Metido a Crítico: Fevereiro 2009
Luis Buñuel é um brilhante cineasta, um de meus diretores favoritos. Pouco conhecia de sua vida e, quando achei o livro My Last Sigh em meus passeios virtuais pela loja Amazon.com, tratei de comprá-lo. Não creio que exista um versão em português, o que é uma pena.
A obra foi escrita por Buñuel em 1982 e seu título - Meu Último Suspiro - parece uma macabra previsão do futuro, já que o artista veio a falecer, com 83 anos, em 1983. Trata-se de uma autobiografia mas não uma autobiografia comum. Buñuel segue por alto uma determinada cronologia, mas ela não é determinada a ferro e a fogo. O autor dá pulos de algumas décadas e volta para falar de épocas passadas com grande facilidade: é como se fosse alguém lembrando de seu passado de maneira natural.
O livro tem uma característica importante: a franqueza. Normalmente, em autobiografias, o autor costuma repaginar sua vida e dificilmente fala mal - ou só o que efetivamente pensa - sobre pessoas de seu convívio. Não é o caso aqui. Buñuel descasca vários grandes artistas contemporâneos, com especial destaque a Salvador Dali que basicamente o traiu, chamando Buñuel de comunista em pleno Mcartismo nos Estados Unidos. Buñuel não fala mal de Dali por vingança; apenas retrata-o como um vendido, um homem fundador do movimento surrealista mas que largou suas raízes para se vender para quem oferecesse mais dinheiro.
Outro destaque é o que Buñuel fala de Garcia Lorca. Lorca é adorado por Buñuel mas como pessoa, não como autor de peças de teatro. Ler o diretor falando mal de peças consagrada de Lorca é muito interessante pois pouca gente tem coragem de atacar obras reconhecidamente adoradas pela crítica especializada.
No entanto, há que se frisar que Buñuel não faz isso por mal ou por inveja. São apenas suas opiniões sinceras e é extremamente divertido lê-las. Outra característica interessante do livro é que, apesar de ser a autobiografia de um cineasta, ele não fala muito de seus filmes. São pinceladas aqui e ali apenas, normalmente falando dos defeitos e do quanto ele não gostou de determinada obra que fez, e só. Seu foco é no movimento surrealista, nas memórias de infância e suas experiências com a Espanha pré-Franco e durante a ditadura franquista.
Não faltam momentos engraçados, como quando indagado por dois repórteres se ele achava que ganharia o Oscar de melhor filme estrangeiro por O Discreto Charme da Burguesia, ele respondeu: "É claro. eu já paguei os 25 mil dólares que eles queriam. Os Americanos podem ter suas fraquezas mas eles cumprem suas promessas." A afirmação (uma brincadeira), claro, foi para as manchetes e escandalizou a todos, especialmente a Academia. No entanto, o filme acabou mesmo ganhando a estatueta dourada.
Trata-se de um livro imperdível.
Postado por Ritter Fan às 20:26 0 comentários
Crítica de cinema (em DVD): Star Wars: The Clone Wars
Resisti ao máximo que pude mas acabei cedendo. Sou fã de Star Wars desde que me conheço como gente, fiquei desapontado com a nova trilogia mas não deu para segurar mais tempo e acabei assistindo The Clone Wars, basicamente os primeiros capítulos de uma série homônima animada, que foram lançados diretamente no cinema como se fossem um filme.
O império de Lucas já havia licenciado seu material para a criação de uma micro série animada com quase o mesmo nome (Star Wars: Clone Wars) por parte do brilhante russo Genndy Tartakovsky, autor de Samurai Jack. Essa micro série se passava imediatamente após o Episódio II, no começo das Clone Wars e era genial (melhor que os Episódios I, II e III juntos).
A nova série continua essa estória mas a animação mudou. Saem o traços originais de Tartakovsky e entra uma animação - na verdade uma desanimação - computadorizada bem normalzinha, quase ruim. O problema não é a estilização dos personagens. Isso é o de menos pois os desenhos de Tartakovsky eram bem estilizados também. O cerne, aqui, é a movimentação do personagens em cenas mais lentas. Eles parecem marionetes duras, sem vida. Bom, na verdade eu sempre disse que se George Lucas filmasse teatro de bonecos de dedo e chamasse de Star Wars, ele também ganharia dinheiro (Ops! Isso já foi feito, vide Thumb Wars de Steve Oderkerk aqui.).
