Traje e adorno tradicional japonês - Outro
Traje e adorno tradicional japonês
O Japão, um arquipélago que consiste em quatro ilhas principais situadas ao largo da costa leste do continente asiático, foi relativamente atrasado em termos de receber do exterior e nutrir em casa uma rica e sofisticada cultura material. Considerando que existe ampla evidência arqueológica na China de vestimentas existentes, esculturas de cerâmica e pinturas em tumbas, dando uma visão confiável da história do traje chinês ao longo de vários séculos antes do advento da Era Comum, uma história verificável do traje japonês não começa até o século VIII CE
História especulativa do Japão
Além de seus povos indígenas, o Japão foi povoado por sucessivas ondas de imigrantes da China, Coréia,
Leste Asiático: História do Vestido
Sudeste Asiático, Ásia Central e do Norte e possivelmente Polinésia. Fibras têxteis nativas foram processadas a partir da casca interna de árvores e plantas, e a tecelagem foi feita em um tear backstrap. A tecnologia têxtil avançou continuamente como resultado da imigração, com a produção de seda presumivelmente estabelecida no século III. A seda continua sendo a fibra preferida para o vestido tradicional japonês.
O registro arqueológico no Japão produz pouco na forma de imagens humanas até o século V dC. Antes dessa época, as representações de figuras de palito encontradas em fragmentos de cerâmica e sinos de bronze permitem a hipótese de que uma longa roupa semelhante a uma túnica, com cinto na cintura, pode ter sido uma forma comum de vestir.
Nos séculos V e VI, grandes quantidades de haniwa , esculturas de tumbas de terracota, foram produzidas para enterros importantes. As figuras masculinas são frequentemente retratadas vestindo jaquetas justas de cintura longa, bem ajustadas nas laterais com mangas tubulares longas e calças largas presas por laços logo acima dos joelhos. Essa vestimenta é uma reminiscência do uso prático dos povos nômades das estepes que montam a cavalo no continente asiático. Os cavaleiros exigiam total mobilidade de braços e pernas para guiar suas montarias e roupas bem ajustadas para se aquecer nas latitudes norte frias e ventosas. Túnicas chinesas largas, de mangas largas e compridas até o chão, o outro modo de vestir dominante da elite no continente, eram a antítese desse tipo de roupa nômade.
Mulher típica haniwa as figuras usam uma vestimenta superior que lembra a jaqueta dos homens e uma saia, em vez de calças. É importante notar que haniwa as jaquetas tendem a ser presas em uma sequência que coloca o painel frontal direito sobre o painel esquerdo, após o que os laços são presos no lado direito da jaqueta. Esta foi considerada uma prática bárbara pelos chineses, cujas vestes eram fechadas do lado esquerdo para o direito. A vestimenta japonesa deveria imitar o modo chinês neste e de outros modos logo depois.
É duvidoso que haniwa O vestido era muito difundido no Japão durante os séculos V e VI. Esse vestido não seria adequado para os longos meses de clima quente e úmido do Japão, e uma vida a cavalo seria improvável no Japão montanhoso. A julgar pelo grande número de existentes haniwa figuras de cavalos, uma elite de equitação pode muito bem ter se estabelecido no Japão durante este período, talvez após uma incursão do continente asiático, mas seu modo de vestir não prevaleceu.
Períodos Asuka e Nara
O ano de 552 é considerado a data oficial para a introdução do budismo no Japão e marcou o primeiro ano do período Asuka (552-710). O budismo teve suas origens mais de mil anos antes na Índia, espalhou-se pela China no início da Era Comum e, finalmente, alcançou o Japão por meio da Coréia. Um dos avanços culturais importantes que chegaram com o budismo foi a alfabetização. Os japoneses empregaram o sistema de escrita chinês baseado em ideogramas.
A religião nativa do Japão, o xintoísmo, coexistiu com o budismo, mantendo um tema contínuo na história japonesa de pegar emprestado de fora enquanto preservava as tradições nativas mais valorizadas e, por fim, transformava os costumes estrangeiros em algo exclusivamente japonês.
A história da vestimenta budista no Japão, incorporada na principal vestimenta ritual da religião, um manto de retalhos ( Kesa ), ilustra o tema da importação e adaptação. Kesa estão entre as roupas mais antigas existentes no Japão. Como manifestação física dos ensinamentos budistas, exemplos foram trazidos do continente asiático para auxiliar na implantação da religião em solo japonês. Mais tarde, certo Kesa testou os limites dos parâmetros da roupa de uma forma exclusivamente japonesa.
