Racisme: comment le mythe des statues grecques a alimenté la fausse idée de la supériorité européenne
Lorsque vous pensez à une statue de la Grèce antique, l'image qui vous vient à l'esprit est très probablement une sculpture faite de marbre très blanc, parfaitement poli. Les vêtements, également blancs, recouvrent des corps blancs, souvent entourés d'objets essentiellement blancs.
Ce n'est pas aussi blanc que vous le pensez. Malgré le passage des siècles, des traces de la couleur originale sont encore visibles sur le buste en marbre de l'impératrice romaine Vibia Sabina Bien que cela reflète la réalité que nous connaissons aujourd'hui, cette image monochrome est peut-être aussi éloignée de la réalité historique que la distance qui sépare l'Europe de l'Amérique latine. Dans cet article, je vous expliquerai comment cette idée fausse est née, à qui elle a servi et comment le mythe de l'homme blanc a commencé à être déconstruit. Je suis née en Grèce, fille d'un père grec et d'une mère allemande. Comme beaucoup, j'ai grandi en pensant que les statues et les structures grecques qui m'entouraient étaient toujours blanches, comme le marbre utilisé comme matière première pour leur création ou, dans une moindre mesure, cuivrées, lorsqu'elles étaient en bronze. A ne pas manquer sur BBC Afrique : Et j'ai vu que cette esthétique "sophistiquée" était reprise de la manière la plus diverse dans le monde entier lorsqu'il s'agissait de représenter la Grèce antique. Le mythe selon lequel leurs statues étaient monochromes, principalement blanches, s'est répandu tout au long de l'histoire, et a fini par être adopté à tort par ceux qui ont interprété la fausse absence de couleur et d'ornements comme le signe d'une culture supérieure et plus sophistiquée, fruit de la supériorité des Européens blancs. Cependant, peu de gens savent que toute cette blancheur était le résultat de l'ignorance et de la déformation. Du bronze au marbre La plupart des statues grecques que l'on trouve dans les musées du monde entier sont en marbre. Après tout, il s'agissait d'une pierre largement disponible en Grèce et dans les environs, et elle était censée être plus facile à travailler pour les sculpteurs. Mais ici, nous avons déjà la première erreur, la première distorsion historique. Les statues en bronze, comme ce guerrier de Riace (à droite), étaient souvent fondues pour réutiliser le métal, ce qui permettait aux statues en marbre, comme ces cariatides (à gauche), de s'imposer La plupart des statues qui étaient intégrées d'une manière ou d'une autre dans des structures plus grandes, comme des bâtiments, étaient en marbre. Mais la plupart des sculptures qui n'avaient pas ce support structurel étaient réalisées en bronze, car c'est un matériau plus résistant. Comme le bronze est facilement réutilisable, peu de statues faites de ce métal sont restées pour "raconter l'histoire", car beaucoup ont fini par être recyclées, transformées en d'autres objets. C'est ainsi que les statues en marbre blanc se sont imposées au fil du temps. En outre, le choix du matériau (marbre ou bronze) pour la production d'objets d'art n'avait rien à voir avec la couleur claire originale de la pierre ou la noirceur du métal. L'endroit où la statue serait placée était un facteur beaucoup plus déterminant dans le choix du type de matériau à utiliser. Originaux et répliques La sculpture grecque a atteint son apogée aux 4e et 5e siècles avant Jésus-Christ, c'est-à-dire il y a 2 500 ans. C'est à cette époque que de célèbres sculpteurs tels que Phidias et Praxitèle ont créé leurs œuvres, qui subsistent encore aujourd'hui. Praxitèle (à gauche) et Phidias étaient les deux grands sculpteurs de la Grèce antique. Ce dernier était chargé de la reconstruction de l'Acropole d'Athènes Cinq cents ans plus tard, les Romains ont étendu leur empire et dominé le monde méditerranéen, y compris, bien sûr, la civilisation grecque. Les Romains admirent la culture et l'art de la Grèce, et créent leur esthétique à