Uma das mais importantes coreógrafas da cena contemporânea, Tânia Carvalho, estreia uma peça para 20 intérpretes, verdadeiro teste às linhas principais do seu trabalho: rigor, destruição, forma. Um discurso marginal que hoje e amanhã está na Culturgest, em Lisboa, e, na semana que vem em Paris.
Há um momento, que corre o risco de se perder por entre a massa de bailarinos que forma o elenco de "Icosahedron": uma linha preta atravessa os 20 corpos que se digladiam por uma só identidade. O que então vemos, escondido pela sombria luz e pela rigidez dos corpos, é apenas uma das chaves para a mais recente coreografia de Tânia Carvalho (n. 1976), feita de aglomerados de sentidos, de gestos, de frases que parecem de um outro tempo, imaterial apesar da aridez do que fazem.
A estreia hoje, na Culturgest, é só a primeira data de uma digressão que a levará, dias depois, a abrir os Rencontres de Seine-Saint-Denis, na região parisiense, o mais importante festival de dança contemporânea do início da temporada e para o qual todos os olhares se dirigem quando se fala de experimentação em dança.
Tânia Carvalho chega agora, ano de todas as crises, com uma peça para 20 intérpretes, quando as massas parecem ter perdido o lugar na cena contemporânea europeia. E, no entanto, ela, que sempre foi uma coreógrafa do gesto implicado, resolveu responder a essa dificuldade com uma peça onde se desmultiplica noutros corpos, mas não noutros olhares.
São 20 como podiam ser só um, materializando a complexa construção dessa figura geométrica, o icosaedro, de 20 faces iguais. "São todas projecções minhas", diz-nos no fim de um ensaio em Montemor-o-Novo, onde a companhia esteve em residência. "São projecções com funções diferentes", acrescenta. E a cada corpo uma função, a cada função um conjunto, em cada conjunto "a sua limitação".
O percurso de Tânia Carvalho é feito disso, de permanentes projecções e conflitos. "Tenho uma relação de amor-ódio com a dança", diz. Quando nos confessa que a acha pirosa, incompleta, imperfeita, nunca sabemos se está a ironizar ou se está a falar a sério. Nunca sabemos porque se percebe no movimento dado a fazer a cada bailarino uma limitação que deriva "da impossibilidade de aquilo ser feito". São assim as suas peças: no limite do dizível. E, no entanto, delas retiramos sempre a exigência de um movimento seco, áspero, que pede que os intérpretes sejam mais mecânicos e funcionais do que fluidos e abrangentes. E, em resumo, é isso que são: objectos que pairam na cena coreográfica europeia sem par, que perturbam a lógica linear e integrada da dança actual, que reconstroem permanentemente um mesmo caminho, através da repetição, da insistência, da pesquisa profunda, da vontade de ficar a olhar para um mesmo movimento até ele se deformar por si, até ele passar a ser outra coisa, outro movimento, outra ideia.
Contudo, o modo como trabalha é muito rigoroso e formal: "Passo-lhes [aos bailarinos] o que quero que façam, até não lhes conseguir explicar. O que fazem, mesmo que tenha procurado integrar algumas das suas 'habilidades', serve uma mesma ideia". Essa ideia não é líquida e não é perceptível. Não tem de ser. Peças como "De mim não posso fugir, paciência!" (2008) ou "Orquéstica" (2006)", trabalhos de grupo, mostram o que já se tinha visto nos solos, como "Explodir em Silêncio Nunca Chega a ser Perturbador" (2005) ou "Uma lentidão que parece uma velocidade" (2007), obras de uma intensidade limite, como se cada movimento esgotasse a sua razão. "Eu sei sempre o quero que seja feito", diz-nos, antes de explodir numa gargalhada que disfarça a sua permanente dificuldade em explicar, exactamente, o que quer.
Ao longo dos anos, o que tem apresentado é um trabalho onde o corpo, sendo a matéria-prima da qual parte, serve uma função: destruir-se. É um corpo que não se resolve, que não se conforma, que "tenta ter uma forma". Em "Icosahedron", estes 20 corpos, escolhidos em audição e com evidentes formações distintas, servem um propósito: perceber se, juntos, podem criar uma massa. As imagens que criam, dialogando com uma surpreendente banda-sonora de Diogo Alvim, feita dos mesmos rasgos, cortes e amplificações metálicas do movimento, deformam-se ao mesmo tempo que se constroem. São bichos, são homens, são monstros, são geométricos, são tudo ao mesmo tempo, primeiro a solo, depois em grupo, primeiro no chão, depois erguendo-se, como se cada metamorfose fosse uma nova hipótese de sobrevivência.
