b'\n_START_ARTICLE_\nMusica barocca\n_START_SECTION_\nProblemi di definizione\n_START_PARAGRAPH_\nIl termine "barocco" dal latino verruca (escrescenza) compare nelle lingue neolatine del XVI e XVII secolo (berruecca in portoghese, barrucco in spagnolo, baroque in francese) a indicare perle o pietre preziose deformi o irregolari. Barocco divenne una categoria estetica nella cultura francese del Settecento per giudicare opere d\'arte ritenute eccessivamente innaturali, irregolari, forzate, ampollose. In campo musicale fu il filosofo Jean-Jacques Rousseau, nel suo Dictionnaire de musique (1768), a parlare di musique baroque, per definire un genere di musica in cui \xc2\xabl\'armonia \xc3\xa8 confusa, sovraccarica di modulazioni e dissonanze, il canto duro e poco naturale, l\'intonazione difficile e il movimento forzato\xc2\xbb. Principale bersaglio dell\'aspra critica erano le musiche delle opere di Rameau, Lully e di altri francesi, il cui stile veniva contrapposto alla naturalezza di quello dell\'opera italiana; ma la critica avrebbe potuto essere rivolta anche alle musiche di Bach e H\xc3\xa4ndel. In effetti, pur senza usare il termine "barocco" il critico musicale tedesco Johann Adolph Scheibe nel 1737, con parole simili a quelle di Rousseau, aveva rivolto pesanti critiche a Bach, la cui musica, a suo dire, "ampollosa e confusa", aveva "soffocato la naturalezza e oscurato la bellezza" con una scrittura troppo complessa e artificiosa._NEWLINE__NEWLINE_In questo senso l\'opera italiana del pieno Settecento, e in particolar modo l\'opera cosiddetta "napoletana", che domin\xc3\xb2 le scene europee a partire dagli anni Trenta del XVIII secolo, grazie proprio alla naturalezza del canto e al prevalere di un\'armonia facile all\'ascolto sul contrappunto, non pu\xc3\xb2 propriamente rientrare nell\'ambito della musica barocca, essendo ad essa contrapposta nel giudizio dei contemporanei. Celebre \xc3\xa8 lo sferzante ma esemplificativo giudizio che nel 1745 Handel diede sull\'emergente operista Christoph Willibald Gluck, una delle figure di spicco del teatro musicale di quel secolo:  \xc2\xab[Gluck] non sa di contrappunto pi\xc3\xb9 del mio cuoco Waltz\xc2\xbb._NEWLINE__NEWLINE_La definizione di "musica barocca" formulata da Rousseau, riferita a un particolare stile compositivo che appariva ormai superato nell\'estetica musicale del Settecento, fu fatta propria da uno dei maggiori teorici tedeschi, Heinrich Christoph Koch che nel suo Musikalisches Lexicon (1802) riprese quasi alla lettera la definizione del filosofo francese. In senso svalutativo, "barocco" continu\xc3\xb2 ad essere usato per definire espressioni d\'arte, ma anche di musica, che si discostavano dai canonici estetici fissati da critici e teorici tra la fine del XVIII e la prima met\xc3\xa0 del XIX secolo._NEWLINE__NEWLINE_Fu soltanto dalla seconda met\xc3\xa0 del XIX secolo che il termine barocco pass\xc3\xb2 ad indicare lo stile artistico di un\'epoca successiva al Rinascimento. Jacob Burckhardt, nel suo manuale Il Cicerone (1855), dedic\xc3\xb2 un capitolo all\'arte post-michelangiolesca, intitolato Stile barocco, rimarcandone gli aspetti di decadenza rispetto al Rinascimento. Verso la fine dell\'Ottocento, Heinrich W\xc3\xb6lflin riprese il termine in senso storico, pi\xc3\xb9 neutro e non svalutativo, e propose anche di allargare il suo uso alla letteratura e alla musica nel suo saggio Rinascimento e Barocco (1888). Nel barocco W\xc3\xb6lflin vedeva uno stile non necessariamente legato a un\'epoca, caratterizzato da elementi stravaganti, bizzarri, eccessivi, esuberanti, in contrapposizione a elementi quali