l'image et à la ressemblance de celle des Grecs. Par conséquent, la demande de copies de statues grecques était énorme dans l'Empire romain. Elles sont devenues des objets prisés pour décorer les maisons de l'élite romaine, les places publiques et même les célèbres thermes romains. Dans le processus de reproduction des statues grecques, dont beaucoup étaient à l'origine en bronze, les sculpteurs ont fini par créer des répliques en marbre. Ces répliques dont le matériau est différent de l'original se caractérisent par la présence de barres de soutien, qui sont généralement déguisées en troncs d'arbre, en colonnes de style classique ou en manteaux. Le marbre n'a pas la même résistance que le bronze et il faut lui "donner un coup de main" pour le maintenir debout. Reconstructions de la statue de Diadúmeno dans lesquelles on peut voir les colonnes de soutien On a recensé 20 copies d'une même statue dont l'original grec était en bronze, mais qui est entrée dans l'histoire comme si elle était en marbre et avec le support nécessaire pour qu'elle ne s'effondre pas. La prévalence du marbre est liée au fait que le bronze est un métal noble et réutilisable. Trésors La mer Méditerranée reste, encore aujourd'hui, la principale source de ce qui reste des statues en bronze, véritables trésors coulés dans les épaves. Mais revenons à la question des répliques des statues grecques réalisées par les Romains. Dans la plupart des cas, c'est la copie romaine que nous voyons dans les musées, pour avoir survécu et pour être la version la plus récente. Ainsi, nous pouvons dire que notre perception de l'Antiquité à partir des statues est basée principalement sur les copies et non sur la réalité historique des originaux. Dans cette copie romaine d'un buste grec (ci-dessous), on peut voir des traces claires de couleur. Cette tête romaine - réalisée entre 14 et 68 après J.-C. - est une copie d'un original grec du IIe siècle avant J.-C. Elle conserve des traces de couleur dans son diadème et autour des yeux Sur la piste des couleurs originales Les travaux approfondis menés par un couple de chercheurs allemands, qui ont examiné des centaines de statues antiques à la recherche de traces des couleurs d'origine, constituent aujourd'hui la source la plus incontestable pour conclure que les statues étaient multicolores. Même à l'œil nu, il est possible de voir ces traces dans certaines d'entre elles. "Beaucoup de couleurs sont encore conservées dans les statues. Vous pouvez le voir à l'œil nu. Et la couleur n'est pas seulement dans les ornements des vêtements. Elle se trouve sur toute la surface d'une sculpture", explique l'archéologue Vinzenz Brinkmann, directeur du département des antiquités de l'Institut Liebighaus en Allemagne. Brinkmann a étudié le sujet pendant quarante ans. Vraiment, vous n'avez pas besoin de vous fier à vos yeux. Grâce à la technologie, un examen encore plus détaillé a été réalisé avec des analyses effectuées à l'aide de lumières ultraviolettes et infrarouges, ainsi que des procédés chimiques avancés capables de révéler une image très précise de l'Antiquité. Grâce à ces techniques, Brinkmann a créé, avec son épouse, l'archéologue Ulrike Koch-Brinkmann, l'exposition Dieux en couleur, avec plus de 60 reproductions des statues dans leur couleur d'origine, pleines d'ornements, de symboles animaliers et même d'or. Vinzenz Brinkmann et sa femme Ulrike Koch Brinkmann ont reconstruit plus de 60 statues Les reproductions sont réalisées avec les pigments authentiques identifiés dans les sculptures originales. Travail de reconstruction sur l'archer d'Afaya Parmi les exemples notables de la décoration richement colorée utilisée dans les œuvres originales, citons la Kore del Peplo, la sculpture d'une jeune femme décorant une tombe ; les guerriers de Riace, trouvés dans la mer Méditerranée ; le kuros, la statue d'un jeune homme nu qui reflète l'influence égyptienne sur la sculpture grecque avec une posture plus rigide ; et même le soi-disant sarcophage