inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Een aangrijpend meesterwerk over de waanzin en de wanhoop van de oorlog, _Vuur op de vlakte_ ( _Nobi),_ zal niet iedereen bevallen. Dit is een oorlogsfilm in de ware zin van het woord, een die noch tot patriottisme, noch tot suikerzoete sentimentaliteit neigt. _Nobi_ snijdt diep, het is lelijk, duister en naargeestig, zoals maar weinig dingen die ooit op celluloid zijn opgenomen ooit zullen zijn. Dit is oorlog achter de kanonnen, zonder triomfen of helden, zonder morele overwinningen of nederlagen, alleen maar een handjevol uitgemergelde en verschrikkelijk uitziende mannen, verspreid over een land dat door oorlog is geteisterd als boetelingen die vluchten voor een grote ramp. De personages tarten het morele oordeel omdat ze schepsels zijn die gebukt gaan onder een grote smart, een smart die vragen van morele aard niet toestaat. Oorlog en overleving. De ene wil tegen de andere uitspelen op het slagveld. De verliezer wordt eenvoudigweg uit het bestaan verwijderd.
Tamura, soldaat in het Japanse keizerlijke leger, wordt uit zijn peloton ontslagen en krijgt opdracht zich in een nabijgelegen ziekenhuis te melden omdat hij bloed ophoest en de rest van het peloton hem niet mag. Hij krijgt te horen dat hij nooit meer terug mag komen en in plaats daarvan zelfmoord moet plegen met een handgranaat, voor het geval het ziekenhuis hem afwijst. Wat gebeurt. Het ziekenhuis is niet meer dan een krot van houten planken en de chirurg van het ziekenhuis zegt alleen maar tegen hem dat als hij kan lopen, er niets aan de hand is. Het is in dat sjofele ziekenhuis dat een van de meest aangrijpende scènes van de film zich afspeelt. Omdat het gebied door Amerikaanse vliegtuigen wordt gebombardeerd, vluchten de artsen en degenen die kunnen lopen het ziekenhuis uit en het bos in. Even voordat het ziekenhuis wordt opgeblazen, kruipen de uitgemergelde en kreupele gestalten van de zieken en gewonden er in alle mogelijke houdingen uit, gekleed in hun ziekelijk witte gewaden, alsof het gebouw een of ander beest is dat ingewanden en vuil op de aarde spuwt.
Dat is Nobi's grootste succes: de grimmige, broeierige weergave van het lijden van de oorlog in eenvoudige, maar indringende beelden, zonder melodrama of pseudo-heldhaftigheid. Soldaten steken een moeras over, waden tot aan hun knieën door de modder, steken de andere oever over en gaan een veld in, waar ze vijandelijke tanks ontdekken die zich in het bos schuilhouden. Hun lichten schijnen als kwaadaardige ogen terwijl ze de duisternis afspeuren. Een processie van gewonde soldaten, vuil en halfgek, die een weg oversteken en op de grond vallen bij het geluid van vijandelijke vliegtuigen. Buizerds die zich te goed doen aan een stapel lijken. Een verlaten dorp. Een krankzinnige soldaat die denkt dat hij Boeddha is die onder een boom zit, overdekt met vliegen en zijn eigen uitwerpselen, en die zijn arm aanbiedt om door Tamura te worden opgevreten als hij dood is. Dat zijn de beelden die Kon Ichikawa voor onze ogen tovert, genadeloos en scherp, maar eerlijk en rauw.
Nobi haast zich niet om ergens te komen. Hij is tevreden met het volgen van Tamura's reizen door het door oorlog verscheurde land terwijl hij probeert het hergroeperingscentrum van Palompa te bereiken en de waanzin en obsceniteiten van de oorlog waar te nemen. De film waadt door het slijk van de gruwelen van de oorlog, traag en broeierig, net als de personages die hij volgt. De laatste dertig minuten waarin Tamura haar toevlucht zoekt bij twee deserteurs die zich voeden met 'apenvlees', komen nog het dichtst in de buurt van de conventionele verhaallijnen, en die zijn trouwens niet minder krachtig. Gefotografeerd in zwart-wit, met geweldige acteerprestaties van de spelers en onder leiding van Ichikawa, behoort Nobi niet alleen tot de beste oorlogsfilms die ooit zijn gemaakt, maar ook tot de beste van de Japanse cinema.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

'Nobi' of 'Fires On the Plain' is een film die op zo veel niveaus zo voortreffelijk is dat er niet genoeg goede dingen over te zeggen zijn. Het enige wat ik jammer vind, is dat ik deze film uit 1959 niet eerder heb kunnen zien.
Omdat ik een beetje een filmpurist ben, kijk ik naar films om hun artistieke verdiensten, gebaseerd op dialoog, acteerwerk, fotografie en zelfs de pogingen om in termen van kostuums trouw te blijven aan de periode. Uiteindelijk wil ik weten of de film 'waar' genoeg is om de menselijke conditie te onthullen om me aan het denken te zetten zonder me te onderdrukken met wat de regisseur wil dat ik denk.
'Fires On the Plain' is een geweldige film omdat hij een portret schetst van realistische menselijke reacties op de dovende vuren van een grote historische catastrofe.
Ichikawa's film is een veroordeling van oorlog op alle niveaus, zoals elke goede oorlogsfilm zou moeten zijn. Oorlog is afschuwelijk, bloederig, destructief. Hij is ook moorddadig op de psyche. Maar wat wezenlijk is aan 'Branden op de vlakte', is zijn onwrikbare blik op de Japanse soldaten. Hij laat ze zien hoe ze langzaam bezwijken onder het gewicht van de superieure Amerikaanse vuurkracht en het onvermogen van hun land om een oorlog te voeren die het zelf heeft uitgelokt. Een fatalistische code die de dood aanmoedigt voor overgave is de kern van deze waanzin. Ichikawa onthult wat de Duitsers het 'oorlogsleven' noemden, de benarde positie van de gewone soldaat.
De film van Ichikawa is interessant, want zelfs vandaag de dag heeft Japan nog steeds moeite zich te verzoenen met zijn oorlogsfanatisme, de onderwerping van overwonnen volkeren, het racisme van zijn oorlog tegen de Chinezen en oorlogsmisdaden, waaronder kannibalisme door soldaten en officieren, dat niet alleen tegen elkaar maar ook tegen geallieerde krijgsgevangenen wordt beoefend.
Ichikawa levert een grimmige weergave van het slachtoffer worden van soldaten door een samenloop van slechte politieke beslissingen en culturele druk.
Dit grimmige onderzoek wordt vaardig uitgevoerd door de verdoemde soldaten af te schilderen als menselijke wezens die op verschillende momenten blijk geven van angst, briljante laconieke humor, een dialoog die verrijkt wordt door de schaarste ervan, en een plot waarvan de complexiteit wordt gelogenstraft door de grimmige, woeste omgeving.
Ichikawa's portret is een gerafeld en pijnlijk tapijt van verslagen mannen. De tuberculeuze Tamura, gespeeld door Eiji Funakoshi als een bedroefde en zachtmoedige ziel, is een goede soldaat die zijn menselijkheid niet kan opgeven, hoewel hij even bang en verloren is als zijn kameraden. Voordat hij naar een hospitaal vertrekt dat hem als te gezond zal afwijzen, krijgt Tamura van een superieur een handgranaat in handen gedrukt. Deze ziet de hopeloosheid van hun situatie in en raadt Tamura aan zelfmoord te plegen.
Het is een raadsel waarom Tamura's hopeloos slecht bevoorrade en militair onbekwaam gemaakte eenheid niet meteen aan het begin van de film het bevel krijgt zich over te geven. Ichikawa maakt duidelijk dat de oorlog voorbij is en dat iedereen alleen nog maar op zijn dood wacht. Als Tamura zijn eenheid verlaat voor zijn hopeloze zoektocht naar lichamelijke en geestelijke verlossing, ziet hij zijn kameraden zinloos een schuilkelder graven. Ze lijken wel lijken die uit hun eigen massagraf opkijken.
Later zien we de overwerkte ziekenboeg. Ichikawa's medische staf laat de stervende patiënten achter in een allesverterend spervuur van Amerikaanse artillerie. De zielige patiënten, die uit hun barakken kruipen in een vergeefse poging om te overleven, lijken op zielige, kronkelende schepsels die zich uit een almachtige macht losmaken. Je weet dat ze het niet zullen overleven.
Ichikawa maakt duidelijk dat er maar één ding erger is dan een verslagen leger, en dat is een leger dat zijn eer heeft verloren door zijn menselijkheid en zijn kameraden in de steek te laten. Terwijl Tamura door de jungle van Leyte strompelt, komen we de edele, de stervende en de uitbuiter tegen. Het kannibalisme steekt zijn lelijke kop op als soldaten elkaar liever opeten dan zich over te geven aan Amerikaans 'corned beef'. Als de mannen het over overgave hebben, wordt de propaganda over de manier waarop Amerikanen krijgsgevangenen doden, tegengesproken door een wereldwijze soldaat die aantoont dat de naderende Amerikanen krijgsgevangenen voeden en verzorgen omdat ze, in tegenstelling tot de Japanners, dappere soldaten respecteren die gedwongen zijn het op te geven.
Het zijn de Japanners die van plan zijn om te sterven terwijl ze voor de keizer vechten, lang nadat verzet alle betekenis heeft verloren. Degenen die bereid zijn om op leven en dood te vechten, zullen gedood worden. Dat is de calculus van de oorlog.

Na het neerschieten van een moordzuchtige en kannibalistische kameraad, die hij eerder zijn eigen lichaam had aangeboden als voedsel, lijkt de zorgeloze overgave van de fatalistische Tamura ook een opzettelijke vorm van zelfmoord te zijn. Zijn dood is een eenzaam beeld. Probeerde Ichikawa ons iets te vertellen over het interne conflict van de gewone soldaat die wil leven, maar die nog steeds gevangenzit in de suïcidale culturele codes van zijn land?
Als iemand deze film zorgvuldig bekijkt, zal hij of zij zien dat absolutisme en fanatisme de vijand zijn. De Amerikanen worden afgeschilderd als een technologisch geavanceerd volk dat bereid is die technologie in te zetten in de vorm van onverbiddelijke militaire macht <0xE2><0x80><0x93> een les die de Japanse naoorlogse samenleving heeft getransformeerd. Ichikawa's film is niet zo oppervlakkig dat hij Amerika aanklaagt. Ichikawa klaagt de sedimentaire lagen van Japans destructieve beleid aan dat de oorlog heeft veroorzaakt en die heeft voortgezet toen alles verloren was.
Ichikawa heeft het niet over de kernwapens die op Nagasaki en Hiroshima zijn gegooid. 'Dat hoeft ook niet. De in slow motion uitgevoerde vernietiging van het Keizerlijke Japanse Leger op de Filippijnen onthult het zaad van de vernietiging van Japan.'