ordine, equilibrio, proporzione, simmetria che denotavano lo stile classicistico. In campo musicologico Curt Sachs, nel saggio Barockmusik (1919), si richiam\xc3\xb2 alle posizioni di W\xc3\xb6lflin sullo stile barocco in arte e in letteratura, applicandole in maniera sistematica alla musica: Sachs, in una prospettiva di stampo positivistico, tipica della musicologia del suo tempo,  si sforzava di delineare le caratteristiche specifiche dello stile barocco in musica (per esempio, l\'uso dell\'ornamentazione, della variazione della melodia, oppure la scrittura monodica con basso continuo) cercando di metterle in rapporto con le novit\xc3\xa0 stilistiche della pittura barocca. Questo tipi di classificazioni dello stile sulla base di caratteristiche interne alle composizioni ha comportato che alcuni studiosi nella prima met\xc3\xa0 del Novecento identificassero il barocco in musica con "l\'et\xc3\xa0 del basso continuo", sebbene tale pratica perdurasse a lungo nel XVIII secolo, anche in musiche di stile completamente diverso (galante, classico). _NEWLINE__NEWLINE_Tuttavia, tale periodizzazione rimane questione controversa e condizionata dagli inevitabili mutamenti estetici nel corso del tempo. Molti musicologi sono oggi consapevoli di quanto sia improduttivo lo sforzo di inquadrare sotto un unico concetto storico-estetico un secolo e mezzo di produzione musicale, sviluppatosi attraverso pratiche, musicali e sociali, caratteri e momenti sensibilmente diversi tra un paese europeo e l\'altro. Basti pensare alla marcata differenza tra lo stile italiano e quello francese, ben evidenziata fin dalla seconda met\xc3\xa0 del Seicento negli scritti di critici, letterati e memorialisti d\'Oltralpe, che mettevano a confronto musica italiana e francese, come quelli di Fran\xc3\xa7ois Raguenet e Jean-Laurent le Cerf de la Vieville. Ancor pi\xc3\xb9 improduttivo appare lo sforzo di creare a tutti i costi una periodizzazione della "musica barocca" o "dell\'et\xc3\xa0 barocca", in modo da farla forzatamente combaciare con quelle di altre espressioni artistiche, come la pittura, l\'architettura e la poesia.\n_START_SECTION_\nIl barocco colossale\n_START_PARAGRAPH_\nLo stile "barocco colossale" \xc3\xa8 un nome che \xc3\xa8 stato coniato per descrivere un numero di composizioni dal XVII al XVIII secolo scritte in una maniera opulenta, sontuosa e in larga scala. Inoltre in questi lavori venne fatto uso di tecniche policorali e spesso erano caratterizzati da una dotazione di strumenti quantitativamente superiore alla media dell\'epoca. Il primo barocco colossale fu uno stile italiano, nato per rappresentare i successi della controriforma. I pezzi erano tipicamente a 12 o pi\xc3\xb9 parti, ma \xc3\xa8 evidente che non sempre gli aspetti policorali interessavano il largo spazio (ad esempio nel Exultate Omnes di Ugolini ci sono passaggi a tre per tutti i soprani, tenori e contralti; questo sarebbe apparso assurdo suonarlo in un ampio spazio). Tuttavia alcuni lavori vennero piacevolmente eseguiti dai cantanti e dagli strumentisti nella Cattedrale di Salisburgo._NEWLINE_Un altro compositore del barocco colossale fu Orazio Benevoli, il quale fu confuso con Heinrich Ignaz Franz Biber e Stefano Bernadi come compositore della Missa Salisburgensis._NEWLINE_La musica del barocco colossale fu una parte filosofica della controriforma e si diffuse oltralpe, nell\'Impero austriaco, a Vienna e Salisburgo, dove le composizioni a pi\xc3\xb9 parti furono scritte per le occasioni particolare, anche se non vennero pubblicate impedendoci oggi la conoscenze di numerosi lavori prodotti da maestri italiani come Valentini (alcuni per 17 cori), Priuli, Bernardi (la messa per la consacrazione della Cattedrale di Salisburgo) e altri.