d'Alexandre le Grand (qui, en fait, n'était pas son sarcophage), qui se trouve dans ce qui est aujourd'hui le Liban et qui présente des détails colorés impressionnants. D'où vient cette tradition de peindre les statues dans d'innombrables couleurs autres que le noir et blanc ? Les Grecs n'ont pas seulement influencé le monde, ils ont également été influencés par les civilisations qui bordaient la mer Méditerranée, comme l'Égypte, et par les peuples qui habitaient le Moyen-Orient. Les échanges entre eux n'étaient pas seulement commerciaux, mais aussi culturels. Et la forte tradition de la sculpture - colorée - est directement liée à ces échanges. En d'autres termes, il n'est pas vrai qu'en atteignant ce qui est considéré comme l'apogée de leur civilisation, les Grecs ont rejeté l'influence dont ils ont hérité en excluant les couleurs. L'art généré sur les rives de la Méditerranée et du Moyen-Orient était coloré Comment est née l'idée d'une antiquité incolore ? Tout d'abord, revenons au Moyen-Âge, une période où l'appréciation de la culture grecque antique s'est perdue, en même temps que la fin de l'Empire romain d'Occident. Cela a ouvert la voie à l'art religieux médiéval et à ses peintures de passages de la Bible aux couleurs fortes et vibrantes. L'art du Moyen Âge est plein de couleurs vives Ce n'est qu'à la fin du XVe siècle que l'intérêt pour l'Antiquité s'éveille. C'est le début de la période qui sera connue sous le nom de Renaissance. "Le mythe de la sculpture en marbre blanc a été inventé par la Renaissance italienne. La Renaissance voulait se distinguer de ce qui existait avant l'art chrétien. Ils voulaient revenir à l'antiquité, à l'ère préchrétienne, pour avoir une image iconique de ce qui avait été créé. Ils ont alors ressuscité l'antiquité et l'ont définie comme blanche ". À cette époque, des sculptures grecques et romaines ont été redécouvertes dans l'ancien territoire de l'Empire romain. Et les artistes de la Renaissance ont essayé de reproduire ces œuvres. Des pièces emblématiques de la Renaissance, comme le David de Miguel Angel, ont été inspirées par cette recherche d'une référence dans l'antiquité classique. La célèbre sculpture du David de Michel-Ange, datant de 1504, reflète la manière dont la Renaissance a interprété l'art de l'Antiquité Mais la plupart des temples et des statues avaient perdu beaucoup de leurs couleurs. Après tout, environ 2 000 ans s'étaient écoulés depuis que les originaux grecs colorés avaient été réalisés. Et cet art pâle et délavé leur allait comme un gant, puisque le but de la Renaissance était de se différencier de l'art sacré, extrêmement coloré et considéré par eux comme vulgaire d'un point de vue artistique. Mais la question reste posée : Les artistes de la Renaissance qui ont créé une esthétique si influente n'ont-ils pas remarqué les traces des pigments de couleur sur les statues ? Il est très possible qu'ils l'aient remarqué, compte tenu du fait qu'aujourd'hui encore, il est possible de voir à l'œil nu la couleur originale de certaines statues. Mais il ne faudrait pas se fier uniquement à ce que l'on peut voir. Platon, considéré comme le père de la philosophie politique, faisait référence aux couleurs des sculptures dans ses écrits. Au IVe siècle avant J.-C., Platon a écrit que les yeux d'une statue méritaient les plus belles couleurs, car ils étaient la plus belle partie du corps. Mais des références comme celle-ci ont pu être ignorées pour diverses raisons. "L'Europe n'était pas très instruite. Mais elle voulait se débarrasser de l'oppression de l'Église. Ils ont donc produit un idéal", explique Vinzenz Brinkman. Et il ajoute que, "ainsi, le marbre blanc et le bronze sombre en viennent à être utilisés comme un symbole de sophistication dans la pensée européenne." Fouilles révélatrices - L'Artémis de Pompéi C'est finalement en 1760, à Pompéi, que les fouilles d'une statue ayant survécu à l'éruption dévastatrice du volcan Vésuve en 79 après J.