Sopros do fonemol | Teatrojornal
Foto de capa: Inês Correa
Um procedimento criativo de que lançou mão há 25 anos retorna feito bumerangue à cena de Antunes Filho. Substituir da boca dos atores o idioma corrente do espectador brasileiro por uma fala ininteligível, sob a alcunha de fonemol, foi o risco que ele assumiu em Nova velha estória, em 1991, relativizando o sistema de representação e o maniqueísmo no conto de fadas de Chapeuzinho Vermelho. Seria imprudente colar à obra sexagenária desse artista o gesto de repetir-se em Blanche por retomar o som da fala como iminência ficcional a partir de um texto dramático. E no caso, conjugado à noção de teatralidade que ganhou sopro nas peças curtas do projeto Prêt-à-porter (1998-2010) e agora ascende a outros patamares.
Na montagem que estreou em pleno governo Collor o fonemol servia à fábula em que o Lobo Mau não o era tanto assim. Passado o impacto inicial dessa subversão, acabava prevalecendo o tom lúdico (no universo da narração de história, diga-se, a língua bolada de improviso costuma ser conhecida como gramelô). Nova velha estória tinha Luís Melo e Samantha Monteiro como antagonistas, na primeira versão. O estranhamento vocal subjazia ao tratamento espetacular da encenação e da assinatura do trio de colaboradores icônicos de Antunes à época: J.C. Serroni (cenografia e figurinos), Davi de Brito (iluminação) e Raul Teixeira (sonoplastia), este na equipe atual. No palco do Sesc Anchieta, dezenas de esferas de acrílico pairavam sobre a narrativa, suspensas. Uma delas catalisadora, no enredo, ao ser convertida em armadilha para o presumido vilão capturado.
O espetáculo 'Blanche' jamais traduziria sínteses como a que testemunhamos se Antunes Filho não tivesse bagunçado o coreto das convenções teatrais no 'Prêt-à-Porter'
Em Blanche, o fonemol deixa de ser pretexto e se arvora enquanto linguagem. A estratégia centrada na emissão da voz abarca poeticamente o conjunto estético. Soa inerente aos atores encadear fonemas aleatórios em ritmos e sonoridades primos de idiomas do Leste Europeu. A exposição oral em português é deslocada a outros sentidos e sensações. O descondicionamento do signo verbal pela materialidade cênica ocorre a partir de Um bonde chamado desejo, de Tennessee Williams, drama imortalizado no imaginário do espectador ocidental através da adaptação cinematográfica de Elia Kazan, o mesmo que o encenou na Broadway.
A dramaturgia é preservada em essência, mas transmitida em tal dialeto de sugestivo estágio primitivo. O ruído no artifício do dizer/sentir reivindica do ator distanciamento permanente entre o inconsciente e o presente da ação. A rigor, nada de novo para o intérprete que decora o texto e o representa. A distinção está em desconfigurar o ato de memorizar e deixar-se levar pela noção de esvaziamento. Os diálogos inventados pressupõem o instinto, bebem do improviso. O corpo do intérprete, por outro lado, ocupa o espaço cênico sem artificializar a expressão em gesto ou movimento. Não há esforço em compensar o indizível quando se almeja o inefável. Estado a que se alcança.
Quando o elenco e o diretor assim procedem na sala oficial de ensaio e para ela convidam o espectador, estamos no campo simbólico comum. Ao adotarem o experimento como eixo determinante do espetáculo, eles aumentam a percepção crítica sobre as inaptidões de Blanche e do cunhado Stanley mediados pelo amor e complacência de Stella.
A função dramatúrgica do fonemol atinge as demais estruturas de cena. Os criadores saem dos trilhos da convenção teatral ao inscrever o próprio ambiente da sala de ensaios do Centro de Pesquisa Teatral, o CPT/Sesc, na subjetividade arquitetônica do prédio de dois andares onde vivem os Kowalski. Inexistem paredes ou portas cenográficas, mas não é difícil intuir o confinamento nos dois cômodos do térreo e imaginar o que se passa no andar de cima habitado por outra família. O espectador se vê artisticamente estimulado à intimidade nessa habitação (o cortiço brasileiro?) e cúmplice do murmúrio da rua em frente.
