検索アニメの歴史(アニメのれきし)では、基本的にアニメ、つまり日本のアニメーション(とくにテレビアニメ)の歴史を扱う。外部リンク歴史[編集]前史[編集]世界[編集]哀れなピエロ(動画)メディアを再生する愉快な百面相(英語版)(動画)アニメーションは、セル画によるものだけでなく、人形やCG、スライドによるものを含む。1902年のジョルジュ・メリエスによる『月世界旅行』の最後の、ロケットが港に戻るシーンで、すでに切り絵アニメーション(静止した背景画の前で、船の切り絵を少しずつずらしてコマ撮りする)が用いられ、これが映画のコマ撮り(ストップモーション)によるアニメーショントリックである。Pierrot)を初めとする一連の作品がある。レイノーの作品は純粋な意味での映画ではなく、テアトル・オプティークと呼ばれるゼラチンフィルムに別々に描かれた手書きの人物と背景をプロジェクターで同時にスクリーンに投影する装置によって上映されていた。Faces)などがある。これは黒板に白チョークで描く実写と、そのコマ撮りを組み合わせた線画アニメであり、この最後のピエロの部分では白い枠線の切り絵がチョークアニメーションと組み合わされて用いられている。アメリカでは1928年から『アメリカン・アニメーションの黄金時代』が始まっている。ファンタスマゴリ(英語版)世界最初の実写部分を含まない純粋な短編アニメーション映画は、フランスの風刺画家エミール・コールによる『ファンタスマゴリ(英語版)』(1908年、原題:Fantasmagorie)である。以後、数年間でアメリカおよび映画発明国フランスで線画アニメ映画の製作が盛んになった。世界初の純粋長編アニメーション映画は1917年にアルゼンチンのキリーノ・クリスティアーニによって製作された。1914年にセル画によるアニメーション技術がアール・ハード(英語版)によって開発、特許申請される。Follies)など)。アルゼンチンやドイツなどでは、切り紙や人形アニメが盛んに創られていた。鉄扇公主の巻』がアジア初の長編アニメーション映画とされる。海の神兵』(1945年)を制作させる動機となった。)で下川凹天が小林商会で、幸内純一が日活で、北山清太郎が独自にアニメーション制作を開始。3作品はいずれも1917年に公開されたが、現存するのは幸内純一の『なまくら刀』のみである[2]。諸外国と同じく当初作られていたアニメは数分程度の短編映画が多かった。作り手も個人もしくは少人数の工房での家庭内手工業に準ずる製作体制で、生産本数も少なく、生産の効率化を可能とするセル画の導入も遅れていた。1930年前後にセル画が使われ始まるまでは、日本では、フランスなどと同様、切り絵によるアニメが主流であった。海の神兵』が産み出された。この時期軍部が提供した潤沢な予算は技術力の向上に繋がったとの評価がある。上記2作のほか、戦争中には日本最初のフルセルアニメーション『くもとちゅうりっぷ』(1943年)があり、戦時中にも関わらず叙情性が豊かなミュージカル仕立ての作品となっている。戦後、東映は1956年に日動映画を吸収合併しアニメスタジオ「東映動画」を発足。1961年には手塚治虫が「虫プロダクション」を発足させた。宇宙の勇者』(1964年)を製作している。テレビアニメの始まり[編集]1953年にテレビ放送が始まると、単発で数分程度のアニメーションが番組内の1コーナーとして、また、CMにも用いられるようになり、後のエイケンの日本テレビジョン株式会社(TCJ動画センター)や漫画家の横山隆一のおとぎプロが制作に携わっている。らの手によって制作されている。1958年10月15日、カラーテレビ放送の実験放送用として作成された『もぐらのアバンチュール』(日本テレビ)が放送された。これが日本初のカラーテレビアニメーションではないかと考えられていた[3]。フィルムは長らく行方不明になっていたが、2013年に日本テレビの倉庫から発見されたことが新聞等で報道され、その一部が2013年6月19日放送のZIP!およびスッキリ!!で公開され、日本初のテレビアニメーションがカラー作品という事実が確証されている[4]。3つのはなし』(NHK)が放送された。この他に短編アニメーションを利用した番組は、『みんなのうた』(NHK、1961年放送開始)や、おとぎプロ制作による日本初の連続短編テレビアニメーション『インスタントヒストリー』(放送時間1分、1961年5月8日~1962年2月24日)フジテレビ系列で放送されたが、新聞のテレビ欄での扱いは、読売は毎回掲載した以外は、朝日が数回、毎日・日経は掲載していなかった。