Dacine - Críticas por Sihan Felix
O universo ruindo como se desconstruísse em planos incongruentes. Há somente dois mundos: o interior e o exterior. O primeiro desmoronando de dentro para fora e o segundo em sentido inverso. O interno, a essência de si, é a autoviolação inerte que só aguarda o encontro com o externo para explodir. Esse, de fora, é o oxigênio do mal, um elemento que se revela através da exploração induzida do próprio portador. Sim, portador. Os planos incongruentes são passíveis de contaminação. Se o interior adoece e é bombardeado pela ruidosa doença da incompreensão alheia, o exterior cede ao tempo. É efêmera a existência. E se torna ainda mais breve quando abraça a autoviolação.
Enquanto ela luta contra si e reflexos mentais de uma juventude literalmente e metaforicamente atropelada, recebe o conforto de colegas de trabalho que constroem uma espécie de rede de contenção, com a intenção de protegê-la de suas inseguranças. É potencial, porém, que tanto afeto carrega uma porção considerável de egoísmo, já que a peça a ter sua grande estreia em Nova Iorque pode, de certa forma, manchar carreiras, especialmente do diretor Manny Victor (Ben Gazzara), da dramaturga Sarah Goode (Joan Blondell) e do produtor David Samuels (Paul Stewart). Dessa forma, Manny não se opõe a dizer que ama sua atriz ao telefone, tendo a parceria de sua esposa; Sarah a carrega a tiracolo, até a uma espiritualista um dia antes da estreia; e David, sabendo da carência afetiva daquela mulher que luta contra a própria idade, mima-a e beija-a com o intuito de acalmá-la. Tudo, claro, em prol do espetáculo.
​Crítica originalmente publicada no dia 02 de março de 2017, na extinta página O CRÍTICO, da Versátil Home Video
O verdadeiro artista dificilmente vive na mesma época do seu corpo. Seu lugar é tão dentro de si quanto fora de qualquer convenção que exprima certezas. Enquanto seu interior dita o que lhe move mesmo que seja nada explícito muitas vezes, o exterior é o contraponto, é aquilo que molda o significado da sua arte. Se a arte pouco condiz com o que já é externo, nasce a ruptura, o processo de futurização artística, quando a criação em questão não faz parte do agora, mas é um elemento do amanhã.
O Retrato de Jennie é, dessa forma, um conceito: Se Eben Adams (Joseph Cotten) não consegue ter um sucesso genuíno com suas pinturas comuns da natureza e de paisagens nova-iorquinas é porque ele ainda não descobriu como transportar a si para, de fato, eternizar-se; seus quadros são objetos comuns, um arremedo de tintas que tem pouco valor a mais do que o material gasto.
Por mais que o velho Matthews (Cecil Kellaway) perceba o valor mínimo da arte de Eben, sua sócia, a emblemática solteirona Miss Spinney (Ethel Barrymore), conhece o atalho mais sólido e, ao mesmo tempo, figurativo para que aquele homem possa transportar sua alma mais autêntica para as telas. Reconhecendo a banalidade das amostras, ela adquire, mesmo assim, a tela de um vaso com flores acima do valor real do trabalho. São, de tal modo, as primeiras flores recebidas em vida pela Miss Spinney que, já de idade avançada, parece julgar ser tarde, o que só é aumentado pela metáfora de uma natureza morta.
Mas reconhecimento move o artista. E é a partir dessa aquisição e dos comentários mais do que pertinentes da sábia senhora que Eben encontra a sua forma de explicitar o que lhe move. Jennie é a materialização da alma de um artista. Sua biologia fantasiosa traduz o crescimento interno de Eben.
Por outro lado, O Retrato de Jennie configura uma crítica à toda arte contemporânea desafeita de lucidez e paixão. O dito processo de futurização artística não pode ser entendido como um processo de realização do novo a qualquer custo. Na desvalorização do passado, talvez resida o processo incompleto da formação artística. Do mesmo modo, segrega-se valores intrínsecos ao criador para inserir ou extrair valores do observador: a arte deixa de ser a alma do artista para ser uma composição mista dos olhares, mentes e reações de quem a presencia. A atemporalidade da arte passa a ser a atemporalidade da construção mental e social do homem.
Eben encontra a ruptura de sua arte em uma representação do passado que, gradualmente, torna-se seu presente mais apaixonante. Miss Spinney conduz a transformação de um homem comum em um grande artista. Se ela é ligada à Jennie pela echarpe, finalmente têm-se a completude da constituição de Eben: o reconhecimento, a inspiração e a compreensão de que tudo está, de fato, no seu íntimo.