A tênue separação entre público e privado é lembrada por meio de linhas brancas e vermelhas no piso, devidamente borradas pelos personagens em momentos de tensão. A inverossimilhança do que é dito desliza para o que é visto. É encantador – não há outra palavra – quando Blanche derruba a parede que o espectador desenhara até então, em sua sensibilidade, ao contar ao pretendente Mitch, emocionada, sobre um ex-namorado que cometeu suicídio.
As cerca de 50 pessoas da arquibancada acabam se dando conta da falta de delimitação entre cena e plateia, principalmente, devido à estabilidade da luz de serviço, branca. As 20 luminárias fixadas próximas ao teto sugerem uma tarde de ensaio fechado, em que a claridade do dia poderia entrar pelas janelas de vidro ao fundo da plateia. Contribui para isso a atitude proativa dos atores nas costas da arquibancada, preservando o vínculo com o colega que está em cena do outro lado, trocando de figurinos e assumindo a contrarregragem em instantes precisos. A sonoplastia com levadas de blues e jazz à moda de New Orleans costura essa espacialidade difusa assim como a vibração vocal dos atores pressupõem os conflitos e sussurros ocultos na vizinhança.
Uma ressalva a Blanche é que sua dramaturgia em fonemol não assume a fundo o equilíbrio sobre o abismo da incomunicabilidade – uma das máculas da era da informação. A generosidade em manter em bom português o nome dos personagens e os gentílicos para situar aqueles que desconhecem a trama mitiga a natureza ousada dessa ideia. Pesa a mão, ainda, o trecho do prólogo em que a atriz-narradora (Stella Prata) enfatiza a necessidade de o espectador imaginar e criar sua própria dramaturgia. São direcionamentos contrários à liberdade de voo nos neologismos impressos na cena. Resquícios parecidos com os das jornadas Prêt-à-porter, quando a introdução a respeito das três cenas da noite e a gênese dos personagens foram gradativamente abandonadas em prol da capacidade de síntese e apreensão dos dois lados, público e ator.
Marcos de Andrade interpreta Blanche e seu duplo na criação do CPT
Diante da rotatividade das mulheres e dos homens que passam pelo CPT e Grupo Macunaíma, Marcos de Andrade, no papel-título, e Andressa Cabral, como Stella, coincidem no feliz encontro de pertinências técnicas e talhos da vida e da arte. O primeiro abraço das irmãs, um reencontro após anos, sela uma imagem idílica com ambas parecendo desenhar com as mãos, no ar, as esperanças que cultivaram na infância. Na peça, equivale à antessala das violações e crueldades que virão. O autor norte-americano fornece substrato social suficiente para se notar a naturalização arraigada do espancamento das mulheres pelos homens com quem dividem o mesmo teto. O que a montagem amplifica para o cotidiano de agressão e morte às travestis, a homofobia no atacado.
Decano do elenco (são dez anos sob Antunes), Andrade é um dínamo de nuances de gênero e de projeções psíquicas e sensoriais de uma Blanche impossível de ser categorizada. O ator travestido de mulher como que dança sobre as máscaras de Kazuo Ohno (referência explícita ao solo Admirando La Argentina, 1976) em atravessamentos líricos. E outra cena, seu olhar denuncia o horror na sequência do estupro de que ela é vítima e o público, angustiado, não vê (cena oculta também no texto original e no filme). Andrada flana ou ziguezagueia com destreza performativa para não apagar o cidadão do teatro que entrediz Blanche e sua condição de artista em 2016. A virilidade infiltrada em contraponto à hegemonia de Stanley, um machista menos óbvio na atuação de Felipe Hofstatter.
O desempenho de Andressa Cabral carreia energia com um registro discreto, de tonalidades próximas ao pensamento e à prática stanislavskiana. Ela mora nessas contradições de matrizes como a alma de Stella balançada entre postergar os desejos ou concretizá-los. Seu rosto de tez polonesa e cabelos ruivos parecem emprestados de uma daquelas personagens de conjunto habitacional em filme europeu.
No retorno mais direto à cruzada antiespetacular, Antunes Filho desfruta de dois achados em meio à dezena de atores e atrizes que cumprem todas as partituras com admirada competência. E Blanche jamais traduziria sínteses como a que testemunhamos se Prêt-à-porter não tivesse bagunçado o coreto das convenções teatrais ao ocupar, primeiro, a área de convivência no térreo do Sesc Consolação e, em seguida, subir com o público para o sétimo andar, o do CPT e seu labirinto.
.:. Leia reportagem com Antunes Filho e elenco de Blanche, bem como a crítica de Ferdinando Martins.
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