Outro grupo antigo de fantasias no Japão foi usado durante apresentações e cerimônias comemorativas de um enorme Buda de bronze concluído em 752, no meio do período Nara (710-794). Dignitários de vários países asiáticos compareceram a Nara, então capital do Japão. Esses trajes, junto com a maioria dos primeiros Kesa , foram preservados no famoso armazém do templo conhecido como Shôsôin.
O desgaste de desempenho Shôsôin fecha principalmente à esquerda e inclui coletes sem mangas na altura do joelho e robes de mangas compridas de comprimento total. Os colarinhos são estreitos e redondos ou com decote em V, com painéis frontais que se encostam ou se sobrepõem. As decorações figurativas e geométricas, em padrões tecidos ou tingidos, fazem parte do rico legado deste diversificado grupo de vestes de seda. Também estão incluídos calças e acessórios, como leggings, meias, sapatos e aventais.
Outros trajes no Shôsôin incluem túnicas usadas por artesãos, semelhantes em corte às túnicas de corpo inteiro com golas redondas mencionadas acima, mas em cânhamo em vez de seda; túnicas com mangas largas e alargadas; e até arcaico, fechando à direita haniwa fantasias de estilo.
Os trajes Shôsôin são muito provavelmente representativos de diversos tipos de vestimentas asiáticas então em uso, e qualquer número deles pode muito bem ter sido feito fora do Japão. Nas vestimentas tradicionais japonesas posteriores, vários desses primeiros modos de vestir se refletiram nos trajes do teatro No.
De acordo com documentos da época, as roupas na corte imperial do Japão seguiam as da China nessa época, com a classificação indicada pela cor. As representações pictóricas contemporâneas mostram cortesãos masculinos e femininos em mantos longos e esvoaçantes com mangas volumosas, suficientemente longas para cobrir as mãos. Uma característica do vestido masculino era uma gola redonda estreita e justa, enquanto o vestido feminino apresentava amplos painéis frontais que se sobrepunham na sequência esquerda-sobre-direita. As vestimentas femininas também incluíam uma ou mais partes inferiores que fechavam da mesma maneira.
Kyoto se tornou a nova capital imperial no final do século VIII, marcando o início da longa e relativamente pacífica era Heian (794-1185). Os períodos anteriores de intensa absorção cultural do Japão do continente asiático foram seguidos pelo desenvolvimento interno e refinamento dos costumes estrangeiros combinados com as sensibilidades nativas.
A história do traje deste período não pode ser baseada em vestimentas existentes, pois pouquíssimos exemplos sobreviveram. O conhecimento das roupas de Heian é amplamente derivado de representações pictóricas, registros de guarda-roupa e dois dos primeiros romances da literatura mundial - o Conto de Genji , por Lady Murasaki Shikibu, e o Livro de cabeceira por Sei Shônagon.
Os romances descrevem o mundo insular da corte imperial e sua vida diária cheia de intrigas, poesia, humor, romance e uma forma de vestir notavelmente refinada. As mulheres usavam camada sobre camada de túnicas de seda, com apenas as bordas das túnicas individuais sendo reveladas nas pontas das mangas, gola e bainha, e a túnica externa definia o tom geral do esquema de cores. O gosto e a sensibilidade de uma mulher eram demonstrados por sua escolha de combinações de cores ao selecionar as várias vestes para o conjunto, de acordo com a estação, a ocasião ou o humor predominante. Outros artigos de vestuário, como uma jaqueta, calças tipo saia ( hakama ), e um avental usado nas costas completava o vestido feminino da corte.
O manto, provavelmente usado mais próximo do corpo neste conjunto, é considerado o precursor do período Edo (1603-1868) Kosode em termos de construção e forma. Esta vestimenta interna tinha uma forma geral de T composta de mangas quadradas ou retangulares com aberturas estreitas para as mãos. Essas mangas são presas a pedaços longos e retos de tecido que compõem o corpo do manto. Uma gola e lapelas relativamente largas e planas foram costuradas nas bordas internas dos painéis do corpo na frente da vestimenta. Esta peça de roupa está de acordo com o quimono atual.
As vestimentas masculinas do período Heian mantinham o colarinho estreito e redondo em forma de túnica refletindo o período anterior de influência do continente asiático, e os homens também usavam uma calça tipo saia e uma ou duas meias-calças. O formato da manga se afastou dos modelos anteriores do continente, em que uma forma quadrada ou retangular passou a dominar, e uma única manga poderia ser tão larga quanto o corpo inteiro de uma vestimenta. Com o uso desse manto, as pontas das mangas, que não eram costuradas nas extremidades, podiam praticamente varrer o chão.