当時の映像業界では、アニメーション制作には長い期間と制作費がかかるというのが常識であり、NHK、民放を問わず、本格的なアニメーション番組を制作するテレビ局は現れず、『ポパイ』・『恐妻天国(後に『原始家族』として再放映)』・『宇宙家族』など日本国外から輸入されたアニメーションが盛んに放送されており、1963年の『鉄腕アトム』を待たなければならなかった。鉄腕アトム[編集]鉄腕アトム1963年に放送が始まった『鉄腕アトム』は、週1回放送の30分番組という後のテレビアニメの基本形態を作り、日本におけるテレビアニメシリーズの嚆矢と位置付けられている。1961年放送開始の『インスタント・ヒストリー』は3分番組で実質は1分にすぎなかった。東映動画は、手塚治虫原作の『ぼくのそんごくう』をベースとして『西遊記』を制作する際、手塚自身からの申し出もあって、ストーリーボードなどのスタッフとして手塚を招聘することになった[7]。手塚は独自にアニメーションについて研究していたが、フルモーションの長尺作品をベースとする東映動画の考え方とは必ずしも馴染まなかった点があり、独自のアニメ制作を模索することになる。(99年に破産)に持ちかけ、企画が実現した。手塚のテレビアニメは、撮影そのものが秒8コマのリミテッドであるだけでなく、立絵紙芝居や切り絵アニメーション、古い30年代の部分アニメなどの技法を組み合わせて、止め絵、引き絵、口パク、バンクなどを多用し、カメラによって絵を動かしており、セルの動画とはまったく別の、より古いアニメーション原理に則っている(それはフラッシュアニメなどに近い技術でありテレビアニメの技術が後に日本をゲームで成功へ導く)。虫プロのアニメを、東映動画の現場の大塚康生らは「電気紙芝居」と批判したが、東映動画の経営陣は、テレビアニメを製作しなければならないという経営上の必要性から、手塚のアシスタントを務めたこともある月岡貞夫の企画をもとに、『狼少年ケン』を製作する。横山光輝などのアニメを量産することになる。宮崎駿は長編中心だが、高畑勲はテレビアニメにも関わっている。少ない制作費[編集]この時、手塚は「(一本につき)五十万で売って。それ以上高くしないでください。それ(くらい低価格)なら他でつくれないでしょ」と指示、「手塚さんはテレビアニメを独占するつもりだったのかどうか。萬年社は『安すぎる』と、手塚さんに内緒で百五十万円を虫プロに払っていました。実際は制作費がいくらなんて、どうでもよかった。ロイヤリティーが日銭で何百万円と入ってきたんですから。この時の価格が業界での標準となったため、現在に至るまでアニメ業界は低予算に苦しめられることになる。その反面で、一部に以下の反論もある。「バンクシステムや止め絵の多用といった単なるリミテッドアニメを越えた独自の工夫が発明された。ない作家の養成、絵の荒さを補う質の高い脚本、といった低予算だからこそ得られた利益も数多い。黎明期から多くのアニメスタジオが設立され、数多くのアニメが製作されたのも、新規参入に莫大な資本が必要無かったためである。一定の人気を得られるアニメが低予算で制作出来るので、テレビ局はアニメを次々と発注し、アニメ番組で使われる題材も更に豊富になっていった。」モノクロ(白黒)とカラー[編集]白蛇伝ジャングル大帝1893年に、今日の映画であるシネマトグラフが発明される以前、フィルムを用いない映像玩具がありアニメーションの元祖とされるが、その一種であるゾートロープを改良したプラキシノスコープを使って1888年からフランスのエミール・レイノーがパリの蝋人形館で「光学劇場」と称して作品を上映していた。その内容は物語付きの数分間のアニメーションと言えるもので、着色も成されたものだったという。フィルムによるアニメが制作されると、カラーフィルムの発明されるのを待たずに、フィルムに1コマずつ直接着色するという手法で早くからカラーのアニメが制作されている。ウィンザー・マッケイの短編作品「リトル・ニモ」は1911年の公開である。アメリカではカラーによる短編アニメが盛んに製作され、1937年にはディズニーの初のカラー長編アニメ『白雪姫』を公開している。日本では1958年の東映動画による劇場版『白蛇伝』は初のカラーによる長編の劇場作品だったが、それ以前に大藤信郎が色セロファンや千代紙を使った短編のカラー作品を発表している。劇場作品では、日本国外の作品を始めとして、カラー作品は既に制作されていたが、初期のテレビアニメはテレビ放送のカラー化及びカラーテレビの普及が進んでいない事情もあって、全て白黒だった。