Ultrapassada a questão da animação que, para uma série de televisão, não um filme de cinema, é passável (mas que o nariz do Anakin é para lá de estranho, ah isso é), vamos para a trama. O filho de Jabba the Hutt foi sequestrado e Anakin Skywalker junto com sua Padawan Ahsoka Tano (o pessoal da Lucasfilm é craque em criar nomes horríveis) passam os 98 minutos da animação tentando devolvê-lo ao pai. A trama vai se repetindo: Anakin briga com Ahsoka mas Ahsoka está certa e os dois se metem em uma luta; Obi-Wan vem salvá-los no último minuto; Ahsoka e Anakin se desentendem mas se juntam para brigar contra um inimigo maior; no último minuto o Comandante Rex vem ao resgate e por aí vai. Tudo isso com os dois carregando um deplorável monstrinho bebê na mochila... Enquanto isso, Jabba é mostrado como um completo "múcio", caindo na conversa ora dos Jedi, ora dos Sith, sem nunca formar uma opinião. Definitivamente não é o mesmo personagem que vimos no Episódio VI (sim, pois aquela cena triste de um Jabba de CGI no alterado Episode IV não conta).
Enfim, desenhos fracos para uma estória fraca mas que, lá no fundo, bem lá no fundo mesmo, pode ter um potencial para uma série de TV razoavelzinha.
Postado por Ritter Fan às 01:33 0 comentários
Acabei de ler que está nos planos de Hollywood o lançamento dos remakes de The Neverending Story (A História Sem Fim) e Total Recall (O Vingador do Futuro). Há pouquíssimo tempo fomos testemunhas dos lançamentos dos remakes de Friday the 13th (Sexta-Feira 13), Halloween, The Day the Earth Stood Still (O Dia em que a Terra Parou), The Poseidon Adventure (O Destino do Poseidon), King Kong, War of the Worlds (Guerra dos Mundos), Willy Wonka and the Chocolate Factory (A Fantástica Fábrica de Chocolate), Pink Panther (A Panter Cor-de-Rosa), The Hitcher (A Morte Pede Carona) e The Hills Have Eyes (Viagem Maldita). Se formos mais para trás um pouco, lembraremos do remake de Psycho (Psicose), de The Planet of the Apes (O Planeta dos Macacos), de Wings of Desire (Asas do Desejo), de Sabrina, de The Ladykillers (Matadores de Velhinhas), The Fly (A Mosca) e muitos outros.
Se pensarmos em "ocidentalização" de filmes orientais, logo nos vêm à cabeça as refilmagens de The Seven Samurai (Os Sete Samurais, refilmado como The Magnificent Seven ou Sete Homens e um Destino), Sanjuro (refilmado como A Fistful of Dollars ou Por Um Punhado de Dólares e Last Man Standing ou O Último Matador), Ringu (O Chamado) e Infernal Affairs (Conflitos Internos, refilmado como o oscarizado The Departed ou Os Infiltrados). Até mesmo o filme espanhol de terror[REC], de 2007, foi refilmado como Quarantine (Quarentena), em 2008.
E olha que eu nem estou contando com as refilmagens de Insomnia, Abra sus Ojos (que se tornou Vanilla Sky, com o Tom Cruise), Manhunter (que se tornou Red Dragon), Nikita, La Cage aux Folles, Solaris, The Italian Job, The Day of the Jackal, Cape Fear, Get Carter, The Last Man on Earth (refilmado como The Omega Man e, mais recentemente, como I am Legend) e muitos outros. Também não estou contando com conversões de séries de TV em filmes de cinema como S.W.A.T., Shaft, Bewitched (A Feiticeira), Lost in Space e o vindouro The Land of the Lost, entre outros. E, claro, não vou nem falar em continuações.
O ponto é: precisamos desse monte de refilmagens? Não estaríamos melhor criando obras novas ou adaptando obras que nunca antes foram para a telona do cinema? Há uma crise de originalidade?
Bom, a resposta é puramente econômica. Todos sabem que as refilmagens acontecem aos borbotões atualmente por que elas, em tese, tem mais chances de ter boas bilheterias pois ela se beneficiaria, em princípio, do sucesso construído pela versão original. Esse é o mesmo princípio das continuações e prequels. Não há, realmente, como escapar dessa lógica.