É também durante esse período que acredita-se que o brasão da família tenha aparecido pela primeira vez nas roupas. Alguns tipos de trajes Heian persistiram até os dias de hoje, como podem ser vistos nas roupas da corte imperial, trajes religiosos e trajes do teatro No.
Durante a última parte do século XII, a base do poder no Japão mudou da corte imperial cada vez mais decadente e egocêntrica em Kyoto para clãs militares provinciais que escolheram a cidade de Kamakura como seu quartel-general. Existem poucas vestimentas da era Kamakura (1185-1333), e a literatura do período não é muito rica sobre o assunto. No entanto, pinturas sobreviventes bem detalhadas dão uma ideia do vestido da época.
As roupas femininas eram menos sobrecarregadas por camadas múltiplas exageradas, e padrões tingidos em grande escala aparecem em algumas vestes externas femininas. Os designs tingidos com estampas viriam a se tornar uma das expressões criativas mais importantes na vestimenta japonesa posterior. Expressões de originalidade nas roupas masculinas também começaram a se manifestar por meio do uso de motivos fora de escala e da junção de peças de duas vestes completamente diferentes para criar um novo traje surpreendente. Seitas budistas (como o Zen), até então desconhecidas no Japão, foram introduzidas do continente asiático, o que resultou na importação de Kesa feito de certos tipos de tecidos luxuosos, de outra forma indisponíveis para os japoneses. Mais cedo Kesa eram, em geral, mais humildes na aparência.
Períodos Nambokuchô, Muromachi e Momoyama
A cidade imperial de Kyoto voltou a ser a capital com o advento da era Nambokuchô (1333-1392), período marcado por confrontos entre clãs militares rivais. A guerra continuou durante o período Muromachi subsequente (1392-1568). Desde o advento da era Kamakura, a família imperial governava apenas no nome; o shogun, como a potência militar suprema, detinha o poder real.
Em matéria cultural, a corte imperial deixou de estar na vanguarda. Membros de elite da classe militar e monges budistas de alto escalão eram os principais praticantes da recém-estabelecida e extremamente estética cerimônia do chá. O shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408) foi o primeiro patrono importante do teatro No.
Os trajes do teatro No continuaram a existir em uma ampla variedade de tipos diferentes durante o início do século XXI. Durante os séculos iniciais da forma teatral exclusivamente masculina, os atores usavam roupas doadas dos guarda-roupas de seus patronos de elite. No período Edo (1603-1868), nenhum figurino estava sendo feito especificamente para uso no palco; no entanto, em sua maior parte, os estilos dos trajes não mudaram e continuaram a refletir as roupas de períodos anteriores.
Dentro da ampla categoria de nenhum manto chamado ôsode , um termo que se refere a mangas altas e largas que não são costuradas nas pontas, são certos tipos de vestes há muito obsoletos no Japão, exceto nas esferas mais conservadoras e tradicionais da vida japonesa, como os ritos da corte imperial e os rituais xintoístas.
Muitas vezes fazendo uso de fios de ouro na forma de tiras estreitas de papel planas e douradas, junto com fios de seda, ôsode fantasias sempre têm desenhos tecidos. Esses desenhos podem ser bastante ousados ​​em escala e composição, embora sua coloração seja mais reservada, geralmente limitada a apenas uma cor para a seda. O teatro No também preserva as calças tipo saia ( hakama ) de épocas anteriores, e o uso de fantasias em camadas, com um ôsode manto normalmente usado como um manto externo.
A outra categoria principal de não fantasias apresenta túnicas com mangas mais curtas em altura e largura em relação a ôsode mangas. As mangas também são arredondadas em suas bordas externas inferiores, em vez de ter um ângulo reto como em ôsode . As pontas das mangas são costuradas, permitindo uma abertura apenas o suficiente para as mãos passarem. O nome desta categoria geral de Sem fantasias é Kosode . O mesmo termo foi usado para o manto de seda simples usado próximo à pele e sob camadas de vestimentas volumosas no período Heian.
Durante o período Muromachi, o Kosode literalmente emergiu como agasalhos aceitáveis. O que antes era roupas íntimas particulares agora era permitido fora dos interiores domésticos. Essa forma de vestir se tornou o principal veículo de expressão da mudança de modas e estilos.
Durante o período Edo, a maioria Kosode - os trajes da categoria ainda preservam os estilos dos períodos Muromachi e Momoyama. Os estilos arcaicos que persistiram incluíam o uso de tecido de brocado pesado e ornamentado, dourado extenso, a emenda de dois tipos de tecido completamente diferentes em um manto e uma composição de centro vazio que concentra os motivos do design nos ombros e na bainha do manto . No entanto, esses trajes mudaram o formato geral das mangas de oblongo para quadrado em resposta a uma tendência do período Edo, e certos robes do No com desenhos bordados foram ocasionalmente influenciados por estilos de moda contemporâneos.
