Shut up and watch the movies: Novembro 2012
Depois de ter passado na edição de 2011 do Festival Indie Lisboa «Neds» chega (finalmente) às salas portuguesas, a mais recente longa metragem realizada pelo actor escocês Peter Mullan, responsável por um bastante recomendável filme de 2002 chamado «As Irmãs de Maria Madalena». Apesar de estar apenas numa única sessão em Lisboa, este é um daqueles filmes que corre o risco de passar completamente despercebido tal como poderia ter acontecido com «Bellamy», de Claude Chabrol. Felizmente a afluência de público deu à derradeira obra do cineasta francês o direito a estar em sala durante mais algumas semanas e se o mesmo acontecer a «Neds» será uma boa oportunidade para as distribuidoras que compram filmes a torto e a direito e depois não sabem o que fazer para estreá-los em condições pensarem um bocado melhor nestas políticas. Porque no meio da avalanche de estreias semanais, já para não falar nos filmes que vão directos para DVD, há sempre pérolas que acabam por não ter o devido destaque e são afastadas do público que ainda gosta de ver Cinema em sala.
Desabafos à parte vale a pena esperar pelo regresso de Mullan à cadeira de realizador, pois «Neds» não irá desiludir quem gostou de «Irmãs de Maria Madalena». Tal como neste filme, que conta a história de três raparigas nos anos 1960 que vão parar a um convento na Irlanda para expiarem os seus pecados, «Neds» também remete para um passado recente nas ilhas britânicas, centrando-se num jovem de classe baixa, John McGill (Conor McCarron), que tudo faz para ser aceite na escola e pelos colegas de classe superior, mas a sociedade não o ajuda. Em casa o panorama não é muito diferente, pois o seu irmão mais velho vive sempre metido em sarilhos e o pai alcoólico passa a vida a bater na mãe. Estes factores levam o jovem a procurar refúgio num gangue de jovens delinquentes. Aos poucos o miúdo promissor e com boas notas começa a tornar-se num jovem violento.
«Neds» não é um filme fácil de se ver, pois é um valente murro no estômago e por vezes ganha contornos demasiado violentos. Mas é um grande filme, que pode ser inserido dentro do género conhecido como realismo britânico, ao recriar bastante bem a época em que decorre a acção, desde a música aos cenários, e mesmo a fotografia, que nos ajuda a entrar nesta viagem ao passado, que segundo o realizador é bastante pessoal, mas não autobiográfica. Outro dos grandes destaques de «Neds» é que conseguiu arrancar excelentes interpretações, como é o caso do estreante Conor McCarron. O próprio Peter Mullan também participa, interpretando o pai de John, e é também uma interpretação notável.
Resta esperar que «Neds» consiga o público suficiente para que estreias como esta não passem ao lado da maior parte dos espectadores.
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Vamos esperar que o filme corresponda às expectativas geradas. «Mata-os Suavemente», de Andrew Dominik estreia amanhã e é um dos títulos mais aguardados por estes lados.
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Quando se fala em Stanley Kubrick a primeira coisa que passa pela cabeça da maior parte dos fãs do realizador será talvez os seus filmes mais conhecidos, como «Laranja Mecânica» ou «2001: Odisseia no Espaço». O que talvez muitos não sabem é que o jovem Kubrick, que começou por ser fotógrafo antes de se dedicar à Sétima Arte, realizou três curtos documentários antes de a sua carreira como realizador arrancar a sério, com «O Beijo Assassino». (antes de realizar este filme o cineasta ainda realizou um primeira longa-metragem, «Fear and Desire», que renegou até à sua morte. Esta obra foi editada recentemente em DVD e Blu-ray, ficando disponível pela primeira vez para o público em geral, pois Kubrick nunca chegou a autorizar em vida a apresentação do filme).
