters door. Eisensteins niet-historisch accurate einde heeft een open einde, wat erop wijst dat dit het zaad was van de latere bolsjewistische revolutie die in Rusland tot bloei zou komen. De film bestaat uit vijf delen: Men and Madges, Drama on the Quarterdeck, An Appeal from the Dead, The Odessa Steps en Meeting the Squadron.
Eisenstein was een revolutionair kunstenaar, maar op het geniale niveau. Omdat hij geen historisch drama wilde maken, gebruikte Eisenstein visuele textuur om de film een filmjournaallook te geven, zodat de kijker het gevoel krijgt dat hij een spannend en politiek revolutionair verhaal afluistert. Deze techniek wordt toegepast in _The Battle of Algiers_ van Pontecorvo.
In tegenstelling tot Pontecorvo vertrouwde Eisenstein op het typen, of de casting van niet-professionele acteurs die een opvallend uiterlijk hadden. De buitengewone gezichten van de spelers zijn wat je je herinnert van _Poema_. Deze techniek wordt later gebruikt door Frank Capra in _Mr. Deeds Goes to Town_ en _Meet John Doe_. Maar in _Poema_ wordt geen enkel individu als held of heldin gecast. Het verhaal wordt verteld door middel van een reeks scènes die worden gecombineerd in een speciaal effect dat bekendstaat als montage: het bewerken en selecteren van korte fragmenten om het gewenste effect op de kijker te bereiken. D.W. Griffith gebruikte de montage ook, maar niemand beheerste die zo goed als Eisenstein. Het artistieke filmen van de slapende bemanning in hun hangmatten wordt geaccentueerd door het sierlijke zwaaien van de tafels die aan kettingen in de kombuis hangen. De confrontatie tussen de bemanning en hun officieren daarentegen is geladen met elektriciteit en de gebalde vuisten van de massa demonstreren hun woede met onrechtvaardigheid.
Eisenstein introduceerde de techniek om een actie te laten zien en die opnieuw te herhalen, maar vanuit een iets andere hoek om de intensiteit ervan te demonstreren. Het breken van een bord met de woorden 'Geef Ons Deze Dag Ons Dagelijks Brood' betekent het begin van het einde. Deze techniek wordt gebruikt in het laatste jaar in Marienbad. Ook hangt de scheepsarts zijn pince-nez aan het want te bungelen als hij overboord wordt gegooid. Deze glazen gebruikte de officier om het van maden vergeven vlees te inspecteren en door te geven. Deze volgorde verbindt de straf aan de verdorvenheid van het tsaristische tijdperk.
De meest bekende scène in de film, en misschien wel in de hele filmgeschiedenis, is de Odessa Steps. De brede treden zijn gevuld met honderden figuranten. Snel en dramatisch geweld wordt altijd gesuggereerd en niet expliciet, maar de visuele beelden van de dood van enkelen zullen de kijker altijd bijblijven.
De hoekige opnamen van marcherende laarzen en benen die de treden afdalen, worden slim geaccentueerd met lange, dreigende schaduwen van een zon boven aan de treden. Het tempo van de reeks varieert opzettelijk tussen de marcherende soldaten en een paar burgers die moed verzamelen om hen te smeken te stoppen. Een close-up van het gezicht van een vrouw, verstijfd van afgrijzen nadat ze door het zwaard van een soldaat is geraakt, is de directe antecedentenverklaring van de bankbediende in Bonnie in Clyde en geeft een blijvende indruk van de verschrikkingen van het tsaristische regime.
De dood van een jonge moeder leidt tot een kinderwagen die de trap af dendert in een reeks die is gekopieerd door Hitchcock in Foreign Correspondent, door Terry Gilliam in Brazilië en door Brian DePalma in The Untouchables. Deze opeenvolging van gebeurtenissen wordt herhaaldelijk vanuit verschillende invalshoeken getoond om zo een gebeurtenis uit te beelden die waarschijnlijk maar vijf seconden heeft geduurd.
Potemkin is een film die de revolutionaire geest vereeuwigt, die verheerlijkt voor degenen die zich er al bij hebben aangesloten, en die propagandeert voor degenen die nog niet zijn bekeerd. Hij kookt van vuur en buldert van de zinloze onrechtvaardigheden van het decadente tsaristische regime. De grootste impact heeft hij gehad op filmstudenten die technieken die een paar generaties geleden in Rusland zijn uitgevonden, hebben geleend en slechts een klein beetje verbeterd.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

De beroemdste film van Sergei Eisenstein heeft de tand des tijds goed doorstaan. Het verhaal van een muiterij aan boord van een oorlogsschip in 1905 wekt wel de indruk van Sovjetpropaganda, maar toont goed de omstandigheden die tot de opstand leidden. De scène op de trappen van Odessa moet in ieders geheugen gegrift blijven.
Oké, 'Het slagschip Potemkin' was niet echt de eerste film die gebruikmaakte van montage, maar ze hebben het hier geweldig gedaan. Elke geschiedenisles zou deze film moeten vertonen. Het is een geweldig historisch drama (hoewel ik moet toegeven dat ik niet weet hoe accuraat het is). Een 10/10.
O, en we zouden er inmiddels achter moeten zijn dat 'Potemkin' moet worden vertaald als 'Potyomkin'.

targets: De recensie is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Eisenstein heeft de Russische Montage-theorie ontwikkeld, en deze film is zijn beste voorbeeld. Het duurde jaren voordat iemand zijn ideeën kon toepassen en er iets mee kon doen (The Limey, 1999). Niettemin toont de scène met de kinderwagen echt de verwarrende aard van RMT. Toegegeven, net als de meeste films duurt het in sommige delen lang, maar de schoonheid van de film is verbazingwekkend. Een van de beste stomme films die ik ooit heb gezien.

targets: Het antwoord is positief.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Het meesterwerk Slagschip Potemkin (1925) kreeg van de Sovjet-regering de opdracht om de 20e verjaardag van de opstand van 1905 te vieren en de gebeurtenis te presenteren als een heroïsche voorbode van de Oktoberrevolutie van 1917. Ironisch genoeg was de regisseur van de film, Sergei Eisenstein, een van de eerste en invloedrijkste voorstanders van een formalistische benadering van de filmkunst. Eisensteins formalisme en verdachte politiek zouden vervolgens talloze conflicten veroorzaken met overheidsinstanties die vasthielden aan'socialistisch realisme'. Eisenstein, beïnvloed door de Russische filmtheoreticus Lev Kuleshov en via hem door D.W. Griffiths Intolerance (in 1919 naar Rusland gesmokkeld), maakte zijn films uit een 'collisie' van snel bewerkte beelden, een montage van opnamen die in lengte, beweging, inhoud, belichting en camerahoek varieerden. De meest memorabele illustratie van Eisensteins stilistische benadering - en waarschijnlijk de meest geciteerde en bestudeerde sequentie in de wereldgeschiedenis van de cinema - is zonder enige twijfel de 'Odessa Steps'-sequentie in Potemkin.
In structuur is Potemkin een 'vijf-reeler', verdeeld in vijf verhalende delen, een organisatie die duidelijk is afgeleid van de vijf-aktiviteitenverdeling in het westerse drama. In 'Men and Maggots' dramatiseert Eisenstein de pre-revolutionaire onderdrukking en ontevredenheid van de arbeidersklasse op het slagschip, terwijl de situatie onvermijdelijk uitloopt op muiterij. Nog voordat de zeelieden en hun hogere officieren/meesters visueel worden geïntroduceerd, legt Eisenstein symbolisch de revolutionaire omstandigheden vast door de botsing van golven die op zee woest en onheilspellend breken. Aan boord van het schip zien we overvolle, onhygiënische omstandigheden. De scheepsarts wordt door de andere officieren naar voren geroepen om te verklaren dat het vlees volmaakt geschikt is om bij de donkere soep te worden opgediend, die kookt als de woede van de zeelieden. In overeenstemming met de marxistische beginselen laat de kerk ook de mannen in de steek, en we zien hoe een van hen een bord met woorden uit het Onzevader vermorzelt, vanuit twee verschillende camerastandpunten gefilmd (misschien wel de eerste keer in de geschiedenis van de cinema dat er met opzet in wordt geknipt).
Geidentificeerd met tussentitels als 'Drama op het Halfdek' en 'Een beroep op de Doden'. In het tweede en derde deel worden de werkelijke muiterij en de begrafenis van de leider en eerste held van de revolutie, Vakulinchuk, beschreven. Verenigd door Vakulinchuks oproep tot broederschap, sluiten de eerste muiters zich aan bij de hele bemanning voor een aanval op de officieren. Er volgt een chaotische scène waarin de gewelddadige hartstocht van Eisenstein goed tot zijn recht komt. De officiersverblijven worden vertrapt en symbolen van hun voorrecht worden vernietigd. De scheepsarts wordt overboord gesmeten, vergezeld van dramatische doorsneden naar het door maden aangevreten vlees, terwijl zijn bril metonymisch in het want bungelt. Tragisch genoeg is de dood van Vakulinchuk de prijs die voor de opstand moet worden betaald (geen omelet zonder eieren te breken) en wordt hij waardig op een pier van Odessa gelegd. Honderden gewone inwoners van Odessa verzamelen zich bij de zeelieden om hem te eren en om hem 'de dood van de onderdrukkers' toe te vertrouwen. Gebalde en ontspannen vuisten zijn het teken voor de geboorte van een revolutionair bewustzijn.
De complexe en onvergetelijke scène op de Odessa Steps vormt het vierde bedrijf van de film. Hij begint met opzwepende muziek en een reeks close-ups en middenshots van de opgetogen gezichten van verschillende mensen op het strand en van geselecteerde voorwerpen (parasol, bril, kinderwagen). Plotseling (zoals een titelkaart met enorme letters uitroept) houdt de muziek op en verschijnen er rijen soldaten met getrokken geweren en bajonetten boven aan de trap. Hier geeft Eisenstein de botsingen weer in hun volle omvang weer, terwijl bijna honderd schoten aan elkaar worden gevoegd om de paniek en de slachting onder de burgers te vergelijken met de meedogenloze aanval van de soldaten die de burgers naar beneden drijven, naar de vertrapte paarden en de rondvliegende sabels van de wachtende kozakken beneden. De mise-en-scène wordt omlijst door een standbeeld van Caesar boven aan de trap en een kerk onder aan de trap, symbolische afkortingen voor Ruslands onderdrukkende instituties: de tsaristische monarchie en de orthodoxe christelijke kerk.
De volgorde wordt geaccentueerd door twee scènes waarin moeders en kinderen een rol spelen. In de eerste scène zijn een moeder en een jongen die aan de vreugdevolle gezichten in de menigte zijn voorgesteld de eerste slachtoffers van de slachting. De jongen wordt neergeschoten, maar de moeder rent door tot close-ups van haar gezicht haar ontzette blik op het door de menigte vertrapte lichaam van haar zoon vestigen. Met een veel tragere montagesnelheid volgt de camera de moeder die het levenloze lichaam van haar kind de trap op draagt naar de soldaten (die alleen in een diagonale schaduwlijn te zien zijn). Ze schieten haar zonder omhaal dood. Na deze onderbreking gaat het bloedbad nog enkele tientallen keren door tot er een tweede moeder door de buik (de baarmoeder van Moedertje Rusland?) wordt geschoten terwijl ze haar baby in zijn wagentje probeert af te schermen. In een scène die beroemd is geworden door de imitatie in The Untouchables glipt het wagentje uit de toon vallend de trap af. Verschrikte gezichten van ineengedoken burgers kijken toe hoe het rijtuig langzaam zijn ondergang tegemoet rijdt. Als het rijtuig de bodem bereikt, zien we een houw naar een kozak die met een zwaard zwaait, en een klassiek Kuleshov-effect suggereert wat we niet echt zien: het afslachten van dit zuivere en symbolische onschuldig. De laatste reeks opnamen van Odessa bestaat uit drie stenen leeuwen, een in rust, een die rechtop zit en een die brult. De montage bewerkstelligt ze tot een visuele metafoor van de ontwaakte woede van het volk.
Enigszins anticlimax brengt het vijfde bedrijf ons terug naar het slagschip terwijl de muitende zeelieden op volle zee op de vlucht slaan en wachten op een ontmoeting met andere schepen van de vloot. Zij en de kijker verwachten vergelding, maar als de ontmoeting plaatsvindt, worden er geen schoten gelost en in plaats daarvan zwaaien alle zeelieden en gooien ze hun hoed in de lucht als teken van kameraadschap. Eisenstein was op dit punt bezig de geschiedenis te herschrijven, aangezien de revolutie pas twaalf jaar later met succes werd gelanceerd. Maar afgezien van dat geharrewar geldt Slagschip Potemkin als een van de belangrijkste werken uit het tijdperk van de stomme film, en het bezit een buitengewone filmische kracht.