Ocorre que, hoje, essa lógica virou desculpa para preguiça. Sob a desculpa de "não alterar o amado original" os produtores partem para refilmagens que são quase que reproduções fiéis dos filmes que os antecederam. Vejam o exemplo da refilmagem do clássico A Morte Pede Carona (The Hitcher), que comentei em um post mais antigo aqui. O que esse remake trouxe ao mundo? O mesmo se aplica à refilmagem imbecil do clássico de Hitchcock Psycho em que o ótimo diretor Gus Van Sant, em uma decisão "artística" absolutamente cretina, refilmou quadro-a-quadro a obra original, só que, no lugar da fotografia em preto-e-branco, se deu ao luxo de usar cores (?!?!?). Em que esse tipo de remake agrega? Tenho até minhas dúvidas se filmes como esses fazem dinheiro de verdade. The Hitcher (o novo) fez, no total, pouco mais de 25 milhões de dólares. Psycho, por sua vez, que custou 60, faturou 37 milhões. Ok, escolhi dois exemplos do pior escalão mas vejam como o interesse geral é pequeno: ainda que o recente Sexta-Feira 13, que custou 19, tenha feito impressionantes quarenta e tantos milhões no primeiro fim-de-semana nos EUA, a queda de faturamento para o segundo fim-de-semana foi de ainda mais impressionantes 81%! É, o filme até já fez dinheiro e com a sobrevida em DVD vai fazer mais ainda, mas haja paciência...
Acontece que esse bombardeio de remakes completamente desnecessários (alguém realmente, do fundo do coração, quer assistir uma refilmagem de Total Recall???) acabam desacreditando o sistema. Filmes novos, mais originais que uma refilmagem, por pior que sejam, injetam vida à Hollywood, pois mexem com o sistema e alguma idéia boa, nova, interessante, acaba saindo (ok, ok, nada saiu de Battlefield Earth mas taí uma exceção para confirmar a regra). Refilmagens, via de regra, não agregam em nada.
Evidentemente, como dito, toda regra comporta exceção e alguns exemplos da lista acima se destacam. The Fly, de 1986, é um excelente filme de horror, que se poderia taxar de anos luz superior ao original camp de décadas anteriores. Exemplo bem mais recente, não se pode afastar a qualidade de The Departed, de Scorcese, que refilmou o também bem recente Infernal Affairs, de 2002. Mas são poucos os que realmente merecem nota. Também são exceções os filmes refilmados pelo próprio diretor do original, como fizeram Hitchcock com The Man Who Knew Too Much e Yasujiro Ozu, com Ukigusa (Floating Weeds ou Ervas Flutuantes). Nesses casos, são os criadores tentando superar a própria criação, algo muito justo e perfeitamente compreensível mesmo que eles, porventura, venham a não conseguir.
Mas refilmar por refilmar, na esperança de ganhar uns trocados a mais é dose. Tanto livro, histórias em quadrinhos e fatos históricos por aí para serem adaptados (fora o que se pode imaginar e criar só se concentrando um pouco) e a indústria prefere repaginar obras, chegando ao ponto de conseguirem ridicularizar o próprio original (o novo Pantera Cor-de-Rosa é de chorar de ruim e olha que o Steve Martin é, em minha opinião, um excelente comediante, vide Os Safados para ficar só nesse exemplo).
O problema é que nós também somos culpados. Nós damos trela a essa porcariada toda que sai pelos esgotos de Hollywood (e olha que sou um grande defensor do sistema hollywoodiano em geral) e vamos ao cinema, alugamos ou compramos o DVD e tudo mais. Nós alimentamos um sistema que é natimorto quando feito em excesso. Obviamente que não defendo nenhuma forma de boicote - longe disso, pois eu mesmo sou o primeiro a querer experimentar esses remakes, tudo bem que, na maioria das vezes, só em DVD - mas fico triste ao ver que The Texas Chainsaw Massacre de 2003, refilmagem do clássico de 1974, fez mais de 100 milhões de dólares só nas bilheterias e custou menos de um décimo disso.
É, os números dos poucos casos de sucesso talvez justifiquem os muitos fracassos. Ok, vamos concluir, então, que não tem jeito mesmo e que os remakes continuarão, gerando, certamente, remakes de remakes que, sem dúvida alguma, multiplicar-se-ão em remakes de remakes das refilmagens e assim por diante. Seria bacana se não fosse, mas é. Não adianta dar murro em prego. Eu, se produtor fosse, certamente quereria ganhar uns trocados fáceis a mais. É a vida, não tem como mudar.