\n_START_SECTION_\nPrimo barocco\n_START_PARAGRAPH_\nLa Camerata de\' Bardi fu un gruppo di umanisti, musicisti, poeti e intellettuali della Firenze tardorinascimentale che si raccolsero attorno al patronato di Giovanni Bardi, conte di Vernio, per discutere e influenzare la moda artistica dell\'epoca, soprattutto nella musica e nel teatro. Per ci\xc3\xb2 che riguarda la musica, i loro ideali si basavano sulla ricezione del valore del discorso e dell\'orazione nella musica del teatro classico, in particolare greco. La Camerata rifiutava perci\xc3\xb2 l\'uso che gli autori a essa contemporanei facevano della musica strumentale e della polifonia, creata da linee melodiche indipendenti, e ripresero in considerazione mezzi musicali dell\'Antica Grecia come la monodia, che consisteva in una linea di canto solista accompagnata dalla citara, antenato della cetra. Una prima realizzazione di tali idee estetiche \xc3\xa8 rappresentata dalle opere Dafne, prima composizione in assoluto a poter essere definita opera, ed Euridice di Jacopo Peri._NEWLINE_Nella teoria della musica del tempo si diffuse l\'uso del basso cifrato, definendo l\'inizio dell\'importantissimo ruolo dell\'armonia nella composizione musicale, anche come fondamento verticale della stessa polifonia. L\'armonia pu\xc3\xb2 essere considerata come il risultato ultimo del contrappunto, essendo il basso cifrato una rappresentazione grafica delle armonie comunemente impiegate nell\'esecuzione.\n_START_SECTION_\nOpera lirica\n_START_PARAGRAPH_\nIl melodramma nasce a Firenze verso la fine del XVI secolo e, grazie a Claudio Monteverdi, ha enorme diffusione in et\xc3\xa0 barocca, affermandosi soprattutto a Roma, a Venezia e, successivamente (a partire dagli ultimi decenni del Seicento), a Napoli. Spettacolo inizialmente riservato alle corti, e dunque destinato ad una \xc3\xa9lite di intellettuali e aristocratici, acquista carattere di intrattenimento a partire dall\'apertura del primo teatro pubblico nel 1637: il Teatro San Cassiano di Venezia._NEWLINE__NEWLINE_Alla severit\xc3\xa0 dell\'opera degli esordi, ancora permeata dell\'estetica tardo-rinascimentale, subentra allora un gusto per la variet\xc3\xa0 delle musiche, delle situazioni, dei personaggi, degli intrecci; mentre la forma dell\'aria, dalla melodia accattivante e occasione di esibizione canora, ruba sempre pi\xc3\xb9 spazio al recitativo dei dialoghi e, di riflesso, all\'aspetto letterario, il canto si fa sempre pi\xc3\xb9 fiorito. Fra i massimi rappresentanti italiani dell\'opera di et\xc3\xa0 barocca possiamo citare Pier Francesco Cavalli (Didone, Ercole amante ecc.) e Alessandro Scarlatti, che raggiunse la propria pienezza espressiva con Il trionfo dell\'onore e Griselda._NEWLINE_Nel frattempo Jean-Baptiste Lully, un compositore italiano emigrato in Francia, d\xc3\xa0 vita all\'opera francese. In essa la tipica cantabilit\xc3\xa0 italiana, poco adatta alla lingua francese, \xc3\xa8 abbandonata a favore di una pi\xc3\xb9 rigorosa interpretazione musicale del testo._NEWLINE__NEWLINE_Lo stile di canto, pi\xc3\xb9 severo e declamatorio, \xc3\xa8 prevalentemente sillabico. Ulteriori elementi di differenziazione rispetto al modello italiano sono costituiti dall\'importanza assegnata alle coreografie e dalla struttura in cinque atti, che l\'opera seria francese conserver\xc3\xa0 fino a tutto il XIX secolo. Nacquero cos\xc3\xac la trag\xc3\xa9die-lyrique e l\'op\xc3\xa9ra-ballet._NEWLINE_Nel Settecento l\'opera italiana \xc3\xa8 riformata dal poeta Pietro Metastasio, che stabilisce una serie di canoni formali relativi all\'impianto drammaturgico, come alla struttura metrica delle arie, applicando le cosiddette unit\xc3\xa0 aristoteliche e dedicandosi esclusivamente al genere serio._NEWLINE_La scelta di Metastasio di escludere ogni elemento comico dal teatro musicale serio determina la nascita dell\'opera comica, dapprima in forma di Intermezzo, poi come opera buffa e dramma giocoso.