targets: De recensie is positief.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De hoofdprestatie van deze film is dat de film, hoewel raciaal unpolair, er toch in slaagt om een tableau van oorlogsbeelden te creëren dat een blijvende identificatie achterlaat bij degene die hem bekijkt, en degene die op dat moment aanwezig was. Hoewel goede films het vermogen kunnen hebben om hun onderwerp te veralgemeniseren, wat vaak moeilijk is; grote films hebben het vermogen om hun unpolaire onderwerp te veralgemeniseren, en dat is wat deze film doet. In plaats van een context van eenheid te scheppen, portretteert de film de Japanners in het ziekelijke, definitieve einde van het oorlogstoneel van de Filippijnen in februari 1945, waar ze pacifisme of oorlog uitdragen, maar in plaats daarvan de gevoelens, dood, vernietiging, overwinning en ziekte van de oorlog uitdragen met de bloedige handen van de verslagenen. Heel anders, en superieur, dan films als Apocalypse Now en Full Metal Jacket, die allebei een satirische methodologie nodig hadden om de Amerikaanse gezelschappen te trivialiseren en te depersonaliseren, waarbij alle rassen als strijdende partijen werden gebruikt, wat prima is, maar niet zo groots als een film die gebruikmaakt van één ras en één gezichtspunt, die er fascistisch uit zou zien als hij in Amerika was gemaakt, om de verschrikkingen van de oorlog over te brengen en te laten zien hoe die werkelijk is. De enige manier waarop de hoofdfiguur het tot het eind van de film volhoudt, is door ziek te zijn en daardoor oneetbaar te worden; vandaar dat we door deze figuur, door zijn ziekte, door zijn reddende gezicht, het einde van de Tweede Wereldoorlog in de Phillipijnen zien, in februari 1945, en de manier waarop de Amerikanen, Japanners en Filippino's samenkwamen in bloedige oorlogshandelingen waarin je leeft om te sterven.
De film is duidelijk beïnvloed door een neorealistische manier van filmen, die origineel en nuttig is voor de kijker, of dat nu toen was of nu, want de neorealistische technieken die erin gebruikt worden, brengen alle verschrikkingen van de oorlog in beeld, of het nu een demonstratie van pacifisme is of van'militaristische verantwoordelijkheid'. Net als bij _Germania Anno Zero_ van Roberto Rossellini komt er een verhaal voort uit de omgeving en de omstandigheden die ermee in verband staan.
De openingsscène, met de discussie tussen de twee Japanse soldaten, is een voorspel en een weergave van de gebeurtenissen. Door deze opening krijgen we het gevoel dat de strijd tussen mens en mens wordt uitgevochten, en tussen mens en mens. Het laat zien dat ze in de voorgaande veldslagen op elkaar vertrouwden om de vijand het hoofd te kunnen bieden, maar nu, in deze opening, of 'uitbarsting' van de ervaringen van de Japanners in de Filippijnen, wordt nieuwe informatie doorgegeven aan de hoofdfiguur Tamura, die ons een voorgevoel geeft van een kannibalistische vertrouwensband als ze in leven willen blijven. Het oerwoud is zanderig, nat en dicht, en de lucht is niet zelden bewolkt en bewolkt. We waden met de achterblijvers door plassen en moerassen, even ziekelijk als het land eromheen. Overal liggen naamloze kadavers verspreid. Af en toe kun je niet zien of het lichamen zijn, rotsen of maïs. Blijkbaar is er hier geen verschil, alles is dood en ziek. Alles is stervende. Het enige waaraan ze zich niet te goed kunnen doen, zijn zeldzame apen en dode lichamen van gevallen kameraden en/of naamloze vijanden.
Vaak ontmoet Tamura een gevallen ander op het randje van de dood. Hoewel ze zijn geest vermorzelen en de zijne vermorzelen, bieden sommigen hun lichaam aan hem op te eten, maar hij weigert; net als Hiroshi Kawaguchi als Nishi in _Reuzen en Speelgoed_ wil hij niet wegkwijnen in de dood van waardigheid en Japanse moraal, want dat is het enige wat hij in feite heeft om voor zijn overleving in stand te houden, de waardigheid van zijn eigen ik. Daarom schiet Nagamatsu, als hij een soldaat ontleedt voor de tering, hem om die reden dood. Tamura is misschien gewend aan het doden, maar niet aan de ziekte van het doden en plunderen. Hij is noch een goed mens, noch een slecht mens. Hij had dood op het slagveld moeten liggen, hij is hier niet gelukkig om de zwakken te waden en schoon te vegen om te overleven.
<0x3E> De ziekte die hij draagt, ziet hij overal, bij iedereen; en helaas mist hij het ethische besef om ofwel helemaal aan anderen te denken, omdat hij zijn lichaam niet voor hen kan opgeven vanwege zijn besmettelijke ziekte, of helemaal aan zichzelf te denken, omdat hij de ziekte bij iedereen ziet, hoewel hij hen nog steeds doodt, ook al doen ze geen kwaad. Gezien in zijn aanval op de twee Filippino's in de hut. Hij kan niemand zien. Niemand kan iemand zien. De enige ziet een afkeer van ziekte en een afkeer van gezondheid, het hart van het overlevingsinstinct.
<0x3E> Vaak verschijnt er een arm die naar de linkerkant van het scherm wijst, naar wat hoop moet zijn, want daar, in dat verre Thule, ligt hun vrijheid. Toch wordt die door Amerikaanse soldaten geblokkeerd, zodat de Japanse achterblijvers langzaam sterven in deze troosteloze aarde. Er verschijnt zelfs een kerktoren die het licht van een onzichtbare zon weerkaatst. Maar bij nadere beschouwing fladderen er kraaien wild omheen; ook religie is een lucht van gif.
<0x3E> Nobi, de Japanse titel van de film, geeft meer bewijs voor de thema's of gevoelens van de film: de onderwerping aan het lot, de zwaarte van het bestaan onder leiders en levens die door anderen worden beheerst. De correcte Engelstalige vertaling heeft een onderwerp dat onder historici veel discussie oproept, omdat niet-Koreanen het vertalen als'slaaf' en'slavernij', terwijl veel Koreanen beweren dat nobi geen slavenstelsel was, maar een stelsel van dienstplichtigen dat niet voldoet aan de criteria voor slavernij. Een manier om te ontsnappen aan ontwrichtende armoede. Dit verbetert het oorlogsthema en de symboliek van de soldaat.
Is het in die tijd niet belangrijk om ons af te vragen wat het doel is van wat onze geschiedenis zal worden? Moeten we het ons gemakkelijk maken door het zich te laten ontrollen zonder ons bewust in te spannen voor verandering? Gaat het er niet om tegen wie we vechten, die eeuwenoude geschiedenisvraag, maar waarom we vechten? Fires on the Plain is geschreven door Eiji Funakoshi, Osamu Takizawa en Mickey Curtis; gebaseerd op een roman van Shohei Ooka. In het Japans met ondertitels.

targets: Het antwoord is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze film is geweldig, _Vuur op de vlakte waarover wordt gesproken_ is (het afbranden aan het eind van de oogsttijd) een gelukkige herinnering voor Tamura. Hij denkt er vaak aan terug en aan het eind van deze sombere film gelooft hij dat hij thuis is en dat deze laatste illusie alles is wat hem nog rest. _The Big Carnival_ van Billy Wilder ( _Ace in the hole_ ) is de enige film (die hem te binnen schiet) die even somber is als dit meesterwerkje van Kon Ichikawa. En terwijl een Amerikaanse soldaat en een knap Filippijns meisje op de zijkant van de weg een sigaret zitten te roken, glimlacht ze terwijl ze de peuk heen en weer zwaait, dan verandert haar gezicht in woede als ze ziet dat twee Japanse soldaten proberen zich over te geven, ze grijpt een geweer en schiet ze met vreugde dood.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Fires on the Plain_ (1959)
'Fires on the Plain' is een ongelooflijke weergave van het leven van de soldaten van het Japanse Keizerlijke Leger. Het meesterwerk van Kon Ichikawa volgt Tamura, een soldaat met tuberculose die in het laatste jaar van de oorlog door het landschap van de Filippijnen zwerft. Hij wordt door zijn commandant naar het hospitaal gestuurd, maar daar wordt hem de behandeling geweigerd en dus wordt hij teruggestuurd. Zijn commandant zegt dat hij terug moet gaan en als ze hem opnieuw weigeren, is zijn laatste bevel dat hij zichzelf met zijn granaat moet doden. Hij wordt opnieuw geweigerd, maar komt een groep krakers tegen die voor het hospitaal zitten. De volgende dag worden ze beschoten door Amerikaanse troepen en Tamura vlucht weg, ervoor kiezend zichzelf niet te doden, en vandaar zwerft hij van de ene plek naar de andere in een poging Palompon te bereiken. Hij ontdekt dat sommige mannen mensenvlees hebben gegeten om te overleven, terwijl anderen zoveel mogelijk tabak hebben verhandeld voor wat ze terug konden krijgen.
De film is gevuld met een stil gevoel van wanhoop en verlatenheid, met een zweem van krankzinnigheid. Iedereen die we zien is vel over been, bedekt met vuil en gekleed in gescheurde en gerafelde vodden. Ichikawa maakt met zijn camera een paar prachtige opnamen van het verwoeste landschap en de Japanse soldaten die er lopen. Kon Ichikawa was in Japan beroemd om zijn vele komedies en satires, en er zijn momenten in _Vuur op de Vlakte_ die bijtend hilarisch zijn. Neem bijvoorbeeld een opname van iets wat lijkt op een dode man die met zijn gezicht omlaag in een waterplas ligt; een soldaat loopt er alleen maar heen en vraagt zich hardop af of ze allemaal zo aan hun eind zullen komen, waarop de man zijn hoofd uit het water tilt en antwoordt: 'Wat was dat?' waarna hij zijn gezicht nog dieper in de plas laat zakken. Een andere hilarische scène betreft een man die langs het pad een paar laarzen vindt. Hij neemt de laarzen mee en vervangt ze door zijn oude. Een andere man loopt langs, ziet het paar laarzen en kiest voor zijn oude laarzen. De scène gaat door tot Tamura eindelijk de wisselplek vindt en de laarzen bekijkt die bijna geen zool meer hebben. Hij bekijkt zijn eigen laarzen en die van iemand op de grond en als hij tot de conclusie komt dat ze allebei kapot zijn, trekt hij zijn eigen laarzen uit en gaat blootsvoets verder. De film zit vol met ongelooflijke scènes, de een na de ander. Net als Mizoguchi en Kurosawa wist Ichikawa hoe hij zijn camera moest gebruiken om prachtige en verbluffende beelden te schilderen. Er zijn veel verbluffende beelden van mannen op kale, lege vlakten, omringd door niets dan rook in de lucht en dode of stervende lichamen op de oneffen aarde. Er is nog een ongelooflijke scène waarin tientallen Japanse soldaten midden in de nacht een door yankees bewaakte weg proberen over te steken. Ze kruipen allemaal op handen en voeten terwijl de camera van bovenaf toekijkt.
De film heeft zijn naam te danken aan de rookkolommen die opstijgen uit de vuren op de vlakten die door de hele film heen te zien zijn. Voor de soldaten vertegenwoordigen ze een wat normaler leven: het leven van Japanse boeren thuis die maïskolven verbranden. Maar hun bakens van hoop voor het normale leven zijn in vijandige handen.
De film veroorzaakte een opschudding in de dag met zijn beeldende inhoud. Veel nadruk wordt gelegd op de verschrikkingen van de oorlog, niet alleen met de vijand, maar ook binnen je eigen gelederen. Kon Ichikawa's Fires on the Plains is een ongelooflijk authentiek en ontroerend, en enigszins verontrustend, portret van de verschrikkingen die de mannen ondergaan die de lagere rangen van het Keizerlijke Leger vormen. Hoewel Letters From Iwo Jima van Clint Eastwood een heel goede film is, komt hij bij lange na niet in de buurt van de verschrikkingen van de oorlog die in Fires on the Plains worden geportretteerd. (Eastwood is ongetwijfeld beïnvloed door de film, aangezien hij beweert zo'n klassieke Japanse filmfanaat te zijn.) Veel oorlogsfilms laten zien dat de oorlog door de ogen van de winnaars een hel is. Er is bewezen dat oorlog nog veel erger is als je aan de verliezende hand bent.

4/4-4-4-4-4-4-4-4.

targets: Gegeven de recensie, mijn antwoord is positief.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Ik heb dit in 1993 op een vhs-band gezien, maar ik heb het sindsdien nergens meer kunnen vinden. Dit is een erg naargeestige en onbuigzame blik op de laatste dagen van het Japanse leger in de Phillipijnen. Iedereen die geïnteresseerd is in de oorlog in de Stille Oceaan zou er goed aan doen deze film te bekijken en te zien onder welke omstandigheden de tegenpartij vocht. Voor zover ik kan nagaan, is dit historisch correct en het laat zien hoe gemakkelijk mensen kunnen afglijden naar totale barbarij. Ik heb begrepen dat het Japanse leger in 1945 volledig was afgesneden van de herbevoorrading in de Phillipijnen, dus er bestaat geen twijfel over dat veel van de verschrikkelijke incidenten die hier zijn afgebeeld, hebben plaatsgevonden. Misschien heb ik me niet met de film kunnen identificeren.' Ik ben niet zo dol op de karakters van deze films, maar ik waardeer hun menselijkheid en hun strijd om te overleven. Als ik een lijst van de tien beste oorlogsfilms moest samenstellen, zou deze film erop staan. Kijk ernaar als je kunt.