最初のカラーテレビアニメ『ジャングル大帝』(1965年)は、アメリカ合衆国での放送を前提に資本が集められて実現した。『ドルフィン王子』全3話が『ジャングル大帝』(1965年10月)に先立つこと半年前に放映されているが、放送回数が少なかったため、「ジャングル大帝」が事実上の日本カラーテレビアニメの嚆矢とされる。1963年12月20日から1964年にかけて全15話が放送された人形アニメーション『シスコン王子』、1964年1月25日に放映された『鉄腕アトム』の第56話はカラーで制作されたが、放送自体はモノクロであり、カラーのテレビアニメではなかった[8]。1958年10月15日に放送された『もぐらのアバンチュール』はカラーテレビ放送のテストプログラムとして作成されたものだが、カラーで放送されたかどうかは不明である。当時はカラー放送の実験放送期間中であり、また、国産のカラーテレビがまだ発売されていなかったため、カラーで放送されていたとしても見た人は限られたものだろうと考えられる[9]。カラーによるテレビアニメは、制作費がかかることと、カラーの受像機が普及していなかった事情から、この後も数年間は新作はカラーと白黒の作品が混在していた。これはアニメに限った話ではなく、この時代、他の多くの番組も同様にカラーと白黒が混在していた。楠部大吉郎によるとテレビアニメはカラー化によって制作費が大幅にアップしたそうである。モノクロの時は30分240万-250万だった所がカラーで540万になった。楠部によれば歴史的にいって日本のテレビアニメの制作費がこれほど上がったのはカラー化の時だけである[10]。低年齢層に受け入れられたアニメ[編集]当初、アニメは日本では子供達の間で特に人気があった。大人達はそれまでに見慣れていた時代劇やホームドラマのようなものに関心が高く、アニメには余り興味を示さなかった。初期に作られたアニメで成功した作品はほとんどが子供向きのものであった。この事情から、1960年代から1970年代にかけて制作されたアニメはほとんどが子供、特に12歳以下を対象とした内容であった。キャラクターグッズを欲しがる年齢層もこの年齢層に重なっていたため、アニメ制作会社にとってもこれは好都合であった。このように、初めてのテレビアニメが制作されてからの約10年間は、良くも悪くもアニメは『鉄腕アトム』に多くの影響を受けていた。現在の日本のアニメは原作を持つ作品が多いが、これは黎明期のテレビアニメに原作付きの物が多かったという例に倣った結果と言える。内製システムの崩壊[編集]テレビアニメは大人気となり、大量のプロダクションが生まれ、作品数も飛躍的に増加したがその結果、アニメーターの数が不足した。多くのプロダクションは美術系大学の卒業生などを集めたがそれでも足りなかった。優秀なアニメーターの引き抜きが恒常的に行われるようになり、アニメーターの人件費はみるみる内に高騰した。反面、テレビ局の製作費はそれほどは増えなかった。それまでほとんどのアニメ制作プロダクションは内製システムを採っていた。キャラクター設定から原画・動画・動画チェック・彩色・撮影など、全ての工程を社内で行うことによって、作品の品質を保てていた。外注は1963年には既に存在したが、恒常的には行われていなかった。1971年から東映動画は主だった工程のみを自社内で行い、動画・彩色などの比較的単純な工程については外注や出来高払いに移行をし始め、実質的な人員整理を開始した。これに対しては組合側が激しく反発したが、経営側は応じず、1972年、指名解雇が始まる。経営側は組合側の反発にロックアウトを行って応酬した。経営側が強硬だったのは、赤字が嵩み、人件費の削減が行えない限り、会社の存続が困難だったためだと言われている。虫プロダクションでは1973年に労働争議が起き、解決しないまま倒産した。社長の手塚治虫は虫プロ設立当時「僕は何かあったら労組の先頭に立って一番に会社を糾弾する」と冗談を言っていたことがある。内製システムを採っていた大手2社でこのような事態になり、同じく内製システムだったタツノコプロも1970年代半ばに賃金問題と社長の死去で、70名から80名の有力な人材が流出して結果的にリストラを行ったことと同じ状態になった。これらの事件を切っ掛けに、ほとんどのプロダクションは多くの作業を外注に頼るようになり、また、以後、アニメーターの給与は極めて低く抑えられるようになった[11]。虫プロダクション出身者によって設立された日本サンライズは、虫プロダクションを教訓に、制作管理スタッフだけを正社員として発足した。この状況は現在も続いている。