\n_START_SECTION_\nArie, cantate ed altre forme vocali\n_START_PARAGRAPH_\nLa "cantata" \xc3\xa8 una forma musicale vocale di origine italiana tipica della musica barocca, formata da una sequenza di brani come arie, recitativi, duetti, cori e brani strumentali. Ha una certa affinit\xc3\xa0 con l\'opera barocca, ma l\'esecuzione avviene senza apparato scenico e lo spettacolo \xc3\xa8 di dimensioni minori._NEWLINE_Le cantate possono essere profane, solitamente con soggetto mitologico o morale, oppure sacre, ispirate perlopi\xc3\xb9 a vicende tratte dalla Sacra Scrittura, in latino o in lingue moderne._NEWLINE_In Italia i maggiori compositori di cantate sono stati Giacomo Carissimi, Alessandro Scarlatti e Antonio Vivaldi._NEWLINE_Importanti in Germania furono Georg Friedrich Haendel, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude.\n_START_SECTION_\nLa cantata da chiesa tedesca\n_START_PARAGRAPH_\nIl concetto di "cantata sacra" \xc3\xa8 estraneo al lessico di Johann Sebastian Bach: il termine \xc3\xa8 stato infatti coniato soltanto nel XIX secolo per indicare sommariamente le composizioni da chiesa settecentesche su testo spirituale, ispirato alle sacre scritture, intonate da coro e solisti con accompagnamento di strumenti. Una svolta nella storia della cantata da chiesa tedesca \xc3\xa8 segnata dalla pubblicazione nel 1704 di un\'antologia di testi per le cantate da chiesa del pastore protestante Erdmann Neumeister. Ispirandosi alle forme poetiche dell\'opera, dell\'oratorio e della cantata, secondo l\'uso italiano, Neumeister articol\xc3\xb2 i versi dei suoi testi in recitativi, arie, concertati (duetti, terzetti) e numeri corali, fornendo a ciascun compositore un modello formale comodo da mettere in musica secondo lo stile del tempo. Johann Sebastian Bach segu\xc3\xac in molti casi il modello della "cantata" offerto da Neumeister, anche se impieg\xc3\xb2 anche altri modelli, pi\xc3\xb9 tradizionali, come per esempio le cosiddette "cantate-corali", in cui utilizza il testo di un corale luterano, suddiviso in pi\xc3\xb9 numeri ognuno dei quali coincidente con una strofa del testo._NEWLINE_In origine il termine "corale" indicava generalmente il canto monodico non accompagnato dalla liturgia cristiana. Con l\'avvento della riforma luterana la parola viene ad indicare il canto, anch\'esso monodico, proprio della chiesa evangelica luterana e delle altre confessioni cosiddette "protestanti". Il cuore musicale della Riforma luterana \xc3\xa8 costituito da un nuovo corpus di canti monodici, spesso di estrema semplicit\xc3\xa0 e concentrazione melodica. I testi appartengono alla lingua della liturgia riformata, il tedesco, e abbandonano definitivamente il tradizionale latino dei padri della Chiesa cattolica. I nuovi "corali" possono essere intonati choraliter, in forma monofonica, oppure figuraliter, in forma polifonica, grazie alla semplice armonizzazione della linea vocale di base. Di questa prassi, in uso sin dalla met\xc3\xa0 del Cinquecento, si avvarranno nei secoli successivi tutti i compositori tedeschi al servizio delle comunit\xc3\xa0 luterane, compreso J.S. Bach. Generalmente, anche se con numerose eccezioni, le Kirchenkantaten di J.S. Bach si aprono con un corale intonato in forma non polifonica, seguono poi arie, recitativi e concertati, e si concludono con un corale armonizzato a quattro o cinque voci oppure con un numero corale.