Fortes D'Aloia & Gabriel, Galeria Luisa Strina abrem exposição coletiva em Portugal
Fortes D'Aloia & Gabriel, Galeria Luisa Strina e Sé Galeria abrem exposição coletiva em Portugal
Mostra reúne 37 artista para atualizar a dicotomia clássica entre o dionisíaco e o apolíneo, colocando os deuses gregos em diálogo com orixás afro-brasileiros Exu e Oxalufã
Ordem e caos, inversão e controle, unidade e multiplicidade. Como uma tentativa de atualizar a dicotomia clássica entre o dionisíaco e o apolíneo, abordada por Friedrich Nietzsche em O Nascimento da Tragédia, a exposição O Canto do Bode é uma ação colaborativa entre as galerias Fortes D'Aloia & Gabriel, Galeria Luisa Strina e Sé que reunirá 37 artistas na Fundação Herdade da Comporta, Portugal, durante todo o verão europeu.
As três galerias brasileiras ocupam o espaço do antigo cinema no edifício histórico da Casa da Cultura com uma coletiva dividida em dois atos, como uma peça teatral. A ideia é lançar nova luz ao tema a partir de uma perspectiva contemporânea e pós-colonial, posicionando os dois deuses gregos em diálogo com os orixás afro-brasileiros Exu e Oxalufã.
Com um display expositivo especialmente concebido pelo artista João Maria Gusmão, as cenas se desdobram simultaneamente em três meta-espaços: a platéia, o palco e os bastidores. As baquetas penduradas da obra Slit IX, de Alexandre da Cunha definem o ritmo do primeiro ato, em que o palco está oculto e as obras prestam homenagem à unidade vital entre natureza e ser humano. Na platéia, a atmosfera é de grandes esperanças e expectativas, e os visitantes esperam que a peça comece. O tributo de Edu de Barros aos afrescos tradicionais do Renascimento elevam a atmosfera e seus impulsos energéticos a uma cena de ascensão espiritual. Durante todo o tempo, o baile de máscaras político brasileiro de antigos e novos ditadores é questionado sobre o palco onde, atrás de cortinas fechadas, obras de Anderson Borba, Cildo Meireles, Daniel Fagus Kairoz e João Loureiro se preparam como atores, ou talvez revolucionários.
Na beira do palco, o trabalho mais recente de Ernesto Neto traz adiante o desejo de olhar para o chão e viver para a batida que regula todas as coisas naturais, enquanto os símbolos pintados de Sheroanawe Hakihiipe visam resgatar a memória oral de seu povo – uma comunidade Yanomami em El Alto Orinoco, Venezuela – sua cosmogonia e tradições ancestrais. As culturas indígenas sempre elogiaram a celebração intoxicada da vida como um lugar privilegiado para a elaboração de subjetividades vibrantes, enquanto a cultura ocidental há séculos demonizou o dionisíaco. A religiosidade sincrética e a organização de um mundo material que dá novo significado sensual aos materiais permeia a exposição e vê sua explosão na malha luxuriante de cidade e vegetação de Lucia Laguna, na mariposa abstrata e colorida de Tadáskía, expressão de um corpo que não permitiu ser domado, bem como do resgate de suas ancestralidades afro-diaspóricas.
No segundo ato, aberto a partir do dia 29 de julho, o véu será retirado e o palco será revelado. O canto tumultuoso das Bacantes dará lugar à contemplação, ao sonho lúcido e à representação formal. Aqui, o retrato noturno de Panmela Castro e o Self Map abstrato de Janaina Tschäpe transmitem uma sensação de quietude, mas ainda assim revelam o desejo inquieto que os artistas têm de moldar o mundo como uma imagem, escondendo-se atrás das rápidas pinceladas dos pintores.
As pinturas gestuais de Arnaldo de Melo supervisionam a platéia enquanto no palco as peças históricas de Kim Lim, Narcissus e Caryatid, fazem referência a seu interesse pelos vestígios de civilizações anteriores e reconhecem a dualidade entre uma experiência ordenada e estática e os ritmos dinâmicos de formas orgânicas. Como um palco dentro do palco, as obras de Rebecca Sharp e Gusmão + Paiva reproduzem cenas minúsculas e intrincadas em que a imobilidade e a ausência são predominantes.
A grande paisagem marítima abstrata de Marina Rheingantz, Marujo, conduz o olhar a flutuar para os bastidores onde encontramos a tranquilidade das composições de Fernanda Gomes e Erika Verzutti, nas quais os destroços do cotidiano se transformam em composições poéticas que nos deixam entrar num momento de concentração mental e emocional. Os seres vivos, animais e plantas que habitam o desenho de Michel Zózimo trazem ao espectador uma sensação de excitação, uma lembrança dos instintos de sobrevivência inerentes à vida.
Por fim, nos dois capítulos da exposição, chegamos à conclusão de que esses instintos opostos que parecem lutar pelo controle da humanidade caminham lado a lado, principalmente em desacordo aberto, estimulando-se mutuamente. Um não pode existir sem o outro, e a arte como a conhecemos é tão dionisíaca quanto apolínea, tanto exusíaca quanto oxalufã única.
Data: Primeiro ato ( 20 de Junho até 25 de Julho); Segundo ato ( 29 de Julho até 31 de Agosto)
Local: Casa da Cultura da Comporta, Portugal
Tags Alexandre da Cunha, Anderson Borba, Arnaldo de Melo, Caetano de Almeida, Cildo Meireles, Dalton Paula, Daniel Fagus Kairoz, Edu de Barros, Erika Verzutti, Ernesto Neto, Fernanda Gomes, Janaina Tschäpe, João Loureiro, João Maria Gusmão, João Maria Gusmão + Pedro Paiva, Jorge Queiroz, Juan Araujo, Julião Sarmento, Kim Lim, Laura Lima, Leonor Antunes, Lucia Laguna, Luiz Zerbini, Manata Laudares, Marcius Galan, Marina Rheingantz, Marina Saleme, Michel Zózimo, Panmela Castro, Pedro Victor Brandão, Rebecca Sharp, Rivane Neuenschwander, Robert Mapplethorpe, Sheroanawe Hakihiiwe, Tadáskía (AKA max wíllà moraes), Tonico Lemos Auad
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