いう低賃金の工程はほとんどが東アジアで行われるようになり、アニメ制作の空洞化が指摘されている(なお東映動画は海外発注を1973年に開始している)。Witney)が先駆者として評価され、1961年に『カタログ(Catalog)』を制作。日本でも、1967年11月に第1回草月実験映画祭において、山田学と月尾嘉男によるコンピュータ制御のプロッタで描画したアニメ『風雅の技法』を発表。日本初のCGアニメと目されている。黎明期のCGは表現力の乏しさから抽象的なアートアニメーション、計算に基づいたシミュレーションに用いられた。初期のコンピュータゲームも図形的なデザインによる、リアルタイムで生成されるアニメーションと見ることができる。商業的な娯楽作品にCGを大々的に用いる切っ掛けとなったのは、1982年のディズニー制作のアメリカ映画『TRON』の登場が大きい。その影響からか、日本でもコンピュータを部分的に用いたアニメが登場するようになる。1983年には映画『ゴルゴ13』とテレビアニメ『子鹿物語』、1984年には映画『SF新世紀レンズマン』『超人ロック』などが制作された。これら1980年代前半の作品は話題性や新奇性による宣伝効果狙いを含んだ、実験的なものであった。従来のアニメは長い間、紙に描いた線画をセルと呼ばれる透明なシートに転写し、それを手作業で着色した上で、順番に取り替えながら撮影する制作方式だった。これは人海戦術的な方式でありながら技術も必要であり、その放送時間と比較して大変な労力を要した。CGもしばらくは特殊効果としての補助的な使用中心だったが、技術革新となったのは1990年代後半頃からのセルの廃止や3D-CGである。セルの廃止は、原画を従来通り人間が手描きし、それをコンピュータに取り込んで以降の過程をコンピュータ上で処理する。着色はデジタル彩色となり、使用可能な色数はそれまでのアニメ専用絵具(アニメカラー)の80色程度から一気に1600万色となった。3D-CGは原画段階から3Dモデリングを元にコンピュータが作画を行う。基本的に紙への作画はしないので、手書きとは質感が異なるものの、立体物などがリアルに表現できる。これらにより、フィルムでの撮影や編集もコンピューター上での作業に移行することになった。CAPSは、1989年の『リトル・マーメイド』で試験的に最後の一部に用いられ、続く1990年に公開された『ビアンカの大冒険』で全面的に採用となった。1991年には『美女と野獣』、1992年には『アラジン』にも用いられ、興行的にも成功を収めた。セルアニメーションで培われた技法と、CG独自のカメラワークや表現を違和感なくを調和させて、1992年にはアカデミー賞の最優秀科学技術賞を獲得した。1995年にはピクサーが制作した3D-CGによる『トイ・ストーリー』が大成功を収める。フルCG映画の登場によりCGの話題性や新奇性は薄れ、CGは単なるアニメ制作の手法の一つとして定着していった。日本でも1995年に最初の3D-CG連続テレビアニメ『ビット・ザ・キューピッド』が放送開始された。新作アニメはセル非使用前提で開始されるようになり、セルの需要が減少したため、1997年に富士写真フイルムは利益の少ないセルの生産を停止、それを期に東映動画はほぼ全作品でセル非使用に切り替えた。2002年には旧来の長寿アニメの大半もセル非使用に切り替わった。『忍たま乱太郎』が4月放送から、『クレヨンしんちゃん』が5月放送から(例外あり)、『名探偵コナン』が6月放送から、『ドラえもん』が10月放送からなどである。『おじゃる丸』、『ポケットモンスター』、『ちびまる子ちゃん』も同年に切り替わっている。2013年には『サザエさん』もセル非使用に切り替わり、セルアニメは実質消滅した。現在ではトゥーンレンダリングなどの開発により、手書きの質感を3D-CGで表現する試みも進んでいる。それ以外でもコンピュータの利用は進み、ペンタブレットによる作画工程からのデジタル化や、デジタル通信ネットワークの利用による分業(日本国外などの下請けスタジオまで原画データをデジタル通信で送り、完成したデータもデジタル通信で受けとる)も行われている。登場[編集]1980年代になり廉価な家庭用ビデオデッキが量産され始めるとOVAが登場した。これは劇場用映画でもなければ、テレビ放送もされないアニメの総称で、主にビデオソフトの形で販売された。最初のOVAは『ダロス』(1983年)で、この後も続々と新作が発売され、現在では日本アニメの柱の1つになっている。けにはテレビアニメ、高年齢層向けにはOVAという流通形態に分化することとなった。