\n_START_SECTION_\nOratorio\n_START_PARAGRAPH_\nGenere di cantata, sviluppatosi a partire dalla met\xc3\xa0 del XVII secolo, specificamente destinato a rendere pi\xc3\xb9 attrattive e solenni delle riunioni di preghiera e predicazione, che si tenevano, al di fuori della liturgia, negli oratori di confraternite o congregazioni religiose. Dal luogo originario d\'esecuzione qquesto genere di cantata prese il nome di oratorio. Come altre forme di poesia per musica seicentesca, l\'oratorio presenta versi per i recitativi e per le arie, e talvolta per i numeri corali. I soggetti dei testi sono tratti dal Vecchio e dal Nuovo Testamento o dalle vite dai santi, e in cui i personaggi portano avanti un\'azione drammatica solo con il canto, ma non recitandola in scena. Esistono anche oratori di soggetto morale e spirituale. Generalmente i testi sono in italiano, anche se esiste un\'esigua minoranza di oratori in latino. Tra i maggiori compositori d\'oratorio del Seicento, Giacomo Carissimi, Bernardo Pasquini, Alessandro Scarlatti, Giovanni Bicilli, Giovanni Legrenzi, Giovanni Paolo Colonna, Giacomo Antonio Perti.\n_START_SECTION_\nCompositori pi\xc3\xb9 noti\n_START_PARAGRAPH_\nI compositori del periodo barocco attualmente pi\xc3\xb9 noti al grosso pubblico, grazie ad una vasta produzione concertistica e discografica nel corso degli ultimi cinquant\'anni, sono gli italiani Claudio Monteverdi, Giacomo Carissimi, Bernardo Pasquini, Alessandro Scarlatti e il figlio Domenico, Antonio Vivaldi, i tedeschi Bach e H\xc3\xa4ndel e l\'inglese Purcell. Numerosi altri compositori di grandissima notoriet\xc3\xa0 ai loro tempi come Girolamo Frescobaldi, Heinrich Sch\xc3\xbctz, Arcangelo Corelli, Dietrich Buxtehude e Georg Philipp Telemann, nonch\xc3\xa9 tutti i maggiori compositori della Scuola Francese Jean-Baptiste Lully, Fran\xc3\xa7ois Couperin, Marc-Antoine Charpentier, Marin Marais, Jean-Philippe Rameau ecc.), pur avendo avuto un\'importanza storica e artistica non inferiore a quelli precedentemente citati, sono oggi familiari a un pubblico relativamente pi\xc3\xb9 ristretto. \xc3\x88 soprattutto nel campo operistico che la ricchezza di nomi e di influenze \xc3\xa8 vastissima: essendo l\'opera la principale fonte di successo per la maggior parte degli autori del tempo, anche la produzione ad essa collegata \xc3\xa8 praticamente sconfinata, e non \xc3\xa8 raro che vengano riscoperti lavori di notevole valore artistico, anche di compositori che fino ai nostri giorni erano meno rimasti pressoch\xc3\xa9 sconosciuti alla ricerca musicologica._NEWLINE_Celebri operisti furono certamente (oltre ai gi\xc3\xa0 citati Claudio Monteverdi, Jean-Baptiste Lully, Pier Francesco Cavalli, Alessandro Scarlatti, H\xc3\xa4ndel, Vivaldi e Purcell) Alessandro Stradella, Bernardo Pasquini, Giovanni Battista Pergolesi, Leonardo Leo, Antonio Caldara, Nicola Porpora e Jean-Philippe Rameau. Molti appartengono alla Scuola musicale napoletana, che fu fra le pi\xc3\xb9 influenti e alla moda a partire dal terzo decennio del XVIII secolo. Da quell\'epoca Napoli si impose, infatti, come uno dei massimi centri operistici europei, contendendo a Venezia un primato che la citt\xc3\xa0 lagunare aveva sempre avuto in Italia. _NEWLINE_Nel XVII secolo Roma fu uno dei principali centri dell\'opera italiana, contribuendo in modo determinante allo sviluppo del genere e delle sue convenzioni fin dagli albori. Diversamente da altri centri, come Venezia che dal 1637 aveva sviluppato un sistema