Talvez esse zelo com o texto original esteja no desejo de apresentar aos dessa geração a força do teatro shakespeariano. E ao mesmo tempo em que usa da força metafórica e visceral do diálogo primitivo – com respeito à imposição das personagens e a integração dos monólogos sem distorcer o poder hipnótico da ação – Kurzel toca de maneira magnânima na atualidade dos temas evocados pela obra: um deles, o principal, já evocado logo no subtítulo da produção, a ambição.
Como o diretor consegue fundir a grande quantidade de monólogo ao corpo da ação? Primeiro, pela dinâmica dos atores – adendo à parte, sobretudo Marion Cotillard e Michael Fassbender, este mais que aquela – e, segundo, pela maneira como Kurzel planeja quadro a quadro as cenas, marcadas pela amplitude da composição e quando necessário, pela força do detalhe. Usa e abusa das simbologias, desde a luz à luminescência das cores; sobre esta última, vale citar o emblemático desfecho em cores vermelho-sangue. Isso significa dizer que não apenas o cenário – de forte traço teatral – mas também a fotografia, o recurso do cinema, é feita com a mesma dedicação com a qual a produção se aproxima do texto clássico. Isto é, Kurzel prima pela unidade e grandiosidade da obra.
Nesse curso, não se descuidará de incorporar resíduos de outras produções fílmicas – a composição das personagens no campo de batalha muito lembra Coração Valente e os efeitos em câmera lenta trazem traços das primeiras composições de 300 e, logo, a incorporação, sem exageros, das condições comuns dos chamados blockbusters. Se, por um lado, o texto pode afastar o espectador mais interessado no cinema como entretenimento, por outro poderá atraí-lo por essas tomadas. Kurzel equilibra-se na tênue linha entre o chamado cinema arte e o cinema comercial, sem gastar suas energias em fazer do clássico um pop.