その後、高年齢層向けの作品を高年齢層向けの時間帯に放送し、その宣伝効果でビデオソフトやキャラクター商品を売り上げ、制作資金を回収する方法が確立された。これにより、高年齢層向けの作品のテレビアニメも増えてきた。これらの作品は深夜帯や独立UHF局、アニメ専門のケーブルテレビ局で先行放送した直後にビデオソフト化し、話題になっているうちに販売するという販売戦略が採られている。この形態での放送・ソフト化が広まり、現在では狭義のOVAは衰退し、高年齢層向けの作品が加わる形でテレビアニメの対象年齢層が拡大している。要因としては少子化による玩具の売り上げ低下で玩具メーカーがスポンサーから撤退しゴールデンタイムのテレビアニメ放送が難しくなってきたこと、1995年の『新世紀エヴァンゲリオン』の大成功、1997年頃に実用化されたコンピュータ彩色による制作費の低下・制作期間の短縮化、複数の企業が制作費を出し合う製作委員会方式によって制作費の調達が容易になったこと、テレビアニメのビデオソフト化で制作費を賄う仕組みができたこと、そして地上波の深夜放送枠、ケーブルテレビ局、WOWOWノンスクランブル枠、独立UHF放送局、CS放送、BSデジタル放送といった新たな放送枠が開拓されたことが挙げられている。国によるアニメ産業育成[編集]1977年から、文化庁は毎年数作品の「こども向けテレビ用優秀映画」を選定し、テレビアニメに製作援助金を交付する制度を開始した。2004年5月、アニメや漫画など日本のソフト産業の保護・育成に官民一体で取り組む為の「コンテンツ法」[12]が参院本会議において全会一致で可決、成立した。深夜アニメの出現[編集]日本では1990年代後半から深夜帯の青年向けアニメが広まり始めた。1998年頃から特定の層に需要を見込んだ深夜アニメの採算性が注目されるようになり、テレビアニメの放送形態として一般化していった。この動きには、1990年代に製作委員会方式がアニメでも採用されだしたことが一因であると言われる。2000年代半ば頃には少子化で子供向けアニメの需要が低下する中、アニメファン向けの映像ソフトなどの販売や世界展開などを見込んで製作側が時間帯を買い取るという形での深夜アニメが数多く作られ、アニメバブルとも形容された。その結果、2006年には全日帯のアニメ製作分数と深夜帯のアニメ製作分数がほぼ互角となるほどにまで深夜アニメが広がることとなった。製作本数の観点では、2006年には深夜帯アニメが全日枠アニメを越えていると分析しているものもある。MXが視聴可能な地域)では145本が放送されたのに対し、地方を中心に全く放送されなかった地域もある。インターネットや衛星放送により地方での格差は是正されている傾向にあり、各種動画サイトやBS11では積極的に深夜アニメの放送、配信を行っている。『魔法少女まどか☆マギカ』(2011年)は地方での地上波放送が無かったにも関わらずネットなどの口コミにより深夜アニメとしては異例の高視聴率、続く劇場版では深夜アニメ映画で初めて興行収入で20億円を突破するなど深夜アニメの大衆化が進んでいる。『進撃の巨人』(2013年)などもキー局ではない深夜放送だが、コミックの売上が2013年上半期総合1位になった他、ユニバーサル・スタジオ・ジャパンなどにもアトラクションが設置されている。主題歌も月間カラオケランキングで総合1位になり、CDも売れ、NHK紅白歌合戦に出場している。『ラブライブ!』(2013年)も興行収入20億円を超え、紅白歌合戦に出場している。OVA[編集]詳細は「OVA」を参照アニメーション映画[編集]詳細は「アニメーション映画」を参照1953年にテレビ放送が開始されるまで、アニメ作品を鑑賞するには、短編のアニメ映画が添え物として上映されるのを映画館で見るのが主流であり、アニメと言えばアニメ映画以外に存在しなかった。1917年に当時続々と輸入されていた日本国外の短編アニメが人気を呼んだのを受けて、日本で商業アニメが制作されるようになる。その後もディズニーなど輸入されたアニメとの競争にさらされながら、小規模なスタジオで制作されていた。日本で人気を呼んだアニメはアメリカのアニメだった。第二次世界大戦が始まるとこうした状況は一変し、アメリカ映画は輸入禁止となり、さらに軍に協力する形で資本が投入され、それまで大量に使えなかったセル画や大量の人材を投入したアニメ映画が制作されるようになる。海の神兵』(1945年)などが生まれた。海の神兵』はディズニーの『ファンタジア』の影響もあり、戦前のアニメーション映画における集大成と言われるほど優れた技巧が見られる作品であった。