targets: De beoordeling hier is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Het slagschip Potemkin zou een favoriet van Charlie Chaplin zijn geweest. Het is een gedramatiseerde versie van de muiterij die in 1905 plaatsvond, toen de bemanning van het Russische slagschip Potemkin in opstand kwam tegen de officieren van het tsaristische regime.<br />De film is een schoolvoorbeeld van een filmklassieker en een meesterwerk van creatieve montage, vooral in de beroemde scène over de Odessa Steps, waarin onschuldige burgers in het bloedvergieten worden neergemaaid. De gebeurtenissen van een minuut worden door een koortsachtige montage tot vijf minuten samengevat. De film bevat 1300 afzonderlijke opnamen, en werd in 1948 en 1958 door een panel van internationale critici als de beste film aller tijden beschouwd. Het slagschip Potemkin is in sommige delen van de wereld in het publieke domein.

targets: Deze recensie is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Op 14 juni 1905, tijdens de Russische Revolutie van dat jaar, kwamen zeelieden aan boord van het Russische oorlogsschip de Potemkin in opstand tegen hun onderdrukkende officieren. Gefrustreerd door de tweederangsbehandeling die ze kregen, en vooral door het van maden vergeven vlees dat ze moesten eten, besloot de bemanning van het schip, aangevoerd door de inspirerende bolsjewistische matroos Grigory Vakulinchuk (Aleksandr Antonov), dat de tijd voor een revolutie rijp was. En zo begint Sergei M. Eisensteins opzienbarende klassieker van de Russische propaganda: 'Bronenosets Potyomkin/Het slagschip de Potemkin' Het lichaam van een overleden muiter ligt vredig op het strand, het bord op zijn borst vermeldt: VERMOORD VOOR EEN KRUIK VAN SOEP; close-ups van de gebalde vuisten van de honderden toeschouwers die eindelijk genoeg hebben van het tsaristische regime; een onhandelbaar kinderrijtuig rolt de trap van de Odessa af terwijl wanhopige toeschouwers met ingehouden adem toekijken (deze scène werd gedenkwaardig 'geleend' door Brian De Palma voor een bijzonder spannende scène in zijn 'The Untouchables'-film. De lopen van talloze kanonnen zijn onheilspellend gericht op het veruit in de meerderheid zijnde slagschip de Potemkin.
De film zelf kan echter het best worden geanalyseerd, niet als een gefragmenteerde selectie van memorabele scènes, maar als één enkele film, en inderdaad zijn alle scènes buitengewoon memorabel. Hoewel de film in vijf tamelijk beknopte hoofdstukken is verdeeld, stroomt hij prachtig naar voren; op geen enkel punt verliezen we onze belangstelling, en we twijfelen er absoluut niet aan aan wiens kant we zouden moeten staan.
De film wordt vaak 'propaganda' genoemd, en dat is precies wat het is, maar dat hoeft geen negatieve bijklank te hebben. 'Potemkin' was door Eisenstein geproduceerd met een specifiek doel voor ogen, en dat doel is in alle opzichten volmaakt bereikt. De film was door het Centrale Comité van de Sovjet-Unie gepland om samen te vallen met de 20ste-eeuwse viering van de mislukte revolutie van 1905, en 'Potemkin' zou naar verwachting in zijn eigen land een populaire film worden, als symbool voor de herleving van de Russische kunst na de revolutie. Het is dan ook een beetje jammer dat Eisensteins film het niet goed deed bij het Russische publiek, dat naar verluidt in de eerste week al werd verslagen door Allan Dwans 'Robin Hood'-film uit 1922, die maar vier korte weken heeft gelopen. Gelukkig is 'Het Slagschip Potemkin' in het buitenland bewonderenswaardiger ontvangen, hoewel hij in verschillende landen is verboden. De film bleek ook een succesvol middel voor Eisenstein om zijn theorieën over'montage' te testen. Door de snelle montage en de verre opnamen van de vele figuranten mag het publiek niet sympathiseren met individuele personages, maar met de revolutionaire bevolking in het algemeen. Eisenstein breekt echter heel even met dit patroon, in een scène waarin Vakulinchuk vlucht voor de scheepsofficier die hem probeert te vermoorden, en natuurlijk in de beroemde scène van de Odessa Steps, waarin onze harten bonzen van angst voor het leven van het onfortuinlijke kind in de tuimelende kinderwagen. De bijbehorende soundtrack bij de versie die ik heb gezien, grotendeels met het orkestwerk van Dmitri Sjostakovitsj, heeft geweldig geholpen om de emotionele impact van dergelijke scènes te verhogen. Een van de grootste films uit het stille tijdperk is 'Het slagschip Potemkin', een triomf van fenomenale filmproductie en een belangrijk stuk cinematografische geschiedenis. De overdreven gebeurtenissen in de film (onder andere dat er nooit een gewelddadige slachting plaatsvond op de trap van de Odessa) zijn zo volledig in de herinnering geworteld, dat we vaak niet zeker zijn van de ware geschiedenis achter de afgebeelde gebeurtenissen. Dit is een grootse prestatie.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

The Battleship Potemkin is nu de oudste film die ik ooit heb gezien en het is ook de eerste stomme film die ik ooit heb gezien. Ik heb een heleboel goede dingen over deze film gehoord, dus heb ik de band thuis afgespeeld en heb ik hem bekeken. Toen hij afgelopen was, dacht ik alleen maar dat dit een klassiek meesterwerk was. Het verhaal is gebaseerd op het echte Russische Battleship Potemkin. Je zou het niet denken, maar een deel ervan was triest en walgelijk. Triest omdat de moeder sterft en de kinderwagen de trap af rolt en walgelijk omdat ze rottend vlees moeten eten met maden erin.<br />Tegenwoordig wordt het nog steeds beschouwd als een van de beste stille en Russische films die ooit zijn gemaakt. Ik vind dat iedereen het moet zien (als ze het kunnen vinden). Je zult er wel verbaasd over zijn hoe goed het is. Het is een klassieker. 5/5.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Er zijn maar een paar films die op zo'n grote schaal zijn gemaakt en die zo'n verschil hebben gemaakt in de kunst van het filmen.
'Bronenosets Potyomkin' is een van die films, en hij zou op ieders lijstje moeten staan om meer te weten te komen over de geschiedenis van de film.
Grigori Aleksandrov & Sergei M. Eisenstein regisseerden deze baanbrekende film die de gruwelen beschrijft die plaatsvonden op een Russisch slagschip. Wanneer de zeelieden uiteindelijk wraak nemen op hun superieuren, omarmen de plaatselijke bevolkingen hen en steunen hen. Het loopt uit de hand wanneer een groep soldaten naar het stadje wordt gestuurd om de zaken af te handelen. Wat volgt is een van de meest geïmiteerde scènes in de geschiedenis van de film. Iedereen die 'The Untouchables' en 'Bronenosets Potyomkin' heeft gezien, weet precies wat ik bedoel.
Over het geheel genomen denk ik dat deze film de lat voor het maken van films net zo hoog heeft gelegd als 'Intolerance' een paar jaar eerder. Als je niet tegen stomme films kunt, doe jezelf dan een lol en kijk naar 'Bronenosets Potyomkin'.
Als je niet van stomme films houdt... kijk dan toch maar naar 'Bronenosets Potyomkin'.

targets: Gegeven de recensie, mijn antwoord is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik heb vanavond iets gewaagds gedaan toen ik naar deze film keek. Ik heb geprobeerd me los te maken van de geluidsband. Natuurlijk, toen deze film voor het eerst werd verspreid, is er waarschijnlijk een pianosnaar bij gebruikt. Vaak koos de regisseur de pianosnaar zelf (Charlie Chaplin heeft de geluidsbanden van zijn latere stomme films vaak zelf gecomponeerd). Maar de meeste muziek die je op videobanden van stomme films hoort, is in geen enkel opzicht dezelfde muziek die werd gespeeld toen de film voor het eerst werd uitgebracht. En er waren ook heel wat stomme films die zonder pianosnaar werden afgespeeld. Ik ken de geschiedenis van Potemkin niet. Dus besloot ik te kijken naar het medium dat dit kunstwerk in de film werd geproduceerd.<br />Kort nadat ik de muziek had afgezet, zonder hulp (of moet ik zeggen onbelemmerd) van de muzikale interpretatie van de emoties op het scherm, raakte ik volkomen aan de film gehecht. Visueel is het zonder meer een van de meest verbluffende van alle films. Eisenstein was een meester in het componeren. De montage, misschien wel de filmische techniek waar Eisenstein het beroemdst om is (montage), is buitengewoon. De stemming van deze film is woede, en mijn hartstochten werden er hevig door geprikkeld. Het kost een hoop moeite om van een stomme film te genieten, vooral van een drama, maar films als Battleship Potemkin bewijzen dat het de moeite waard is. Kom op! Je bent het aan jezelf verplicht om naar deze film te kijken! Je opvoeding is incompleet zonder deze film.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Het was verbazingwekkend dat een stomme film zo gemakkelijk te zien was. De economie waarmee de film is gemaakt en de structuur van de film zelf zijn de belangrijkste elementen die daaraan bijdragen.
De film vat werkelijk de geest van de revolutie waar hij mee te maken heeft <0xE2><0x80><0x93> je voelt echt mee met de zeelieden en de burgers. Natuurlijk heeft deze film zijn eigen agenda, maar omdat hij een praktisch overbodige zaak is, kan hij worden beschouwd als een stuk amusement in een veel duidelijkere betekenis.
De spanning die op het scherm wordt gecreëerd is uitstekend <0xE2><0x80><0x93> te beginnen met het slagschip zelf, en dan verder naar het vasteland. De dingen escaleren geloofwaardig en voor een film ervan.' In deze tijd is het echt niet moeilijk om de offers te onthullen die de personages in de film hebben gebracht.
Dit is echt de moeite waard om naar te kijken (tenminste, als je je moderne kijkgewoonten voor 90 minuten kunt aanpassen).


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De eerste keer dat onze leraar ons over deze film vertelde, bedoelde hij het genre van de film. We dachten dat er in deze film niets te begrijpen viel, maar toen meneer het ons uiteindelijk uitlegde, kwamen we erachter hoe geweldig deze film is. Ten slotte kan ik zeggen dat het helpt om films te begrijpen. En als studente aan de filmschool kan ik de kijkers vertellen dat ze deze film kunnen zien.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

De fotografie en de montage van de film zijn uitzonderlijk voor die tijd. Eisenstein bouwt op elke scène van de film voort die leidt tot de opstand van de matrozen en het bloedbad in de stad. De film is niet alleen een hoogtepunt in de cinema, maar ook een voorbeeld van het Socio-realisme. In 1925 maakte de Sovjetregering actief gebruik van de kunsten, inclusief de film, als middel om de boodschap van de revolutie te verspreiden. Eisensteins vertolking van de opstand op de Slag om Potempkin geeft de kijker inzicht in de boodschap van de Sovjetelite. De marxistische theorie en de perspectieven van de klassenstrijd worden gedemonstreerd als de zeelieden die de onderdrukte arbeiders en de officieren vertegenwoordigen die de elite van de samenleving vertegenwoordigen. Een groot deel van de film laat de boodschap van de communistische partij zien en hoe de film als propagandamiddel werd gebruikt.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