No entanto, regras poderiam ser criadas. Seguem 10 sugestões de um Metido a Crítico:
1. Remakes só de obras de mais de 20 anos do lançamento do original;
2. Se tiver menos de 20 anos, só se for EFETIVAMENTE, uma releitura completa da obra original;
3. Se tiver menos de 20 anos e não for uma releitura do original, faça um filme para ser lançado direto em vídeo doméstico como, por exemplo, S. Darko, continuação de Donnie Darko. Custa menos, tem menos chance de ser um fracasso e não enche os fins-de-semana de lançamentos insípidos;
4. Re-escrevam de verdade o filme original (não achem que trocar o sexo de um dos personagens cai na categoria de "re-escrito");
5. Tentem trocar o gênero do filme original, saindo mais para o lado da homenagem do que da refilmagem;
6. Acrescentem elementos que agreguem alguma coisa à trama. Por exemplo, façam como Peter Jackson fez ao focar no "romance" entre o macaco e Ann Darrow no King Kong de 2005, não como John Guillermin fez ao trocar o Empire State Building pelas Torres Gêmeas no King Kong de 1976;
7. O filme original deve ter uma estória muito boa, não apenas razoável;
8. O filme original não pode ser tão icônico e famoso ao ponto que já tenha sido efetivamente visto por enorme parcela da população. Por exemplo, apesar de Star Wars - Episode IV ter mais de 20 anos, ter uma estória muito boa e tudo mais, todas as pessoas do mundo que vão ao cinema normalmente (ou será que estou exagerando?) já o assistiram de uma forma de outra, nem que seja em pedaços aqui e ali. Uma refilmagem não serviria de nada;
9. Tenham certeza que o filme original teria seus conceitos expandidos e/ou sacramentados e/ou rejuvenescidos por uma refilmagem;
10. Fazer um refilmagem que seja no mínimo tão boa quanto a original não é aceitável. O objetivo tem que ser, obrigatoriamente, criar algo melhor que original. Assim, por favor, deixem clássicos que considerem insuperáveis de lado e procurem refilmar algo que, verdadeiramente, em sua opinião, possa ser superado.
Dito tudo isso, que venham as refilmagens de Robocop, The Birds, Atack of the Killer Tomatoes, Karate Kid, Arthur (sim, Arthur, o Milionário Sedutor!!!), They Live, Buck Rogers, V, Hellraiser, Poltergeist, Back to School, Footloose, Fame, Red Dawn, Short Circuit, Rashomon, Captain Blood e muitos outros (todos os mencionados estão em alguma fase de produção ou, ao menos, os rumores assim afirmam)...
Postado por Ritter Fan às 19:48 3 comentários
Postado por Ritter Fan às 01:14 0 comentários
Lançamentos DTV (direct-to-video ou, em português, direto para vídeo) nunca estiveram tão quentes nos Estados Unidos. Essa onda começou com a Disney lançando continuações de seus clássicos diretamente em DVD, como Cinderella 2 e 3, Pocahontas 2 e outros vários. Aos poucos, essa onda foi pegando pois a produção é mais barata e, portanto, com chances de ser mais lucrativa. Hoje temos coisas desnecessárias como Lost Boys 2 e até o vindouro S. Darko, uma escabrosa continuação de Donnie Darko (o trailer, por si só, é horrendo).
Mas não estou aqui para falar de uma continuação mas sim de mais um desenho direto para vídeo da Marvel: Next Avengers. Não se trata de uma adaptação de uma HQ mas sim de um conceito e personagens completamente novos. Por favor, entendam "novos" aqui como não existentes em HQ, não como algo original ou sem paralelo pois Next Avengers, apesar de agradar, está muito longe disso.
O desenho, de 78 minutos de duração, se passa no futuro, quando os Vingadores (Avengers), tendo derrotado todos os seus inimigos, passaram a cuidar de suas vidas particulares gerando, com isso, filhos. No entanto, a paz dos Vingadores acaba quando o robô Ultron retorna e mata o Capitão América, a Viúva Negra, o Pantera Negra, a Vespa e Hank Pym (o Gigante ou Golias). Tony Stark pega as crianças e se refugia em local secreto, onde as cria para serem quase que cópias de seus respectivos pais. São eles James Rogers, filho do Capitão América com a Viúva Negra; Azari, filho do Pantera Negra; Pym, fiho da Vespa e Hank Pym e Torunn, filha de Thor. Uns 12 anos se passam e alguns problemas levam as crianças a um embate direto com Ultron, que já dominou metade da Terra, eliminando todos os seus heróis.
O desenho é divertimento descompromissado, com um roteiro com pontas soltas o suficiente para exigir uma parte 2 ou, talvez até, um série de televisão. Há material ali realmente interessante para quem gosta dos Vingadores.
