Cinebiografias de astros do rock possui um excessivo clichê, que pode ser uma desculpa fácil de se aceitar, considerando que a história se baseia na vida real, e que a vida real destes músicos podem sim ter todo esse clichê. Afinal, todos tinham acessos de raiva, vícios em pílulas ou outras drogas, bebida excessiva e até uma história de amor. No caso de Johnny Cash, o diretor James Mangold decidiu abusar um pouco mais deste último para quem sabe fugir da mesmice. Não acredito que deu muito certo, afinal tem muita mesmice que se bem trabalhada, dá um resultado ótimo, afinal a gente gosta do clichê. E a gente sabe que foi real uma grande parcela de cada história e que os próprios músicos fizeram de suas vidas um clichê. Mas, veja porém Ray, um filme que tem os elementos de outras cinebiografias mas que atingiu resultados muito superiores. E não estamos dizendo que a vida de Ray tem conteúdo mais interessante do que a do Sr. Cash. Ambos tem suas peculiaridades, e Johnny é uma lenda cuja história pode ser muito interessante. Se este filme passou por adquirir uma carcaça de comédia romântica foi culpa do diretor, jamais do personagem principal.
Aqui no Brasil, o apelo amoroso foi mais forte, afinal substituiram a arte do cartaz original, por uma foto do casal, e traduziram o título original (Walk the Line, que nada mais é que um título de uma das músicas do cantor e também uma ironia pro filme todo) para “Johnny & June” como se fosse mais uma história de amor do que a história de Johnny Cash até ele conseguir se recuperar do vício de pílulas e até gravar um álbum num presídio. Bem verdade que a história deste casal foi uma das mais interessantes do mundo do rock que deu início na década de 50, e por mais turbulento que seu começo tenha sido, ele termina de uma forma bonita, levando a gente a crer (ainda mais considerando ser real) que deve existir mesmo essa coisa que uma pessoa é destinada para outra. Afinal, Cash tinha filhas e uma esposa, mas sempre tratou June como sua musa, e após ter finalmente “entrado na linha” mesmo com altos e baixos, ele vive com June por um bom tempo, morrendo quatro meses depois dela.
Contudo, se tem uma coisa que ninguém pode negar é o impactante talento do casal June (Reese Witherspoon) e Johnny (Joaquin Phoenix). Aliás este último tem um destaque maior ainda, representando trejeitos do verdadeiro Cash, o olhar torto e por vezes sonolento por conta dos remédios, o jeito desengonçado de segurar o violão e jogá-lo para trás. E mais: tanto ele quanto Whiterspoon cantaram todas as músicas do filme ao vivo, que nos mostra que o talento aqui vai longe. Phoenix possui um timbre quase idêntico de Cash, numa voz grave e vibrante. Como restante do elenco, figuras interessantíssimas pintam na história, como Roy Orbison, Jerry Lee Lewis e o nosso eterno rei Elvis Presley.
É graças a todos os demais detalhes como fotografia e trilha, além das boas atuações, que o filme chega num nível mais digno de qualidade, a gente perdoa o apelo amoroso até pelo fato de também vermos muito de Johnny Cash ali no longa. Quem sabe, se nas mãos de um Taylor Hackford o filme não nos daria uma narração ainda melhor com um Johnny Cash mais completo (em termos de história, jamais de atuação pois Phoenix está perfeito).
Na década de 50 os jovens que sentiam começar a ferver em seu interior a grande energia do Rock n Roll, e tentavam usar a música como sua carreira, poderiam sofrer preconceitos, ao mesmo tempo em que eram idolatrados por tantas meninas histéricas. Ricardo Valenzuela (Lou Diamond Phillips) vivia nos Estados Unidos, porém com ascendência mexicana. Era de uma família pobre, com seu irmão viciado numa pinga 51, sua cunhada grávida e chorona por conta do marido, e sua mãe que sempre lhe apoiou, Connie (Rosanna DeSoto). Talvez por sua classe social, ou o fato de ser estrangeiro e mais ainda por ser “apenas um cantor”, Ritchie era desprezado pelo pai de sua amada Donna, uma namorada que conheceu nos tempos do colégio antes de largar os estudos para viver de música.