targets: De beoordeling hier is positief.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Een niet-aflatende afdaling in de psychologische en fysieke vergetelheid die ongetwijfeld beelden van de waarheidsgetrouwe wreedheid en het lijden van de oorlog in je hersenschors zal branden zoals niet veel andere films dat zullen doen. Er bestaat gewoon geen andere oorlogsfilm die daarop lijkt.
<0x3E> Directeur Kon Ichikawa was slechts 10 dagen nadat de bom was gevallen getuige van de onvoorstelbare verschrikking van Hiroshima. Hij heeft gezegd dat het vanaf die dag altijd zijn missie zal zijn om uiting te geven aan het zinloze, lege geweld dat mensen elkaar en zichzelf aandoen.
<0x3E> Mr. Ichikawa laat ons zien dat er geen winnaars zijn in de oorlog. want de paden naar de overwinning en de nederlaag zijn geplaveid met dezelfde soldaten die zielloos voortmarcheren over wegen die aan hun eind alleen maar dood en vernietiging kennen.
<0x3E> Mr. Ichikawa slaagt erin zijn boodschap aan de wereld over te brengen door dit spookachtige stuk cinema.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Kon Ichikawa had de tweede wereldoorlog meegemaakt en gezien wat voor effect die op zijn volk in Japan had. Maar dat gold ook voor de schrijver Shohei Ooka, wiens boek de inspiratiebron was voor Ichikawa's film, _Vuur op de vlakte_. Het is een film over de mannen in deze oorlog, of misschien in oorlogen in het algemeen, die hun menselijkheid verliezen. De soldaten die in dit verhaal door de velden en jungles van de Philippes sjokken, hebben bijna geen hoop meer, zo niet helemaal geen hoop meer. Het peloton van Stone is net een picknick: zij hadden tenminste nog bepaalde dingen, zoals eten. Ze hebben weinig tot geen reserves of voorraden of munitie, geen back-up, geen enkel gevoel dat er in deze strijd iets is wat hun kant op komt. Ze kunnen niet eens een fatsoenlijke ziekenhuiszorg krijgen, tenzij ze helemaal niet meer kunnen lopen of ledematen zijn kwijtgeraakt (bijvoorbeeld als je tbc hebt, ben je op weg). Maar het komt in feite door het prisma van één soldaat, een in zichzelf gekeerde Tamura, dat we een volledig besef krijgen van de futiliteit van de oorlog, zowel in zijn sombere taferelen van niets en verveling en verval als in die flitsen van intens en wreed geweld.
In de film wil Tamura alleen maar medische zorg. Dat is in het begin, en hij krijgt van zijn meerdere te horen <0xE2><0x80><0x93> hij heeft nu al ogen die in de verte staren en een uitdrukking op zijn gezicht die getekend is door jaren van strijd <0xE2><0x80><0x93> dat hij zal sterven als hij geen ziekenhuis vindt. Dat gebeurt niet echt, maar hij belandt wel bij een paar soldaten: eerst bij een peloton dat min of meer zijn zaakjes lijkt te regelen, maar in werkelijkheid wordt aangevoerd door een machtswellusteling die alleen maar Tamura's zoutvoorraad wil hebben, en later bij twee andere verdwaalde soldaten die deel uitmaken van een groep die eerder in een hinderlaag is gelopen toen ze's nachts een weg overstaken.
Het verhaal is niet helemaal een rechte lijn, maar dat hoeft ook niet. 's pad in _Vuur op de Vlakte_ wordt in vignetten verteld, kleine verhaaltjes zoals wanneer hij een schijnbaar verlaten vijandelijk dorp aantreft. Twee van de bevolking komen terug om wat voorraden te halen en Tamura besluipt hen. Het is een martelend tafereel, want tot dusver hebben we hem met Tamura nog niets echt verkeerds zien doen, maar in dit tafereel doet hij het wel, niet zozeer uit kwaad maar uit angst en wanhoop (dit is ook, zonder het te bederven, de manier waarop hij aan een voorraad zout komt). Kleine tafereeltjes die zo schitterend en met verwoesting worden opgebouwd, als een eenvoudige taak om een paar loopschoenen te vinden, die er niet schijnen te zijn. Of als Tamura, later in de film, ontdekt dat zijn tanden uit zijn mond vallen door een gebrek aan hygiëne. En daarmee is de kous af.
Ook moet gezegd worden dat dit een spookachtig geconstrueerde film van Ichikawa is, met een scherp zwart-witbeeld van de velden en bossen. De film vult alles wat we zien met zwart-wit en witheet wit. Ichikawa zorgt er ook voor dat zijn acteurs alle authenticiteit uitstralen, niet alleen emotioneel, maar ook met hun eigen uitgemergelde uiterlijk en hun wanhopige blik. Het is alsof Ichikawa ze allemaal de film moet laten overleven, net als de personages die in het wild leven; met wild bedoel ik trouwens ook kannibalisme. De schok hiervan is tweeledig: ten eerste zegt een soldaat half schertsend in het begin dat hij andere soldaten naar Tamaura wil opeten, waarop de soldaat vraagt of dat waar is en als antwoord krijgt: 'Vraag dat maar niet', en ten tweede wordt het kannibalisme zelf uitgebeeld, door de krankzinnige uitgehongerde man op de heuvel die ingewanden uit zijn schoot trekt en met een uitgestreken gezicht tegen onze held zegt: 'Je mag me opeten als ik doodga.' Dit maakt de film vooral nog bruter als het gaat om de regisseur die de korte 'actie'-scènes filmt. Deze zijn, zou ik zeggen, bruter dan'soldaat Ryan' in hun weergave van het geweld in de strijd, de slachting die volkomen willekeurig is. Een scène die ik zou aanwijzen, en die slechts een shot bevat dat ondraaglijk is om te zien, is wanneer we vanuit een hoge hoek een groep van ongeveer twintig soldaten langzaam voorbij zien lopen, en er een hagel van geweervuur komt die maar vier of vijf soldaten doodt, maar het gebeurt zo snel, en de soldaten blijven gewoon in dezelfde kruipgang verder lopen. Dit is niet het enige shot van een afschuwelijke slachting dat...' Als het nodig is om bloed te zien, is het er wel, maar dan wordt het over het scherm uitgestort als iets volkomen macabers, maar het verheft de zaak volledig.
Al het acteerwerk is verbijsterend (vooral voor Funakoshi, die er zowel vredig uitziet als doodsbang voor wat hij het grootste deel van de tijd op de meest subtiele manier ziet), al de belangrijkste decorstukken geven de gruwelijke ervaring nog iets anders, en het komt allemaal neer op de ultieme vraag met een anti-oorlogsfilm: hoe, of waarom, vechten mensen in dit soort oorlogen? Het is bijna te deprimerend om onder woorden te brengen, en dus duwt Ichikawa onze neuzen in de smurrie en het vuil en het bloed en eist dat we het in ons opnemen, zodat het misschien op een dag nooit meer zal gebeuren. Of je kunt dit hopen, aan het eind van zo'n sombere, geweldige film als deze.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Mijn eerste Ichikawa in vele jaren en de eerste van zijn oorlogsfilms die ik heb gezien, was van het begin af aan aangrijpend en genadeloos. In de eerste scène krijgt de held in spe, Tamura, te horen dat hij niet verder kan met zijn eenheid, waar hij naar toe is teruggekeerd. Hij heeft blijkbaar tbc, maar hij is niet zo ziek dat het ziekenhuis hem kan opnemen, gezien de hoeveelheid oorlogswonden die ze hebben. Maar zijn oude eenheid wil hem ook niet terugnemen; zijn commandant geeft hem een granaat en zegt dat als hij zich werkelijk hopeloos voelt en zichzelf wil opblazen, dat het dan maar het beste is. De situatie lijkt werkelijk hopeloos, voor soldaat eerste klas Tamura en voor iedereen. Nobi is een odyssee door de hel, of liever gezegd, door een hel van ontboste bossen, dode rotsvlakten en dode en stervende Japanse soldaten die alleen nog maar hopen op het einde, vrede of de dood. Ichikawa's film wordt gefotografeerd met een verbluffende B&W-lens, die zowel de troosteloosheid van Tamura als die van de mensen die hij op zijn reis naar zijn ondergang ontmoet, benadrukt, en laat zien hoe klein en naakt ze allemaal zijn te midden van de onmetelijkheid van de bergen en de bossen. Aan deze kleine kwestie van mensen zal spoedig een einde komen, lijkt de aarde te zeggen, maar ik zal in leven blijven en het nauwelijks merken. De rest van de film probeert Tamura in leven te blijven, menselijk te blijven en uit de gevarenzone te komen. Het lukt hem in geen enkel opzicht om het er goed af te brengen. Hij sterft langzaam van de honger en pleegt uiteindelijk een paar tamelijk weerzinwekkende daden. Uiteindelijk sluit hij zich aan bij twee andere wanhopige mannen die hun eenheid hebben verloren of overleefd, en die hun toevlucht hebben genomen tot kannibalisme. In zijn verzwakte toestand, tegenover andere gewapende mannen, komt hij tot de ontdekking dat de enige manier om in leven te blijven is om te breken met alles waarin hij gelooft.<br />Ichikawa's film is net zo wreed, compromisloos en intens als elke oorlogsfilm die ik ooit heb gezien. Er zijn momenten van humor en tederheid, maar die zijn vluchtig en blijven niet in de herinnering hangen, zoals de scène met de man op de bergtop die Tamura praktisch smeekt om zijn vlees te mogen eten; het terugkerende komische moment met Tamura die zijn versleten schoenen verruilt voor het betere leer van een gevallen kameraad; de vernederingen die mensen moeten doorstaan om te overleven; de waarheid dat dit elke oorlog is, alle oorlogen, alle mensen, zolang we zo doorgaan. Een meesterwerk dat ik waarschijnlijk heel, heel lang niet meer zal zien.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Dit is waarschijnlijk de grootste oorlogsfilm en zeker een van de grootste. Er is geen sentimentaliteit, geen vaderlandslievende agenda, zelfs geen hoopvolle boodschap van universele broederschap in deze naargeestige glimp van wat we alleen maar de hel kunnen noemen. Het zijn deze kalme rigor en het gebrek aan manipulatie die de film zijn verbluffende kracht geven. Er zijn ook geen pogingen om van Ichikawa's hoofdpersoon Tamura een held te maken. Hij is gewoon een arme, gedoemde sukkel die in leven probeert te blijven in een wereld van verschrikkingen, die hoopt, maar er niet zeker van is, dat hij zich tijdens dat proces aan zijn menselijkheid kan vastklampen. Ichikawa's felle gebrek aan raffinement en zijn illusie dat _Vuur op de vlakte_ een echte film is, staan er alleen voor.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ik heb deze film een week na de dood van Ichikawa Kon uitgebracht <0xE2><0x80><0x93> ik denk dat als er één manier is om de dood van een groot regisseur te gedenken, het is door hem een glas wijn aan te bieden terwijl hij naar een van zijn beste films kijkt. Ichikawa had een van de mooiste carrières in de Japanse filmwereld, maar omdat hij nooit een eigen stijl of thema heeft gehad, lijkt hij vaak over het hoofd gezien te worden in vergelijking met zijn tijdgenoten als Ozu en Kurosawa (hij was iets jonger dan zij, maar niet veel). Hij is een van die regisseurs die de theorieën van de auteurs tarten <0xE2><0x80><0x93> het is waarschijnlijk dat zijn vrouw (die het scenario voor dit en vele andere films heeft geschreven) evenzeer verantwoordelijk was voor de kwaliteit van de films als hij. Maar op zijn best was hij net zo goed als welke Japanse filmmaker dan ook in die tijd. Hij had met name grote technische vaardigheden, waardoor hij complexe verhalen op een toegankelijke manier kon vertellen. Maar qua thema zou deze film nauwelijks eenvoudiger kunnen zijn <0xE2><0x80><0x93> oorlog is de hel. Nee, echt, het is een ernstige hel.
Vuur op de vlakte houdt zich niet aan de normale regels van het oorlogsgenre. Er is geen echt begin <0xE2><0x80><0x93> we beginnen als die ellendige Tamura, die een gewone soldaat is (hoewel er wordt gesuggereerd dat hij verstandiger en beter opgeleid is dan de meeste anderen <0xE2><0x80><0x93> op een gegeven moment blijkt dat hij Engels verstaat, maar hij slaat dicht als de anderen hem vragen hoe hij dat weet), naar het ziekenhuis wordt gebracht omdat zijn eenheid al in een ontstellende staat verkeert. De soldaten zijn verslagen en sterven van de honger. Ze zijn niet langer een leger, maar slechts een groep vluchtelingen, opgejaagd door de plaatselijke bevolking en min of meer genegeerd door de Amerikanen, die grotere vissen te roosteren hebben. Honger en wanhoop drijven de soldaten tot het uiterste en over de rand van de waanzin. In de typische Ichikawa-stijl is het niet alleen maar grimmig <0xE2><0x80><0x93> hier en daar is het zelfs grappig (een heel zwarte humor, natuurlijk).
De hoogtepunten van deze film zijn voor mij de uitstekende vertolkingen van de hoofdrollen en de levendige fotografie. De personages, met al hun menselijkheid, maar ook met hun totale verlies aan menselijkheid, zijn maar al te geloofwaardig. Dit is die zeldzame film <0xE2><0x80><0x93> een die weigert zichzelf uit je hoofd te wissen, zelfs als je hem wilt vergeten.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

De titel verwijst naar de vernietiging van de overblijfselen van een oogst, zoals rijstschillen, door boeren die ze verbranden en zo brand stichten op de vlakten. Dit is een naargeestig verhaal over de vernietiging van de Japanse soldaat.
Het verhaal speelt in de laatste dagen van de Filippijnse veldtocht als soldaat met tbc die terugkeert uit een ziekenhuis omdat ze geen plaats voor hem hebben omdat hij kan lopen. Zijn superieuren willen hem niet in de buurt hebben omdat hij echt te ziek is om te werken of te vechten. Gewelddadig behandeld door zijn officier wordt hij teruggestuurd naar het ziekenhuis met de opdracht om ofwel te worden opgenomen of zelfmoord te plegen. Ze willen hem nog steeds niet hebben en hij...' Algauw vertrok hij om door het door oorlog geteisterde landschap te zwerven, op zoek naar hulp of een plek om te overnachten of zelfs maar iets te eten. Het is een naargeestige reis zonder hoop in het verschiet, en waar hij ook komt, ziet hij alleen maar dood en de onmenselijkheid van de mens.
Naast een aangrijpende reis naar het duistere hart van de mens en de oorlog, is dit ook een heel grappige film. Dat wil niet zeggen dat hij niet gruwelijk is, dat is hij soms wel, maar hij is ook duister komisch. Hoe kan het ook anders? Dit is een film waarin waanzin en krankzinnigheid de boventoon voeren, mensen proberen voortdurend tabaksbladeren te bemachtigen voor voedsel, proberen zelfs een iets beter paar schoenen te krijgen, proberen een Japanse soldaat te blijven in het aangezicht van de absurditeit door voortdurend te marcheren maar nooit ergens te komen en je kunt er niets aan doen dat je moet lachen. Om er zeker van te zijn dat alles donkerder wordt als het duidelijk wordt dat kannibalisme misschien, letterlijk en figuurlijk, de enige manier is om te overleven, maar tegelijkertijd heeft de menselijke komedie iets onaangenaam grappigs.