Postado por Ritter Fan às 15:51 0 comentários
Postado por Ritter Fan às 15:03 1 comentários
Postado por Ritter Fan às 21:40 0 comentários
Já tive boas surpresas antes no último filme que vi da lista de concorrentes ao Oscar de Melhor Filme. Lembro-me nitidamente quando fui muito a contra gosto assistir Field of Dreams (Campo dos Sonhos) com Kevin Costner, achando que seria uma porcaria e acabei achando-o o melhor concorrente de 1989 (os outros eram Driving Miss Daisy, que acabou ganhando injustamente, Born on the Fourth of July, Dead Poets Society e My Left Foot).
Algo semelhante aconteceu agora com Frost/Nixon. Sabia que era um filme sobre política, sabia que era um filme dirigido por Ron Howard, um competente mas muito burocrático diretor, que nos trouxe o péssimo The Da Vinci Code e os tecnicamente bons mas não excepcionais Cinderella Man, Apollo 13, Ransom e A Beautiful Mind. Assim, estava esperando um filme fraco, documental, sem nenhum "tchan".
No entanto, acabei encontrando outro Field of Dreams.
Não que os filmes sejam semelhantes. Longe disso. Frost/Nixon é, de fato, um filme fortemente político, dependente de longos diálogos e um certo grau de conhecimento do governo de Nixon, especialmente do escândalo Watergate, que acabou levando-o a renunciar. Trata-se da estória da histórica entrevista que Nixon concedeu ao repórter David Frost, em 1977. Frost era um "show man", responsável por um programa televisivo na Austrália tão raso quanto piscina Tony. Algo clicou na cabeça dele algum dia e ele resolver correr atrás de uma longa entrevista de 4 dias com o ex-presidente Richard Nixon. Muito lutou e acabou conseguindo (mas não foi de graça já que Nixon cobrou regiamente por isso).
A estória tinha tudo para se arrastar desesperadoramente nas mãos de Ron Howard mas creio que o diretor achou sua verve e criou uma obra sensacional, que torna as entrevistas verdadeiros shows de suspense e tensão. Frost, completamente desacreditado e basicamente sem nenhum suporte financeiro para bancar o programa, inicia um embate épico com Nixon, pessoa extremamente inteligente, capaz de manipular cabeças. O que começa sendo um passeio no parque para Nixon, toma contornos mais complexos adiante.
David Frost é vivido por Michael Sheen, que viveu o Tony Blair em The Queen. Ele está muito bem como o repórter fanfarrão que se torna um entrevistador de grande naipe. No entanto, o filme é de Frank Langella, que faz o ex-presidente. Ele tem uma atuação sensacional, uma das melhores que vi nos últimos anos: primeiro, consegue espelhar Nixon sem ser caricato e, segundo, consegue dar nuances ao papel que, mesmo sem falar, passa o sentimento que quer passar. Sua maneira de andar, seus trejeitos, sua voz, tudo conspira para mostrar um grande ator em movimento. Por incrível que pareça, Langella nunca concorreu ao Oscar. Essa é a primeira vez e definitivamente merece.
Ron Howard caprichou nos close-ups, na câmera perfeitamente colocada e nas transições. Criou um filme do nada basicamente (era uma peça de teatro no original), algo que efetivamente deixa o espectador suando de tensão em sua cadeira (ok, talvez isso seja um exagero mas vocês entenderam o que quero dizer, não?). Será que Nixon vai "jantar" Frost? Será que Frost tem algo na manga para colocar o presidente de joelhos? Mesmo quem conhece a entrevista e quem sabe o que aconteceu vai ficar surpreso como Howard nos manipula e nos deixa vidrados na tela. Palmas para ele!
Ah, esqueci de dizer que Frost/Nixon concorre a 5 estatuetas douradas: Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Edição, Melhor Ator (Langella) e Melhor Roteiro Adaptado.
Milk é o quarto filme que concorre ao Oscar de Melhor Filme que assisto e minhas esperanças de encontrar algo realmente singular, que salve essa premiação, estão desaparecendo. Slumdog Millionaire, até agora, está ganhando de lavada.
Milk concorre aos prêmios de Melhor Filme, Melhor Direção (Gus Van Sant, que nos trouxe o excelente e experimental Paranoid Park e o sério e emotivo Good Will Hunting), Melhor Roteiro Original, Melhor Montagem, Melhor Ator (Sean Penn, no papel título), Melhor Ator Coadjuvante (Josh Brolin), Melhor Trilha Sonora e Melhor Figurino.