Dirigido por Luis Valdez, há no filme elementos manjadíssimos de uma cinebiografia de astro do rock. Mas, a história de Ritchie por si só é diferente de muitos outros. Tem aquele tempero mexicano, e tem a própria personalidade do protagonista. Ritchie não era drogado. Não dormia com groupies, não quebrava a guitarra. Era o bom moço e quem apimenta e toca o terror de rock star ali é seu irmão Bob (Esai Morales). Este, apesar de amar o irmão e da relação de ambos ser boa, alimentava uma certa inveja e ciúmes de Ritchie. Enchia a cara quase todo dia, arrumava briga e tinha sempre seus sonhos fracassados. Não era o foco principal do filme, mas parece que havia a necessidade de destacar Bob mais do que deveria talvez por conta do bom comportamento de Ritchie. Isso não chega a deformar o filme, pois a personalidade de Bob contrastava com a de Ritchie fator decisivo para se formar o perfil exato do personagem. E mesmo não conquistando jamais o coração do pai de Donna, ele provou seu amor para ela ao mostrar que não se importava com fãs histéricas. Aliás, Donna foi responsável por um de seus maiores sucessos, sendo sua musa inspiradora na canção Donna.
A introdução da música La Bamba no filme homônimo, foi bem encaixada. Primeiro com Ritchie ouvindo ela numa casa de tolerância (acho divino esse termo) em Tijuana, por um grupo de mexicanos tradicionais, cenas depois com Ritchie pedindo ao seu produtor e empresário Bob Keane (Joe Pantoliano) em poder fazer uma versão Rock n Roll da música, e cenas após isso, Ritchie cantando a música num festival, sendo super bem recepcionada pelo público.
Mas, não nos esqueçamos de que o filme foi feito na década de 80. Então, clarooo que tem elementos toscos. Uma é Ritchie pra cima e pra baixo com a guitarra pendurada no pescoço. Entrar num lugar pra tocar já com a guitarra pendurada até vai, mas descer de uma moto, ir no restaurante ou no parque de diversões com a guitarra não dá. Se é da época ou não, isso é coisa que não sei.
Os closes nos sapatiados rockabilly do pessoal dançando, ou mesmo a briga entre irmãos, são pontos altos. Ainda temos a participação de Brian Setzer, líder do Stray Cats fazendo o papel de Eddie Cochran, outro cantor fantástico da época, que ganhou sucesso com a música Summertime Blues (embora a versão do Stray Cats, que é tocada no próprio filme “La Bamba” é bem melhor e mantém os traços do Rockabilly).
Ritchie sempre teve medo de andar de avião, e frequentemente tinha pesadelos relacionado com tragédias. Mas, grande parte do filme mostra o lado gostoso e contagiante de Ritchie. É apenas em minutos que tudo se dissolve com a nevasca e a queda do avião de pequeno porte, no dia 03 de fevereiro de 1959, o dia que Don Mclean em sua música American Pie chamou de “O dia em que a música morreu”. Não mostra a queda do avião, porém o diretor acertou mais uma vez, soltando uma carga emocional intensa ao notificar pelo rádio a notícia da morte dos três astros do rock: Big Bopper, Buddy Holly e Ritchie Valens, este com apenas 17 anos. A família de Valens recebe a notícia em choque. Tudo que você pode chorar você chora em pouquissimo tempo. O tempo da família ouvir a notícia, a própria Donna ouvindo no colégio e a reação de Bob (que havia se reconcilidado com o irmão momentos antes da tragédia) emociona. Não há mais o que mostrar e o filme. De fato é desnecessário o pequeno take de uma lembrança de Bob com Ritchie correndo num morro. Mas é tão rápido que não deprecia, mesmo sendo a cena final. E volta nos créditos finais com La Bamba e o sorriso simpático de Lou Diamond Phillips, que apesar de certos amadorismos em algumas cenas, encaixou perfeitamente no papel.
A morte é acordar, disse o índio para Ritchie. Mais tarde, Buddy Holly já no avião comentaria para Ritchie: “Não há para que ter medo. Afinal, o céu pertence as estrelas, não é mesmo?” Sim, é por isso que lendas como eles se foram, tão cedo e o Fresno e Restart continuam aqui na terra, firme e forte.