Realizados entre 1951 e 1953, os três documentários abordam temas distintos e cada um tem o seu estilo próprio. E, curiosamente, o melhor dos três é o primeiro, talvez por ser o mais pessoal e onde se nota uma marca própria. «Day of The Fight» começa por ser um documentário sobre boxe, com uma breve introdução sobre este desporto e a sua popularidade nos EUA, e acaba por se focar num lutador que irá entrar no ringue para participar num combate decisivo. Assim que conhecemos Walter Cartier, um dos vários boxistas presente no livro de estatísticas do boxe, a câmara de Kubrick vai segui-lo durante o dia do combate, mostrando como se prepara e passa as últimas horas antes de entrar em acção. Como se fosse o retrato de um dia de trabalho de alguém, cuja profissão é lutar boxe. O que sobressai nesta estreia de Stanley Kubrick é que, apesar de ser um documentário, encontramos diversos características que nos remetem para o Noir, género explorado nas duas longas realizadas após «Fear and Desire»: «O Beijo Assassino» e «Um Roubo no Hipódromo». Sendo este o documentário menos tradicional, quando comparado com os outros dois (este é também o único documentário de Kubrick que não resulta de uma encomenda), quase que podemos dizer que neste primeiro filme Stanley Kubrick já começa a ensaiar para o que seriam as suas primeiras longas.
Depois de conseguir vender «Day of The Fight» à RKO-Pathé, Kubrick foi contratado por esta produtora-distribuidora norte-americana para filmar um novo documentário. O resultado foi «Flying Padre» e não poderia ser mais diferente da estreia. Muito mais pequena, com cerca de metade da duração de «Day of The Fight», esta curta é o retrato de um padre do Novo México que viaja no seu avião para chegar às populações daquele estado norte-americano, seja para celebrar uma missa ou para ajudar quem precisa de chegar ao hospital o mais depressa possível. Considerado mais tarde como uma obra menor pelo próprio realizador, «Flying Padre» quase que se assemelha a uma pequena reportagem sobre esta 'personagem', e hoje em dia mais não é do que uma curiosidade no legado de Kubrick, que nada vem acrescentar à restante obra do cineasta.
O último documentário, «The Seafarers», acaba por ser o mais tradicional dos três. Realizado por encomenda do Seafarers International Union, um sindicato de marinheiros nos EUA, este é também o primeiro filme a cores de Stanley Kubrick. Mas, tal como já acontecera com «Flying Padre», aqui não há nenhuma marca pessoal do cineasta. «The Seafarers» faz lembrar alguns filmes de propaganda realizados durante a II Guerra Mundial, mas aqui não se trata de promover os valores dos EUA em tempo de guerra, antes o trabalho do sindicato na defesa dos direitos dos seus membros. Em comum aos outros dois filmes encontramos um narrador, que desta vez surge no ecrã, no início e no final do filme, para nos contar a história e o trabalho do Seafarers International Union. Apesar de Kubrick não ter feito grandes referências a «The Seafarers» mais tarde, este encomenda terá sido fundamental para pagar os custos de «Fear and Desire».
Para quem quiser conhecer um pouco melhor a história destas três curtas-metragens, sobretudo de «The Day of The Fight», recomendo a leitura deste artigo publicado no site Open Culture, onde podem também ser visionados os três documentários, disponíveis no YouTube.
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E as sequências iniciais de «Ladrão de Alcova» são a prova de que as suas comédias estão entre as mais deliciosas de sempre.
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«Boa noite e as crianças brasileiras não devem ver o super-homem»
O ciclo dedicado à obra de Glauber Rocha, organizado pela Cinemateca Portuguesa no passado mês de Setembro, foi um dos grandes acontecimentos do ano em Portugal, quando se fala em cinema, apesar de a maior parte das sessões ter estado às moscas. Autor de obras de difícil classificação, com um forte teor político e contestatário, Glauber Rocha continua ainda hoje a ser um dos nomes grandes do cinema brasileiro, que merece ser descoberto por quem gosta do cinema mais marginal. Além de utilizar o cinema para espalhar as suas ideias, o cineasta fez algumas intervenções, sempre sem papas na língua, onde era tão contestatário como nos seus filmes. É isso que acontece neste pequeno vídeo, feito para um programa de televisão, onde Glauber Rocha faz inúmeras reflexões, algumas das quais continuam bastante actuais e podem ser lidas à luz de outras realidades além do Brasil daquela época. A descoberta da obra de Rocha foi, para o autor deste blogue, uma das melhores do ano. Deixo-vos as suas palavras.
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Arranca hoje a CineFiesta, uma mostra de cinema espanhol que irá mostrar em Lisboa e no Porto algumas obras recentes, e outras nem por isso, como é o caso do mini ciclo dedicado a Victor Erice que terá lugar na Cinemateca Portuguesa, realizadas por cineastas do nosso país vizinho. Não é objectivo deste post promover o evento, cuja programação pode ser consultada aqui, mas antes dedicar umas linhas a uma excelente iniciativa recente criada em Espanha para homenagear um grande realizador espanhol, por vezes esquecido, sobretudo fora do seu país de origem: Luis García Berlanga.