終戦直後も、細々とながら短編アニメ映画は製作され続けていた。この時代の代表作に『すて猫トラちゃん』(1947年)がある。終戦後の本格長編アニメ映画は、前述した東映動画のカラー映画『白蛇伝』(1958年)に始まるが、1963年に『鉄腕アトム』がテレビ放映されるとその影響はすぐに現れ、長編アニメ映画を制作していた東映動画も同年に『狼少年ケン』でテレビアニメに進出。その後、ノウハウを積み重ねて、それまでフル・アニメーションでアニメ映画を作っていた東映動画がテレビアニメのノウハウを取り入れたB作と呼ばれる『サイボーグ009』を1966年に制作し、この後は、映画の世界でもリミテッドアニメは珍しくなくなった。1960年代は、アニメーション映画はほぼ東映動画と映画『鉄腕アトム』を創った虫プロダクションだけの時代が続いた。2本程度、虫プロダクションの制作頻度はそれよりも遅く、当時、莫大な数の邦画が作られていたことから考えると、アニメーション映画はほとんど作られていなかったと言っていい。1970年代に入ると、他社の参入によりアニメ映画の本数は増加するが、テレビアニメを単に再編集したものが多かった。ビデオデッキが全く普及していない時代であり、熱心な愛好者は、テレビの名場面が再び劇場の大スクリーンで見られるというだけで、喜んで劇場まで足を運んだ。比較的有名な再編集アニメ映画には、『宇宙戦艦ヤマト』(1977年)がある。同作品と翌年公開された『さらば宇宙戦艦ヤマト-愛の戦士たち-』は大成功を収め社会現象となった。この成功でアニメが一般社会に認められることとなり、この後に日本でアニメーション映画が多数作られる切っ掛けにもなった。1980年代は再編集アニメに加え、『AKIRA』など、新作映画も多く作られた。この他、東映まんがまつりに代表される、テレビアニメでの人気作の新作を映画にし、数本立てで上映する形態が恒常化した。これなどの作品はアニメ愛好者よりは子供を中心とした家族を狙った作品が多い。1990年代から成功を続けている宮崎駿作品の『風の谷のナウシカ』や『天空の城ラピュタ』『となりのトトロ』などが登場したのもこの時代である。『ドラえもん』の劇場用長編も公開が始まっている。1990年代のアニメーション映画は、本数は増加したが、高年齢層を狙った作品は少なく、児童・家族向けの作品が多かった。アニメ映画は観客の層が偏り、資本の回収が困難なことが多く、また、高年齢層のアニメ愛好者は劇場に足を運ぶよりは自宅でビデオで繰り返し見るほうを好んだため、製作側が自然とテレビアニメやOVAを重点に置き始めたためだと考えられる。テレビアニメの映画化が非常に多いのがこの時代の特徴である。ルギア爆誕』と、以上がその年の日本映画興行成績の最上位を記録している。2000年代になると、アニメなしでは日本映画は成り立たないとまで言われるほど、アニメ作品の比重が増加した。キネマ旬報によると、2002年度の日本映画の興行収入10位までの内6本がアニメで、1位と2位、4位、5位は全てアニメだった。2003年度は、アニメの本数は5本に減り、1位はアニメではなかった。これらアニメ映画のほとんどは『ポケットモンスター』に代表されるテレビアニメ番組の新作を映画にしたものである。教育の現場では比較的アニメは多用される。現在では、麻薬防止用の啓発ビデオ『ダメ。[13][14]などの啓発・広報ビデオなど、アニメの使用は広がっている。アニメを使用したものは多い。アニメは幼児・低学年向けに限られていたが、近年では中学生向け程度まではアニメ作品が創られるようになっている。日本国外への輸出の歴史[編集]日本アニメの主な輸出先は北米で、金額では過半数を占めると言われる。与えた影響は非常に大きい。放映状況については明確な統計もなく、それぞれの製作プロダクションにもはっきりとした記録が残っていない場合が多い。本小項目内では、主に北米向けの輸出状況について述べ、分かる範囲で他国の状況をも列挙する。本格的なアニメの輸出は、1963年、アメリカ合衆国で『鉄腕アトム』が放映されたことに始まる。『鉄腕アトム』は現在までに30か国以上で放映された。Go』、『科学忍者隊ガッチャマン』、『宇宙戦艦ヤマト』などがアメリカ合衆国で放映された。アメリカ向け専用番組の下請け制作も広く行われた。これら日本のアニメの進出に対し、明確な拒否反応を示した国もいくつかあった。ほとんどの国での拒否的反応の理由は、古くから日本でも行われた批判と同じで、暴力的であり、性的な表現を含む、というものだった。