Aangekondigd als een geweldige anti-oorlogsfilm maakt de grimmige fotografische stijl de krankzinnigheid van de oorlog duidelijk terwijl hij ons oog verblindt met zijn schoonheid. Hier zien we landschappen vol lijken, met inbegrip van de soldaat en de burger. Het zijn landschappen tussen velden, bossen en bomen die anders heel mooi zouden zijn, en tot op zekere hoogte nog steeds zijn. Het is een schokkende ervaring.
Het intrigerende is dat ik heb gelezen dat deze film is gebaseerd op een roman over de verlossende kracht van het christendom. De regisseur heeft alle religieuze verwijzingen naar hoop en verlossing geschrapt en in plaats daarvan laten zien dat het leven stinkt, dat oorlog nog erger stinkt en dat er uiteindelijk geen hoop is.
Met mijn verstand bewonder ik de film, met mijn gevoel niet. Een deel van de film bestaat uit een snerpende downbeat die wat we op het scherm zien voor mijn gevoel benadrukt. Het is bijna het vergulden van de lelie omdat de beelden zo sterk zijn dat de muziek je niet echt hoeft te dwingen je op de een of andere manier te voelen.
Is het een geweldige film, dat moet je zelf beslissen. Want hij is in elk geval anders dan alle andere oorlogsfilms, bloederig, afschuwelijk en echt op een manier die grote, gebudgetteerde films beweren te zijn, maar nooit zijn. Dit is niet voor mensen die niet tegen bloed en geronnen bloed kunnen, want hij is er in overvloed.
Beslist de moeite waard om te bekijken.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Vuur op de vlakte, geregisseerd door Kon Ichikawa en geschreven door Shohei Ooka en Natto Wada, is een tweederangsfilm uit de Tweede Wereldoorlog die niet laat zien hoe de bondgenoten tegen de asteroïden vechten, maar hoe de Japanners op de Filippijnen vechten en vechten voor hun leven. De hoofdpersoon heet Tamura, gespeeld door Eiji Funakoshi, en hij is een soldaat die zijn regiment verlaat omdat hij ziek is. Het enige wat hij bij zich heeft zijn een handgranaat, zijn geweer en wat aardappelen. Op deze manier probeert hij naar het ziekenhuis te komen om een dokter en een geneesmiddel voor zijn ziekte te krijgen. Maar omdat het ziekenhuis hem afwijst en hij wordt vernietigd, begint hij aan een lange wandeling. De hele film lang blijft Tamura een beetje laf, maar heel beleefd, terwijl de andere soldaten steeds meer op dieren gaan lijken door hun instincten te gebruiken om te overleven. Tamura blijft menselijk en laat zich niet vernederen. Een scène die me erg heeft beïnvloed om positief en anders over deze oorlogsfilm te denken, is wanneer Tamura in een volkomen verlaten dorp in Phillipino komt. Daar vecht hij tegen een hond en vindt hij een heleboel lijken van Japanse soldaten voor een kerk. Dat zet Tamura aan het denken en maakt hem nog banger dan hij al is. Dat toont aan dat de soldaat geen dappere moordmachine is, maar een dienaar van hogere wezens en vooral van mensen. Nadat hij de lijken de rug heeft toegekeerd, keren twee Phillipino's (een echtpaar of een broer en zus: een zeer hechte relatie) terug naar het dorp om hun voorraad zout terug te halen. De hoofdfiguur van de film wil aanvankelijk vriendelijk zijn, hoewel hij met zijn geweer naar hen toe is gelopen, maar schiet de vrouw neer zodra ze begint te gillen. Haar broer/vriend/echtgenoot rent dan angstig weg en even later volgt Tamura hem en schiet in het wilde weg op de vluchtende Filippino. Hij raakt hem niet. Nadat Tamura de zak met zout heeft opgeraapt, iets heel kostbaars, laat hij zijn geweer in een rivier vallen. Dit gebaar is heel belangrijk om Kon Ichikawa's/Shohei Ooka's' Het is een typisch voorbeeld van de Japanse profielschetsen van Tamura en de oorlog. Als je deze film vergelijkt met andere films uit de Tweede Wereldoorlog, is hij helemaal niet typerend. Natuurlijk hebben alle films lijdende helden, maar hun helden zijn heldhaftiger dan Tamura. Hij drukt alles uit wat menselijk is: hij wordt gemanipuleerd, hij is zwak, hij wordt bang, hij heeft hoop. Dit is typerend voor de twee Japanse films uit de Tweede Wereldoorlog en voor de Japanse samenleving. Aangezien de Tweede Wereldoorlog in de Japanse samenleving geen onderwerp van gesprek is, zullen de Japanners de Japanners in de Tweede Wereldoorlog waarschijnlijk in de rol van het slachtoffer plaatsen. Deze slachtofferrol is in deze film ook heel visueel. Een van de voorbeelden is Tamura, een ander de opgestapelde lijken van Japanse soldaten voor de kerk en weer een ander belangrijk voorbeeld is wanneer de Japanse soldaten proberen een straat over te steken en de Amerikanen daar al op hen staan te wachten en alle Japanse soldaten die slechtere uitrusting hebben en slechter te eten krijgen en geen medische uitrusting of wat dan ook hebben, doodschieten. Persoonlijk moet ik zeggen dat het de moeite waard is om deze film te zien om eindelijk een film van de andere kant te zien dan gewoonlijk. Er zit ook geen nationalistische propaganda in die gemakkelijk ingebouwd had kunnen worden. Als je de film eenmaal helemaal hebt gezien, kun je de verschrikkingen van de Tweede Wereldoorlog in zijn geheel zien.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ze worden opgejaagd en verhongerd. Ze zijn volkomen gedemoraliseerd en toch gaan ze door door pure inertie. Deze film probeert antwoord te geven op de vraag: 'Hoe ver zullen mensen gaan om te overleven?' Uit elk van deze films spreekt hopeloosheid en zoals in zoveel Japanse films van deze tijd, veroordeelt hij de blinde militaire trouw die het Japanse volk tot een oorlog heeft gedwongen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Deze vertolking van de troosteloze Japanse strijdkrachten in de Filippijnen is een krachttoer in de totale zinloosheid van de oorlog. Het is een effectieve weergave van de Japanse pacifistische denkbeelden na de Tweede Wereldoorlog. In de film moeten de Japanse soldaten het zelf zien te rooien in de jungle van de Filippijnen. Geconfronteerd met een dreigende hongersnood nemen ze hun toevlucht tot kannibalisme en verliezen geleidelijk aan het laatste restje menselijkheid. Deze film deprimerend noemen zou een understatement zijn. De kijker blijft achter met een volkomen wanhopig gevoel over de waarde van het leven in de moderne strijd. De laatste scène is bijna te nihilistisch, maar de film is toch een waardige uitspraak. Zeer aanbevolen.