SPOILERS Elk groot regime gebruikt de media van het land voor zijn eigen doeleinden. Of het nu de nazi's waren die bepaalde pamfletten verboden, of het op de televisie uitgezonden Chinese alternatief van het Tianamenplein, regeringen hebben sinds het begin der tijden geprobeerd de mensen via verschillende middelen te beïnvloeden. Maar in 1925, ter gelegenheid van de mislukte muiterij van 1905, steunde de Russische communistische regering de schepping van deze film, _Slagschip Potempkin_. Het is een belangrijk stuk cinematografische geschiedenis, en tot op de dag van vandaag krachtig en mooi.
Aan boord van de _Slagschip Potempkin_ zijn de bemanningsleden ongelukkig. In ellendige omstandigheden en met van maden vergeven voedsel zijn ze boos op hun eliteonderdrukkers. Maar nu, na het bedorven voedsel, is het genoeg geweest. Onder leiding van Grigory Vakulinchuk (Aleksandr Antonov), keert de bemanning zich tegen hun meesters en vecht voor hun vrijheid.
Voor wat betreft propaganda is 'Strijd om Potemkin' perfect. De film heeft een positief licht geworpen op de eerste, mislukte, communistische muiterij en was een nuttig Sovjetinstrument. Maar tachtig jaar na de première is de Sovjet-Unie volledig van de kaart verdwenen. Het verbazingwekkende aan deze film is echter dat, hoewel het land waarvoor de boodschap bedoeld was verdwenen is, de film nog steeds een krachtig en waardig stuk film blijft.
Geschreven en geregisseerd door Sergei Eisenstein is de film verrassend leuk om te zien. Het is waar dat hij ver verwijderd is van wat we tegenwoordig als'vermaak' zouden beschouwen. Maar de film is een prachtig kunstwerk.
Of het nu de scènes aan boord van de boot zijn of de vaak besproken scène op de trappen van Odessa, alles aan deze film is perfect. De muziek is krachtig en dramatisch, de belichting is vlekkeloos, zelfs het acteerwerk, hoewel een beetje overdreven, is perfect voor het stuk. Het komt erop neer dat je het eindproduct van deze film op geen enkele manier kunt bekritiseren.
Het is onmogelijk te zeggen hoe het Russische volk deze film op het moment dat hij werd uitgebracht heeft ontvangen. Als je een land bewondert dat al vijftien jaar niet meer bestaat, is het moeilijk voor ons om te weten wat voor gevoel de film bij ons oproept. Maar als kunstwerk is hij magnifiek. Prachtig van begin tot eind, het is geen gemakkelijke wacht, maar het is de moeite waard.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze film uit 1925 vertelt het verhaal van de muiterij aan boord van het oorlogsschip _Poema_ in de haven van Odessa. De film vierde het twintigjarig bestaan van de opstand van 1905, die werd gezien als een directe voorloper van de Oktoberrevolutie van 1917. Na zijn montagetheorie speelt Eisenstein met scènes, hun duur en de manier waarop ze samenkomen om zijn boodschap te benadrukken, en bovendien gebruikt hij andere camerastandpunten en revolutionaire belichtingstechnieken. De scène met de 'Odessa-stappen' in _Poema_ is een van de beroemdste uit de geschiedenis van de film. Het kinderwagentje dat na de dood van zijn moeder van de trap valt, is later nagemaakt in Brian d' Palma's _The Untouchables_. Het is duidelijk dat de film een van de beste is die ooit is gemaakt, gezien de tijd waarin hij is gemaakt en hoe vernieuwend hij was, hoewel je een beetje geduld moet hebben en een echte filmliefhebber moet zijn om de 70 minuten door te komen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Eisenstiens 'Potempkin' ('Bronenosets Potyomkin') is een van de beste films die ooit zijn gemaakt en misschien wel de beste uit het stille tijdperk. Eisenstien was een pionier op het gebied van filmvorm en zijn gebruik van montage heeft tot op de dag van vandaag invloed gehad op films. De beelden van de bloedbaden in Odessa zijn nog even krachtig als toen ze meer dan 70 jaar geleden voor het eerst werden vertoond. Laat de kans om deze film te zien niet voorbijgaan!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze film is een ijkpunt in de geschiedenis van de niet-kernfilm. Het gebruik van montage vertegenwoordigt een kwantumsprong van de betrekkelijk eenvoudige juxtaposities van Strike (Eisensteins eerste film). Neem de scène op de trap en let op de herhaalde beelden van de soldaten die naar beneden komen, om het punt te herhalen van de gruwelen die werkelijk plaatsvonden! Een uiterst intelligente monumentale film, een must-see voor alle studenten van de filmwereld!


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Gebaseerd op de feitelijke gebeurtenissen van 1905, de stomme film _The Battleship POTEMKIN_ gaat over een Keizerlijk Russisch schip waarop verschrikkelijke omstandigheden tot muiterij leiden. Geschokt door de omstandigheden op het schip sluiten de burgers van de havenstad Odessa zich aan bij de muiters <0xE2><0x80><0x93> en zijn als gevolg daarvan overgeleverd aan de genade van de Keizerlijke strijdkrachten, die de burgeraanhangers met brute kracht aanvallen.
_THE BATTSHIP POTEMKIN_ is een film waarin individuele personages veel minder belangrijk zijn dan de groepen en menigten waarvan ze deel uitmaken, en hij bereikt zijn ongelooflijke kracht door de botsing van de groepen en menigten te laten zien in een reeks buitengewoon gevisualiseerde en gecorrigeerde scènes. Verbazingwekkend genoeg slaagt elk van deze reeksen erin de vorige te overtreffen, en de film krijgt steeds meer macht naarmate hij zich verplaatst van de muiterij naar de burgerdemonstratie naar de slachting op de trappen van Odessa <0xE2><0x80><0x93> waarvan de laatste een van de beroemdste reeksen in de hele filmgeschiedenis is. De regisseur Eisenstein filmt voornamelijk waar de werkelijke gebeurtenissen zich hebben afgespeeld, en zijn visie is buitengewoon terwijl hij <0xE2><0x80><0x93> niet alleen van de ene reeks naar de andere reeks, maar van moment tot moment binnen elke reeks <0xE2><0x80><0x93> enkele van de meest gedenkwaardige beelden bouwt die ooit aan de film zijn toevertrouwd.
POTEMKIN als een geweldige film beschrijven is een understatement. Het is een absolute noodzaak, een absolute noodzaak voor iedereen die serieus geïnteresseerd is in de film als kunstvorm, zuiver visuele cinema op zijn briljantst, vaak geïmiteerd, zelden geëvenaard, nooit overtroffen.

Gary F. Taylor, alias GFT, Amazon Reviewer.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Het mag dan wel spoilers bevatten, maar dat doet er natuurlijk niet toe:)
_Battleship Potemkin_ is een verbluffend spektakel van spookachtige beelden. De visuele richting is (nou ja, is dat altijd geweest) inspirerend, de enorme omvang van de film is indrukwekkend, en de techniek is zeker pionierswerk. Wat echt verbazingwekkend is, is naar mijn mening de diepte en effectiviteit van een film, verstoken van het juiste literaire script, geluid (behalve de soundtrack), fatsoenlijke beeldkwaliteit, het zogenaamde (zelf)reflectievermogen van tegenwoordig, uitzonderlijk acteerwerk, voorwendsels, enzovoort. Wat je krijgt is een zuiver visuele ervaring om nooit te vergeten.
_BTW_, stond er op de vorige poster:'_Eisentien_ voelde zich na een hoop lijden geroepen om de helden te geven wat ze wilden. Het probleem is dat jij denkt dat Eisenstein zich voorbereidt op een groots slotgevecht en je dan voor de gek houdt. Dat is een beetje goedkoop. Ik had liever een grootse slotscène gezien.'
Ik moet je waarschuwen dat het einde niet goedkoop is, en Eisenstein was niet royaal voor de helden. Maar de geschiedenis wel. Potemkin ging echt het hele eskader door zoals hij in de film werd getoond.
Ten slotte zou ik iedereen die min of meer serieus geïnteresseerd is in film aanraden Slagschip Potemkin te zien. Als ik het met een medefilmfanaat zag, hield dat me urenlang aan de praat. Maar als je geneigd bent films te beschouwen die over het algemeen worden geaccepteerd als 'geweldig' of 'klassiek', om 'langzaam' of'saai' te zijn. Deze film is misschien nog niet voor jou. Er is hier niet veel goedkoop amusement.
Maar voor mij is het een volle tien/tien.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De beroemde close-up van hun ontbijtvlees, dat krioelt van de maden, wordt nog steeds vastgelegd door het vuur in mijn neuronen of door de wind die de zeilen op de juiste plaatsen vult, de mist beter dan Carpenters THE FOG want dat is de echte verschrikking die uit de geschiedenis van de mensheid barst in plaats van de geesten van piraten. Maar ik zal je wat vertellen: zelfs de schitterende scène in _Homenage_ van Brian Di Palma met de voortreffelijke muziek van Ennio Morricone in _The Untochables_ (in slow motion opgenomen) kan het effect niet evenaren van het oorspronkelijke meesterwerk van de menigte die de ladders afdaalt. We zien niet alleen de kinderwagen, maar ik herinner me ook de hand van een baby die door een militaristische laars wordt getrapt, iemand zonder voeten die op het laatste moment wegvlucht, iemand met een bril (toen een gelimiteerde oplage) en dan dezelfde bril die wordt gebroken door een kogel die erdoorheen gaat... miniverhaaltjes in één enkele scène.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik heb dit al een tijdje willen zien: ik had nooit gedacht dat ik het zou zien op een vochtig Trafalgar Square, in Londen met vijftienduizend andere mensen en allemaal naar een nieuwe plaat van de Pet Shop Boys.
Snel, die ervaring in het bijzonder. Een nieuw afscheid van het PSB, het leek te lijden aan hetzelfde probleem als de miniaturisator Hugo Wolf had toen hij zijn opera Der Corregidor schreef: de lange structuur was een keten van korte, d.w.z. liederen. Het PSB produceerde een vloeiender, geïntegreerdere plaat, hoewel het op zijn eigen manier nogal statisch was. Ze konden ook geen weerstand bieden aan de verleiding om te zingen: een ondertiteling werkte in dit opzicht als een gratis staande meditatie over de handeling van de slachtpartij in Odessa tijdens de handeling van die scène zelf was, zo ver zou ik willen gaan, contraproductief. Maar over het geheel genomen was het heel opwindend, en dat is ongetwijfeld wat Eisenstein probeerde te bereiken.
Het is een heel opwindende film met een woeliger montage die de plaats inneemt van het versnellen van spanning of actie. Hoewel de film prachtig is gefilmd en gepassioneerd wordt gebracht (het is een melodrama in de stijl van een stomme film, maar niet in de uitspattingen van de Hollywoodse tekenfilmstijl) sijpelt hij door de zorgvuldige montage heen en geeft hij de specifieke shots een gevoel voor de snelheid waarmee het publiek ze in zich opneemt. En er is ook een enorm scala aan perspectief; of hij had veel camera's, of de opnamen van de haven en de stappen hebben veel tijd gekost.
Superfilm, die beoordeeld kan worden ongeacht het geluid, omdat het eindproduct op die manier bedacht zou zijn.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Nadat ik een biografie had gelezen over de laatste Rus Tzar (Nicolaas II) en het feit dat hij er niet in was geslaagd de steun van het leger te krijgen, besloot ik deze film te proberen.
Ik bekeek hem met een volkomen open geest, zonder er iets van te weten (behalve zijn reputatie).
Dit zijn de dingen die de meeste indruk op me maakten.
1. De opnamen van slagschepen en de soldaten die als extra's werden gebruikt. Meer dan eens dacht ik: 'Als dit in deze tijd en op deze plaats was gebeurd, zou 80% van dit materiaal door de computer zijn gemaakt'.
2. Het realisme erin. Van het van maden vergeven vlees tot de opname van de zeeman met zijn kaars en de tekst 'Gedood voor een kom soep'. Deze film doet geen concessies aan de PC-zaak (die, goddank, nog niet was uitgevonden).
3. De langzame afdaling in de waanzin van de Odessa Steps-scène. Vanaf de eerste opname, als de man zonder ledematen verschijnt, krijg je het idee dat er iets mis zou kunnen zijn; maar aangezien de algemene opnamen zijn gemaakt, voel je je uiteindelijk op je gemak in je omgeving. Dan verschijnt er een geamputeerde en beginnen mensen in dramatische houdingen te vallen. Toch zijn de opnamen gemaakt... tot de kozakken in beeld komen en de ongelooflijke opname-juxtaposities verschijnen. Deze scène is gemakkelijk de toegangsprijs waard.
4. Het feit dat deze film 100% onvervalste propaganda is. Aan de andere kant, toen Rambo in Afghanistan vocht, had hij ook iets te maken met 'propaganda', maar dan van een ander soort.
Over het geheel genomen: een film die een beetje ontsierd wordt door een traag verhaal. Niettemin zijn Metropolis, The Cabinet of Dr. Caligari en deze film perfecte voorbeelden van inventieve, prikkelende films die vandaag de dag nog steeds bekendstaan om hun verdienste. Ze maken moderne films echt saai en repetitief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik had al eerder het gevoel dat er met alle Russische films iets mis was. Maar nu ik deze film heb gezien, heb ik dat gevoel niet meer. Dit is een uniek meesterwerk, gemaakt door de beste regisseur die ooit in de ussr heeft geleefd. Hij kent de kunst van het filmen en kan die heel goed gebruiken. Als je deze film vindt, koop hem dan of kopieer hem!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is een van de beste films die ik in het stille tijdperk heb gezien (ik moet helaas zeggen dat ik er, met uitzondering van Chaplin/Keaton-films, nog niet veel heb gezien). Heel visueel briljant, met een waanzinnig invloedrijke stijl in montage en compositie. Echt uniek (vooral vanwege de tijd) camerastandpunten en extreem hectische montage. Absoluut een must-see voor de filmnerd.
De keerzijde is dat het een beetje te politiek is (ik heb geen problemen met politiek in de film, zolang het maar subtiel is of in elk geval een beetje onbenullig als achtergrond bij het verhaal). Bovendien is het geen 'entertainment'-film, wat prima is, maar het is niet iets wat ik een miljard keer ga kijken. Dit is kunst, zo simpel als wat, of je het nu leuk vindt of niet.
Het is alleen al een tien waard, maar op basis van persoonlijk plezier geef ik het een tien.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik ben net klaar met het kijken naar deze film. Voor mij was de muziek de beste prestatie in deze film. Hoewel veel stomme films heel goed zijn met hun scènes, vind ik dit de beste film die ik ooit heb gezien. Vooral de muiterijscènes waren heel goed.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Sommige gebruikers zijn in de war over de identiteit van de gewapende mannen die in de 'Odessa-trap'-scène de trap afdalen. Het zijn geen kozakken, maar beroepsmilitairen.
De kozakken komen iets later op het toneel en het zijn de mannen op paarden die met hun sabels op de menigte inhakken.
Aan deskundigen op het gebied van de Russische geschiedenis: corrigeer me als ik het mis heb.
Maar er zijn een paar regels in de film waar kennelijk niemand iets over heeft gezegd. Na de overname van het Potemkin-geweer zegt iemand in de menigte op de wal: 'Dood aan de joden!' Het is maar een paar seconden op het scherm te zien, maar het is er. Hoe wreed is het om, niet alleen in Rusland, maar in zoveel andere landen, onmiddellijk, zonder erbij na te denken en instinctief, de joden de schuld te geven van huiselijke problemen!
Misschien zijn andere delen van de film historisch gezien niet waar, maar de protesten tegen de joden zijn maar al te reëel. Commentaar?
En waarom kunnen sprekers van het Engels de naam niet als 'Potyomkin' leren uitspreken in plaats van als 'Potemkin'? Het is in het Russisch noodzakelijk om de twee mogelijke uitspraak van 'e' te onderscheiden: als 'ye' of als 'yo'. Soms worden er twee stippen gebruikt om deze twee uitspraken te onderscheiden, maar meestal moet het verschil eenvoudigweg uit het hoofd worden geleerd.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Als je denkt dat pianolerares Erika Kohut (Isabelle Huppert) in Michael Hanekes film LA PIANISTE de ultieme personificatie is van krankzinnigheid, perversie en duisternis, dan heb ik nieuws voor je: de pianolerares in Elfriede Jellineks roman LA PIANISTE (waarop de film is gebaseerd) is twee keer zo 'walgelijk', 'walgelijk', 'gestoord' en zelfs nog fascinerender <0xE2><0x80><0x93> hoewel er niet genoeg woorden zijn om het niveau van artistieke vaardigheid te vertalen dat Isabelle Huppert hier heeft bereikt, boven alle andere sterfelijke actrices die tegenwoordig actief zijn. En wie had dit personage anders met zo'n emotionele kracht kunnen spelen, compleet met de beste pianospelende/wringende bewegingen die een acteur kon maken?

