O Studio Ghibli é responsável por um catálogo de animações de peso mundial, influenciando o cinema de todo o mundo.
QQuando assistimos a uma animação, não é costumeiro parar e pensar nos desafios técnicos e criativos envolvidos em sua produção. Animações proporcionam um fascínio capaz de cativar diversas faixas etárias e estender-se por muitas gerações. Uma coisa é assistir aos filmes de Charles Chaplin e não reparar nas limitações da época, outra é assistir Branca de Neve e os Sete Anões, primeiro longa animado da Disney, e não se surpreender com a persistência da obra, mesmo 80 anos após seu lançamento. Existe certa magia (não consigo pensar em palavra melhor) que nos toca profundamente quando observamos traçados e rabiscos ganharem vida. Magia que é elevada à décima potência quando nos colocamos diante de um filme de Hayao Miyazaki.
Hayao Miyazaki é co-fundador dos estúdios Ghibli. Com 76 anos, já ganhou 120 prêmios, entre eles um Oscar Award e um Oscar Honorário pelo seu impacto em animação e cinema
Cineasta nascido em Tóquio e de currículo impecável, Miyazaki representa também um dos pilares do Studio Ghibli. Responsável pela produção de alguns dos principais animes exibidos numa sala de cinema, a empresa japonesa carrega certa identidade visual, temática e narrativa digna de discussões. Boa parte dela é intrínseca ao estilo de Miyazaki, mas é construída também com a ajuda de outros grandes artistas, como Isao Takahata (diretor de Túmulo dos Vagalumes) e Joe Hisaishi (compositor das trilhas de quase todos os filmes do estúdio).
Para começar, a abordagem subjetiva da realidade, das vivências individuais, de sonhos, perdas, aprendizados e conquistas. Um ingrediente especial na receita de O Castelo no Céu, A Viagem de Chihiro, Vidas ao Vento, entre outros. Essa galera é boa em fazer a gente acreditar nesses universos e levar uma parte deles para o nosso dia a dia. Não são só as sutilezas dos traçados de Miyazaki ou da música de Hisaishi.
Não se trata também de uma apreciação superficial, objetiva e tecnicista. Tem a ver com identificação. Através da animação, realizada com um cuidado impressionante, narrativas complexas e mirabolantes atravessam um sólido canal que torna a vida daqueles personagens tão tangível e importante quanto às de quem assiste.
Meu Amigo Totoro, filme de 1988, é um dos maiores expoentes do currículo de Miyazaki. Não à toa, a criatura do filme estampa a logomarca do Studio Ghibli. Animadores ocidentais visionários e renomados como Lee Unkrich e Travis Knight não escondem a apreciação pela obra com referências em seus próprios trabalhos e entrevistas. Quem não assistiu ainda tá muito cru para dizer até onde a animação pode chegar.
Basicamente, conta a história de duas menininhas que lidam com o novo lar enquanto esperam pela chegada da mãe, que está internada em um hospital. A caçula, Mei, encontra um monstro no meio da floresta e, em vez de fugir e pedir socorro, aconchega-se carinhosamente na barriga peluda e confortável de Totoro. A entidade passa a acompanhar as garotas sempre que os adultos se ausentam, oferecendo também diversão e escapismo. É como o clássico construto do amigo imaginário, materializado numa obra atemporal e universal que respeita a capacidade de compreensão de qualquer criança, seja ela dos anos 40 ou dos anos 2000.
Outro ponto presente na alma das obras do Studio Ghibli é a abordagem da natureza, menos romântica, mais bucólica, com um saudosismo mediado pela vontade de contar histórias. Narratólogos até cunharam o termo Ghibli Hills para se referir a localizações em uma narrativa com exaltação à natureza, uma singela homenagem a essa marca inconfundível da produtora. Não à toa, as locações que abrangem a sede do estúdio e o seu respectivo museu são repletas, vamos assim chamar, de Ghibli Hills.
As heroínas-mor da natureza, junto com Totoro, poderiam ser San e Kaguya. Singulares ao seu modo, as duas princesas apresentam perfil contrastante. Uma é independente, a outra é inocente e submissa. Ambas nascidas e criadas na natureza, reflexos do mito do bom selvagem. Enquanto uma resiste ao avanço da civilização humana e se isola de seus iguais, a outra vivencia alguns dos podres que compõem nosso status quo. No meio de familiares, servos e pretendentes, Kaguya desacredita; como se descobrisse numa gaiola, impedida de voar.
A mensagem é simples, porém inspiradora. Oferece novas maneiras de lidar com o destino e com as pressões cotidianas. No desespero, retornamos ao nosso lar: nossa natureza, que por mais hostil e desigual, ainda nos fascina. O discurso dos filmes de Totoro, Princesa Mononoke e O Conto da Princesa Kaguya (e ainda de vários outros) acaba convergindo na valorização do nosso papel como apêndices florais, e não como eixo sustentador, da árvore da vida.
Pôster internacional de “O Conto da Princesa Kaguya”, indicado a categoria de Melhor Animação no Oscar 2015
Uma vez, referi-me sobre “Kaguya” como um filme que tem o poder de nos colocar de volta à posição de crianças, enquanto um velho sábio nos conta histórias. Esse velho sábio poderia ser Takahata (o diretor do filme) ou mesmo Hisaishi (compositor da trilha). A música de “Kaguya” soa incrivelmente legítima. Traduz com uma acurácia absoluta o ambiente de incertezas e descobertas, amplificados ainda mais pelo aspecto visual minimalista da obra. Já delirei perguntando-me se não seria a trilha perfeita. Lembro aqui que perfeição é uma definição artificial, não cabe à experiência naturalmente mágica de se assistir a um filme di Studio Ghibli.