Desde o passado dia 12 de Novembro que está on-line o Berlanga Film Museum, um site que reúne informação sobre a vida e obra do cineasta e pretende ser, segundo os seus responsáveis, «uma base de dados internacional de referência obrigatória sobre o realizador valenciano que possa ser consultada por investigadores e historiadores de Cinema, mas também por adeptos do Cinema». Neste site é possível encontrar textos pessoais, fotografias do realizador, vídeos, ficheiros áudio e até consultar os guiões de 21 dos seus filmes, elementos que nos ajudam a compreender melhor a vida e obra do realizador de «Bem-vindo Senhor Marshall». Mais informações sobre o projecto e a sua génese podem ser encontradas neste link. A viagem de (re)descoberta sobre a obra de Luis García Berlanga começa aqui.
Etiquetas: Curiosidades, Festivais, Internet, Luis García Berlanga, Victor Erice
Hannibal Lecter, que nasceu nos livros de Thomas Harris, tornou-se um ícone do Cinema na década de 1990 graças à interpretação de Anthony Hopkins em «O Silêncio dos Inocentes», dando origem a uma série de filmes com a presença do serial killer. Estas foram as várias encarnações desta personagem, antes e depois do clássico realizado por Jonathan Demme, de uma personagem que muitos consideram ser a verdadeira face do mal.
Brian Cox, em «Caçada ao Amanhecer», de Michael Mann (1986)
Anthony Hopkins, em «O Silêncio dos Inocentes», de Jonathan Demme (1991)
Anthony Hopkins, em «Hannibal», de Ridley Scott (2001)
Anthony Hopkins, em «Dragão Vermelho», de Brett Ratner (2002)
Gaspard Uliel, em «Hannibal - A Origem do Mal», de Peter Webber (2007)
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Hannibal - A Origem do Mal (2007), de Peter Webber
No início da década de 1990 o Cinema conheceu um dos mais icónicos serial killers da história da Sétima Arte. O filme chamava-se «O Silêncio dos Inocentes» e a personagem era um tal de Hannibal Lecter, um psicopata que se encontrava detido numa prisão de alta segurança onde era entrevistado por Clarice Starling, uma agente do FBI que estava no encalço de um outro serial killer. Apesar de a personagem já ter surgido anteriormente em «Caçada ao Amanhecer», de Michael Mann (filme que mais tarde seria alvo de um remake assinado por Brett Ratner: «Dragão Vermelho», foi com o filme de Jonathan Demme que Hannibal Lecter alcançou o estatuto de mito, dando início a uma série de filmes onde esta personagem secundária viria a ganhar cada vez mais protagonismo.
Curiosamente a sua última encarnação não é sobre o que acontece a Hannibal Lecter no final de «Hannibal», a sequela de «O Silêncio dos Inocentes», mas antes como é que Hannibal se torna o terrível serial killer canibal que conhecemos nos anteriores filmes da série. Realizado pelo britânico Peter Webber, que antes apenas tinha realizado «A Rapariga do Brinco de Pérola», «Hannibal - A Origem do Mal» retrata a infância e juventude de Hannibal Lecter, um rapaz lituano que sofre os horrores da II Guerra Mundial às mãos de um grupo de mercenários locais. Depois de um período de cativeiro, durante o qual os seus captores acabam por matar a irmã mais nova de Hannibal, o jovem resolve ir atrás dos carrascos e começa a matá-los um a um, obviamente com recurso a requintes de malvadez.
Comparar o Lecter de Anthony Hopkins com o Lecter de Gaspard Uliel, o actor escolhido para interpretar o jovem serial killer, é quase como comparar um Ferrari e um Mini, tal o estatuto alcançado pela criação do primeiro, sobretudo em «O Silêncio dos Inocentes». É certo que este filme é um pouco diferente dos restantes títulos que compõem a série. Os ambientes não são tão sombrios, apesar de serem à mesma sinistros, e a história é completamente diferente. Não se trata de um filme onde Lecter é um secundário em fuga ou um prisioneiro a quem as autoridades tentam sacar informações, como acontece nos anteriores, mas uma história de vingança pessoal. Mesmo assim, perante o peso da interpretação de Hopkins, Gaspard Uliel consegue ter um bom desempenho, com certas expressões, por vezes forçadas em demasia, que dão algumas feições animalescas ao jovem Lecter, mostrando o verdadeiro terror da personagem.