国によってはそれなどには過敏に反応し、かなり大きな内容の変更が行われた場合もある。いずれにしても、当時主な視聴者であった子供らからははっきりとした拒絶はされず、ほとんどの国では現在でも同じように日本製アニメが放映されている。外国で放映されたテレビアニメは、日本製であることを隠すため、スタッフ名が削除されたり、現地風の名前に差し替えられて放映された作品もある。内容が現地に合わせて改変されるのは恒常的に行われた。前述の『科学忍者隊ガッチャマン』では、アメリカ放映の際、戦闘場面が暴力的であるという理由で削除され、関係ないロボットを登場させたり、別ストーリーを構成したりして放映時間を調整した。ある国で受け入れられた作品が他国でも人気になるとは限らなかった。『超電磁マシーンボルテスV』は、フィリピンでは主題歌が軍歌に採用されるほどの大成功を収めた。日本風の生活風景の出るもの(『ドラえもん』)や、特定の国を扱った作品(『ベルサイユのばら』)は、国によって受容されるかどうかが明確に違う。1980年代になると、アメリカでは日本と同じように、玩具を売るためのアニメの製作が盛んになり、日本のスタジオも下請けの形でこれらの作品製作に加わった。実際にはほとんどを日本で製作した作品が多い。元となる玩具販売がアメリカ国内限定という事情もあり、これら作品のほとんどは日本では放映されていない。例外として『戦え!超ロボット生命体トランスフォーマー』は、アメリカ向けに製作された玩具販促アニメであるが、日本に逆輸入されて放映された。この時代になると、アメリカの日本アニメの愛好者団体の活動(ファンサブ)が活発化してくる。最古参のファンによればこれらの団体は北米で家庭用ビデオデッキが販売されてすぐ、1976年に活動を始めた。起源については、ロサンゼルスのアジア人向けUHF局が流していたロボットアニメを鑑賞する会から始まったという説がある。当時から、日本製アニメに対してanimeという語が使われていたという。ヨーロッパでは、1978年からフランスの子供番組内で日本のテレビアニメの放映が始まり、人気を博した。アメリカと異なり、フランス語のアテレコだけでほぼオリジナルのまま放送された。子供たちには圧倒的な支持を得たが、描写が暴力的で下らないとして大人からの批判が高まり、1990年代末に番組は終了したが、同じころ、フランス以外の国々でも放送され、多くのアニメファンを育てた。フランスでは、この当時アニメを見て育った世代は、番組のパーソナリティーの名前を冠して「ドロテ世代」と呼ばれている[15][16]。日本アニメの日本国外での評価と進出は、1989年12月の『AKIRA』の北米公開を境に大きく変化する。当初ハリウッドではこの映画はあまり注目されず、北米での配給権を買ったのは中小の配給会社だった。各地の芸術系映画専門館で巡回的に公開する策が功を奏し、観客や批評家に日本のアニメは芸術的なものがあるという印象を与えることに成功した。『AKIRA』は、ヨーロッパでも同様の公開方式を採り、こちらでも同様の印象を与えることに成功した。1992年から1993年にかけ、『超神伝説うろつき童子』が、イギリス、アメリカで劇場公開された。この作品は成人アニメである。日本では特に評判の高い作品ではなかったが、そのようなアニメ作品に見慣れていなかったヨーロッパ人、アメリカ人には衝撃的な作品であり、おびただしい数の批判が寄せられた。一時期、animeはそのような成人アニメの代名詞ともなった。日本国外でこの作品と同程度の印象を与えた成人アニメ作品は、この後は出ていない。1995年以降、日本のアニメシリーズがほぼそのままの形で放映される形態での輸出もされるようになった。国によっては相変わらず大きな改変がされることも多い。通常のテレビで子供が直接見る時間帯に放映されるものに多い。1996年に『攻殻機動隊』が、アメリカのビルボードでビデオソフト週間売り上げ1位をとったことも、アニメ輸出へ有利に働いた。ビルボードで日本の映像作品がビデオ販売1位となったのはこれが初めてである。1999年には新たな転機があった。前年から放映されていた『ポケットモンスター』が全米を初めとして世界各地で大成功を収めた。映画版『ポケットモンスター』と、映画『リング』のハリウッドリメイク版の成功から、日本映画、特にアニメ作品への注目が高まった。これらの作品の成功により、ハリウッドの映画会社の中では、日本映画や日本アニメの専門部署を設け、北米向け輸出や改作が可能な作品がないか検討を始める所も出てきている。