Nenhum traje existente data desde a última parte do período Muromachi. Nenhuma túnica ainda era feita no início do século XXI, e alguns dos produtores modernos usaram a tradicional tecelagem manual e técnicas de tingimento natural.
Com o objetivo de proporcionar um alívio cômico da tragédia e da melancolia de No, Kyôgen as peças eram tradicionalmente executadas junto com as Não. Trajes para Kyôgen refletem roupas de classe baixa e são feitas de fibras liberianas (geralmente cânhamo ou rami) em vez de seda, não usam fios de ouro ou douramento e são modeladas por meio de tingimento - ao contrário das vestes No, com seus desenhos tecidos, bordados ou dourados. Existente Kyôgen os trajes não são anteriores ao período Edo.
Na década de 1540, quando os primeiros europeus chegaram ao Japão, o país estava em meio a uma prolongada guerra civil. Essa combinação de tempos turbulentos e uma nova onda de influência estrangeira levou à criação de alguns exemplos surpreendentes de vestimentas de classe samurai. A alfaiataria de estilo ocidental e os tecidos 'exóticos' recém-importados de tecido de lã europeu, chita de algodão indiano e até mesmo tapeçaria de seda persa podem ser vistos em vários tecidos existentes Jimbaori (um tipo de colete usado sobre a armadura).
Mais criatividade no vestido masculino é evidente em alguns curtas Kosode roupas em forma de dô fuku ) associada às principais figuras militares do século XVI. Essas vestes exibem motivos não convencionais e combinações de cores surpreendentes.
Três sucessivos líderes militares emergiram como unificadores do Japão devastado pela guerra. Uma paz duradoura foi finalmente estabelecida pelo último dos três, Ieyasu Tokugawa. Uma nova capital foi estabelecida em Edo (mais tarde conhecida como Tóquio), e todos os shoguns subsequentes foram fornecidos pelo clã Tokugawa, governando de Edo, enquanto a corte imperial permanecia em Kyoto. O Japão entrou em um período de isolamento, durante o qual a nova religião do Cristianismo foi suprimida, as viagens de e para o Japão foram proibidas e o comércio exterior ficou sob estrito controle.
As roupas conservadoras se tornaram a norma para a classe dos samurais. A roupa formal masculina consistia em um colete curto com ombros em forma de asa e o tradicional hakama , com ambas as peças feitas de uma fibra liberiana padronizada com pequenos motivos repetidos e invariavelmente tingida de azul. O samurai não tinha mais guerras para lutar, embora a armadura e o colete associado continuassem a ser feitos. Embora exemplos criativos do colete ainda fossem produzidos, os samurais não eram incentivados a se vestir como dândis.
A maior criatividade no vestuário durante o período Edo se manifestou na Kosode . Muito do ímpeto para transformar essa vestimenta em uma forma de vestimenta que se preocupa com a moda veio da classe de comerciantes recém-ricos, que, no entanto, estava na base da hierarquia social.
Enquanto o teatro No era uma reserva das classes altas, o teatro Kabuki era a arte performática para os comerciantes novos-ricos. A maioria dos trajes Kabuki tem o formato de T padrão de kosode; no entanto, sua coloração tende para o berrante e seus motivos de design podem ser esmagadores em escala. Por exemplo, uma lagosta gigante pode cobrir toda a parte de trás de um manto.
Os principais atores do Kabuki (também uma forma teatral exclusivamente masculina) se tornaram extremamente populares, seus rostos e vestidos disseminados em uma miríade de xilogravuras. No entanto, seus trajes tendiam a ser bizarros demais para influenciar a moda, a não ser pela popularização de um tom particular de uma cor ou de um determinado motivo. Os trajes kabuki do início do século XX continuaram a se assemelhar aos do período Edo.
O clero budista teve uma posição elevada na escala social e recebeu poderes administrativos e apoio oficial sob o governo de Tokugawa, permitindo-lhes compartilhar a prosperidade geral. A tendência mais incomum vista em Kesa , a vestimenta de patchwork, foi um impulso pictórico que resultou em exemplos sendo tecidos, bordados ou pintados com imagens de representação narrativa como pássaros e animais em cenários de paisagem, encontros de divindades e até arranjos de flores. Dois dos métodos usados ​​para satisfazer a adesão simbólica à tradição do patchwork envolviam a costura de cordões ou o desenho de linhas na roupa para criar a impressão de uma construção remendada. Enquanto o Kesa é uma vestimenta plana, larga, com orientação horizontal e geralmente em formato retangular, uma inspiração para esse novo estilo de design de superfície provavelmente foram as telas pintadas largas amplamente utilizadas durante o período Edo.