Não sendo um filme extraordinário, «Hannibal - A Origem do Mal» é um thriller simpático e que se vê bem, encerrando (pelo menos para já, pois não sabemos se Hollywood ainda terá mais cartas escondidas na manga para acrescentar a este universo) o mito de Hannibal Lecter. A nível técnico, há que destacar o trabalho do director de fotografia, Ben Davis, que conseguiu um excelente resultado ao dar diferentes ambientes aos cenários por onde o jovem serial killer vai passando durante o filme. Um regalo para o olhar do espectador, que merecia um pouco mais para colocar este primeiro capítulo da história ao nível dos restantes, sobretudo «O Silêncio dos Inocentes» e «Hannibal».
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Quando ficamos com uma enorme vontade de rever um filme que vimos há relativamente poucos meses é sinal que o filme é realmente bom ou esta coisa de ver filmes começa a ganhar o estatuto de doença?
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Se Ben Affleck como actor deixa algo a desejar (salvo raras, raríssimas excepções), o caso muda de figura quando o actor se lembra de se sentar na cadeira de realizador. Ao terceiro filme nessa posição Affleck volta a provar que sabe o que faz quando chega a hora de dirigir um filme, mesmo que «Argo» não seja tão bom como os anteriores «Vista Pela Última Vez...» e «A Cidade». Contudo, há que realçar que o território e género são diferentes. Ao contrário dos seus dois primeiros filmes, dramas urbanos passados em Boston, com o crime como pano de fundo, para esta terceira obra o actor-realizador resolveu recriar um episódio verídico que teve lugar durante a crise dos reféns da embaixada dos EUA no Irão, no final dos anos 1970, quando a maior parte dos funcionários da representação diplomática norte-americana em Teerão foi feita refém depois de o edifício ser invadido por apoiantes do ayatolah Khomeini. Seis dos funcionários conseguiram escapar antes da invasão dos manifestantes e encontraram refúgio na embaixada do Canadá, que lhes deu guarida durante algum período.
Perante este cenário a CIA entra em acção e tenta encontrar um plano para o resgate deste grupo de funcionários, antes que as autoridades iranianas descubram que há seis pessoas a menos no grupo de reféns. E essa tarefa vai ser levada a cabo por Tony Mendez (Ben Affleck), especialista em missões de evacuação, que idealiza um plano definido pelos membros da CIA como a melhor de todas as más ideias para uma missão daquele tipo, já por si destinada ao falhanço: o próprio Tony Mendez faz-se passar por membro de uma equipa de filmagens canadiana para entrar no Irão e resgatar os seis funcionários, que têm de assumir a identidade de membros da equipa que supostamente foi a Teerão para escolher os locais de rodagem de um filme de ficção científica chamado «Argo».
«Argo», o filme de Ben Affleck, retrata este estranho episódio histórico, que esteve desconhecido até meados da década de 1990, desde a invasão da embaixada norte-americana pelos manifestantes iranianos até ao resgate dos seis funcionários. Rodeado de um bom elenco secundário (só a dupla composta por John Goodman e Alan Arkin, os homens em Hollywood que vão ajudar Mendez a tornar a sua falsa produção o mais credível possível, é simplesmente deliciosa. A personagem de Arkin ganhou já o estatuto de um dos melhores secundários do ano), a terceira longa-metragem de Affleck tem como grande ponto forte uma reconstituição de época muito bem conseguida, com todos os detalhes no sítio certo, que podem ser comprovados durante os créditos finais, quando as imagens do filme são colocadas lado a lado com fotografias tiradas na mesma altura.
O mesmo acontece com a atenção aos pormenores históricos e a forma como o filme contextualiza a situação no Irão, logo no início através de uma excelente sequência animada. O que volta a falhar, tal como já tinha acontecido em «A Cidade», é que Ben Affleck como actor nunca consegue convencer e está a anos-luz do Ben Affleck realizador. E sendo mais uma vez o protagonista principal, «Argo» só tem a perder com esta opção, quando o resto do filme consegue estar à altura do que lhe é pedido, sendo sério quando tem de o ser e mais leve quando tem de seguir por essa via, captando o espírito da época, tanto nos corredores dos organismos de espionagem como da própria Hollywood, que acaba por ser alvo de uma sátira mordaz, sempre pela boca da personagem de Arkin.