targets: Deze recensie is positief.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Oké, dus ik val voor een goede documentaire, vooral als die een modern Don Quichot-verhaal vertelt. Een waarschuwing: ik heb Mark Borchardt in de winter van 1995/1996 ontmoet, toen hij nog aan Coven werkte. Maar dat verhaal bewaar ik voor later. American Movie, die niet lang daarna met de productie begon, geeft een accuraat beeld van de persoon die ik kende, zij het in een grotere mate dan ik had verwacht of geloofd. Dit is tegelijkertijd een heel grappige en heel trieste film, en hij is briljant uitgevoerd. Mark komt over als zijn eigen nog ergere vijand: zijn kinderlijke ambitie en optimisme <0xE2><0x80><0x93> die ik bewonder <0xE2><0x80><0x93> worden ondermijnd door zijn ogenschijnlijke artistieke onbekwaamheid en zijn bizarre fiscale verwachtingen. Maar hij is ook een charismatische kerel. Zijn trouwe Sancho Panza-maatje is al even sympathiek: loyaal, zij het uitgeput, tot in het diepst van zijn ziel. Net als Don Quichot biedt American Movie een vaak genegeerd, inefficiënt aspect van vrijheid <0xE2><0x80><0x93> dat mensen aangetrokken worden tot beroepen waar ze niet bepaald geschikt voor zijn, los van herhaalde mislukkingen. Het is een geweldige film.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Deze documentaire is de meest hypnotiserende film die ik in lange tijd heb gezien. Ik moet hem wel een hele dag hebben aanstaan. Het geselecteerde materiaal dat in het stuk zit, vloeit verbazingwekkend goed en ontwikkelt drie personages die je onmogelijk ooit kunt vergeten. De verschillende lagen van deze mensen worden afgepeld en vormen een merkwaardig ontroerende film over volharding, trouw en vastberadenheid. Deze personages eindigen verrassend fascinerend en de film is onvergetelijk.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Ben je op zoek naar bewijs dat het echte leven amusanter is dan fictie? Je hebt het net gevonden. Deze fantastische documentaire over een veelbelovende filmer (Mark Bortchart) die weigert zijn nederlaag te erkennen, is de grappigste film die ik ooit heb gezien <0xE2><0x80><0x93> waarschijnlijk omdat het ook een van de meest tragische is. Vreemd genoeg word ik steeds geïnspireerder naarmate ik meer naar de film kijk.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Voor mij zijn de beste & meest memorabele films vaak die waar ik op het eerste gezicht niets van weet. _American Movie_ is een perfect voorbeeld van zo'n juweeltje. Toen ik op een avond laat tv zat te kijken, zag ik de enige goede recensie tussen het afval <0xE2><0x80><0x93> gelukkig nam ik me voor een echte traktatie. _American Movie_ is een documentaire over de onvergetelijke Mark Borchardt (uitgesproken als "orchard", geloof ik), een zeer welbespraakte & charismatische jongen van Wisconson, die zijn best doet om "Midwest" te schrijven, te regisseren en te produceren, een ruige, lowbudget horrorfilm waaraan hij al jaren werkt. In Mark ontdekken we een jongeman vol contrast. Maar voor de camera onthult Mark verrassende geestigheid & inzicht terwijl hij op de Amerikaanse manier filosofeert over het leven, de liefde, de film & de filmwereld. Naarmate de film vordert, wordt het helaas duidelijk dat Marks gebrek aan discipline & zware drankzucht zijn creatieve inspanningen meedogenloos saboteren. _American Movie_ is een charmante film vol hilarische momenten & levendige personages. Een van Marks beste vrienden is Mike Schank, een bekeerde blower met een zachte stem die, nadat hij een verslaving aan krasloten achter zich had gelaten, nu afhankelijk is van frisdrank. Ik ben dol op _American Movie_. Het genereert echte empathie tussen de kijker en de hoofdpersonen en zorgt voor hilariteit zonder dat het uitbuit. Ik zou het iedereen van ganser harte aanbevelen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Als we jong zijn, kiezen we allemaal een ideaal beroep: kunstenaar, acteur, schrijver, raketgeleerde, enz. Hoewel de meesten van ons uit onze koker groeien, heeft het hoofdpersonage van American Movie, Mark, de zijne (en ook nog op een leeftijd van een jaar of dertig) nog niet losgelaten: hij wil een rijke, beroemde regisseur worden. Ondanks het feit dat de wet van Murphy Mark niet met rust laat en er altijd iets mis lijkt te gaan, is Mark in staat om tijdens elk afschrikwekkend incident door te gaan met een nog grotere gedrevenheid om zijn doel te bereiken. Zijn verlangen om regisseur te worden bepaalt zo zijn karakter dat hij elke persoon of elk ding in zijn leven ziet als iets wat hij kan gebruiken om zijn doel te bereiken. Hoewel het me opviel dat andere IMDB-lezers Marks egoïsme afkraken, denk ik dat het een bijna gerechtvaardigd soort egoïsme is, want voor Mark staat niet beroemd worden gelijk aan de dood. Hij heeft het er voortdurend over dat hij iets van zijn stempel op de wereld wil drukken, en hij ziet filmen als een manier om dat te doen.
Jammer genoeg merkt elke kijker van deze film al vroeg dat Mark een bijna nul kans heeft om zijn droom ooit te verwezenlijken. Is hij zich daarvan bewust? Nee, in het geheel niet, en geen van zijn familie of vrienden wil hem inlichten over het geheim (zelfs sommigen van hen geloven in hem). Maar vreemd genoeg belemmert de teleurstellende toekomst die de kijker voor Mark ziet niet het vermogen om humor in de film te vinden. Dit is een heel erg grappige documentaire. De meeste lachsalvo's komen van het moment dat Mark scènes voor 'Coven' aan het opnemen is. Er is een scène waarin een acteur met zijn hoofd tegen een kast knalt, en dat werkt gewoon niet. In een andere scène zegt Marks stokoude oom Bill een paar regels in de camera; het behoeft geen betoog dat Bill na 20 opnamen met een hoop gekras en gestotter uiteindelijk vindt dat hij er genoeg van heeft. Een hoop humor komt helaas van Mark zelf. Zijn scenario, waarvan hij denkt dat het een Pulitzerprijs waardig is, is lachwekkend slecht: 'It' 't Is goed, het is goed, er is iets om voor te leven, dat heeft Jezus me gezegd.'
'American Movie' is, in tegenstelling tot wat de mensen misschien denken, een documentaire waar iedereen van kan genieten (hoewel mijn zus, die sommige scènes heeft gezien, hem ronduit bizar vond). Het feit dat Chris Smith met succes een film naar het witte doek kan brengen die zowel droefheid opwekt door Marks deprimerende levensstijl als hilariteit door scènes met Bill (die helaas is overleden voordat de film werd uitgebracht) zegt heel veel over hem. Ik vraag me af hoe de dromer Mark op deze documentaire reageert. Beseft hij dat hij in een slecht daglicht wordt gesteld? Of dat hij in veel scènes van de film als een idioot wordt afgeschilderd? Of ziet hij het als iets wat voor zijn eigen A&E-biografie zal worden vertoond? Het is een intrigerend onderwerp van verwondering, en ik hoop dat dat laatste op een dag ook voor hem zal gelden.
Ik kan deze film van harte aanbevelen: 9/10.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Wat deze film zijn karakter geeft, is de wetenschap dat het uiteindelijk allemaal waar is. Hoewel het een boeiende en humoristische documentaire is die in sommige delen aan namaak doet denken (zijn ze in scène gezet of gebeurt het echt op een grappige manier?), lijkt hij tegen het eind een beetje lang te worden.
Deze film is grappig op plaatsen waar dat wel moet, en hij loopt redelijk goed. Als je van de films van Christopher Guest hebt gehouden, kan ik je aanbevelen om naar deze film uit te kijken.
B.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik genoot van deze film, omdat ik me er iets bij kan voorstellen.
Op een bepaald moment in mijn leven probeerde ik films te maken en had ik veel van dezelfde problemen die Mark Borchardt had toen hij zijn film probeerde te maken. En ik maakte ook een lange periode door van een in zichzelf gekeerde ontwikkeling, waarin ik weigerde te groeien. Maar toen, op wonderbaarlijke wijze, trouwde ik en kreeg ik kinderen. Ik besefte dat ik als zwoegende filmmaker naar alle waarschijnlijkheid mijn gezin niet zou kunnen voeden. Dus ik kreeg een fatsoenlijke baan en deed wat ik dacht dat ik moest doen om dat te laten gebeuren. Dat is wat een volwassene met een volwassen verantwoordelijkheidsgevoel doet.
Mark heeft...' Tot nu toe heeft hij die realiteit onder ogen gezien, en in die zin is hij een achterlijke puber. Om die reden heeft hij iets hopeloos. Net als Don Quichot lijkt hij zo onbeholpen en in de war dat hij niet beseft hoe slecht hij er eigenlijk aan toe is. De kijker voelt zich superieur en heeft medelijden met hem en zijn vriendenkring. Mark heeft kinderen, een ex-vrouw en rekeningen die betaald moeten worden, maar de film laat zien dat het hem in wezen alleen maar om zijn 'artistieke visie' te doen is.
Desondanks komt Mark in de film over als een sympathiek persoon, omringd door een heel interessante familie en een groep vrienden. Helaas ontbreekt het Mark aan veel dingen die nodig zijn om succesvol te zijn, zowel in het leven als in zijn carrière: volwassenheid, verantwoordelijkheid, opleiding, kennis, levenservaring, prioriteiten stellen, financiële invloed, enzovoort. Toch ploetert hij voort, net als Ed Wood, kennelijk zonder ook maar enige aanwijzing.
Ik denk dat we ons aangemoedigd moeten voelen door de houding van 'zeg nooit nee' van dit nobele individu, dat tegen alle verwachtingen in vecht. En man, wat zijn de verwachtingen hoog! Kiefer Sutherland, Colin Hanks, Tori Spelling en Angelina Jolie zijn allemaal nakomelingen van grote film- of tv-mensen; ongetwijfeld zullen ze op een dag allemaal willen regisseren, als ze dat al niet doen. Hoeveel ruimte is er voor een onafhankelijk iemand als Mark? Het is net alsof je iemand zichzelf met een plank op zijn hoofd ziet slaan, steeds weer opnieuw. Nu ik erover nadenk, komt dat aardig in de buurt van wat er met een van Marks acteurs gebeurt, met de deur van het keukenkastje, in een van de grappigste scènes die ik ooit in een film heb gezien.
Ondanks al mijn twijfels en schijnbare kritiek, heb ik echt van deze film genoten en ik zou hem van harte aan iedereen aanbevelen. Oom Bill is geweldig. Ik heb een vriend die zowel Mike als Mark heeft ontmoet en hij vertelde me dat deze mannen in het echte leven precies zo zijn als ze in de film lijken.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit zou wel eens de beste film van 1999 kunnen worden. Nee, ik maak geen grapje. Deze door Chris Smith geregisseerde documentaire vat de geest van de artistieke dwang. Smith doet het verstandige wat elke documentairemaker zou moeten doen: hij blijft onzichtbaar en weigert zijn onderwerp te beoordelen.
Terwijl de kijker toekijkt hoe Mark en zijn pogingen, hoe fel en agressief ze ook mogen zijn, om zijn films af te maken, zich voltrekken. Hij weigert compromissen te sluiten en lijdt als gevolg daarvan herhaaldelijk. Maar laten we niet vergeten dat Speilberg, Scorsese en anderen net zo nederig zijn begonnen.
En wat een geweldig onderwerp heeft hij gekozen. Mark, zijn familie en vrienden zijn allemaal fascinerende personages, veel boeiender dan welk personage dan ook dat in de gefingeerde filmproducten van vorig jaar is gecreëerd. Deze film schommelt heen en weer tussen een komedie en een tragedie, is ontroerend en leidt ons er uiteindelijk toe dat elke kijker de drang voelt om iets te creëren, ondanks talentproblemen, om van je luie reet te komen en iets te maken.
De film gaat over onafhankelijke kunstenaars en hun passies. Hij gaat ook over families, hoe afhankelijk en niet-functioneel ze ook mogen zijn en hoe uniek en mooi dat organisme in werkelijkheid ook is. Mark blijkt in de film niet alleen zijn dromen na te jagen, maar ook zijn familie <0xE2><0x80><0x93> en zij hem.
Waarom deze film niet is genomineerd voor de documentaire van het jaar gaat mijn verstand en mijn verstand te boven (ervan uitgaande dat hij dat vorig jaar wel was). Deze film moet worden gezocht en gekoesterd.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Als een 'pre-babyboomer'... geboren in 1944, in Los Angeles; daarbij de dubieuze eer genietend dat hij in leven was toen Hitler nog actief betrokken was bij zijn 'Laatste Grote Offensief'; maar ook met onze president Roosevelt die nog actief in het offensief was... dit was een van de belangrijkste 'eerste films' van mijn jonge leven. Toen ik de kans kreeg hem te zien in 'heruitgave', een aantal jaren na de première in 1946 (een gemeenschappelijke gewoonte in die jaren) beantwoord (zelfs voor mijn heel jonge geest) <0xE2><0x80><0x93> o, zoveel vragen had ik... omringd te zijn door onze terugkerende Vet-helden. Verborgen in al die vele van William Wyler's gelijkmoedigheid van subtiele'multi-plots'... met opzet NIET 'omringd','mini-' of'sub-plots'... in al hun 'kleuren en tinten van intensiteit'... De film deed meer dan al het andere dat ik me kan herinneren, om me een soort'redelijke' en 'rationele' verklaring te geven voor wat er allemaal om me heen gebeurde... in het echte leven. (Mijn persoonlijke ervaring is waarschijnlijk een 'nieuwe' en 'andere' invalshoek als ik naar deze klassieke film kijk.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Nu de Tweede Wereldoorlog voorbij was, richtten de filmstudio's zich snel op dierenartsen die naar huis terugkeerden. 'The Best Years of Our Lives' was waarschijnlijk het beste voorbeeld. Het laat verschillende mensen zien die naar huis terugkeerden en die zich niet alleen aan hun vooroorlogse leven moesten aanpassen, maar ook aan de veranderende wereld in het algemeen. Het interessantste personage is waarschijnlijk niet-acteur Harold Russell. Hij heeft in de oorlog zijn handen verloren en speelt een man met haken waar zijn handen vroeger zaten, en hij herinnert de mensen eraan dat hij net als iedereen behandeld wil worden; hij werd vervolgens de beste ondersteunende acteur en kreeg een speciale Oscar voor die rol, waardoor hij de enige is die ooit twee Oscars heeft gewonnen voor dezelfde rol. Er zal waarschijnlijk altijd gediscussieerd worden over de vraag of dit een betere foto is dan 'It's a Wonderful Life', maar ik vind zeker dat ze er goed werk mee hebben geleverd. Heel goed werk.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De film gaat over een andere uitzonderlijke samenwerking tussen regisseur William Wyler en filmer Gregg Toland, de eerste nadat Toland aan Citizen Kane had gewerkt. Maar het talent van beide mannen was gericht op het tot stand brengen van een perfect geconstrueerde film, die in de goede oude Amerikaanse betekenis van het woord een geweldig verhaal is. De technische aspecten van de film worden zo behandeld dat de kijker wordt meegezogen in de handeling die op het scherm plaatsvindt zonder zich te onderwerpen aan de kracht van het beeld. Techniek wordt gezien als een representatief voertuig voor de representatie, in tegenstelling tot in Citizen Kane, waar de barokke stijl van Welles bijna de aandacht van het verhaal naar de manier waarop het verhaal werd verteld trok. Een van mijn favoriete scènes in deze film is het drama van de thuiskomst van Homer en Al. Als Wilma Homers meisje is, komt ze perfect in beeld op hem af, en gaat Al op zijn vrouw af, ook perfect in beeld. Dit is een briljante scène, want alleen door het gebruik van het beeld zien we de aard van deze relaties zoals we die in de film zullen zien: Wilma houdt van Homer en ze accepteert hem zoals hij is, de vrouw van Al houdt ook van hem, maar ze is er niet op voorbereid om hem volledig te verwelkomen. Ook komen we later in de film tot de ontdekking dat hun huwelijk niet altijd een rozentuin is geweest. Wyler is een regisseur wiens kracht ligt in het trouw zijn aan zijn werk zonder de behoefte te voelen om op te scheppen. Hij wilde zijn publiek laten zien hoe moeilijk het was voor de Amerikaanse soldaten die terugkeerden uit de oorlog om zich aan te passen aan een samenleving die hen niet begreep of hen met minachting behandelde. Met een perfecte cast en een geweldige dialoog produceerden Goldwin en Wyler een film die voor altijd het sjabloon zal zijn voor elke andere thuisbioscoopfilm. De drie uur die samenvallen met de'really cut' omdat het testpubliek in die tijd geen moment het gevoel had dat de actie traag was en elke scène uit de film volkomen gerechtvaardigd leek. Het geheel is prachtig geconstrueerd, elk personage krijgt een behoorlijke hoeveelheid bloot, er wordt niets aan het toeval overgelaten en het is jammer dat Hollywood tegenwoordig nooit meer in staat is zoveel karakterconflicten op het scherm te brengen. TBYOOL verkent de diepte van de Amerikaanse manier van leven, van het Amerikaanse gezin en de Amerikaanse maatschappij in zo'n mate dat andere films eruitzien als 'het kinderuurtje'.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Er werden zo veel grote talenten gebruikt in 'The Best Years of Out Lives', dat het resultaat wel een wonder moet zijn. Denk eens aan wat de regisseur, William Wyler, voor zijn kiezen kreeg; in de nasleep van een militaire overwinning op statistische machten die afschuwelijke misdaden hadden begaan en de wereld hadden overspoeld als het tot gevechten kwam, maakte hij een film die betoogde dat de leiders van de Verenigde Staten zelf diep anti-individuaal waren <0xE2><0x80><0x93> dat ze 'de beste jaren van de levens hadden verspild van degenen die waren opgeroepen of misleid om de oorlog te voeren <0xE2><0x80><0x93> wat, aangezien het de rechten van individuen negeerde, niets anders was geweest dan een discussie over de mate van slavernij waarin mensen moesten leven.' Sherwood, auteur van 'The Road to Rome' en andere verdedigingen van individuen tegen tirannieke ideeën. De ironische titel werd gebruikt om de talenten van acteurs als Frederic March, Myrna Loy, Teresa Wright, Dana Andrews, Virginia Mayo, Cathy O'Donnell en Hoagy Carmichael in een grootschalig maar thematisch drama te verwerken. De slimme plotlijn was de ervaring van de 'paren' nadat de soldaten (drie in de schijnwerpers) hadden geprobeerd naar huis terug te keren in een 'overwinningscultuur'. Hun bittere ervaringen en het besef van hun eigen behoefte om weer te vechten tegen wat er aan het thuisfront gebeurde, vormen een sterk en ontnuchterend contrast met het conventionele idee dat 'alles goed was met 'Amerika'. March en zijn vrouw hebben de grootste moeite om zich aan te passen, en hij drinkt; O'Donnells jongeman, Harold Russell, heeft haken in plaats van handen en vraagt zich af of het leven wel de moeite waard is om te leven; en het ergste van alles is dat Andrews' vrouw hem inruilt voor een vent met geld en hij heeft jaren verloren, waardoor werkgevers zijn rechten op een baan negeren of ontkennen, rekening houden met zijn individuele verdiensten, zelfs hebben wat hij had voordat hij uit zijn leven was weggerukt en in de arena van het risico was geworpen <0xE2><0x80><0x93> voor niets, en met verlies van alles wat hij ooit had gehad. De verpletterende climax van de film komt wanneer elk van de drie de confrontatie aangaat met de noodzaak om weer te vechten, ieder voor zijn eigen geluk; en alle drie vinden ze de moed om door te gaan met vechten <0xE2><0x80><0x93> ieder voor zijn eigen geluk, dat nu wordt bedreigd door een merkwaardig anti-zelf, anti-werkelijkheid die een niet-Amerikaanse Verenigde Staten onverschillig laat. Wylers regie, vooral van de scène waarin Andrews in de cockpit van een in de mottenballen gelegde B-17 zit, alleen, en de scène van Russells bruiloft, is werkelijk prachtig. Dit is een zeer krachtige film en een geweldige film op zijn eigen manier, een film waar mannen en vrouwen het voor één keer over eens kunnen zijn. Muziek van Hugo Friedhofer en kostuums van Irene Sharaff dragen bij aan de glans ervan. Een van de beste en meest onverwachte films aller tijden, in verbluffend B/W.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Deze film vertelt de verhalen van verschillende stellen die het post-WWII-leven moeten verwerken. In vele ontroerende scènes komt het publiek te weten hoe de oorlog mensen heeft veranderd, terwijl hun menselijke geest doorging met triomferen.<br />Mijn favoriete scène is die van een jonge soldaat, die naar huis terugkeerde als een dubbele geamputeerde (nadat hij beide armen tot aan de elleboog was kwijtgeraakt) en er zeker van was dat zijn liefje, dat nog steeds met hem wil trouwen, niets aan hem zou hebben. Zijn meisje zei alleen maar dat ze hem zou helpen met de dingen die hij niet zou kunnen doen De scène waarin een militair om een lening vraagt, is ook een hoogtepunt. Als hij aanvankelijk wordt geweigerd omdat hij een 'hoog risico vormt', neemt een hogere bankfunctionaris het over en zegt: 'U hebt voor ons land gevochten en ons beschermd <0xE2><0x80><0x93> dat is voor mij goed genoeg. Uw lening is goedgekeurd!' 'The Best Years of Our Lives' heeft 6 Oscars gewonnen, waaronder een speciaal beeldje voor de gehandicapte acteur die ons allemaal liet zien dat het leven doorgaat en dat het de moeite waard blijft om te leven, zelfs voor iemand met een ernstige handicap. Deze film is een genot om steeds weer te zien. Een ware klassieker! Zeer aanbevolen!