Sobrevivência é a palavra mais forte para responder aos desafios lançados por Tânia Carvalho, que insiste numa ideia de derrota, de humilhação, de destruição. "Tenho essa ideia da dança", diz. Os rostos dos bailarinos, na primeira parte impassíveis, na segunda perturbadores, grotescos, "ridículos", são a sua forma de responder às exigências de formatação do corpo, do sentido, do gesto, da imagem. São, no limite, o seu próprio fantasma.
No Coliseu, Salvatore Adamo; no CCB, Fausto Bordalo Dias. Em dois dias consecutivos de Outubro, duas propostas musicais irrecusáveis.
Não há mais nada que os ligue a não ser a música (são ambos cantores e compositores) e o calendário: um nasceu em Comiso, na Sicília, Itália, no dia 1 de Novembro de 1943; outro nasceu cinco anos depois, a bordo de um navio, em pleno Oceano Atlântico, vindo a ser registado em Trancoso, Vila Franca das Naves, em 26 de Novembro de 1948. E se nasceram no mesmo mês, vão subir a diferentes palcos lisboetas também num mesmo mês, Outubro, e em dias consecutivos: Salvatore Adamo no Coliseu dos Recreios, no dia 25 (às 21h30), e Fausto Bordalo Dias no CCB no dia seguinte, sexta 26 (às 21h).
É provável que parte do público de Adamo vá também ao concerto de Fausto, e vice-versa. Mas, para lá disso, é a quase coincidência de datas que sugere uma revisitação às respectivas obras: à de Adamo, porque é um dos nomes da chanson que permanece no activo e cujas canções marcaram uma geração (a última vez que actuou em Portugal foi em 2004, no Casino de Espinho); e à de Fausto Bordalo Dias, porque o que ele apresenta no CCB, numa só noite, é A Trilogia, súmula em palco da monumental obra que dedicou à diáspora lusitana, por mares e terras adentro, na procura de novos mundos: Por Este Rio Acima (1982), Crónicas da Terra Ardente (1994) e Em Busca das Montanhas Azuis (2011), três obras-primas, em discos duplos, com lugar cimeiro na música portuguesa.
Adamo, que da Sicília se mudou muito novo com a família para a Bélgica (onde o pai arranjou trabalho nas minas) e daí para o Luxemburgo (onde ganhou um concurso na rádio local), rapidamente se tornou uma voz popular da canção de expressão francesa. Canções como A demain sur la Lune, Tombe la neige, Mes mains sur tes hanches, La nuit, Dolce Paola, Viens ma brune ou Vous permettez, monsieur instalaram-se na memória colectiva e foram grandes êxitos na década de 1960. Mas a par de canções de padrão romântico, Adamo também foi trovador da canção política, criticando situações ou regimes, da Espanha franquista (Manuel) à ex-União Soviética (Vladimir), passando pelas guerras do Líbano ou da Bósnia. A canção Inch’Allah, por exemplo, escreveu-a em reacção à Guerra dos Seis Dias entre Israel e o Egipto, em 1967. Mas alterou-lhe a letra quando Arafat e Rabin apertaram as mãos, em 1993, sob o patrocínio americano de Bill Clinton. Escreveu, esperançoso: “Eis que, ao cabo de tanto ódio, filhos de Ismael e filhos de Israel libertam de uma mão serena uma pomba rumo aos céus.” Mas não durou muito, tal esperança. Rabin foi assassinado em 1995 por um extremista judeu e o que se seguiu não é recomendável. Com que espírito cantará Adamo, agora, o seu Inch’Allah?
Por cá, na época dos grandes navegadores, esse “se Deus quiser” (o Inch’Allah árabe) revelava outros contornos. Tinha pela frente o mar e o desconhecido, e uma sede de abrir portas para novos mundos; pela expansão e pela conquista, é certo, mas também pela curiosidade da descoberta. A partir das raízes da música popular portuguesa, Fausto Bordalo Dias começou há mais de três décadas a sua própria viagem por esses mesmos caminhos, absorvendo o que deles foi deixado em testemunho escrito, da Peregrinação (1614) de Fernão Mendes Pinto à História Trágico-Marítima (1735-36) de Bernardo Gomes de Brito ou às Crónicas da Guiné (1453) de Gomes Eanes de Zurara, passando pelos relatos de Diogo Gomes, Cadamosto, Conde de Ficalho e pelas explorações de Silva Porto (figura tutelar na infância do cantor, quando viveu em Angola). O resultado é uma obra ímpar em toda a história da música portuguesa, pelo fôlego, pela qualidade musical, pelo extraordinário labor poético das canções, num todo genial e comovente. Se ouvir os discos que constituem esta trilogia é, há muito, um dever de todos aqueles que prezam a boa música, assistir a um concerto, com tal programa, de Fausto Bordalo Dias (concertos sempre intensos, mas infelizmente raros) é obrigatório. Por isso, já que os barcos vão de novo de saída, e agora juntos, só nos resta reservar um lugar a bordo.
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