Zowel in de roman als in de film zijn er twee grote tegenstanders van de 'heldin'. Kohut: haar eigen moeder (een prachtige Annie Girardot met de stem van een wrak, in een rol die oorspronkelijk voor Jeanne Moreau was bedoeld) en Oostenrijk zelf. De moeder verpersoonlijkt Jellineks idee van haar geboorteland Oostenrijk als een land dat bedrieglijk en pervers racistisch/fascistisch (of in elk geval autoritair) gedrag aanmoedigt, seksuele en emotionele onderdrukking en, laten we zeggen, <0xC3><0x9C>bermensch-ideeën die tegenwoordig onmogelijk te handhaven zijn zonder het gevaar van een zenuwinzinking.
'La Pianiste' gaat ook over een heel belangrijke en delicate kwestie: hoe gevaarlijk het is om je diepste fantasieën te onthullen aan degene (denk je) van wie je houdt. We zijn geneigd te denken dat onze eigen seksuele fantasieën voor anderen even opwindend moeten zijn als voor onszelf, wat een enorme, g<0xC3><0xAA>nante en soms tragische vergissing kan blijken te zijn. Hier leert (?) Kohut de les op de pijnlijkste en vernederendste manier.
Het moet gezegd dat Elfriede Jellinek een van de bekendste en meest geprezen auteurs van Oostenrijk en Europa is (nou, nu heeft ze een Nobelprijs!) en dat je uit haar roman autobiografische passages kunt afleiden, omdat ze zelf pianiste was en een naar verluidt moeizame relatie met haar moeder had. De roman bevat ook lange passages over Kohuts jeugd en puberteit, zodat je min of meer begrijpt hoe ze is geworden wie ze nu is. Haneke koos ervoor deze informatie in de film te verbergen, waardoor we ons gedwongen zagen ons af te vragen hoe ze zo geworden was (kennen we niet allemaal een zekere Erika Kohut?). Maar hij heeft de structuur van het boek in zijn film heel goed bewaard: onverdraaglijke eerlijkheid, tot op het punt waarop de meest geheime, 'afschuwelijke' gevoelens pijnlijk naar boven komen: jaloezie, wreedheid, geweld, jaloezie, haat, ellende, sadisme, masochisme, egoïsme, perversiteit enzovoort. Allemaal onmiskenbaar menselijk.
Ik vond 'La Pianiste' een diep ontroerende film, heel verontrustend en tot nadenken stemmend, met een handvol onvergetelijke scènes, en dat is alles wat ik van films vraag. Het maakte ook dat ik het boek kocht en het geweldig vond, dat ik een fantastische schrijver ontdekte die ik al had.' Ik heb het niet eerder gelezen, en ik luister steeds weer naar Schubert <0xE2><0x80><0x93> dus mijn dank aan Schubert, Jellinek en Isabelle! Aan de andere kant, als je op zoek bent naar lichte kost, blijf dan weg. Mijn stem: 9 van de 10.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik heb deze film gezien op het Toronto International Film Festival van 2001. La Pianiste is een aanvulling op de 'Australische pelgrim'-theorie die ik aan het formuleren ben. Isabelle Huppert won in Cannes een welverdiende prijs voor de beste actrice voor haar vertolking van een vrouw die, in haar pogingen het artistieke ideaal te bereiken, haar menselijkheid verliest. Gevangen door haar talent onderdrukt ze haar emoties en haar seksualiteit tot ze alleen nog maar op een verwrongen en angstaanjagende manier tot uitdrukking kunnen worden gebracht. Wanneer een jongere studente verliefd op haar wordt, stijgt onze hoop, maar die wordt al snel de bodem ingeslagen door het besef dat zij de liefde niet kan ervaren zoals anderen dat kunnen. Het is te laat voor haar, en de laatste 30 aangrijpende minuten van de film zijn veelzeggend verstoken van de prachtige muziek die de eerste 90 minuten begeleidde. De boodschap lijkt te zijn dat de muziek zelf niet genoeg is zonder het leven en de schoonheid die ze beschrijft.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Isabelle Huppert moet een van de beste actrices van haar of van welke andere generatie dan ook zijn. 'La Pianiste' bevestigt dat nog eens. Alsof dat nog niet genoeg is, speelt Annie Girardot haar moeder en Annie Girardot is een van de beste actrices van haar of van welke andere generatie dan ook. Dus, zoals je je wel kunt voorstellen, zijn die rollen de gruwelen die ons worden aangedaan waard. Isabelle en Annie spelen personages die we nooit eerder op het witte doek hebben gezien. Een moeder en dochter, ja, maar met zo'n kwaadaardige onbevreesdheid dat ik soms niet eens met mijn ogen kon knipperen of ademhalen. Persoonlijk geloof ik niet in de bedoelingen van de regisseur, echt niet.' Ik geloof niet dat ze (dat wil zeggen, de bedoelingen) verder gaan dan de schokkende anekdote en het einde deed me schreeuwen van frustratie, maar ik was gefascineerd door het verhaal dat geschreven werd in het aangezicht van de sensationele Huppert en de felheid van Girardots kracht. Ik kan het ten zeerste aanbevelen voor filmliefhebbers overal ter wereld en voor verzamelaars van grote voorstellingen zoals ik, je kunt het je niet veroorloven om 'La Pianiste' te missen.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Michael Haneke staat bekend om zijn verontrustende films als 'Funny Games'. Deze keer nam hij Elfriede Jelineks 'Die Klavierspielerin' op, die tot nu toe waarschijnlijk haar beste werk is. Jelinek schrijft altijd over misdragingen in gezinnen, en vooral over de onderdrukking van vrouwen in een patriarchale samenleving.
Erika Kohut (Isabelle Huppert) werkt als pianolerares in het Weense Consevatory. Ze woont nog steeds bij haar moeder (Annie Giradot), ze slapen zelfs in hetzelfde bed (er is al iets vreemds aan de hand). Erika koeioneert haar leerlingen op dezelfde manier als ze door haar moeder is gekoeioneerd, ze kijkt stiekem naar pornofilms en speelt sadomasochistische spelletjes met zichzelf. Een leerling, Walter (Benoit Magimel), wordt verliefd op haar, maar ze weigert simpelweg met hem naar bed te gaan. Ze wil haar spelletjes met hem spelen, maar hij walgt ervan. Hij houdt zich schoorvoetend aan haar regels, wat voor hen allebei een ramp betekent.
Haneke heeft een heel duidelijke beeldtaal, alles is op een bijna Spartaanse manier gefilmd, waardoor de complexe personages en het verhaal worden versterkt.
Mensen die Oostenrijk niet zo goed kennen, beseffen misschien niet hoe essentieel de setting voor het verhaal is. Jelinek (en andere grote Oostenrijkse schrijvers als Thomas Bernhard) lijdt onder de kilheid en nonchalance in de Oostenrijkse families en de samenleving. Oostenrijkers (of in elk geval Weners) zijn vaak niet in staat om hun pijn en wensen onder woorden te brengen, ze onderdrukken hun emoties, waardoor er vaak geen echte liefde, genegenheid en nabijheid in hun families is. In een samenleving waar het belangrijker is om een perfecte fa<0xC3><0xA7>ade aan de samenleving te tonen (zelfs als dat betekent dat je misdaden binnen de familie moet beschermen, zoals Erika en haar moeder de verkrachting van Erika door Walters beschermen om een schandaal te voorkomen) dan om met je emotionele problemen om te gaan, is het waarschijnlijk geen wonder dat Sigmund Freud de psychoanalyse in Wenen heeft uitgevonden. Erika heeft een kille, afstandelijke relatie met haar moeder, en de enige keren dat ze emoties met elkaar delen, zijn ze heel gewelddadig en helemaal niet liefdevol. Erika vervangt haar verborgen emoties door verlangens naar geweld, zodat ze eindelijk wat gevoelens kan loslaten. Maar ze heeft niemand die echt over haar emoties wil praten, dus uiteindelijk moet ze zichzelf steken om haar innerlijke pijn te verlichten.
Isabelle Huppert geeft haar beste voorstelling van haar carrière (net als de meeste andere actrices). Met een strak gezicht zie je vaak alleen een zweem van emotie op haar gezicht, een snelle glimlach, een blik in haar ogen. En uiteindelijk wordt haar pijn meesterlijk uitgebeeld zonder één traan.
Benoit Magimel en Annie Giradot geven ook indrukwekkende voorstellingen, maar de film is van Huppert.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