O Kesa também refletia o gosto da moda de uma forma mais indireta, como resultado do costume de budistas leigos doarem roupas valiosas para os templos. As roupas seriam descosturadas, cortadas e refeitas em mantos budistas. Outro Kesa eram montados com brocados ricos, que estavam sendo tecidos internamente, já que a indústria têxtil japonesa havia, nessa época, absorvido as habilidades estrangeiras e a tecnologia necessária para a tecelagem de têxteis de luxo.
As tendências extravagantes em Kesa levou pelo menos uma seita budista a fazer uma vestimenta austera, monocromática e sem padronagem em uma fibra liberiana. Embora não houvesse novos estilos inovadores, Kesa -no início dos anos 2000-refletia toda a variedade vista nos exemplos do período Edo. No entanto, vários artistas têxteis do início do século XXI no Ocidente fizeram trabalhos criativos inspirados na forma tradicional do kesa.
O Japão foi forçado a encerrar seu isolamento na década de 1850, quando potências ocidentais com tecnologia militar avançada exigiram concessões comerciais. O xogunato Tokugawa entrou em colapso e o poder passou para a família imperial, que mudou a corte para Tóquio em 1868 e proclamou uma nova era, o Meiji (1868-1912). Mais uma vez, os japoneses perceberam a necessidade de acompanhar o ritmo das nações mais desenvolvidas e embarcaram em uma política de rápida ocidentalização.
As roupas ocidentais foram adotadas, com o imperador e a imperatriz ajudando a dar o exemplo para o resto do país, vestindo ocasionalmente roupas ocidentais. Budistas e famílias de elite de samurais venderam quantidades de Kesa e Sem fantasias, em última análise, enriquecendo museus e coleções particulares no Japão e no Ocidente. Para a população urbana mais sofisticada, especialmente os homens, as roupas tradicionais japonesas deixaram de fazer parte do uso diário até que o uso das roupas tradicionais foi relegado aos templos e mosteiros budistas; Santuários xintoístas; Não, Kyôgen e teatro Kabuki; cerimônia do chá e outras artes tradicionais, como arranjos de flores; e a corte imperial. As gueixas, ainda uma instituição no Japão no início do século XXI, ainda eram esperadas para entreter no quimono.
No início dos anos 2000, os ritos de passagem, como cerimônias de amadurecimento das crianças, formaturas escolares e casamentos, são ocasiões para o público em geral usar roupas tradicionais. Uma família japonesa também pode usar quimono ao participar de festivais nacionais e regionais especiais ou ao relaxar após o banho em uma pousada tradicional. Não era incomum para uma dona de casa japonesa frequentar a escola de quimonos para entender melhor como selecionar e usar adequadamente um quimono e seu acessório mais importante, o obi.
Durante o período Meiji, os termos foram cunhados a fim de distinguir o antigo modo de vestir japonês ( wafuku ) do vestido ocidental recém-adotado ( Yofuku ) Kimono (derivado do verbo para usar roupas e da palavra para 'coisa') se tornou o novo termo para a vestimenta em forma de T, anteriormente conhecida como Kosode . A palavra entrou nos dicionários de línguas em todo o mundo e comumente serve como designação para o traje nacional do Japão, assim como 'sari' é universalmente reconhecido como o traje indiano atemporal.
Durante os primeiros períodos Taishō (1912-1926) e o final de Taishō (1926-1989), o Mingei O movimento foi fundado por artistas e intelectuais com o propósito de preservar e perpetuar o artesanato popular do Japão, especialmente praticado por fazendeiros e minorias étnicas. Aqueles que defenderam a ideia de Mingei podem ser considerados os herdeiros do Leste Asiático do movimento Arts and Crafts, embora eles não tivessem que insistir na importância do artesanato, como fizeram seus predecessores ocidentais, porque nas tradicionais distinções japonesas entre artes finas e decorativas não eram enfáticas. No entanto, a elevação das obras artesanais feitas por camponeses de vida simples e minorias à margem da sociedade japonesa não se encaixava nas ideias convencionais de hierarquia social no Japão.
Exemplos de fantasias coletadas e estudadas por Mingei entre os entusiastas estão a fibra liberiana e as vestes de algodão da tribo indígena Ainu, trajes especialmente tingidos de Okinawa, jaquetas de fazendeiro pesadamente costuradas e trajes de pescadores e bombeiros.
Veja também Kimono; Moda Japonesa.
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