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Quem disse que os filmes de Guerra não podem ser belos?
A Barreira Invisível, de Terrence Mallick (1998)
As Cartas de Iwo Jima, de Clint Eastwood (2006)
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No próximo mês de Dezembro, nos EUA, regressam às salas de cinema dois grandes clássicos de Quentin Tarantino: «Cães Danados» e «Pulp Fiction». Talvez seja uma manobra de marketing para abrir o apetite aos fãs do cineasta que vai estrear o seu próximo filme, «Django Libertado», no final do mesmo mês. Mas, tal como o regresso de «Vertigo - A Mulher Que Viveu Duas Vezes», de Alfred Hitchcock, às salas portuguesas, esta é uma excelente oportunidade para recordar dois clássicos dos anos 1990 no grande ecrã. Pena que a iniciativa não se repita por cá, onde decerto muitos dos actuais fãs de Tarantino não tiveram oportunidade de ver estas duas obras em sala.
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Hoje é dia de greve geral e um pouco por toda a Europa há várias manifestações a decorrer. Para fugir um bocado à recomendação do costume para dias como este (para os mais distraídos, há quem goste de recomendar o visionamento de «A Greve», de Sergei Eisenstein), apresento uma lista de 10 filmes sobre tempos conturbados como os que vivemos hoje. Alguns são autênticos murros no estômago, outros dão-nos alguma esperança para esperar por dias melhores. Tal como em outras listas desta rubrica, volto a sublinhar que esta não pretende ser uma lista com os melhores filmes sobre um determinado tema. E propostas alternativas são sempre bem-vindas na caixa dos comentários.
A Multidão, de King Vidor (1928)
Tokyo Chorus, de Yasujiro Ozu (1931)
Umberto D., de Vittorio De Sica (1952)
Ariel, de Aki Kaurismaki (1988)
Ou Tudo Ou Nada, de Paolo Cattaneo (1997)
Rosetta, de Jean-Pierre e Luc Dardenne (1999)
Às Segundas ao Sol, de Fernando Léon Aranoa (2002)
Sangue e Ouro, de Jafar Panahi (2003)
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Neste pequeno vídeo Aki Kaurismaki explica como foi influenciado pela obra de Yasujiro Ozu para seguir a carreira de realizador. Em 1976 perdeu-se um potencial escritor e o mundo ganhou um excelente realizador. Tudo graças ao mestre japonês e a uma visita forçada ao British Film Institute.
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Na semana passada ficámos a saber que o clássico «Vertigo - A Mulher Que Viveu Duas Vezes», de Alfred Hitchcock, o filme considerado recentemente pela revista Sight and Sound como o melhor de sempre, vai regressar ao circuito comercial em Dezembro numa iniciativa da Midas. A prática é bastante comum a nível internacional e em Portugal não é de todo inédita, pois as distribuidoras de Paulo Branco têm reposto alguns clássicos de forma irregular nas salas que pertencem ao grupo do produtor, mas de forma pontual. Esta é contudo a primeira vez em muitos anos que me lembro de ver um clássico chegar ao circuito comercial. Assim de repente recordo-me de ter visto em cartaz, há muitos anos, versões alargadas de filmes como «O Exorcista», de William Friedkin, ou «Blade Runner - Perigo Iminente», de Ridley Scott, no velhinho Quarteto e pouco mais. De acordo com a Midas, esta será a primeira de várias reposições de clássicos a chegar às salas portuguesas. Mas, a dúvida da semana é: será que existe público para estas reposições no circuito comercial?
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No universo de Miike, a resposta é quase sempre sim
Anjo ou Demónio, de Takashi Miike (1999)
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O Atalante, de Jean Vigo (1934)
Era Uma Vez Um País, de Emir Kusturica (1995)
Duas formas de filmar o amor debaixo de água em dois filmes completamente diferentes. Mas ambos poéticos à sua maneira.
Publicada por PMF à(s) 13:04 2 comentários:
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Numa sondagem realizada hoje no Facebook, a propósito do 165º aniversário de Bram Stoker, o British Film Institute resolveu perguntar aos seus fãs na rede social qual o melhor intérprete de Drácula. E o vencedor foi...Gary Oldman, o actor que deu vida ao conde Vlad Dracul em «Drácula de Bram Stoker», a adaptação da obra de Bram Stoker assinada por Francis Ford Coppola. Atrás de Oldman ficaram Max Schreck, o protagonista de Nosferatu, de F.W. Murnau e Christopher Lee, o Drácula dos filmes saídos da mítica Hammer.