In de eerste twintig minuten worden we overspoeld door verschillende sterk geportretteerde emoties: een verstikkende en aanmatigende moeder heeft een heftige ruzie met haar 40 jaar oude dochter; de liefde van een pianolerares (en muziekleraar) voor haar leerlingen wordt uitgedrukt in een niet aflatende kritische beoordeling; de vreugde dat muziek zowel de luisteraar als de artiest kan inspireren. Binnen deze korte tijdsspanne worden onze zintuigen op overtuigende wijze belaagd door zeer echte personages. We worden ook overspoeld door krachtig uitgevoerde muziek en zien het verschil tussen grote en middelmatige prestaties met veel aandacht voor nuances. Alleen al dit materiaal zou de basis hebben gevormd voor een uitmuntende film met een wijdverbreide aantrekkingskracht. Maar de trend in de Franse filmwereld, wat die ook moge zijn, gaat dieper en onderzoekt de onderdrukte seksualiteit van de lerares, de uiting van seksuele vrijheid en de daaruit voortvloeiende ontreddering binnen een context van gepassioneerde aantrekkingskracht, en de onvermijdelijke cyclus van echte mishandeling. We worden aangetrokken door haar lijden en vragen ons, althans in het begin, af hoeveel lijden te maken kan hebben met de verdienste van een genie, met name van de componisten die ze bewondert. De pianolerares bevat beeldende dialoog en afbeeldingen van seks en wreedheid in scènes waar sommige mensen liever niet naar kijken. De scènes zijn essentieel voor de dilemma's die de film probeert op te roepen en kunnen dus nauwelijks gratuit genoemd worden. Het mag dan een geweldige film zijn, maar voor het grote publiek is het dat niet.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Erika Kohut is een vrouw met ernstige seksuele problemen. Aan het begin van de film zien we haar laat thuiskomen. Als haar oudere moeder protesteert, wordt Erika razend en valt ze de oudere vrouw zonder medelijden aan. Erika, zo blijkt, is een muzieklerares met een zekere reputatie in het conservatorium waar ze lesgeeft. Als we haar weer zien, is ze een toonbeeld van zelfbeheersing, maar ze toont een wrede kant in de manier waarop ze een jonge student aanvalt, omdat ze vindt dat hij zijn tijd verdoet, en de hare. Hetzelfde geldt voor de onzekere Anna, een getalenteerd meisje aan wie Erika een hekel heeft, misschien omdat ze in de jonge vrouw een belofte ziet die ze niet wil promoten. Aan het eind van de dag zien we Erika een amusementshal binnengaan en naar een van de cabines lopen waar pornografisch materiaal wordt vertoond. Erika kijkt gebiologeerd naar de dingen die op het scherm worden vertoond. Een andere keer komt Erika bij een drive-inbioscoop waar een film aan de gang is. Haar aandacht gaat naar een geparkeerde auto waarin twee geliefden een seksact opvoeren. De camera blijft op Erika gericht terwijl ze in gedachten verzonken kijkt naar wat de twee geliefden aan het doen zijn, tot ze wordt verrast door de jongeman in de auto. Erika vlucht weg, geschrokken dat ze is ontdekt. Als een rijk echtpaar Erika uitnodigt voor een recital in hun luxueuze huis, ontmoet ze een enthousiaste jongeman, Walter, die familie is van de gastheer en gastvrouw. Walter is onmiddellijk onder de indruk van Erika's spel; de jongeman is zelf een getalenteerde pianist. Zijn enthousiasme om Erika een compliment te geven wordt door haar met scepsis ontvangen. Walter besluit auditie te doen voor Erika's masterclass en wordt aangenomen.
Zo begint Walter zijn jacht op Erika, die van haar stuk wordt gebracht als ze beseft wat de beweegredenen van de jongeman werkelijk zijn. Op haar beurt begint Erika over Walter te fantaseren op een manier die alleen haar geest kan begrijpen, en ze stelt zich voor wat ze graag zou willen dat hij doet wanneer, en als, ze elkaar ontmoeten. Walter wordt afgeleid door de brief die Erika hem heeft geschreven, waarin ze de seksuele handelingen beschrijft die de jongeman weerzinwekkend vindt.
De film is afgelopen en doet ons denken aan de laatste scène van meneer Hanekes huidige 'Cache'. We worden naar een concertzaal gebracht waar Erika gaat optreden. We zien haar door de hal sluipen, op zoek naar Walter, die de hal in loopt zonder haar op te merken. Erika's gezichtsuitdrukking in de camera laat in die laatste minuten van de film veel meer van haar gemoedstoestand zien. Als ze de hal uit vlucht nadat ze zichzelf een wond heeft toegebracht, laat de camera haar achter en concentreert zich op het gebouw.' De rol van Erika wordt gespeeld door Isabelle Huppert.
'La Pianiste' is een persoonlijke triomf voor Isabelle Huppert. Deze schitterende actrice doet een van haar beste optredens op het witte doek, geleid door de vaste hand van Michael Haneke, een van de interessantste regisseurs van vandaag. Mevrouw Huppert werkt met economische gebaren, maar toch straalt ze een groot deel van haar ziel uit als ze met haar Erika op het witte doek verschijnt.
De bijrollen doen wonderen onder leiding van de regisseur. Annie Girardot, altijd al uitstekend, is perfect als Erika's moeder. Zij lijkt de sleutel te zijn tot wat er ook mis is gegaan met haar dochter. Er is een zweem van incest die in de context van de film subtiel wordt weergegeven. Benoit Magimel is een uitstekende acteur in de rol van Walter. Deze jonge acteur doet het geweldig in de film als de jongeman die zo verliefd is op een vrouw die bezeten is door demonen, dat hij nooit in staat zal zijn om haar op een normale manier van hem te laten houden.
<0x3E> De films van Michael Haneke zijn altijd verontrustend om te zien, maar ze bieden zoveel beloningen omdat hij durft te gaan waar andere mannen niet durven te gaan. De prachtige muziek in de film is voornamelijk van Schubert en Schumann, twee componisten die Erika's eigen favoriet zijn. De film wordt geweldig geholpen door de cinematografie van Christian Berger.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Nadat ik 'La Pianiste' een paar jaar geleden had gezien, zei ik tegen mezelf dat ik het nooit meer zou zien, zo krachtig en verontrustend was het. De tijd verstreek, maar ik kon de film en de hoofdpersoon, Erika Kahut, niet uit mijn hoofd zetten. Het verhaal van een gerespecteerde pianolerares van het Weense conservatorium, koel en beheerst aan de buitenkant, een expert op het gebied van klassieke muziek, met een innerlijke wereld die zo duister en verontrustend was door de demonen van angst, zelfhaat en zelfvernietiging die sterk genoeg waren om haar te ruïneren, eiste meer dan één viewer. De film is gebaseerd op een boek van Elfriede Jelinek, de controversiële literatuurschrijfster op wie de film is gebaseerd, en nadat ik het gelezen had, zag ik de film opnieuw. De tweede keer kwamen alle puzzelstukjes op de juiste plaats terecht. Het komt niet vaak voor dat een aangrijpend boek met zo'n briljante verfilming als _Le Pianiste_ op het witte doek wordt gebracht. Drie acteurs gaven uitstekende vertolkingen. De pianomuziek van Franz Schubert, 'doordrenkt van de morbide menselijkheid', is ook een opvallende ster in de film.<br />Ik heb maar één probleem met de visie van Hauser. Er is een scène in de film waarin Hauser een paar veranderingen in Erika's personage aanbrengt in vergelijking met de roman. In het boek liet ze zich alleen in een brief aan Walter zien, de jonge student in de serre die zich tot haar aangetrokken voelde. Zodra hij besefte waar hij mee te maken had en haar liet zien hoezeer hij daarvan walgde, communiceerde ze niet meer met hem. Erika uit het boek zou nooit achter Walter aan gaan om zich aan hem te vergrijpen. Ze hield alles binnenskamers <0xE2><0x80><0x93> ze hield niet van acteren, ze was geen jager <0xE2><0x80><0x93> ze keek graag toe. De grote scène tijdens de ijshockeywedstrijd was niet nodig. Het probeerde Erika sympathiek te maken (en Huppert was natuurlijk hartverscheurend), maar het miste het mysterie dat haar omringde. Jelinek had die scène niet geschreven, hij klonk vals en zag er vals uit in een overigens uitstekende film.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Zoals met alle films van Haneke moet je zelf beslissen, laat je niet leiden door wat je leest, en als je geïnteresseerd bent in iemand die het medium film voor zijn eigen unieke doeleinden gebruikt, moet je het zelf zien. Isabelle Huppert is verbluffend in deze film, maar in combinatie met Haneke halen die twee nooit het onderste uit de kan. Haneke haalt ons naar binnen met de verlokking van de gouden jongen, Benoit Magimel, maar dit is net zo'n antiromance als Funny Games een antithriller was. Je zult jezelf moeten dwingen om er veel naar te kijken, en de catharsis ligt meer in de buurt van voortdurende angst dan van enige vorm van emotionele bevrijding, maar het is het proberen waard.' Haneke blijft een spiegel omhooghouden van hoe gedegenereerd de westerse beschaving is of is geworden. De mensen zullen er misschien hun neus voor ophalen, maar wat Solondz in _Geluk_ deed, gaat alleen maar een paar stappen verder. Hoewel het in de werkelijkheid is gebeurd, kan veel van wat Erika (Huppert) doet als een emotionele metafoor worden beschouwd. Ik raad het je niet aan, maar ik zou je er ook niet van afbrengen... het scheidt de mensen in elk geval, maar aangezien het voornamelijk over onderdrukking gaat, is dat geen verrassing.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Om te beginnen moeten mensen die een zwak hart hebben deze film beslist vermijden. Zelfs mensen zoals ik, die ongevoelig zijn voor de meeste gewelddadige en seksuele handelingen in films, moeten op hun hoede zijn. Ik zeg niet dat je de film moet mijden, maar wees je ervan bewust dat wat je te zien krijgt verontrustend materiaal is. Het is beslist geen prettige film om naar te kijken, maar er wordt niets op het scherm gezet om je te laten schrikken. Maar ik moet toegeven dat ik, toen ik de film voor de tweede keer bekeek, naar het volgende hoofdstuk moest overslaan toen de'scheermesscène' ter sprake kwam. Het hoofdpersonage is een van de meest onsympathieke, sympathieke personages die ik kan bedenken, maar later in de tweede akte van de film beginnen we de menselijkheid van haar personage beter te beseffen. In een van de scènes stopt ze gebroken glas in een van de jaszakken van haar student nadat ze ontevreden is over haar schijnbaar onbevredigende optreden en nerveus wordt in het bijzijn van een publiek. De student steekt haar hand in haar zak en schreeuwt het uit van de pijn terwijl ze naar haar met bloed bevlekte hand kijkt. Naast de scène met het scheermes vond ik dat nog het engst. De moeder van de student is niet veel sympathieker dan zij. Als ze hoort dat haar dochter...' Als ze niet kan spelen, praat ze erover alsof ze ook haar hand heeft bezeerd, omdat ze zo'n verwende moeder is die haar dochter zo probeert te martelen dat ze een streber wordt.
Hoewel de film me intrigeerde en mijn belangstelling grotendeels had gewekt, had ik meer uitleg nodig over het personage van Isabelle Huppert. Als een vrouw gefascineerd is door sadomasochistische pornofilms en zelf dat gedrag vertoont, wil je de kern van het probleem begrijpen. De film bevestigt dat ze wanhopig graag geliefd wil worden. Waarom dan die hatelijke houding ten opzichte van iedereen? Waarom beleeft ze seksueel genot aan pijn?
Het acteerwerk is geweldig en ik vond de glanzende, gestileerde belichting mooi. Alles bij elkaar is het goed.' Het is geen film die ik zou aanbevelen als je in de stemming bent om je te laten vermaken, maar zoals ik al zei, hij is heel intrigerend. En ik weet zeker dat als ik hem nog een paar keer zou bekijken, ik bepaalde subtiliteiten zou ontdekken die meer licht zullen werpen op aspecten van de film die ik aanvankelijk niet besefte.
Mijn score: 7 (van de 10)