この頃、アニメのアメリカへの輸出量は、前年比で3倍まで増えたこともあったが、その後の伸びは鈍化した。中国政府は自国のアニメを発展させるため、ゴールデンタイムの時間帯の外国制作のアニメの放映を禁止し、さらにアニメ放映の約8割以上を自国制作のアニメにする措置を2006年9月から行うと発表した。Pierrot、フランス)。シャルル・エミール・レイノーによりテアトル・オプティークを用いて上映された、アニメーション映画の先駆的作品。コマ撮りアニメーション映画。ジェイムズ・スチュアート・ブラックトンによる、ストップモーション撮影で絵を描き換えたトリック映画。ブラックトンによる黒板の絵を用いたコマ撮りアニメーション映画。ブラックトンによるコマ撮り実写映画。実写ではあるが、後のエミール・コール、ウィンザー・マッケイらに影響を与え、その出発点となった。制作されたと推測されている。2005年に京都市内の旧家で発見された。『ファンタスマゴリー』(Fantasmagorie、フランス)ジムナーズ劇場にて上映。エミール・コールによる世界最初の純粋な絵画によるアニメーション映画。Comics、アメリカ)ウィンザー・マッケイによるアニメーション映画。この映画はマッケイの舞台公演の出し物として製作されたが、映画館でも上映された。日本最初の劇場公開されたアニメーションの無声映画(フィルムの存在は確認されていない)。(初公開時はなまくら刀)』(幸内純一)。劇場公開された上映時間2分の日本の無声アニメ映画。フィルムの存在は未確認だったが、2007年7月、大阪市内の骨董市で小型映写機とフィルムの中に含まれていたのを発見。同時に『浦島太郎』なども発見される。キリーノ・クリスティアーニによる一時間の長編アニメーション映画。フィルムは散逸して現存しないが、世界最初の長編無声アニメーション映画であったとされている。Lusitania、アメリカ、マッケイ)『浦島太郎』(北山清太郎)1920年代[編集]1921年フライシャー兄弟がフライシャー・スタジオを設立。1923年ウォルト・ディズニーがディズニー・ブラザーズ・スタジオ(現・ウォルト・ディズニー・カンパニー)を設立。完全な形で残る日本アニメとして最古。フィルムが現存しているものとしては日本最古の実写合成アニメーション映画(未公開)。全体の一部ではあったが、日本で初めてセル画が使われる。『蒸気船ウィリー』(アメリカ)ディズニーを代表するキャラクター、ミッキーマウスの登場。世界最初のトーキーアニメ映画。『ペルードポリス』(Peludopolis、アルゼンチン、クリスティアーニ)フィルムは現存しないが、世界最初のトーキー長編アニメーション映画であったとされている。反戦を訴えながら、検閲でその部分が削除され戦争賛美映画にされてしまった影絵アニメーション映画。1987年に完全復元。政岡憲三が独立後に製作した初のアニメ映画。前年に製作された「難船ス物語第壱篇」の続編。日本初のトーキーアニメ映画。現存する世界初のカラーによる長編アニメ映画。MGMがアニメーション部門を設立。1940年代[編集]1940年MGMが『トムとジェリー』シリーズの第1作「上には上がある」を公開。1941年カナダのカナダ国立映画局がアニメーションの製作を開始、イギリスから招かれたノーマン・マクラレンの制作拠点となる。『桃太郎の海鷲』戦意高揚のために作られた国策アニメ。製作された、極めて芸術性の高い小品。公開当時は戦争の真っ只中であり、大阪の映画館1館のみでしか上映されなかったとされる。あるが、技巧や芸術性では戦前の長編アニメの最高峰とされる。手塚治虫に大いに影響を与えた。11月、同社を日本漫画映画社に改組。ダイナミックな動きで当時の作画技術の高さを伝える。日本動画社(後の東映動画の母体)が、日本漫画映画社から独立して、設立される。世界初の(短編)テレビアニメ。1950年代[編集]1952年フランスのアニメ映画『やぶにらみの暴君』(後、『王と鳥』に改題。原作アンデルセン、監督ポール・グリモー)が公開。日本でも1953年に公開され、文部省などの選定受ける。1980年、『王と鳥』に作り変えられフランスで公開された。日本では2006年にスタジオ・ジブリが公開している。うら、後に巨匠となる多くのアニメーターが巣立っていった。1957年MGMのアニメーション部門の閉鎖により、ウィリアム・ハンナとジョセフ・バーベラがハンナ・バーベラ・プロダクションを設立。テレビアニメを精力的に制作し始める。1958年10月15日、『もぐらのアバンチュール』が日本テレビにて放映される[3][9]。国産初のテレビアニメであると考えられる。