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Porque será que Gary Oldman consegue dominar todos os filmes em que entra, mesmo quando não é de todo o protagonista e tem papéis relativamente pequenos, como acontece no recente «Dos Homens Sem Lei», de John Hillcoat?
Publicada por PMF à(s) 09:45 2 comentários:
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A arte dos genéricos #2 Passarinhos e Passarões, de Pier Paolo Pasolini
Continuando a nossa descoberta de genéricos fora do normal, hoje é tempo de irmos até Itália do final dos anos 1960. Desta vez o destaque vai para «Passarinhos e Passarões», a magnifica fábula de Pier Paolo Pasolini protagonizada pelos inocentes Totò (Totò) e Ninetto (Ninetto Davoli), pai e filho que partem pela estrada fora acompanhados por um corvo intelectual de esquerda. Ao contrário dos genéricos tradicionais, neste estranho road movie com tons vincadamente políticos o genérico é cantado.
Este genérico cantado é uma certa variante de outros genéricos de abertura narrados, que tinham surgido anteriormente em filmes de Ingmar Bergman ou em algumas obras do período da Nouvelle Vague. Outra das particularidades deste original arranque do filme é que o cantor, Domenico Modugno, não se limita a musicar os nomes dos protagonistas e técnicos do filme, mas faz também alguns pequenos e deliciosos reparos sobre cada um deles. Por exemplo, no caso de Pier Paolo Pasolini, o cantor recorda que o realizador está a arriscar a sua reputação ao realizar este filme. E por aí fora, com todos os actores principais e os técnicos a terem direito a uma pequeno tempo de antena. O resultado final abre-nos o apetite com um sorriso nos lábios para a genial obra que virá a seguir e pode ser visto no vídeo seguinte:
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Passarinhos e Passarões, de Pier Paolo Pasolini (1966)
Aparentemente estes dois filmes não têm nada a ver um com o outro. Ambos são clássicos incontestáveis, realizados por cineastas com linguagens próprias no universo da Sétima Arte, mas acabam por partilhar uma cena praticamente igual. No final de «Tempos Modernos», o vagabundo Charlot caminha rumo ao horizonte com a sua amada, em busca de um melhor futuro. O mesmo objectivo é o que procuram as duas personagens principais de «Passarinhos e Passarões», que partem estrada fora no final do filme de Pasolini, depois de inúmeras aventuras passadas ao lado de um corvo intelectual de esquerda. É curioso como estes dois filmes, tão diferentes entre si como a noite do dia (apesar do forte teor político, mais presente no filme de Pasolini do que na obra de Chaplin, que acaba por uni-los), conseguem convergir num mesmo final.
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A propósito da chegada às salas portuguesas do filme «Shut Up and Play the Hits - O Fim dos LCD Soundsystem», de Will Lovelace e Dylan Southern, proponho uma lista de documentários sobre música. Desta vez não foram bem os primeiros dez filmes dentro deste tema que me vieram à cabeça, mas sim dez documentários sobre bandas, eventos ou movimentos que me dizem alguma coisa. Claro que poderiam estar aqui outros, mas optei por deixar de fora pelo menos quatro quase obrigatórios para mim, que apenas não estão nesta lista por serem de realizadores que já surgem noutros filmes: «Joe Strummer: The Future Is Unwritten» e «Sex Pistols - O Filme!» (este é recomendadíssimo para quem quiser o fenómeno dos Sex Pistols), de Julien Temple e «Monterey Pop», de D.A. Pennebaker. Como sempre, podem deixar as vossas propostas na caixa de comentários.
Don't Look Back, de D.A. Pennebaker (1967)
Woodstock - 3 Dias de Paz, Música e Amor, de Michael Wadleigh (1970)
Gimme Shelter, de Albert Maysles, David Maysles e Charlotte Zwerin (1970)
Live Forever, de John Dower (2003)
Glastonbury, de Julien Temple (2006)
Joy Division, de Grant Gee (2007)
Bananaz, de Ceri Levy (2008)
Lemmy, de Greg Olliver e Wes Orshoski (2010)
«No Distance Left to Run», de Will Lovelace e Dylan Southern (2010)
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