-C., ont révélé ce que l'histoire avait effacé : l'Artémis de Pompéi, chaussée de sandales et aux cheveux roux. C'était une découverte historique. Il y avait de nombreuses traces de couleur visibles sur la peau et les vêtements de la statue. Les cendres du volcan qui la recouvraient avaient partiellement préservé ses couleurs. L'archéologue et historien Johann Winckelmann, considéré comme l'un des pères de l'histoire de l'art classique, a vu la statue deux ans après sa découverte et a pu vérifier l'existence de la couleur. Beaucoup disent que Winckelmann a refusé d'accepter que la statue soit grecque. Pour lui, l'Artémis de Pompéi était probablement étrusque, une civilisation plus ancienne, et considérée par lui comme moins sophistiquée que la grecque, que lui et ses contemporains admiraient. Des années plus tard, le spécialiste s'est fait tordre la main. Il définit Artémis comme le fruit de l'art grec primitif. Sa conclusion est toutefois restée inédite pendant deux siècles, jusqu'en 2008. Certains pensent que ce retard était délibéré. La fresque de Pompéi montre une femme peignant une statue (55-79 après JC) Et les preuves ne viennent pas seulement d'Artémis. Une fresque, également découverte à Pompéi, montre une femme peignant clairement une statue en plusieurs couleurs. L'absence de couleur comme symbole de sophistication En 1810, quelques décennies après la découverte de la statue d'Artémis, le célèbre poète allemand et étudiant en art grec Johann Wolfgang Goethe a publié son livre "Théorie des couleurs." Il écrit : " ... les nations sauvages, les peuples primitifs et les enfants sont très attirés par les couleurs vives, les animaux sont perturbés par certaines couleurs, et les hommes sophistiqués évitent les couleurs vives dans leurs vêtements et dans l'environnement qui les entoure, cherchant généralement à s'en éloigner." Le poète Johann Wolfgang Goethe a écrit en 1810 que "les hommes sophistiqués évitent les couleurs" Mais Goethe, qui considérait la Grèce antique comme le sommet de la civilisation, a été contredit par les faits l'année même où il a publié son livre . C'est lorsque le temple d'Afaya, sur l'île grecque d'Égine, a été découvert en très bon état. Les couleurs étaient visibles à l'œil nu. La sculpture de l'archer, par exemple, faisait partie de ce temple. Il est évident que lorsque la statue a été découverte, les couleurs n'étaient plus aussi fortes que dans la version restaurée par Brinkmann. Mais même ainsi, elles étaient indéniablement visibles à l'époque. En d'autres termes, le temple d'Afaya est sorti des fouilles en disant pratiquement à Goethe : "Vous avez tort !" "Il le savait, mais il le dépréciait. Il se déclare franchement ignorant. 'Je sais, mais je ne veux pas savoir'. Et c'est quelque chose que nous voyons encore tous les jours aujourd'hui. Beaucoup de gens et de collègues disent : "D'accord, vous pouvez être dans l'Antiquité, c'est vrai, mais ce n'est pas mon Antiquité". Mon antiquité... Ils ont leurs propres antiquités ! Chacun son antiquité : et Goethe avait la sienne", dit Brinkmann. Les nouvelles fouilles du XIXe siècle ont clairement montré l'utilisation de la couleur dans l'Antiquité. À cet égard, des études d'œuvres anciennes ont été publiées, comme celles de l'architecte Ernst Ziller. Études de l'utilisation de la couleur dans l'Antiquité par Ernst Ziller, du début du XIXe siècle Peinture en couleur de l'Acropole, par Leo von Klenze, 1846, une reconstruction basée sur les connaissances de l'époque Distorsion de l'idéal esthétique Il est donc juste de dire qu'à la fin du XIXe siècle, il est devenu évident que l'Antiquité était colorée. Mais malgré toutes ces découvertes, notre goût continuait à être façonné par une esthétique incolore lorsque nous pensions à la Grèce antique. "Les musées et les experts n'informaient pas le public sur les couleurs et les ornements des statues, car ceux-ci étaient en quelque sorte limités aux cultures populaires non européennes et non sérieuses", explique M. Brinkmann. L'un