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Hoewel de fantastische frisdrankafdeling van de plaatselijke drogisterij niet langer bestaat en de kleren absoluut uit 1946 dateren, zijn ze nu wel heel erg gedateerd.

de naoorlogse jaren, en goed en kwaad zijn gemakkelijk te begrijpen, en
de oude vliegtuigen echt gedateerd zijn, zal deze film nooit gedateerd worden.

De menselijke aanpassingen en problemen na de oorlog, de prachtige
liefdesverhalen, de geweldige acteerprestaties (vooral van Harold Russell en
Dana Andrews) zijn in 2002 net zo ontroerend als in 1946. Zoals zovelen zijn mijn herinneringen aan de oorlogsjaren en de thuiskomsten vandaag zo vers alsof ze gisteren hebben plaatsgevonden <0xE2><0x80><0x93> deze film is zeer relevant voor onze tijd.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Dit is een van de grootste films aller tijden. Het verhaal is fascinerend en de acteurs zijn overtuigend. Je identificeert je echt met de personages. William Wyler bewijst met deze film dat hij een groot regisseur is. Zijn vakmanschap is onovertroffen.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik was helemaal ondersteboven toen ik 'The Best Years of Our Lives' zag. De acteurs, het script en Master William Wyler's Direction (winnaar van de Oscar voor beste regisseur in 1946) zijn Briljant.
Deze film gaat over drie veteranen uit de Tweede Wereldoorlog die uit de oorlog terugkomen en herenigd worden met hun geliefden, maar de ontberingen van het thuiskomen na de oorlog moeten doorstaan.
De eerste man, Al Stephenson (gespeeld door Fredric March in zijn Oscarwinnende rol) komt thuis en vindt zijn vrouw Millie ( De tweede man, Fred Derry (gespeeld door Dana Andrews) moet een goede baan vinden en thuiskomen bij een vrouw met wie hij nog maar 20 dagen getrouwd was voor hij naar de oorlog vertrok. Hij begint te ontdekken dat ze niet meer dezelfde is.

Homer Parish (gespeeld door Harold Russell in zijn Oscar-winnende rol) heeft in de oorlog zijn handen verloren en moet de reacties van zijn familie en die van zijn verloofde Wilma (gespeeld door Cathy O'Donnell) op de haken die hij in plaats van handen heeft, verwerken.
Alle mannen en hun families worden in de film in verschillende scènes herenigd. De verhalen van deze mannen zijn allemaal prachtig met elkaar verweven.
Deze film definieert waarlijk de betekenis van een 'klassiek'. Dit onvergetelijke drama (winnaar van de prijs voor de beste film in 1946) is een film die iedereen zou moeten zien.
Als mij gevraagd zou worden een favoriete film te kiezen, zou dit'm zijn!
Uit 10 zou ik 'The Best Years of Our Lives' uit 10 geven.
Dus de volgende keer dat je naar je plaatselijke videotheek gaat en deze film huurt, zul je er geen spijt van krijgen!
geen afkeurenswaardig materiaal een goede familiefilm.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik was helemaal ondersteboven toen ik 'The Best Years of Our Lives' zag. De acteurs, het script en Master William Wyler's Direction (winnaar van de Oscar voor beste regisseur in 1946) zijn Briljant.
De film gaat over drie veteranen uit de Tweede Wereldoorlog die samen thuiskomen in een vliegtuig en toevallig allemaal in dezelfde stad wonen. Ze worden allemaal herenigd met hun familie.
De eerste man Al Stephenson (gespeeld door Fredric March in zijn Oscarwinnende rol) moet zich aanpassen aan zijn vrouw Millie (gespeeld door Myrna Loy) en Kinderen Peggy en Rob (gespeeld door Teresa Wright en Michael Hall) omdat ze anders zijn dan voordat hij naar de oorlog vertrok. De tweede man Fred Derry (door Dana Andrews gespeeld in een uitmuntende rol) moet een goede baan vinden en zich aanpassen aan een vrouw met wie hij nog maar 20 dagen getrouwd is voor hij naar de oorlog vertrekt. Hij begint te ontdekken dat ze niet meer dezelfde is.
De derde man moet zich veel moeilijker aanpassen. Homer Parish (door Harold Russell gespeeld in zijn uitmuntende oscar-rol) heeft in de oorlog zijn handen verloren en moet de reacties van zijn familie en die van zijn verloofde Wilma (door Cathy O'Donnell gespeeld) verwerken op de haken die hij in plaats van zijn handen heeft. Al deze mannen en hun families worden in de film op verschillende manieren herenigd. De verhalen van deze mannen zijn allemaal prachtig met elkaar verweven.
Deze film definieert waarlijk de betekenis van een 'klassiek'. Dit onvergetelijke drama (winnaar van de prijs voor de beste film in 1946) is een film die iedereen zou moeten zien.
Als mij gevraagd zou worden een favoriete film te kiezen, zou ik deze kiezen.
Uit 10 zou ik 'The Best Years of Our Lives' uit 11 geven.
Dus de volgende keer dat je een film huurt en deze huurt, zul je er geen spijt van hebben.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Terwijl ik met mijn kleindochter (22 jaar) naar een alledaagse moderne film keek (The Runaway Bride) vroeg ze me: 'Wat is de grootste film van je leven geweest sinds 1938?' Tjonge! Wat een keus! Het kostte me de hele zomer van nadenken en een paar films opnieuw bekijken voor ik mijn besluit nam. Het is 'The best years of our lives'. Deze film heeft geen gebreken. Het is een film waarin elk van de kleinere personages een rol speelt en waarin dialoog essentieel is voor het hele verhaal. Er is geen enkele rol in de film die je kunt weglaten. De fixatie van de vrouw op haar broers gebrek aan handen, de man die thuiskomt bij jongvolwassen kinderen die zonder hem en met andere ideeën zijn opgegroeid, het beeld van een jongeman wiens enige verantwoordelijkheid was dat hij een zuiplap was die de leider van een groep mannen werd en voor zijn daad een medaille kreeg. Een vrouw die zich nu moet aanpassen aan de echtgenoot die al jaren niet bij haar is geweest. Het besef van de mensen die zich in de veiligheid van hun veilige huizen bewust zijn van de offers die deze gewone mannen voor hen hebben gebracht. De blik op het leven van liefhebben en leven met een man zonder handen. Een eerste blik en reactie op de nieuwe misvormingen van hun zoon. Een man die gewend is in een oogwenk een beslissing te nemen over leven en dood, die terug moet keren naar de manier waarop hij zich een weg moet banen door de leningenstructuur van een conservatieve bank. Dit is geen sympathieke, huilerige, harttokkelende vertoning. Dit was het echte leven! Het had niet anders geportretteerd kunnen worden. Dit, mijn vrienden, is hoe het was! Dit zou je gemakkelijk als een documentaire kunnen beschouwen. Laat je in deze tijd van kleurenfilm alsjeblieft niet afschrikken door het zwart-wit, want het is een van de beste B/W-opnamen, die je ooit te zien zult krijgen. De casting was perfect. Als ik kon, zou ik het verplicht stellen dat iedereen die zich bezighoudt met geschiedenis, filmmaken, creatief schrijven, sociologie, familierecht of psychologie dit schitterende voorbeeld van de kunst van het filmmaken bekeek en erover rapporteerde.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Deze uitmuntende post-oorlogsklassieker uit de jaren veertig wordt de laatste tijd nogal eens over het hoofd gezien.
Deze film is in 1945 uitgebracht en is in 1946 verfilmd.
Beide films zijn genomineerd voor een Oscar, voornamelijk ten koste van _It's A Wonderful Life._ Beide films zijn genomineerd voor de prijs voor de beste film, beste regisseur en beste acteur, allemaal gewonnen door _Best Years_.
en Dana Andrews, samen met een amateuracteur, Harold Russell (een soldaat in het echte leven, die bij een explosie beide handen kwijtraakte), spelen de hoofdrol in de film _It's A Wonderful Life_.
terugkerende soldaten, die ontdekken dat het leven heel anders is dan ze zich herinneren.
 Myrna Loy is voortreffelijk als de vrouw van March, die het gezin bij elkaar moet houden terwijl hij weg is.
de familie bij elkaar moet houden. De scheurende scheur.
De scène waarin March en Loy worden herenigd is schitterend.
Alle drie de mannen ontdekken dat ze moeite hebben zich aan te passen aan het leven na de oorlog, niet

in ieder geval Russell die met kunsthanden in het reine komt, en zijn financiën
(Cathy O'Donnell) probeert te behulpzaam te zijn. Sam Goldywn wordt geciteerd die zegt dat het hem niet kan schelen of de film geen geld oplevert, zolang iedereen in Amerika de film maar ziet, zodat ze hem zullen waarderen.
Als er een film is die 10 van de 10 waard is, is het deze wel.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Omdat er zoveel recensies over deze mooie film zijn geweest, zal ik een lijst opstellen en proberen kwesties aan te snijden die nog niet zijn besproken.
1. Dana Andrews was 38 toen deze film werd opgenomen. Zijn personage was volgens het script halverwege de twintig. Andrews, een zeer onderschatte acteur, speelde briljant een personage dat veel jonger had moeten zijn.
2. Fredric March, zoals alle grote acteurs, moet af en toe door de regisseur worden ingehouden om overmatig acteren te voorkomen. Hij was aan het filmen toen hij op de avond na zijn aankomst dronken was, en ook de volgende ochtend toen hij zijn kater in de spiegel bekeek.
3. Dana Andrews was net zo fantastisch als in 'Laura', 'The Ox-Bowl Incident', 'A Walk in the Sun', 'The Purple Heart' en vele andere films. Waarom won Fredric March de Academy Award en waarom werd Dana Andrews niet eens genomineerd voor zijn uitmuntende acteerprestaties?
4. Harold Russell gaf de beste voorstelling die ik ooit van een niet-acteur heb gezien.
5. Ik besef dat dit de jaren veertig waren, maar Dana Andrews leek geen romantische belangstelling te hebben voor zijn buitengewoon aantrekkelijke vrouw (Virginia Mayo).
6. Ray Teal, die de kwezel in de rechtervleugel speelde, werd jaren later beroemd omdat hij de sheriff speelde in 'Bonanza'.