O filme conta a estória real, passada na década de 70, do primeiro homossexual assumido a ser eleito para um cargo público nos Estados Unidos: Harvey Milk. Ele, chegando aos 40 anos e concluindo que nunca fez nada que se orgulhasse na vida, parte de Nova Iorque para San Francisco com seu namorado Scott Smith (James Franco) para tentar uma vida nova. Lá, consegue se tornar um lider de seu bairro (o famoso bairro Castro) e parte para tentar ser eleito Supervisor da cidade (algo como um vereador, imagino). Depois de tentar muitas vezes, ele acaba sendo eleito e parte para brigar pelos direitos dos homossexuais. Sua história é notória pois Harvey foi assassinado junto com o prefeito de San Francisco (não é spoiler pois isso é dito com 10 segundos de filme). O importante no filme é a ascensão desse líder e a inspiração que parece ter trazido.
Acontece que o filme é burocrático e arrastado. Nem parece um filme de Gus Van Sant. Falta vida à subida de Milk ao "poder" e muito do filme fica dependente da atuação de seus astros.
Sobre esse ponto, vale, de fato, o destaque para Sean Penn (que já ganhou o Oscar de Melhor Ator por Mystic River) que encarna um homossexual bem assumido ao ponto de eu ter saído convencido que Penn saiu do armário... Mas, falando sério, o cara está muito bem em seu papel e carrega o filme nas costas. No entanto, mesmo essa ótima atuação, ajudada pelos atores coadjuvantes, especialmente James Franco e Josh Brolin (esse último vive Dan White, que viria a ser o assassino), não é suficiente para salvar o filme de um lugar comum que incomoda.
Outro ponto que não ajuda muito é que o movimento pró-gay parece que existiria apesar de Milk, ou seja, se o que estiver no filme for efetivamente a verdade, a atuação de Milk me pareceu reduzida, de menor importância no contexto geral. Essa característica esvazia o filme de qualquer força que poderia ter.
Definitivamente, com a exceção da atuação de Sean Penn, Milk não é material para o Oscar.
Postado por Ritter Fan às 01:10 0 comentários
Slumdog Millionaire (Quem quer ser um milionário?), dirigido pelo britânico Danny Boyle, que nos trouxe Shallow Grave, Trainspotting, 28 Days Later e Sunshine, concorre a um festival de estatuetas douradas nesse domingo, quais sejam:
3. Melhor Roteiro Adaptado
4. Melhor Edição
5. Melhor Fotografia
6. Melhor Trilha Sonora
7. Melhor Música (2 vezes)
8. Melhor Som
9. Melhor Edição de Som
Não é o filme que mais concorre a Oscars esse ano (essa honra dúbia ficou com The Curious Case of Benjamin Button) mas é, certamente, por todo hype criado, o que tem mais chances de levar os prêmios mais importantes.
O filme começa com Jamal Malik apanhando da polícia pois há uma forte desconfiança de fraude no ar já que ele, um "mero favelado", nunca poderia estar a apenas uma pergunta de ganhar o prêmio máximo do show "Quem quer ser um milionário?". O delegado quer porque quer saber como é que o garoto conseguiu responder as perguntas corretamente. Desse ponto, então, Danny Boyle nos leva à uma viagem pela vida do garoto, em que ele vai, aos poucos, nos dando as informações que o delegado quer (na verdade, que NÓS queremos). Sua vida sofrida numa Índia muito pobre é descortinada.
O filme, apesar de ser muito pesado em alguns momentos, com demonstrações estraçalhantes da maldade humana, tem uma mensagem que tenta ser a mais positiva possível e, para isso, o diretor se utiliza de diversos artifícios tais como cores primárias fortes, câmera saturada, edição frenética e, sobretudo, uma forte, viva e sempre presente trilha sonora, que empolga o espectador e funciona quase que como um personagem a parte.
Para nós, brasileiros, a primeira meia hora de filme lembrará muito Cidade de Deus mas, na realidade, os dois filmes são muito diferentes. Cidade é um filme sobre crescer na favela e o impacto que isso pode ter. Slumdog é um filme de amor, uma verdadeira fantasia calcada na realidade nua e crua do dia-a-dia dos indianos de casta mais baixa. Como pode o amor sobreviver à uma sociedade em que o casamento é determinado primeiro pela condição econômico-social dos noivos e os casais são escolhidos não por alguma atração, mas sim pela família? Slumdog e Cidade somente se parecem na estética de filmagem do começo do primeiro filme, mais nada.
A mensagem de esperança de Slumdog deixa um sorriso no rosto. É, certamente, o "feel good movie" de 2008 e merece o destaque que vem tendo. O problema de Slumdog, talvez, é sua grande dependência do suspense sobre o que vai acontecer ainda que cada passo do filme seja telegrafado com bastante nitidez logo no começo (um mínimo de experiência com cinema permite quase que escrever o roteiro do filme depois que 10 minutos foram vistos). Talvez Danny Boyle tenha percebido isso e carregou os sentidos de informações cromáticas, fortes imagens, cortes naõ exatamente cronológicos e música, muita música.