des marbres de l'Acropole conservé au British Museum de Londres a été poli jusqu'à ce qu'il devienne blanc et brillant Malgré cela, la dévaluation de la couleur se poursuivait. Il suffit de dire qu'en 1938, le British Museum de Londres a appliqué un polissage intense à un morceau de marbre prélevé sur l'Acropole, à Athènes, jusqu'à ce qu'il soit blanc et brillant. Je me demande ce que mes ancêtres penseraient de cela. Dans sa version originale, l'Acropole était un festival de couleurs . Selon Brinkmann, notre idéal esthétique a été déformé plus que jamais au 20e siècle, et ce pour des raisons politiques. Il cite l'architecte autrichien Adolf Loos, un théoricien influent de l'architecture moderne, qui en est venu à faire une comparaison étonnante. "L'architecte Adolf Loos, qui est très idéologique, dit que la couleur et l'ornement sont des crimes d'une manière très grossière et folle. C'est absurde." L'architecte Adolf Loos a donné la conférence "Ornement et crime" en 1913 Loos en est venu à associer un sentiment d'"immoralité" à l'ornementation, la qualifiant de "dégénérée". Selon Loos, il est nécessaire de supprimer la couleur et l'ornementation pour qu'une société soit définie comme moderne. "En remontant au début du XXe siècle, nous pouvons comprendre comment cette nouvelle position esthétique radicale s'est développée, étape par étape. Le fascisme européen y a beaucoup contribué, par une forte réticence à accepter les formes détaillées, l'ornementation et l'utilisation de couleurs différentes", explique M. Brinkmann. Il explique qu'une figure colorée reflète le mieux les émotions individuelles. Désormais, dans une seule couleur, souvent blanche, il est possible de projeter n'importe quelle idéologie. Pour les nazis, l'absence de couleur reflétait un homme plus moderne, sophistiqué et supérieur. Et cela a été utilisé pour justifier leurs idéologies génocidaires. Hitler devant la statue du Discobole. L'idéologie nazie considérait l'absence de couleur comme supérieure À Rome, une foule accompagne le transport de l'énorme bloc qui servira de piédestal à la statue de marbre de Mussolini en 1930 Mark Abbe, de l'université de Géorgie, aux États-Unis, explique : "Ces œuvres étaient considérées comme des exemples artistiques de modèles universels et intemporels de beauté et de caractère éthique pour l'époque actuelle. Et cela continue : on construit encore des statues de marbre, toutes blanches , pour rendre les plus grands honneurs à la société contemporaine. " La sculpture commémorative en pierre blanche de Martin Luther King Jr. à Washington L'exposition Dieux en couleurs a déjà été présentée en Grèce. Dans le berceau de cet art, l'accueil a été mitigé comme dans d'autres parties du monde. Mais, selon l'archéologue Hariclia Brekoulaki, elle a également servi à mettre au jour l'intérêt des Grecs pour leur propre passé. Un passé haut en couleurs. "Cela a eu un impact majeur. Quelque chose comme ce que Vinzenz a construit avec son équipe en Allemagne n'existe malheureusement pas en Grèce. Cependant, j'espère qu'avec le temps, nous aurons plus d'initiatives comme celle-ci. J'espère qu'avec le temps, nous aurons d'autres initiatives de ce type. Même dans les musées où se trouvent les œuvres. L'idée que la couleur est importante et qu'il faut l'étudier a été comprise par les directeurs et les chercheurs des musées", réfléchit M. Brekoulaki. "À la poursuite d'autres malentendus" Brinkmann célèbre la recoloration de l'antiquité grecque. "Au premier regard, elle crée un impact parce qu'elle entre en conflit avec vos attentes. Et au début, vous pensez que les couleurs sont trop fortes. Et puis vous revenez en arrière et regardez à nouveau, et cette impression commence à s'estomper", dit-il. "Certaines personnes viennent à notre exposition en pensant qu'il s'agit d'une maquette intellectuelle, et elles la rejettent. Mais d'autres personnes commencent à réfléchir. Ils quittent l'exposition et se rendent compte du grand malentendu."