di teatri pubblici ovvero per un pubblico pagante, a Roma gli spettacoli operistici prosperarono soprattutto nei teatri delle famiglie aristocratiche, come i Barberini, nella prima met\xc3\xa0 del XVII secolo e i Colonna nella seconda met\xc3\xa0, che realizzarono teatri nei loro stessi palazzi. A Roma, nel corso del Seicento, si formarono numerosi compositori e cantanti d\'opera, che furono attivi anche nei teatri di altre citt\xc3\xa0 italiane ed europee. A Roma si form\xc3\xb2, tra gli altri, Alessandro Scarlatti, poi attivo nei teatri di Venezia, Firenze e Napoli. In Italia, sulla scia dell\'esempio veneziano, l\'attivit\xc3\xa0 dei teatri d\'opera aperti al pubblicosi diffuse, a partire dalla met\xc3\xa0 del XVII secolo, anche in altri centri come Bologna, Firenze, Genova, Pisa, Livorno, Modena, Ferrara, Parma, Napoli, Palermo, Milano ecc., attraverso modelli di gestione dei teatri adattati alla diversa struttura sociale e politica locale. Nel resto dei paesi europei la vita operistica ruotava generalmente attorno a una corte. in forma quasi esclusiva (Parigi e Madrid) o prevalente (Vienna e Londra). Solo in Germania gli spettacoli operistici si articolavano su modelli non troppo dissimili da quelli italiani, con citt\xc3\xa0 di grandi e medie dimensioni che fin dal XVII secolo si erano dotate di strutture teatrali adeguate, anche private. A Monaco di Baviera fu aperto un teatro stabile fin dal 1657 (l\'Opernhaus am Salvatorplatz rimasto in funzione fino al 1822), ad Amburgo si inaugur\xc3\xb2 nel 1678 il primo teatro pubblico tedesco e Dresda si impose fin dai primi decenni del Settecento come una piazza di prim\'ordine._NEWLINE_In tutta Europa (ad eccezione della Francia che aveva sviluppato un proprio genere di teatro per musica (la trag\xc3\xa9die-lyrique), domin\xc3\xb2 comunque, durante tutta l\'et\xc3\xa0 barocca e per tutto il Settecento, l\'opera italiana, che si impose come fenomeno transnazionale, al punto che tra i maggiori compositori del genere possiamo indicare tre compositori d\'area germanica, quali (H\xc3\xa4ndel, Hasse e Wolfgang Amadeus Mozart. L\'Italia possedeva all\'epoca buoni conservatori musicali e le pi\xc3\xb9 importanti compagnie liriche erano formate in maggiore o minor misura da interpreti italiani. I compositori italiani venivano contesi dalle corti europee e quelli di altri paesi dovettero quasi sempre orientare la propria produzione secondo le consuetudini e lostile dell\'opera italiana. Soprattutto a Vienna, la cultura italiana domin\xc3\xb2 nel XVII e per buona parte del XVIII secolo. I poeti di corte, autori dei libretti d\'opera, erano sempre italiani; basti ricordare Apostolo Zeno e Pietro Metastasio; come pure i maestri di cappella; basti ricordare i nomi di Antonio Caldara e Antonio Salieri.\n_START_SECTION_\nJohann Sebastian Bach\n_START_PARAGRAPH_\nJohann Sebastian Bach fu un compositore tedesco e organista del periodo barocco, universalmente considerato uno dei pi\xc3\xb9 grandi geni della musica di tutti i tempi._NEWLINE_Le sue opere sono famose per profondit\xc3\xa0 intellettuale, padronanza dei mezzi tecnici ed espressivi, bellezza artistica e sono state di ispirazione per la gran parte dei compositori che si sono susseguiti nella tradizione europea._NEWLINE_Il contributo di Johann Sebastian Bach alla musica o, per utilizzare un\'espressione resa popolare dal suo allievo Lorenz Christoph Mizler, alla "scienza della musica", \xc3\xa8 di frequente paragonato al contributo di William Shakespeare alla letteratura inglese e di Isaac Newton alla fisica. Durante la sua vita, egli compose oltre 1000 opere. La sua raccolta di preludi e fughe chiamata Il clavicembalo ben temperato costituisce un repertorio monumentale e definitivo per quello che riguarda lo stato della forma detta fuga in ambito barocco. Esplor\xc3\xb2 compiutamente la possibilit\xc3\xa0 di eseguire sulla tastiera composizioni in tutte le 24 tonalit\xc3\xa0 maggiori e minori, come risultato dell\'abbandono del sistema di accordatura mesotonica a favore dei cosiddetti "buoni temperamenti" (che precorsero la successiva adozione, nel corso del XIX secolo, del temperamento equabile).