7. De professor uit het zuiden schreef dat de film traag bewoog, saai was en slecht geacteerd. De professor is hoogstwaarschijnlijk niet op de hoogte van klassieke films. De schoonheid en betekenis van deze tijdloze klassieken is dat het langzaam bewegende karakterstudies zijn die vloeken, buitensporig geweld en gratuite seks vermijden.
***Het verbaasde me dat nul op de drie mensen mijn recensie nuttig vond.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Deze film is vaker in en uit de mode geweest dan de minirok. Een triomf in de naoorlogse periode, maar in de jaren zeventig vrijwel vergeten, behalve door bioscoopbezoekers. De laatste tijd is hij weer populair geworden als misschien wel de meest evenwichtige weergave van de integratie van soldaten in het naoorlogse leven (en daar horen zeker films als 'The Deer Hunter' bij). Ik vind hem mooi, maar mijn algehele evaluatie ligt ergens tussen die twee uitersten in.
Het verhaal is eenvoudig. Drie totaal verschillende militairen die na de Tweede Wereldoorlog (de Grote!) zijn afgezwaaid vliegen terug naar hun woonplaats in het Midwesten en proberen hun burgerlevens op te pakken of te hervatten. De een heeft een handicap, de ander heeft een luizenbaantje, en de ander heeft niets anders om op af te gaan dan vastberadenheid.
Er zijn een paar goede, maar helaas nogal ongelijksoortige optredens. Fredric March kreeg de Oscar voor de beste acteur voor zijn rol van een oude sergeant die terugkeert naar zijn werk bij de plaatselijke bank. Persoonlijk vind ik dat Jimmy Stewart die prijs verdiende voor 'It's a Wonderful Life', dat ook de prijs voor de beste film verdiende, maar deze film heeft duidelijk een gevoelige snaar geraakt bij het naoorlogse publiek. Zoals ik al zei, hij was modieus. March heeft één fantastische scène, een grappige toespraak die me deed denken aan een soortgelijk incident met de echte held van de Tweede Wereldoorlog, Pappy Boyington, en verder is hij solide maar niet spectaculair. Ik ga hier tegen mijn gevoel in, maar ik dacht dat Myrna Loy, die de vrouw van March speelde, terecht door de Academie werd genegeerd. Ik bespeurde nauwelijks een spoor van warmte in haar. Ik bleef zelfs denken dat ze Frederic March een klap zou geven omdat hij haar ergerde. Iedere keer als ze samen waren, trok ze een lelijk gezicht. Er ontbrak iets aan haar, aan haar geforceerde glimlach en haar houding van tolerantie in plaats van vrolijkheid. Ik denk dat al die onzin over dat ze 'de volmaakte echtgenote' was, alleen maar juist is als je denkt dat een passieloze huisvrouw uit de jaren vijftig je ideaal is. Misschien ben je het daar niet mee eens, maar de Academy-stemmers blijkbaar niet. Ze is een groot probleem in deze film, een verschrikkelijk misbaksel. Als een voormalige zuiplap die een oorlogsheld is geworden en dan weer achter de toonbank terechtkomt, is Dana Andrews verbazingwekkend. Hij wordt opgezadeld met een vrouw die kennelijk met hem is getrouwd vlak voordat hij om de verkeerde redenen naar de oorlog vertrok, en zijn toekomst ziet er somber uit. Maar dan loopt hij toevallig Marchs dochter Peggy tegen het lijf (Teresa Wright, op een fantastische manier) en het vuurwerk barst los. Beide zijn geweldig, maar dan komt die oneffenheid weer terug die deze film doordrenkt. Een paar momenten van pure soapopera, onderbroken door de meest klassieke zin: 'Ik ga dat huwelijk kapotmaken!' De romantiek is opbeurend en weerspiegelt inderdaad een gemeenschappelijke toestand na de oorlog, die van terugkerende militairen die bij hun terugkeer de liefde vinden. Nu we het toch over opbeuren hebben, nu komen we bij Harold Russell. Hij heeft iets naturalistisch in zijn acteerwerk, of is het non-acting, wat vandaag de dag nog net zo waar is als toen. Als hij zijn situatie nuchter bekijkt, is hij een inspiratiebron. Zijn beste scène, een van de beste in de hele film, is wanneer hij het meisje dat hem leuk vindt mee naar boven neemt om haar te laten zien hoe hij er werkelijk aan toe is. 'Ik heb geluk, ik heb nog steeds mijn ellebogen, in tegenstelling tot sommige jongens.' Echt geweldig.
De film heeft een paar momenten die de lucht in gaan. Hij heeft ook een paar momenten die in de middagsoaps thuishoren. Neem het goede met het slechte en bekijk deze voor de hoogtepunten.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Wat kun je anders zeggen over een Wilder-film dan dat het de meest menselijke en echte verhalen zijn over mensen en wat hen drijft, wat hen irriteert, wat hen kwelt. Billy creëerde beelden als schilderijen die voor eeuwig de menselijke toestand weerspiegelen. Hij schildert het goede en het slechte in ons allemaal. Hij schildert ook met liefde. Ik kan me niet voorstellen dat iemand een lijst met de beste films heeft zonder een Wilder-film erop. Ze houden stand omdat ze waar zijn. Ik zag deze film voor het eerst op tv in de jaren zestig, toen ik nog klein was en de kamer uit moest omdat ik tranen in mijn ogen kreeg en me geneerde. Ik ben een oude man en ik voel nog steeds tranen opwellen, maar ik ga de kamer niet uit. Ik heb deze mensen gekend en van hen gehouden en ik ben om hen opgegroeid. Billy heeft hen in deze film bewaard en niet op de 'grootste generatie'-manier, maar op een zeer realistische manier, waardoor de kracht van de menselijke geest bewaard is gebleven.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

De genialiteit van deze film ligt niet in het filmproces, dat een conventioneel, maar uitgevoerd, in elkaar vervlochten verhaal is van de leugens van drie militairen na de Tweede Wereldoorlog, maar in het feit dat dit verhaal <0xC3><0xBC>berhaupt werd verteld. Samuel Goldwyn verdient de eer dat hij de _chutzpah_ heeft om door een film te komen die aanvoert een invalide veteraan met tangen in plaats van handen, een alcoholist en een ondermaatse filmer.


inputs:
Is deze recensie positief of negatief?

Ik zag deze film voor het eerst als tiener (ik ben nu in de veertig) en beschouw hem al heel lang als mijn lievelingsfilm. Het verhaal is enorm ontroerend, zonder sentimenteel te worden. Het acteerwerk, vooral van March en Loy, is perfect. En het feit dat Dana Andrews te oud is voor zijn rol, doet niets af aan de geloofwaardigheid van zijn romance met Theresa Wright (die volgens mij het enige belangrijke personage in de film is dat nog leeft). Dit had ook een naoorlogs melodrama kunnen zijn, maar het script en de cast zijn gewoon te goed om dat te kunnen zijn.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Dit is een van de beste. Het werkt zo goed dat je nauwelijks merkt dat de toen 37-jarige Dana Andrews is gecast als de zuipschuit die de oorlog in gaat en vier jaar later terugkomt, toen hij hooguit 25 zou zijn geweest. Maar ja, wie had hem anders moeten spelen?


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Dit is een bedachtzame film die de ongelijkheid van de zogenaamde hogere klasse en degenen die voor hen werken, de rijken en de armen, blootlegt. Robert Shaw levert een bewonderenswaardige prestatie in zijn rol als de gedienstige, correcte chauffeur, Steven Ledbetter, die lady Franklin (Sarah Miles) helpt haar geestelijke depressie te overwinnen. Maar Steven heeft veel gemengde gevoelens ten opzichte van deze dame uit de hogere klasse. Hij wordt onvermijdelijk verliefd op haar, wat uiteraard de maatschappelijke grenzen die hen scheiden overschrijdt.<br />Ik heb niets gelezen voor deze film en beoordeel de film alleen zoals ik hem heb gezien. Ik beschouw het als een heel eerlijk verhaal over de realiteit van het dagelijks leven en het conflict tussen wat we van het leven wensen of verwachten en wat we krijgen. Het is een mooi drama dat de moeite waard is om nog eens te zien.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Onlangs kreeg ik deze film als cadeau op dvd, en ik wist eerst niet of hij me zou bevallen (hoewel een van mijn favoriete acteurs een hoofdrol heeft). In feite is hij op weg om een favoriet te worden.
Ten eerste: het is gelukkig niet hetzelfde als het boek, waarvan ik het einde overdreven melodramatisch vind. Ten tweede: het is een van de beste films die ik over de Eerste Wereldoorlog heb gezien. 'Wat?' zou je kunnen vragen. 'Het is geen oorlogsfilm!' Het is waar: we zien geen veldslagen of bombardementen, geen loopgraven, geen gas. Maar het toont de kosten van de oorlog, de schade die is aangericht aan de levens van de mannen die erin hebben gevochten, en de impact die dit had op degenen die hen na stonden.
Eerst zien we Helen (Sarah Miles), de weduwe van een baronet, die op haar vrijlating uit een psychiatrische inrichting wacht. Alle vrouwen in de film lijken weduwen te zijn: sommigen van hen komen uit de oorlog, maar Helens veel oudere echtgenoot, Sir Thomas (we zien hem later op een foto), werd ziek en stierf terwijl zij op een feest was, vandaar haar door schuldgevoelens overmande instorting. Ze is verdwaald en eenzaam. Het prikkeldraad rond het ziekenhuisterrein doet denken aan krijgsgevangenkampen en loopgraven: net als veel mannen in de buitenwereld lijdt Helen aan een soort shellshock. Als ze uit het ziekenhuis komt, moet ze weer met beide benen op de grond komen te staan in de buitenwereld: een wereld die we door haar ogen ervaren als somber, troosteloos en onvriendelijk. Haar moeder kan haar geen echte steun bieden. Zelf is ze weduwe en heeft ze haar eigen emotionele afweer opgebouwd, waarachter ze zich verbergt om niet geconfronteerd te worden met het verdriet van haar dochter. (Zoals veel mensen, vooral in die tijd, schijnt ze geestesziekte g<0xC3><0xAA>nant te vinden.)
Ledbetter, de ingehuurde chauffeur, wordt een steun en toeverlaat, en helpt Helen om zich weer aan het leven aan te passen, maar ze beseft niet dat hij gevaarlijk geobsedeerd raakt door haar. Dit is een uitmuntende voorstelling van Robert Shaw. Ledbetter is een voormalig beroepssoldaat, een ex-sergeant-majoor die een boksclub runt en zijn eigen autoverhuurbedrijf heeft opgezet. Op het eerste gezicht lijkt hij taai en sterk, betrouwbaar, maar er zitten barstjes onder de oppervlakte: hij heeft zich niet echt aangepast aan het burgerleven. Hij verzint (om redenen die hij later uitlegt) een gezinsleven en een huiselijk leven dat hij niet heeft; hij heeft gewelddadige uitbarstingen met collega's, en seks zonder affectie. Als hij in de buurt komt van Helen, een vrouw met wie hij, zelfs met de grotere sociale vrijheid na de oorlog, niet realistischerwijs had kunnen hopen te trouwen, legt dat psychologische breuklijnen bloot die hem verscheuren. Tegenwoordig zou je de diagnose PTSS kunnen stellen.
Hetzelfde geldt voor de andere man in Helens leven. Zowel Ledbetter als Helen kent hem: Ledbetter had tijdens de oorlog onder hem gediend en Helen had hem in politieke kringen ontmoet en hem een 'popinjay' gevonden. Maar hij en Helen beginnen nu een relatie, waarbij Helen van plan is zijn politieke carrière te steunen, zowel financieel als emotioneel. Peter Egan, net terug van zijn toneelsucces als Stanhope in 'Journey'''s End' van de sheriff, maakt Hugh meer dan een onvolwassen schoft. Er volgt een onthullende, ingetogen scène achter in de auto tussen Helen en Hugh, waarin ze Brookes 'The Old Vicarage at Grantchester' citeren. Ze vraagt hem naar zijn oorlogservaringen: 'Was het heel erg?' Hij kan geen antwoord geven. Ze zegt: 'Nou, je bent nu terug.' Maar zijn zacht uitgesproken antwoord daarna: 'Ben ik dat? Soms vraag ik me af...' is de sleutel tot zijn karakter. Terwijl licht en schaduw over zijn gezicht flitsen, weten we dat er sommige verschrikkingen zijn die niet onder woorden kunnen worden gebracht. In een nerveuze toespraak (waarin Helen hem geruststelt) tegen de plaatselijke politici tijdens een diner, onthult hij dat hij zich als onafhankelijk zal opstellen, niet langer als liberaal (de partij die het land in de oorlog heeft betrokken). Zijn emotionele leven is net zo beschadigd als dat van Ledbetter. Hij kan zich niet gemakkelijk losmaken van Connie, die emotioneel en financieel van hem afhankelijk is: als we tussen de regels door lezen, is ze waarschijnlijk een oorlogsweduwe (misschien van een vroegere kameraad?) met een kind, wiens tekeningen we zien op de muur van haar huis. De crisis tussen het drietal breidt zich langzaam uit, met een angstaanjagende scène tussen Helen en Ledbetter in de auto, en Ledbetter die luistert naar Hugh en Connie als hij hen rijdt, terwijl Hugh Connie probeert over te halen dat ze hun relatie kunnen voortzetten, zelfs als zijn relatie met Helen zich ontwikkelt; dat hij haar in elk geval zal blijven steunen. Jaloezie, obsessie en zijn overtuiging dat hij Helen moet beschermen tegen een dubbelhartige gouddelver leiden ertoe dat Ledbetter haar en Hugh in haar huis met geweld confronteert.
Het einde is totaal anders dan dat van de roman, en is er beter door: het is dramatisch, maar minder melodramatisch, en heeft een niet-sentimentele toon. We beginnen met een personage dat herstelt van een zenuwinzinking; we eindigen met een ander die lijdt. Helen, zo voelt men, is nu wijzer en sterker dan beide mannen, die niet in staat zijn geweest zich volledig aan te passen aan het zogenaamde 'land voor helden' waarnaar ze terugkeerden uit de nachtmerrie van de totale oorlog. Het nieuwe einde is open: men voelt dat zij in elk geval zal omgaan met wat er voor hen ligt, zonder illusies. In dit opzicht weerspiegelt het goed de realiteit van de tijd waarin vrouwen (Helen, Connie en zovele anderen) de stukken moesten oprapen van een wereld waarin te veel mannen waren gestorven of thuisgekomen met verschillende graden van geestelijke en lichamelijke schade.
'Nou, jij dan.' 'Ben ik dat? Soms vraag ik me dat af.'