Não por acaso, a finalização do filme é dos minutos mais belos da história do cinema: o preto e branco torna-se verde para que Jennie seja perdida por Eben e, então, organicamente, surge o vermelho – tonalidade oposta – para que Eben constate que não perdeu a amada, visto que ela estava inteiramente dentro dele. "Eu não a perdi. Agora está tudo bem.", ele comenta.
Sabe-se, logo, através de um letreiro revelador, que, a partir dessa situação, aquele artista vive uma carreira altamente inspirada. É quando corta para o retrato de Jennie em exposição, a cores, em lindo Technicolor, e percebe-se que, além da metalinguística evolução do cinema (David O. Selznick, produtor do filme, produzira o primeiro filme a cores, …E o Vento Levou, quase 10 anos antes), o futuro está intrinsecamente ligado ao passado. E é o respeito a essa força predecessora que acaba por criar um elemento do amanhã.
Crítica originalmente publicada no dia 13 de junho de 2017, na extinta página O CRÍTICO, da Versátil Home Video.
Data de lançamento: 09.03.2017 (Brasil) / 08.02.2015 (Berlinale)
Não há como dissociar a arte da política. Se a arte não reflete diretamente o contexto histórico de sua época, contém uma carga de organização pessoal que transcende o ser, integrando-se à política de qualquer forma. Mas há, claro, como deixar essa relação mais aparente. Uma das formas é viver na África do Sul e escolher dar voz aos negros. Naturalmente, a imagem de Nelson Mandela surge como um estandarte pós-Apartheid, o rosto daquele que lutou por direitos iguais e que, como líder, alcançou resultados historicamente e humanamente contundentes.
Falar de preconceito racial, aliás, parece tão urgente aqui quanto discutir a juventude e o teor de superficialidade que ela cede à vida. Isso fica claro na sequência de abertura de Eles Só Usam Black Tie, quando a jovem Emily (Kelly Bates) filma o próprio suicídio em transmissão online ao vivo.
Não é a morte, portanto, que causa impacto. Ela é a crista da onda de banalização da existência. Assim sendo, a construção proposta pelo diretor (e roteirista) Sibs Shongwe-La Mer é semelhante à formação de um tsunami: algo ocasiona um terremoto submarino que, por sua vez, forma uma onda submersa. Ela (a onda) vem crescendo e ganhando força até mostrar-se, quando já parece ser tarde demais.
Jabz (Bonko Cosmo Khoza) e September (o próprio diretor) são a concretização humana dessa onda. Percorrendo diversos guetos de Joanesburgo, eles são o fio condutor de cada situação do filme. A questão é a força dessa conexão. Ciente da frivolidade à qual estão submetidos seus personagens, Shongwe-La Mer não se importa em criar heróis. Seus protagonistas são frutos de uma sociedade simplista, regida por vozes de gente empanturrada. Isso é explorado sem a utilização de qualquer senso comum e, mesmo que September mostre-se como o elo mais forte da irmandade, ele é decerto humano e, falho como tal, fomenta discretamente o tráfico de drogas.
Sobretudo, é crucial a opção de manter o desdobramento da história entre a classe média sul-africana, desmontando a premissa de que jovens de periferias estão mais à mercê do que é banal. A verdade é que Emily é só o estopim de uma juventude perdida que, sem uma política que lhe dê base, um líder como Mandela por exemplo, e sem o interesse em qualquer tipo de ligação que não seja com a proximidade do próprio fim, assiste sua autodestruição através de um pessimismo inconsciente.
Nesse ponto, o título original, Necktie Youth (algo como "juventude engravatada" em tradução livre), revela poeticamente que aqueles jovens que um dia foram impulsionados por um líder rebelde alcançaram uma perigosa liberdade: a de poder ir para qualquer lugar sem jamais saber para onde. A gravata no pescoço, infelizmente, é uma alusão clara ao enforcamento que, lentamente, a classe média submete-se na ilusão de uma estabilidade adquirida.
Assim, o desfecho é dolorosamente implacável porque a inércia custa caro. Shongwe-La Mer, de apenas 25 anos de idade (23 quando finalizou o filme), não criou algo que retrata somente o seu país. Eles Só Usam Black Tie é um filme que fala para um mundo doente que não se preenche vazios existenciais com auto-anulação.