\n_START_SECTION_\nGeorg Friedrich H\xc3\xa4ndel\n_START_PARAGRAPH_\nGeorg Friedrich H\xc3\xa4ndel fu uno dei maggiori compositori del XVIII secolo. In passato il nome veniva trascritto come George Frideric Handel, o Haendel o ancora, ma meno di frequente, Hendel._NEWLINE_Nacque nella citt\xc3\xa0 di Halle, nella regione tedesca della Sassonia, da una famiglia borghese (il padre era un barbiere-cerusico) e trascorse gran parte della vita all\'estero, frequentando numerose corti europee. Mor\xc3\xac a Londra all\'et\xc3\xa0 di settantaquattro anni._NEWLINE_H\xc3\xa4ndel visse dal 1706 al 1710 in Italia, dove raffin\xc3\xb2 la sua tecnica compositiva, adattandola a testi in italiano; rappresent\xc3\xb2 opere nei teatri di Firenze, Roma, Napoli e Venezia e conobbe musicisti coevi come Scarlatti, Corelli, Marcello. A Roma fu al servizio del cardinale Pietro Ottoboni, mecenate anche di Corelli e Juvarra._NEWLINE_Dopo essere stato per breve tempo direttore musicale alla corte di Hannover, nel 1711 si trasferisce a Londra per rappresentarvi il Rinaldo, che riscuote un notevole successo. A Londra H\xc3\xa4ndel decide cos\xc3\xac di stabilirsi e fondare un teatro reale dell\'opera, che sar\xc3\xa0 conosciuto come Royal Academy of Music. Fra il 1720 e il 1728, scriver\xc3\xa0 per questo teatro quattordici opere._NEWLINE_H\xc3\xa4ndel compose almeno quaranta opere per il teatro \xe2\x80\x93 fra cui molte di genere "serio" \xe2\x80\x93 diventate famose (e molte delle quali tutt\'oggi rappresentate in tutto il mondo)._NEWLINE__NEWLINE_Fu autore anche di trentadue oratori altrettanto celebri (incluso il suo capolavoro Messiah)._NEWLINE_Scrisse poi molte pagine di musica per orchestra. Tra esse comprendevano inni ed anthem, sorta di inni celebrativi, e sonate sacre, oltre a centodieci cantate, venti concerti e trentanove fra sonate, fughe, suite per cembalo.\n_START_SECTION_\nAltri compositori\n_START_PARAGRAPH_\nIl panorama della musica in quest\'epoca non era certo ristretto ai cinque compositori sopra ricordati. Nel secolo e mezzo di evoluzione che contraddistingue l\'epoca barocca, emersero paradigmi musicali estremamente eterogenei: fu questa l\'epoca in cui vennero codificati o fondamentalmente rivisitati alcuni fra gli stili e le forme musicali fondamentali nella musica classica, come il concerto, l\'opera lirica e gran parte della musica sacra._NEWLINE_Per ci\xc3\xb2 che riguarda lo sviluppo del "Concerto grosso" fondamentale \xc3\xa8 stato l\'apporto di H\xc3\xa4ndel, ma anche dell\'italiano Arcangelo Corelli la cui op. 6 \xc3\xa8 considerata una delle massime espressioni. Ancora nel campo della musica strumentale bisogna ricordare l\'opera di Georg Philipp Telemann che i suoi contemporanei consideravano il massimo musicista tedesco (assai pi\xc3\xb9 che non Bach, come si ricorda sopra)._NEWLINE_Nel caso del concerto solista il nome di Vivaldi \xc3\xa8 quello che pi\xc3\xb9 facilmente viene citato, ma altri artisti a lui contemporanei contribuirono in modo fondamentale nello sviluppo di questi stile, fra i quali non si possono non ricordare Alessandro Marcello, Giuseppe Torelli.'