Dentre os filmes que já assisti e que concorrem a Melhor Filme (The Reader e Benjamin Button são os outros dois), Slumdog é certamente o melhor. Só não sei se ele é, efetivamente, o "melhor de 2008" como um todo. Mas vou contar um segredo: o Oscar nunca foi necessariamente de escolher os efetivamente melhores do ano. Às vezes eles acertam, mas muitas vezes erram. É só lembrarmos que, por exemplo, Shakespeare in Love, The English Patient, Chicago e Crash ganharam o prêmio máximo. Se não fosse assim, na verdade, não teria graça.
Postado por Ritter Fan às 00:44 0 comentários
Revolutionary Road ("Foi Apenas Um Sonho", mais um título infeliz em português), o mais recente filme do aclamado diretor Sam Mendes (American Beauty, Road to Perdition) concorre a 3 Oscars: Ator Coadjuvante (Michael Shannon), Figurino e Direção de Arte.
Trata-se, na verdade, de grande injustiça. Esse filme deveria concorrer também, pelo menos, a melhor atriz (Kate Winslet) e melhor ator (Leonardo DiCaprio), isso sem contar com melhor filme e melhor direção. Não sei o que a Academia tem na cabeça ao prestigiar o bem "mais ou menos" The Reader (comentado abaixo) e deixar Revolutionary Road de fora.
Ora bolas, se era para escolher um papel de Kate Winslet para concorrer a melhor atriz, então que tivesse sido o papel de April Wheeler, não o de Hanna Schmitz de The Reader, em que ela teve sua atuação reduzida por uma horrenda maquiagem amadora.
E DiCaprio? A Academia tem problemas com o garoto? Deram o Oscar de melhor atriz coadjuvante para Anna Paquin (!!!) pelo seu primeiro papel no cinema (em The Piano) e ficam empurrando DiCaprio com a barriga... Não faz sentido. O cara já provou que é bom em várias ocasiões. Lembram-se de The Departed? De Blood Diamond? Vão esperar para dar um prêmio pelo "conjunto da obra" daqui a 30 anos?
Bom, deixa para lá, só estou reclamando e isso não é construtivo. Vamos ao filme.
Revolutionary Road se passa nos anos 50 e retrata a vida de um jovem casal - Frank e April Wheeler - vivido por DiCaprio e Winslet, dois atores confirmando a química perfeita entre eles, já demonstrada em Titanic. Apesar da estória começar no começo, mostrando como os dois se conheceram, Sam Mendes não perde muito tempo e pula logo para o meio da tempestade, quando a vida pacata do casal, já com dois filhos, está degringolando. Frank tem um trabalho que detesta e April é uma dona-de-casa frustrada. Os dois sentem falta de viver pois suas vidas suburbanas em Connecticut, com as casinhas branquinhas bonitinhas, são tudo menos vidas, são meras existências. Vendo-se presa em seu lar e notando as paredes se fechando ainda mais ao seu redor, April sugere que a família faça uma loucura e se mude para Paris, lugar que Frank visitou - e amou - quando serviu na 2ª Grande Guerra.
Um filme como esse, claro, não poderia acabar bem mas isso já é esperado logo no começo (e tendo Sam Mendes como diretor, isso é quase uma regra). O importante é que talvez esse filme descortine muitas vidas de pessoas aparentemente felizes. Será que vale viver da forma como a sociedade dita, abrindo mão de seus verdadeiros desejos?
A direção de Sam Mendes é brilhante, contrapondo os dois atores o tempo todo, com um itneligente jogo de câmeras. Da mesma forma, ele escolheu retratar a casa dos Wheeler da forma mais asséptica possível. O casal tem dois filhos pequenos mas não há nada na casa que indique isso. Os filhos mesmo só aparecem em momentos chave, para passar uma mensagem específica. O foco é o casal e seus conflitos.
Entra então na vida dos dois um louco de sanatório, filho da corretora (Kathy Bates em um papel que lembra muito o de Misery), vivido por Michael Shannon. As duas ou três cenas com ele são suficientes para fazer esse ator brilhar. Muito merecida a indicação por ator coadjuvante. O louco é o único que enxerga com clareza solar o que se passa com o casal. É um verdadeiro terapeuta sem freios, falando o que dá na telha. Exatamente essa capacidade de enxergar - e falar - o óbvio é que o caracteriza como louco pois, afinal de contas, não é possível que as convenções da sociedade estejam erradas, não é mesmo?