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Aan het eind van mijn recensie van Cache schreef ik dat ik geïntrigeerd was door Haneke als filmmaakster. Dat was de reden dat ik de dvd van La Pianiste heb gekocht, die ik een halfuur geleden heb bekeken.
Het is allemaal verwoord, hier op IMDb en in veel externe recensies <0xE2><0x80><0x93> de gruwelijk verwrongen pathologie die een individu als Hupperts Erika zou'scheppen', die na al die jaren nog steeds haar best doet om het haar moeder naar de zin te maken, ten koste van alles en iedereen in haar leven, te beginnen met zichzelf. Ze verdrong alles wat haar zou bevrijden van haar zelfopgelegde slavernij, inclusief, uiteraard, haar seksualiteit, die letterlijk is ingestort, tot op het punt van waanzin, tot ze niet eens meer kan bevatten hoe een oprechte, liefhebbende impuls zou aanvoelen.
Dit is een levendig portret van een ernstige emotionele invalide, iemand die nooit de kracht heeft gevonden om uit de situatie van haar kindertijd te komen en een functionerende volwassene te worden. Ik denk dat dit onderwerp op ons allemaal betrekking heeft <0xE2><0x80><0x93> we streven allemaal naar autonomie, maar er zijn behoeften, zoveel tegenstrijdige behoeften, waarvan de meeste niet eens op het bewuste niveau liggen. Het draait ook briljant om het contrast tussen waar je seksueel over fantaseert en de werkelijkheid van die fantasieën, en de gevolgen als je ervoor kiest je seksuele fantasieën met een ander mens te delen. Hupperts personage krijgt in de loop van de film waar ze om vraagt, en het is niet bepaald de ontvoogdende ervaring die ze zich had voorgesteld.
Wat betreft de veelbesproken scène in de badkamer: ik waardeer het zeer dat deze scène alle mogelijke erotische lading (voor de kijker, bedoel ik) eruit heeft gezogen vanwege de vorige scène, waarin ze het glas in de zak van het meisje stopte. Tegen de tijd dat ze in de badkamer haar laten-we-eens-zien-of-dit-een-man-is-scenario opvoert, weten we al dat ze...' Het is een gevaarlijk gestoorde vrouw en dus is het geen goede beurt, haar kleine machtsspelletje met onze arme nietsvermoedende duvelstoejager.
Een andere ongelooflijke prestatie van deze film is dat ik, ongeveer halverwege, helemaal vergat dat het geen Engelse film was en dat ik subtitels las. Dat is nog nooit eerder gebeurd, in geen enkele buitenlandse film, en ik heb er heel wat gezien.
In deze film is het einde, net als bij Cache, niet helemaal verpakt in een keurig strikje, maar in tegenstelling tot Cache krijgen we in elk geval een gevoel van definitiefheid, ondanks het feit dat we niet eens zeker weten of Hupperts personage leeft of dood is. Na de ervaring met La Pianiste ben ik, dat behoeft geen betoog, meer dan een tikkeltje geïntrigeerd.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Isabelle Huppert is een getalenteerde pianolerares die in het openbaar bezadigd, onvriendelijk en afstandelijk is, en verbitterd tegenover haar leerlingen. In haar privéleven is ze ziedend van geweld en frustratie, en haar seksuele leven is eenzelvig en pervers. Ze woont samen met haar dominante moeder, die haar obsessief drijft om op te vallen (en zo vooruit te komen in het leven) als een getalenteerde pianiste. De sleutel tot de karakters van moeder en dochter is 'obsessie'. Deze karakters kunnen hun impulsen niet veranderen, zoals een konijn dat in het licht van koplampen wordt gevangen de dood kan ontlopen.
De pianolerares ontmoet een jonge, aantrekkelijke, getalenteerde pianiste die zich vanaf het begin tot haar aangetrokken voelt. Ze beginnen een relatie op de meest onconventionele manier, maar vanaf het begin maakt ze perverse en gewelddadige toespelingen dat hij haar moet verkrachten, en daar wordt hij zo misselijk van dat hij de relatie wil beëindigen voordat hij goed en wel begonnen is.
De film houdt verband met de vrouwelijke hoofdrol. Isabelle Huppert overtuigt met een brute, volkomen overtuigende vertolking van de pianolerares. Ze toont een vrouw die zich aangetrokken voelt tot schoonheid en perversie, maar haar gewelddadigheid wordt gevoed door haar perverse impulsen. Als een film die zo karaktergetrouw is, weet je dat hij niet half zo goed zou werken als ze zich slecht had gedragen.
Dit is krachtig, intelligent geacteerd en intelligent en gevoelig aangepast aan de roman. Het camerawerk past ook bij de film. Er zijn opnamen die ik alleen maar kan omschrijven als 'omlijste scènes', waarin de regisseur een scène vastlegt en het oog dwingt om heen en weer te schieten. Dit wordt uiterst effectief gedaan tegen een lege badkamermuur, en het is nog een bewijs van de meesterschap van de regisseur.
Verwacht niet dat deze film je zal verontrusten en misselijk zal maken. Maar wees dapper <0xE2><0x80><0x93> heb het lef om hem te gaan zien. Dit is een heel intieme blik in het leven van één persoon, maar verwacht niet dat je je zult vermaken in de Hollywood-sfeer... in deze film worden geen autoachtervolgingen gedaan!


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik ben het volkomen oneens met de opmerkingen van een van de recensenten die de film bekritiseerden. Ik had het boek gelezen en was ervan onder de indruk, hoewel dit een soort literatuur is die je niet echt kunt waarderen (in tegenstelling tot het werk van Hubert Selby). Ik had verwacht dat ik geschokt zou zijn, maar het effect was subtieler dan dit. Isabelle Hubert is een briljante actrice die erin slaagt een veelzijdig personage neer te zetten. Er zijn veel scènes die zich volledig op haar en haar subtiele veranderingen richten, en ik kan me weinig actrices voorstellen die het zo goed zouden doen, met zo veel minachting voor hun eigen reputatie en imago. Er is die kilheid, afstandelijkheid, wreedheid, en tegelijkertijd is er die hulpeloosheid, pijn en verdriet. 'Het is niet realistisch, maar als je de krant leest, lees je over veel ergere dingen dan dit. Het is een uitstekende film, maar ik vond het niet leuk om ernaar te kijken. Het is niet saai, maar er zijn momenten dat ik wilde dat er een eind aan kwam. BTW, haar mannelijke tegenhanger speelt ook heel goed (en ik vind hem ook goed gekozen).'


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Om te beginnen moet ik zeggen dat ik deze film geweldig vind.
Het was de eerste film die ik van regisseur Micheal Haneke zag en ik was onder de indruk van hoe goed de regie was!
Haneke weet beslist hoe hij acteurs moet regisseren. Wat ik ook indruisend vond, is Hanekes scenario. In het begin zie je een vrouw die heel rechtschapen is en een goede pianolerares lijkt te zijn, die door iedereen in haar omgeving wordt bemind en gerespecteerd. Dan besef je dat ze een moeder heeft die een controlfreak is en te veel in haar leven aanwezig is. Nu weet je dat ze gestoord is, dat ze emotionele problemen heeft, maar je weet niet precies wat voor problemen. En dan val je in haar duistere kant, maar haar duistere kant komt pas aan het licht als een student verliefd op haar wordt. Ze heeft zichzelf niet meer in de hand.
De rollen zijn erg ingewikkeld en moeilijk te spelen, maar Isabelle Huppert is geweldig in haar rol en ze verdient de erkenning die ze op het Festival van Cannes heeft gekregen. Benoit Maginel is ook erg goed, maar de rol van Huppert wordt een beetje overschaduwd.
Eén ding dat ik vreemd vond in het scenario is dat de rol van Magimel niet erg geloofwaardig is. Hij is te getalenteerd! Het komt zelden voor dat iemand een pianovirtuoos is, maar het grootste deel van zijn tijd doorbrengt met ijshockeyen en studeren. Hij denkt dat het een zwak punt is, maar niet meer dan een klein foutje.
Ik heb de film maar één keer gezien, dus ik kan niet echt kritisch zijn, want ik heb de film niet geanalyseerd. Ik vind het goed wat ik heb gezien, dus ik geef de film een 8,5/10.
O ja... aan het eind liet Haneke zien dat hij zijn publiek echt wilde choqueren. Een motivatie die volgens hem niet nodig is om films te maken, maar Haneke doet het met stijl en precisie, daarom is zijn film beter dan Baise-Moi bijvoorbeeld.

Vince.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De film is in 2 delen verdeeld. Ik vond de eerste helft van de Pianist geweldig. We ontmoeten Erika Kohut (geweldige Isabelle Huppert), een pianolerares, en worden in haar wereld geïntroduceerd. Ze is alleenstaand, en worstelt om ruimte te vinden voor een overbezorgde en bijna tirannieke moeder. We begrijpen dat ze de liefde heeft verloren of zelden heeft ervaren als een fysieke, niet-emotionele chemie: ze beschermt zichzelf door scherp en beledigend te zijn tegen mensen, door seksuele spanningen te tonen in seksshops, als voyeur, of in sadistische zelfverminkingen. Deze eerste helft is heel klinisch en bouwt een ongelooflijke spanning op in de film, bijna ondraaglijk.
Dan komt Walter, een jonge, knappe en extraverte man (op voortreffelijke wijze gespeeld door Benoit Magimel). Hoewel hij in het begin Erika's kilte voelt, verleidt hij haar en vernietigt langzaam Erika's fort. Hij houdt zielsveel van haar, maar ze heeft hem nodig om haar sadistische verlangens te bevredigen. Als ze dan op het punt staat voor hem te vallen, walgt hij van haar wereld, en uiteindelijk ontdekken we dat Erika niet in staat is om lief te hebben of iets te voelen (vooral niet omdat Walter wordt afgebeeld als iemand van wie je onmogelijk kunt houden). Dit is de tweede helft van de film, heel ontroerend als we Erika zien. Erika's onvermogen/onervaring om lief te hebben leidt tot zelfvernietiging. Deze tweede helft leek minder beheerst door Haneke en bevatte soms ongeloofwaardige (te schokkende) scènes die het drama paradoxaal genoeg verzachtten.
Natuurlijk is dit een grove film, althans in de Franse versie: je ziet pornosequenties uit de seksshop, gewaagde verminkingen en seksscènes. De veelbesproken fellatio-scène tussen Magimel en Huppert was heel goed, vond ik, en is van cruciaal belang om Erika's ziekelijke relatie tot de liefde te begrijpen. Wat de acteurs betreft: Huppert is de hele film fantastisch, Magimel wordt steeds beter en perfecter, en Girardot (de moeder) is uitstekend.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Als het waar is dat sadomasochisme een tweezijdige munt is die het geheel bevat in de verschillende uitdrukkingen van zijn tegenhangers, dan heeft het filmportret van Erika Kohut zijn werkelijkheid. Professor Kohut behandelt haar pianoleerlingen met een soort fascistisch sadisme terwijl ze naar hetzelfde verlangt voor zichzelf. Haar uiterlijke uitdrukking geeft haar verlangen weer. Daarom kan ze pijn doen zonder schuldgevoelens of wroeging.
Naast haar staat de getalenteerde, charmante, knappe jonge Walter Klemmer (Benoit Magimel) die zich tot haar aangetrokken voelt vanwege haar passie en intensiteit. Hij wil haar leerling worden om dicht bij haar te zijn. Ze wijst hem meteen af, maar vanwege zijn talent stemt de Weense academie hem toe. Hij wordt verliefd op haar. Weer duwt ze hem van zich af, maar hij accepteert haar weigering niet en begint daardoor zelf in verdorvenheid en zelfrespect te vervallen.
De vraag die de kijker op dit punt zou kunnen stellen, is: wie heeft de touwtjes in handen? De sadist of de masochist? Wie is de sadist en wie de masochist? Het is moeilijk te zeggen. Is het de persoon die zojuist zowel psychisch als fysiek zwaar is mishandeld, die in feite gewond op de vloer ligt in een groteske triomf en vervulling, of is het de persoon die verzadigd de deur uit rent en het bevel geeft dat niemand mag weten wat er is gebeurd. Maar Erika is niet zomaar een sadomasochistische freak. Ze is een seks-extreme freak. Ze wil de extremen van de menselijke seksualiteit ervaren en tegelijkertijd de schijn van fatsoen ophouden. Eigenlijk is dat niet eens waar. Ze zegt dat het haar niet kan schelen wat anderen denken. Het kan haar niet schelen als ze binnenlopen en haar bloedend op de vloer aantreffen omdat ze verliefd is. Liefde, noemt ze het. Want seks en liefde zijn een en hetzelfde.
Op een gegeven moment zegt Walter tegen haar dat liefde niet alles is. Hoe ironisch dat voor haar is. Wat een nodeloze opmerking. De film is prachtig in elkaar gezet en wordt meesterlijk geregisseerd door Michael Haneke, die het verhaal vervlecht met vakkundig camerawerk en zorgvuldig in elkaar gezette decors waarin de essentie van de handeling niet alleen duidelijk is, maar ook wordt geïllustreerd (zoals in de badkamer, waar Walter zich hoog boven de rand van de wc opdringt om Erika te zoeken). Hij heeft de spelers zo gepositioneerd dat ze altijd op de juiste plek zijn, met goed getimede shots van de ene naar de andere kant. Dat is vooral belangrijk in de scène waarin Erika, als een met bloed doordrenkt lijk, gevangen in fel wit en zwart licht, stram als een standbeeld onder haar minnaar ligt. Hier zien we meestal alleen haar gezicht en de strakke contouren van haar hals met de kloppende slagader. Meer hoeven we niet te zien.
De rol van Erika Kohut is perfect voor Isabelle Huppert, die niet bang is voor extremen; ze blinkt er zelfs in uit. Ik heb haar in een aantal films gezien en wat ze beter dan wie ook doet, is het lichaam en de ziel van het personage worden. Net als de vrouw die ze in deze film speelt, is ze niet bang voor wat anderen van haar denken en geeft ze weinig om haar uiterlijk in decoratieve zin. Wat voor haar telt, zijn de prestatie en de uitdaging. Geen enkele rol is te veeleisend. Geen enkel personage te verdorven. Het is alsof Huppert de hele mensheid wil ervaren, en wil dat wij naar haar kijken zoals zij dat doet. Ze is altijd fascinerend en bijna vlekkeloos. Ze is niet alleen maar een van de grote sterren van de Franse film; ze is een van de grote actrices van onze tijd die een verbazingwekkend gevarieerd werk heeft afgeleverd.
Ik vind het bijzonder leerzaam en het geeft ons een prachtig en opvallend contrast om haar optreden hier te vergelijken met haar optreden in The Lacemaker (La Dentellière) uit 1977, toen ze 22 was. Daar was ze appelzoet met haar rode haar en sproeten en haar knappe gezicht en haar schattige kleine figuurtje dat Pomme speelde, een Parijse leerling-kapster. Haar personage was verlegen met seks en bescheiden <0xE2><0x80><0x93> gewoon een Frans meisje dat ooit schoonheidsspecialiste hoopte te worden. Hier is ze een zelfvernietigende heks, verbitterd omdat ze zichzelf zo slecht kent, schaamteloos en volkomen verdorven.
Huppert heeft het geluk dat ze in Frankrijk een actrice is, waar rollen als deze voor vrouwen van boven de leeftijd van een sterretje zijn weggelegd. (Hollywood zou nooit zo'n film kunnen maken.) In de Amerikaanse filmindustrie kan maar een handjevol van de allerbeste en hardste werkende actrices hopen na hun dertigste nog carrière te maken. Huppert verhoogt haar bekendheid vanwege haar talent en ervaring, maar ook omdat ze bereid is een onsympathieke rol te spelen, zowel hier als in La Cérémonie (1995) waarin ze een verachtelijke, wraakzuchtige moordenares speelt.
Zie dit voor Isabelle Huppert. Je zult haar of het personage dat ze tot leven brengt niet vergeten.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is een fantastisch spel voor de N64 met een fantastisch beeld en een geweldige verhaallijn voor één speler en een nog betere multi-player game die het beste gespeeld kan worden met 4 mensen.<br />De vele niveaus en mogelijkheden voor wapens betekenen dat dit een van de beste games is die er in jaren zijn geweest.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Twee jaar na zijn eerste release staat Goldeneye nog steeds boven op het veld van de beste schutters voor de Nintendo 64. Zelfs de Quake- en Turok-serie hadden niet de combinatie van grafische details, geluidskwaliteit, vijandelijke intelligentie, uitdaging en algehele pret die me keer op keer naar dit spel terugbrengt. De missies hebben allemaal een specifiek doel dat je dwingt om als Bond te denken, niet alleen om elke slechterik die op je scherm verschijnt neer te schieten, maar ook om camera's, onklaar gemaakte beveiligingssystemen, het redden van gijzelaars, het beschermen van het Bondmeisje, enzovoort, te vermijden. In dit spel is het een en al Q-gadgets, inclusief het beroemde horloge. Het spel is losjes gebaseerd op de plot van de film, met inbegrip van alle hoofdpersonen en de beste scènes uit de film, van de bungeejump tot de ontsnapping met het vliegtuig en de achtervolging in de tank door Sint-Petersburg. Zelfs de indeling is waar mogelijk bewaard gebleven, zodat je verschillende situaties kunt herkennen als je de film hebt gezien. Er zijn andere levels toegevoegd om de speler uit te dagen en de scènes wat meer aan elkaar te knopen. Met elk level worden de missies moeilijker, de vijanden slimmer en de kogels dodelijker. Ik ben nog steeds niet door het level 00-Agent heen. Bedriegers kunnen worden geopend, niet door codes in te voeren of knoppen in te drukken, maar door bepaalde levels binnen een bepaald tijdsbestek te voltooien, en voor de multiplayer kunnen extra karakters worden geopend. De multiplayer is nog steeds de beste onder de eerstepersoonsschieters. Hij is niet zo scherp als Turok, maar hij vertraagt lang niet zo veel... tonnen opties geven je vrienden reden om elkaar keer op keer op te blazen, en nog een keer, gewoon voor de lol. Er zijn betere games voor de N64, zoals Zelda en Star Wars, maar Zeldzame heeft zijn reeks uitmuntende games voortgezet met een eerstepersoonsschieter die niet is overtroffen en ook niet zal worden overtroffen tot ze zichzelf in 2000 overtreffen met Perfect Dark.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Het beste borgspel aller tijden. Het was gemaakt van de beste borgfilm aller tijden. Als je het spel Goldeneye niet hebt moet je het huren en als je de film Goldeneye niet hebt moet je hem ook huren om het spel beter te begrijpen. Het beste borgspel aller tijden!