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Omdat ik Hartleys 'The Go-Between' al een hele tijd ken, zowel in zijn oorspronkelijke boekvorm als in de teleurstellende verfilming door Pinter-Losey, was dit interessant materiaal. 'The Hireling' blijkt bij tijd en wijle bijna een spiegelbeeld te zijn; voor het grootste deel speelt het in een iets minder verre periode, waarin het Britse klassensysteem aan de orde komt, en waarin een sportwedstrijd aan de orde komt (het boksen neemt de plaats in van cricket) die nogal veel over.
Dit frist het geheugen op in zijn kleinschalige karakteropbouw. Je krijgt niet echt de kans om lady Franklin en Leadbitter in de romanistische zin van het woord te 'kennen', maar deze afstand wordt op gepaste wijze uitgebuit door de acteurs lichaamstaal en stembuigingen te leren. Je afstandelijkheid ten opzichte van het volledig meevoelen met het ene ware karakter weerspiegelt de sluimerende'verschillen' die de centrale relatie zo verdoezelen. Miles en Shaw zijn prachtig subtiel, en we zien meer in hun'mindere'; niet één keer zijn het dramatische, opzichtige vertolkingen. Het zijn passende Stanislavski-interpretaties die de indruk wekken dat deze personages buiten de grenzen van de film een leven hebben. Alle andere rollen worden zeer bevredigend vertolkt, hoewel ze in deze film veel kleiner zijn dan ik in het boek veronderstel en inderdaad vergeleken worden met 'The Go-Between', een verbluffend werk over desillusie. De desillusie in het midden van deze film is zo triest en ontroerend verwoord in de late scènes waarin Shaw Miles kust en afgewezen wordt, en dan in de scène waarin een dronken Leadbitter de confrontatie aangaat met Cantrip en lady Franklin. Het is verschrikkelijk jammer dat wat een ongelooflijk schrijnend einde zou zijn geweest van de verwende, troosteloze levens aan weerszijden van het scherm,'verfraaid' wordt met een beslist vreemde kleine slotscène. Je raakt volkomen in de war door de sprong in de toon, terwijl Shaws Leadbitter in paniek raakt en ironisch 'Rule Britannia' en 'God Save the Queen' zingt terwijl hij met zijn auto ergens tegenaan knalt. Het politieke punt wordt zwaar overschaduwd door dit bombastische, nogal lugubere opera-achtige einde. Alle gevoel voor subtiliteit, dat tot nu toe zo doeltreffend tot uiting is gebracht, is verloren gegaan, omdat het impliciete punt zwaar en luidruchtig wordt gemaakt. Agit-prop heeft zeker geen plaats in dit soort delicate periodedrama's.
Over het geheel genomen kan men echter niet te hard zijn. Hoewel dit absurde eindstuk een grote tekortkoming is, moet de rest van de film geprezen worden als een gevoelige, ontroerende film, vol droefheid en met gedetailleerde observaties over de manier waarop de Britse samenleving in het verleden was. Hartleys lome maar kristalheldere touch is gedurende de hele film duidelijk aanwezig. Het is alleen jammer dat we niet eindigen met de verpletterende afsluiting van Shaws dronken scène. Lady Franklin wordt abrupt haar plaats in het epicentrum van de film ontzegd, terwijl het voortreffelijke menselijke drama op een bizarre manier afglijdt naar het gebied van de politieke puntscores. Ook Shaw <0xE2><0x80><0x93> de meest droge en toch diepgevoelde acteur <0xE2><0x80><0x93> wordt verraden door de buitensporige overdrijving die de film besluit. Zo wordt een mooie, kleinschalige triomf gesaboteerd; maar we moeten de vele goede punten niet vergeten.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Toen ik nog heel jong was, had mijn moeder een serie van vier Looney Tunes/Merrie Melodies-shorts op de band staan, en ik heb ze allemaal een paar keer bekeken. Een Coy Decoy was een van die shorts, en ik was echt geschokt toen ik in een andere reactie las dat die verboden was. Toen ik jong was, begreep ik de Black Beauty-knevel om te beginnen al niet. Toch is dat waarschijnlijk de reden waarom die verboden was, hoewel ik me die knevel niet eens herinnerde tot ik die op een videosite zag. Toen ik de video bekeek, herinnerde ik me bepaalde beelden <0xE2><0x80><0x93> in het bijzonder het slinken van Daffy's hoed en Daffy's ogen die met de regelmaat van de klok kleiner werden terwijl de decoy in het meer om hem heen cirkelde. Ik maakte me niet druk om de prop die er hoogstwaarschijnlijk de oorzaak van was dat de prop was verboden. In plaats daarvan werd ik overspoeld door jeugdherinneringen aan het kijken naar dit korte filmpje. Omdat ik het als kind zo leuk vond om naar dit korte filmpje te kijken, geef ik het een zeven.


inputs:
Met wat voor sentiment zou je deze recensie beoordelen?

Er zit maar één racistische grap in dit korte Daffy Duck-verhaal, en die is dat Daffy in _Black Beauty_ op de rug van een zwarte vrouw rijdt. Ik kan gedeeltelijk begrijpen waarom die grap erin zat, want in die tijd wisten maar weinig mensen niet hoe onbeleefd het was om racistisch te zijn, en het was nog niet eens verboden om zwarten te discrimineren.
A Coy Decoy' is op dit moment in feite een grappig, interessant kort verhaal waarin Daffy personages in boeken ontmoet en dingen in boeken doet. Ik vond dit korte verhaal heel goed (ondanks de andere recensenten die er nu bij staan). De manier waarop Daffy zo verliefd is op de mechanische eend is vaag verontrustend, maar tegelijkertijd hoogst amusant. Porky is een mooie uitgave van de episode, hoewel het voor hem niet van levensbelang was om erbij te zijn. De wolf is een voorbeeld van hoe mensen in die tijd ook over wolven dachten, bloeddorstige, vreselijke beesten, wat ze natuurlijk nooit echt zijn geweest (tenzij ze erg veel honger hebben). Ik vond ook de stijl van de tekenfilm leuk <0xE2><0x80><0x93> en het thema van de episode.
Voor mensen die helemaal weg zijn van Daffy Duck en voor mensen die geen bezwaar hebben tegen de racistische grappen in tekenfilms, is er _A Coy Decoy_!
Beschikbaar op YouTube.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik doorstond de hoogtepunten. Ik doorstond de dieptepunten... ik huilde, lachte, kotste mijn immer liefhebbende ingewanden uit. Maar door dat alles heen werd ik weer heel. Ik werd een beter mens omdat ik deze ervaring had doorstaan in zelfopgelegde vernedering. Het gebeurt niet elke dag dat we kunnen zeggen dat we het ergste hebben meegemaakt en er aan de andere kant uitkomen met iets wat sterk lijkt op onze geestelijke gezondheid, compleet en ongeschonden. Vrienden... buren <0xE2><0x80><0x93> verenigt u en wees één. Ga naar buiten en vind deze film en kwijn weg in zijn buitensporigheden. Zet hem hoog op de schoorsteenmantel en kus de polystyreen doos. Neem hem mee naar bed. Neem hem mee als je gaat winkelen of een blind date hebt met vreemde mensen. Ze zullen je des te meer waarderen om je sublieme en uniek schizofrene kijk op de film. En dan zullen ze je hun lievelingsdrankje in het gezicht gooien (maar jij bent degene die het laatst lacht). Ik heb me kandidaat gesteld voor Gouverneur met deze kleine schoonheid onder mijn riem (en dat kun jij ook!). Het is een traktatie die het waard is om keer op keer te krijgen.


inputs:
Wat voor toon heeft de volgende recensie?

Ik herinner me die film zoals de andere persoon die er iets over zei het zei. Ik heb er een opname van gemaakt, maar nu wou ik dat ik hem nog had, want het moest wel een van de slechtste films aller tijden zijn. Grappig, op een heel slechte manier. Ik herinner me dat de kop op de doos luidde: 'De ultieme frontale lobotomie'. Ik heb hem van mijn moeder gekregen, die hem van een vriendin op haar werk had gekregen die zei dat het de slechtste/viesste film was die ze ooit had gezien, dus mijn moeder zei: 'Mijn zoon zal hem vast prachtig vinden,' en de vrouw gaf hem aan haar, alleen om hem uit haar bezit te krijgen. Ik plakte hem er later op, wat ik betreur. Ik herinner me ook de 'kurkschroeven'. Dat ding was zo'n ballenvanger... zo'n geel ding met een rode 'knop' aan het eind, en als je op die rode knop drukt, vliegt er een bal door de lucht. Nou, die gebruikten ze met een slinger aan het ene uiteinde en een kurkentrekker in de trechter. Als de moordenaar iemand vermoordde, lieten ze zien dat hij met het 'wapen' naar voren kwam en dan maakten ze een close-up van wat op rauwe kip leek en nepbloed op het hoofd van de slachtoffers. Ik weet niet wat ik nog meer over dat 'juweel' kan zeggen, behalve dat als je van slechte films houdt, het niet erger kan worden dan dit.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Deze film is misschien wel een van de creatiefste horrorfilms aller tijden. Hij heeft alles wat je je maar kunt wensen: spanning, drama, komedie, verwarrende subplots, inheems Amerika, hersenen vreten... Als je op zoek bent naar de ultieme, ultieme hersenzuigende film, moet je niet verder zoeken. Het verhaal van een man die wraak wil nemen. En hoe kun je dat beter krijgen dan met: 'Ik weet het, ik zuig hun hersenen uit!' Met geweldige geluidseffecten en indrukwekkende special effects kan ik deze film niet genoeg aanbevelen.


inputs:
Wat is het sentiment van de recensie?

Barbet Schroeders 'Murder by Numbers' met in de hoofdrol Sandra Bullock is solide werk, hoewel niet bijzonder boeiend. Ik ben een grote fan van Sandra Bullock, en ze doet haar werk uitstekend als forensisch rechercheur Cassie Mayweather, die niet erg sympathiek is en ook een gebroken persoon is. Maar er zit een zekere afstandelijkheid in de verhaalstructuur. Het gaat over de perfecte moord die wordt gepleegd door twee verwende, psychopathische tieners, Richard (Ryan Gusling) die de coole is en Justin (Michael Pitt) die de sympathieke nerd. Het komt erop neer dat Richard en Justin een jonge vrouw vermoorden, omdat ze niets beters te doen hebben op een doordeweekse avond. Ze zijn heel slim en heel arrogant, wat normaal gesproken geen slechte zaak is, maar hier werkt het gewoon niet. Het script van Tony Gayton doet het geweldig goed als het gaat om het onderzoek naar een raadselachtige moord, en het is echt een kwestie van cijfers. We hebben hier twee punkers die met hun superioriteit te koop lopen, en we willen gewoon dat ze ten onder gaan.
Dit is geen grote verkenning van de duistere kant, zoals Schroeders _Reversal of Fortune_ over Claus von B<0xC3><0xBC>low. Er zitten interessante wendingen in _Numbers_. De film is niet zozeer een thriller, maar eerder een karakterstudie van Cassie. Sandra Bullock brengt de bravoure van Cassie in evenwicht, haar angst om mensen bij haar te laten binnendringen en haar geheime verleden. Bullock brengt moed en kracht bij een lijdende personage. Haar partner en min of meer haar geliefde, Sam (gespeeld door Ben Chaplin) is meer een onverhuld plot dan een echt personage. Hoewel Chaplin het verbijsterende heel bewonderenswaardig doet. Het andere leuke is dat Richard en Justin een vreemde seksuele aantrekkingskracht met elkaar hebben. Het interessantste aan 'Nummers' zijn Pitt en Gusling.
De film kent veel onderhoudende wendingen en wendingen. Alles wordt heel bekwaam gedaan. Ik heb de film ongeveer een week geleden gezien en achteraf bezien vind ik hem iets leuker dan toen ik hem zag. Maar het is gewoon geen inspirerend werk. Sandra Bullock en Barbet Schroeder verdienen veel beter, en wij ook.