O filme é duro, não perdoa ninguém e não tem mensagenzinha bonitinha não. É, basicamente, a vida como ela é e funciona como um alarme para todos nós evitarmos o marasmo, brigarmos contra as convenções e fazermos, pelo menos algumas vezes, o que realmente queremos.
Postado por Ritter Fan às 00:56 0 comentários
Postado por Ritter Fan às 19:08 0 comentários
Tem muita gente que acha que o diretor de The Nightmare Before Christmas (O Estranho Mundo de Jack) é o aclamado diretor Tim Burton. Pois é: tem muita gente errada.
O diretor do mais famoso desenho animado em stop-motion (técnica de animação com bonecos que são movimentados à mão, quadro-a-quadro) é, na verdade, Henry Selick. Tim Burton produziu Nightmare apenas. O que ele dirigiu foi Corpse Bride (Noiva Cadáver). Independente disso, é fato que tanto Nightmare quanto Corpse Bride são primores do stop-motion.
No entanto, Coraline consegue, talvez, ser ainda melhor que os outros dois. Mérito de Henry Selick que novamente insistiu na técnica que o deixou famoso. Não sei exatamente explicar o que diferencia o stop-motion da computação gráfica estilo Pixar sob o ponto de vista do espectador mas há diferenças. Talvez saber que um filme foi feito em stop-motion nos faça dar mais valor a ele pois, afinal de contas, cada segundo do filme gerou a movimentação dos bonecos e do cenário 24 vezes. Façam as contas e vejam quantas vezes a câmera parou para os técnicos movimentarem os bonecos e imaginem o pesadelo logístico que deve ser isso. Filmes bons em stop-motion merecem todos os elogios e apoio dos espectadores. Não é à toa que Nightmare é reprisado todos os anos nos cinemas americanos, na semana do Halloween.
Coraline vai dois passos além em comparação com seus antecessores: é o primeiro stop-motion filmado diretamente em 3D e é baseado em obra literária (que depois foi adaptada para quadrinhos) de ninguém menos que Neil Gaiman.
Sobre o 3D, essa técnica está ficando cada vez mais importante para a narrativa dos filmes mais sérios. Bolt e U23D são dois bons exemplos disso. Em Coraline, o 3D é ajudado para enriquecer a narrativa e nos ajudar a efetivamente entrar em seu colorido mundo alternativo. Talvez seja o melhor uso de 3D que vi até agora no cinema.
Sobre Neil Gaiman, ele é o criador de estórias sensacionais, conhecido por Sandman, o psicodélico "super-herói" dos sonhos e, no cinema, por Stardust e MirrorMask, dois ótimos filmes, especialmente o segundo.
O filme conta a estória de Coraline, uma menina que se muda com os pais para um casarão rosa. Eles são durões e trabalham o tempo todo escrevendo livros de jardinagem, apesar de não gostarem de jardins. Eles têm pouco tempo para a menina. Coraline sai explorando o terreno e a casa e acaba encontrando um garoto estranho que é neto da proprietária da mansão e, também, os 3 outros inquilinos: duas senhoras que outrora foram atrizes de teatro e que, hoje, vivem do passado junto com seus dois cães Terrier (e vários outros empalhados como se fossem anjinhos de presépio) e um malabarista louco que tem um circo de camundongos saltadores mas que ele não mostra para ninguém.
Nesse ambiente, Coraline acaba se sentindo sozinha e esbarra em uma porta secreta que se abre para outro mundo, em que seus pais alternativos só dão atenção à ela e seus vizinhos são, digamos, mais coerentes. O único probleminha é que, nesse mundo, todas as pessoas, inclusive seus pais, têm botões no lugar dos olhos. Coraline então descobre que nem tudo são flores e sua aventura começa a ficar perigosa.
O filme, apesar de ser infantil, não é para os bem pequenos. Só o conceito de botões no lugar de olhos - tal qual bonecas antigas - já é bastante "creepy", bem no estilo de Neil Gaiman. Fora isso, alguns ambientes escuros, crianças-fantasmas, gatos pretos, a bruxa assustadora e a facilidade com que as crianças têm de se identificar com Coraline, torna o filme um pouco mais adulto, recomendável para crianças acima de uns 7 ou 8 anos apenas.
Mas a estória, com mensagem importante (dê valor ao que você tem!) e roteiro impecável, somada à absurda qualidade do stop-motion e com o 3D sendo a cereja em cima do bolo, torna Coraline um grande filme para todas as gerações.