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik was zowaar tevreden toen ik dit spel speelde. De graphics waren iets nieuws. De missies waren geweldig. Maar toch had ik het gevoel dat ik meer uit dit spel wilde halen. Voor een James Bond-spel is het vrij goed, maar niet zo goed als zijn andere spellen. Het zou geweldig zijn als ze er een 360-Herstelspel van konden maken. Dan zou het veel beter zijn. Misschien komt dat omdat ik van spelletjes hou als resident evil, dead rising en dat soort spelletjes. Dus het zou beter kunnen zijn, maar het was oké om het te spelen. Eén ding dat ik echt haatte aan dit spel was Natalya! Ze was altijd irritant als ze doodging en ze kon ook niet rennen. Ik kan dit spel aanbevelen aan mensen die meer van FPS-spellen houden dan ik.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Film over twee Australische meisjes <0xE2><0x80><0x93> Debbie (Nell Schofield) en Sue (Sue Knight) <0xE2><0x80><0x93> en wat er gebeurt als ze de vriendin worden van twee surfers.<br />Dit zag ik in 1981 in een kunstbioscoop hier in Amerika. Technisch gezien was ik nog een tiener (ik was 19), dus ik was geïnteresseerd in de manier waarop Australische tieners zich gedroegen. Wat het script betreft is er niets nieuws. Het laat de gebruikelijke tieneravonturen zien over daten, seks, zelfmoord enzovoort. Ik wist altijd wat er ging gebeuren voordat het gebeurde, maar ik verveelde me nooit. Wat ik interessant vond was dat ondanks het accent en een paar veranderingen in kleding en haar, deze tieners niet veel verschilden van Amerikaanse tieners. Ze hadden veel van dezelfde problemen en problemen. Ook dit was gebaseerd op een boek van een echt surfmeisje en haar ware avonturen en (hoorde ik) het was een getrouwe imitatie ervan. Het acteerwerk was oké maar de acteurs waren aantrekkelijk en dit was goed gemaakt en behoorlijk interessant. Dus dit is geen onontdekt meesterwerk maar een vrij accurate weergave van hoe het is om een tiener te zijn en te proberen bij de populaire kinderen te horen.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik weet niet of ik zo ver zou willen gaan om te zeggen dat deze film tot de 'Australische vuilnisbelt' behoort, maar het is redelijk om te zeggen dat er hier geen genomineerden voor een Academy Award zijn. Wat in aanmerking moet worden genomen, is dat de meeste acteurs in deze film niet echt acteurs waren, alleen maar kinderen die op dat moment niets beters te doen hadden. Er waren veel anderen die een rol in de film aangeboden kregen, maar die hebben ze afgeslagen om naar de kust te gaan surfen; alles in aanmerking genomen was het echt geen slechte film voor zijn tijd. In sommige opzichten lijkt hij wel wat op de huidige.' In andere tijden, waar de groepsdruk nog springlevend is, waren de mobiele telefoons, computers en andere soortgelijke snufjes die de jeugd miste, anders dan deze generatie, er gewoon niet. Hoe dan ook, ik moet deze film beschouwen als een oude favoriet die ik af en toe kijk en nooit al te serieus neem.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Debbie Vickers (Nell Schofield) en Sue Knight (Jad Capelja) willen een van de coole meisjes van hun middelbare school worden. De niet-coole en lelijke meisjes hadden twee opties: een mol worden of preuts zijn! Debbie en Sue imiteren hen door tijdens een proefwerk hun valsspelen te gebruiken. Twee van de coole jongens, Garry (Goeff Rhoe) en Danny (Tony Hughes) vragen hun naar hun antwoorden en ze worden allemaal betrapt. Na een scheldkanonnade van het schoolhoofd (Bud Tingwell) komen de coole meisjes hen buiten op de speelplaats tegemoet en confronteren hen met de vraag of ze op hen allemaal hebben 'gesnoven'. Aangezien Debbie en Sue niet door de coole meisjes waren uitgenodigd om een sigaretje te roken, nodigen ze hen uit bij de 'donkere jongens'. Vervolgens gaan ze in het weekend met hen op het strand zitten en kijken ze naar de jongens die surfen. Uiteindelijk gaat Sue met Danny en Debbie en Garry uit. Er vindt een hoop van het gebruikelijke tienergedoe plaats, inclusief seks, drugs en rock-'n-roll. Garry krijgt uiteindelijk een overdosis heroïne waardoor Debbie de ongelijkheid van het leven onder ogen ziet en ze besluit te leren surfen in plaats van alleen maar naar de jongens te kijken. Ze zijn niet blij, maar kijken naar haar, schelden haar uit, en uiteindelijk krijgt Debbie de leiding. Een coole Australische film uit de jaren tachtig.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Wil je weten waarom Fransen en Italianen van elkaar houden en elkaar haten? Wil je een glimp opvangen van de geschiedenis die ons leven beheerst? Ga dan naar Virzi's film kijken (in originele taal, natuurlijk) en kijk naar de geweldige Monica Bellucci die eindelijk haar moedertaal spreekt, die van Citt<0xC3><0xA0> di Castello (Umbrië, net over de grens met Toscane). En naar de andere personages die Livrariaans spreken (zoals de mooie Sabrina Impacciatore en al die anderen). Daniel Auteuil staat in zijn rol van Napoleon. Veel plezier, een echt fresco van het landschap van het eiland Elba, en een film over de politieke redenen om een tiran te doden of in leven te laten (altijd goed).


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Martino, een jonge leraar op het eiland Elba, is opgericht door maestro Fontanelli, een uitstekende onderwijzer, om zijn eigen gang te gaan en te zeggen wat hij denkt, iets wat hem in de problemen brengt op de school waar we hem voor het eerst ontmoeten, omdat hij revolutionaire idealen doceert. Het eiland is in rep en roer vanwege de komst van een van de invloedrijkste mannen in de Europese geschiedenis van de negentiende eeuw. Napoleon gaat in ballingschap, en dat is niet bepaald een hoogtepunt in zijn leven.
Tot onze verrassing wordt Martino uitgekozen om Napoleon te vergezellen, die zijn memoires schrijft en hulp nodig heeft voor zijn eigen project. De jongeman komt uit een zeevaardersfamilie. Zijn broer en zus willen dat hij meegaat op een handelsexpeditie, maar Martino heeft besloten dat zijn plaats op Elba is, omdat hij zal proberen Napoleon te vermoorden. Er is weinig wat hem tegenhoudt, want zijn mentor Fontanelli wordt berecht voor verraad en wordt veroordeeld tot de dood door een vuurpeloton.
Martino vindt zijn troost bij de veel oudere barones Emilia, een beeldschone vrouw. In zijn interactie met de afgezette keizer komt een ander soort man naar boven. Napoleon wordt gezien als een menselijker persoon die echt geniet van het gezelschap van Martino, en die niet vermoedt wat de jongeman met zijn eigen plannen voor hem van plan is. Helaas is Martino niet in staat zijn plan ten uitvoer te brengen, omdat Napoleon andere plannen met hem heeft. '
Paolo Virzi, de regisseur van 'Caterina va in citta', laat zien waarom zijn eerdere belofte er nog steeds is. De heer Virzi heeft ook meegewerkt aan het scenario, dat is gebaseerd op een roman van Ernesto Ferrero. De regisseur laat zien dat hij even goed is in intieme drama's als in dit soort spektakel. Alessandro Pesci, de filmer, levert uitstekend werk met de beelden die hij heeft weten te krijgen.
Elio Germano, een jonge Italiaanse acteur, is het beste in de film. Hij speelt tegen meer ervaren spelers, maar weet ons ervan te overtuigen dat hij de idealistische jongeman is die gerechtigheid probeert te krijgen voor wat hij als een nobele zaak beschouwt. De grote Daniel Auteuil is een ingetogener Napoleon dan je zou verwachten van iemand die deze meer dan levensgrote man interpreteert. Monica Belucci is de minnares van Martino, maar ze heeft weinig te doen. Omero Antonutti speelt Fontanelli.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

'N-io e Napoleone', die vanmorgen voor de pers werd gedraaid op het filmfestival in Roma, is een heerlijke film. Om te beginnen kan hij rekenen op geweldige productiewaarden, zoals maar heel weinig Italiaanse films tegenwoordig kunnen, met prachtige decors en kostuums. De cast is ook geweldig. Regisseur Virz noemt de jonge hoofdrolspeler Elio Germano voortdurend 'een jonge De Niro'. Nu gaat hij natuurlijk een beetje te ver, maar de jongen kan zeker goed acteren. Ik vond zijn optreden geweldig en hij deed het geweldig met zijn (tuscan) accent. Daniel Auteuil is een geweldige acteur en deed het heel goed als Bonaparte. Het is echt geweldig om hem in het Italiaans te zien acteren, ik hoop hem heel snel weer in Italië te zien werken. De bijrollen waren ook goed <0xE2><0x80><0x93> mensen als Valerio Mastrandrea of Sabrina Impacciatore lijken misschien een onwaarschijnlijke keuze, maar ze speelden allemaal goed. Zelfs Massimo Ceccherini, die vooral bekendstond om zijn optreden in zijn eigen debiele films en vulgaire tv-series, paste goed en was zelfs grappig. Het dieptepunt van de cast was de 'Diva' Monica Bellucci. Oké, ze was iets beter dan gewoonlijk, maar ze slaagde erin om er zelfs in de rol van barones Emilia volkomen onnatuurlijk uit te zien (en te klinken) en gebruikte daarbij, met een flinke dosis zelf ironische humor, haar eigen _umbro_ accent. Het script, van veteraan Furio Scarpelli en Virz zelf, is slim, met veel lachsalvo's en ook een paar heel emotionele momenten. Natuurlijk was ik verbaasd over het einde. De boodschap is een beetje dubbelzinnig: de hele film zegt dat politieke idealen je tot blinde haat kunnen brengen, maar als je dichterbij komt, kom je erachter dat het voorwerp van je haat uiteindelijk een klein mensje is, net als iedereen, soms grappig, soms verdrietig, soms zielig, zodat het plotseling moeilijk is om hem te haten; en dan, in de laatste paar minuten, staat dat het uiteindelijk toch beter zou zijn geweest om hem in het begin door zijn hoofd te schieten. Persoonlijk heb ik een hekel aan dat idee. _Io e Napoleone_ is nog steeds een aardige film, de beste die tot nu toe op het Festival is vertoond (de andere was _Fun and the Hoax_). Mijn score is 8/10.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik heb één ding geleerd: je moet deze film zien als een grappige komedie, als je niet teleurgesteld wilt worden. De film is aangenaam omdat het een verrukkelijke komedie is. Ik denk dat de overhype hem heeft beschadigd: de te verheerlijkte Monica Bellucci verschijnt in een paar scènes en is niet zo goed als ze je wilden laten geloven. Ze klinkt onnatuurlijk, onecht: de beste actrice in deze film is Sabrina Impacciatore, die spreekt met een perfect Toscaans accent en samen met Massimo Ceccherini straalt. Elio Germano is heel, heel goed: de meest veelbelovende jonge Italiaanse acteur, volgens mij. Daniel Auteuil lijkt op Napoleon, maar ik gaf de voorkeur aan andere acteurs. Dus de meest gehypete optredens waren ook de ergste. Het ontwerp van kostuums en producties is oké. Zeker, Amerikaanse historische films zijn wat dat betreft accurater, omdat ze een groter budget hebben, maar het Italiaanse talent beloont het gebrek aan geld. Kortom, een leuke historische komedie met een eersteklas cast (behalve Bellucci en Auteuil).


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik vond het charmant! Niemand anders dan Kiarostami kan zo weinig doen en toch zoveel krijgen. Je vindt me misschien raar, maar ik was zo gecharmeerd dat ik niet kon praten tijdens de film. Terwijl ik in andere films veel commentaar geef. De korte film die hij voor Lumiere et Companie heeft gemaakt, die met de eieren, die is onverslaanbaar in mijn hart, maar deze is ook geweldig. Ik vond hem beter dan Tien. Kiarostami is misschien wel de beste regisseur die ik ken, omdat hij dingen kan zien! Hij hoeft niet veel dingen te gebruiken die hij 'van huis heeft meegebracht' om zijn beelden te illustreren, hij pakt gewoon een camera. Er zijn niet veel mensen die dat kunnen. Ik weet niet veel van films, maar ingewikkelde dingen kunnen me niet schelen, iemand hoeft alleen maar mijn ziel aan te raken. Kiarostami doet dat.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film geeft Daniel Wu de kans om een geweldige actiefilm te maken, maar ik vind Emil Chows personage echt geweldig, moedig maar vastbesloten om onrecht te herstellen. Bovendien is hij de belangrijkste terrorist, en daardoor vraag ik me af of hij dit goed of slecht doet.
Een film die ons vertelt over Todd, een terrorist met geheugenverlies die als undercover wordt gebruikt tot hij erachter komt wie hij werkelijk is. De gevolgen die hij voor zijn terroristische familie heeft, geven hem de keuze tussen verlossing en de doodstraf.
Purple Storm was een van de beste films die ik dit jaar heb gezien. De film valt echt op als hij gevuld is met geweldige actiescènes van Stephen Tung Wai, die de beste actiescènes won bij de Hongkong Awards (9/10).


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Hier hebben we een intelligente mengeling van typische hongkongfilms, wereldvernietigingsfilms en intelligente films. Niet dat het script geen grote gaten heeft en een paar speciale effecten er niet goedkoop uitzien. Maar de cinematografie is een traktatie op het oog en de soundtrack is eersteklas. De mengeling van snelle actiescènes en kleurrijke langzame, soms bijna poëtische delen is in zijn soort geen vergelijkingsmateriaal, dus een classificatie is nogal moeilijk. Het dichtstbijzijnde genre is een rampen- of terroristenfilm met diepere menselijke en politieke noten dan gewoonlijk. Zeer de moeite waard om wereldwijd in bioscopen te zien. Maar ik hoop dit voor zoveel andere (voornamelijk asische) films en niemand schijnt me te geloven. Helaas.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik begon naar deze film te kijken en verwachtte het ergste, ik was blij dat de film leuk bleek te zijn, een beetje verwarrend in sommige delen, zoals toen ze allemaal begonnen te zingen. Het gaf me de kans om Daniel Wu voor het eerst in actie te zien, hij is een betere acteur dan ik dacht, soms leek hij een beetje misplaatst. Ik vond dat de paarse storm zijn Hong Kong-legende verdiende, omdat het anders is dan de meeste HK-films, het gaat over de emotionele worstelingen van een man die wordt geconfronteerd met geheugenverlies, het klinkt misschien afgezaagd, maar als hij er uiteindelijk achter komt wat en wie hij in werkelijkheid is, wordt de film echt een stuk interessanter. Als je eenmaal in de film zit, merk je dat hij je in zijn greep houdt, alsof als je een stukje mist, een groot deel van de film logisch wordt, ik heb bijvoorbeeld een stukje gemist in het begin en ik raad iedereen die deze film heeft gezien aan om er niets van te missen. Dus ik kan zeggen dat deze film de moeite van het kijken waard was en een dankbare verrassing voor mij, dat ik ervan heb genoten.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Als je aan deze film een 'lesbische liefdesgeschiedenis' koppelt, is dat ongeveer net zo accuraat als wanneer je Pride & Prejudice een 'echte liefdesgeschiedenis' noemt. Er zit gewoon veel meer aan vast.
Ja, de hoofdpersoon is lesbisch, maar haar verhaal is een klassieke bildungsroman, een reis van jeugd naar volwassenheid, van seksuele onschuld naar volwassenheid, van persoonlijke blindheid naar zelfontdekking. Er zit een stilistisch element van kamp in de regie van de film, maar dat is geen belemmering; het dient eerder om de geënsceneerde en dramatische delen van het leven van de hoofdpersoon te onderstrepen.
Degenen die Anna Chancellor kennen van de BBC-versie van Pride and Prejudice zullen zeker verbaasd zijn over haar rol. Rachael Stirling is fantastisch als het hoofdpersonage Nan, en Keeley Hawes is een en al goedheid met grote ogen als haar geliefde Kitty Butler. Chancellor heeft misschien de beste rol, afgezien van Sally Hawkins, die Zena Butler speelt. Deze film is niet voor mensen met een zwak hart, maar het is ook geen pro-homoreclame. Het is een echt verhaal, met echte komedie en drama, een meeslepend verhaal met boeiende personages, en de moeite waard om naar te kijken.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Tipping the Velvet is nog maar drie weken geleden in het Verenigd Koninkrijk uitgekomen en ik zie nu al talloze brieven naar de nationale kranten en tv-gidsen gaan, waarin wordt beweerd dat de plot flinterdun is, de opvoeringen slecht en het script nog slechter.
Je bent woedend op me. Dit is ketterij.
Ik zou echt graag alle twijfel willen wegnemen door Andrew Davies te feliciteren met het feit dat hij Geoffrey Sax in staat heeft gesteld deze prachtige dramatisering van Sarah Waters' roman te schrijven door hem met zo'n fantastisch script te omringen. Kudos. Maar ik vrees dat ik nu van tactiek moet veranderen.
Ik zag een van de première-tv-gidsen hier in het Verenigd Koninkrijk (die naamloos zal blijven) Tipping the Velvet meedogenloos omschrijven als een 'lesbische liefdesgeschiedenis'. Als ze <0xE2><0x80><0x93> en ik neem aan dat ze dat doen <0xE2><0x80><0x93> proberen belangstelling voor de film te kweken, dan is dit absoluut de verkeerde manier om dat te doen (afgezien van het feit dat de omschrijving een teleurstellend onjuiste omschrijving is). Door zoiets te zeggen, ontmoedigen ze a) degenen die instinctief afkerig zouden zijn van 'dat' onderwerp, of b) trekken ze mensen aan die alleen maar willen kijken naar'serieuze meisjes-onder-elkaar-actie'. Koop een video! Door dit vertoon van ernstige onverschilligheid verkwanselen deze en andere tijdschriften een briljante verfilming van een van de beste werken uit de recente literatuur. _Het snoepje van de week_ is een verhaal over liefde, passie, verdergaan, verlies en hartzeer. Het is geen lesbisch liefdesverhaal. Geen sprake van.
Het eindresultaat is een stijlvolle vertoning, met uitstekende optredens in de hele zaal (vooral van Stirling, Hawes, Chancellor en May). Wat de inhoud betreft is het bedwelmend en meeslepend <0xE2><0x80><0x93> soms heftig, soms niet <0xE2><0x80><0x93> maar het blijft altijd meeslepend. Als geheel is het gepolijst en goed gebracht, de seks wordt met tederheid en tederheid bedreven <0xE2><0x80><0x93> en hoewel velen het niet als een echte 'film' zullen bestempelen, zal het nog enige tijd een van mijn favorieten blijven.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Deze geweldige 3-delige BBC-productie is een van de mooiste liefdesverhalen die ik in tijden heb gezien. De actrices hebben een zeer hoog talent, vooral Rachael Stirling als Nan Astley. Ze is grappig, verleidelijk en schattig. De liefdesscènes en de kusjes tot slot zijn erg erotisch, ongeacht je seksuele voorkeur.
De personages zijn goed uitgewerkt en erg geloofwaardig. Ik denk dat dit een bijproduct is van een goede aanpassing van een goed geschreven roman.
Een werkelijk opmerkelijk goed georkestreerd drama dat snel vaart krijgt na een paar saaie (maar noodzakelijke) scènes in het begin.
Mijn stem: 9/10.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik ben blij dat ik de roman van Sarah Waters als eerste heb gelezen, want ik had toen mijn eigen foto's van de personages in mijn hoofd. De acteurs die voor deze productie zijn gecast, waren echter helemaal niet teleurstellend <0xE2><0x80><0x93> ik denk zelfs dat Nina Gold, nadat ik gewend was geraakt aan Rachael Stirling als Nan, verdomd goed werk heeft geleverd op de castingafdeling. (Kan Keeley Hawes nog verrukkelijker zijn?)<br />De BBC heeft het weer voor elkaar: dit is een prachtige productie van een heel goed boek, en ze hebben het in stijl opgevoerd. Als je dit in handen kunt krijgen (vhs, dvd) zorg dan dat je de 181-minutenversie krijgt (de ongecensureerde versie). Het is een fantastische reis, al is hij soms een beetje hobbelig, en je zult er geen spijt van krijgen.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik heb niets dan lof voor deze miniserie. Hij is maar ongeveer anderhalf jaar oud, maar ik heb hem al twee keer gezien; de tweede keer met meer plezier dan de eerste. Ik denk er serieus over om hem binnenkort nog eens te gaan zien, want ik vind hem geestelijk verheffend.
Het is een heel teer romantisch drama met zulke prachtige voorstellingen, decors, kostuums, muziek en scènes dat het een resonantie heeft die het bijna in zijn eigen klasse onder de miniseries plaatst.
Sommige anderen hebben opmerkingen gemaakt over de problemen die het leven van een lesbienne in Groot-Brittannië in de jaren 1890 met zich meebracht. Daar is niets bijzonder moeilijks aan; het was alleen mannelijke homoseksualiteit die tegen de wet was, zoals de arme Oscar Wilde ten koste van zijn leven en als een groot verlies voor de literaire wereld. Hoe dan ook, ik dwaal af.
Naar mijn mening is dit essentiële televisie. Het is misschien een van de grootste tragische romantische drama's sinds Romeo en Julia, zij het niet in de conventionele zin.
10 van de 10 van mij.

JMV.