A arte na década de 1970 em Nova Iorque
A última exposição na Fundação Jean-Paul Najar que estava exposta em junho de 2017, nos leva de volta à década de 1970, quando artistas que viviam e trabalhavam em Nova York começaram a questionar a própria essência da arte, transformando a forma como a arte contemporânea foi criada, exibida e experimentado até então. Artistas como Philip Glass, Trisha Brown, Richard Landry, Gordon Matta-Clark e outros quebraram os limites do mundo da arte tradicional rejeitando o espaço da galeria de cubos brancos e o mercado de arte e se envolveram diretamente com o ambiente cotidiano da cidade, sua arquitetura, cultura, política, pessoas e questões sociais. Eles desenvolveram uma cultura de artistas que redefiniu tudo sobre arte, como o que constitui uma obra de arte, o que é um espaço de arte, o papel de um artista na sociedade e a capacidade dos artistas para criar mudanças significativas. Esta comunidade de artistas assumiu o papel principal no desenvolvimento e manutenção de novos trabalhos, criando colaborações interdisciplinares que mudaram nossa compreensão da arte e um legado artístico que continua a impactar o mundo da arte contemporânea ainda hoje.
O curador Jessamyn Fiore reuniu obras inovadoras deste período emocionante por artistas de vários campos, como Trisha Brown, Tina Girouard, Philip Glass, Robert Grosvenor, Suzanne Harris, Jene Highstein, Nancy Holt, Joan Jonas, Richard Landry, Gordon MattaClark, Elizabeth Murray, Richard Nonas, Alan Saret, Keith Sonnier, John Torreano, Richard Tuttle, Lynn Umlauf e Lawrence Weiner. As obras de arte incluem fotografia, vídeo, pintura, escultura, desenho, escrita, peças de performance e materiais arquivísticos que refletem a criatividade e o espírito de experimentação da época.
Entre as melhores documentações da época estão as fotografias que Richard Landry recebeu de seus colegas artistas enquanto trabalhavam ou relaxavam juntos. Landry, conhecido saxofonista, foi membro integrante da cena musical experimental de vanguarda da década de 1970 e um membro fundador do grupo original que se tornou o Philip Glass Ensemble, que atuou com 1969-1981. Ele se mudou para a cidade de Nova York em 1969 com sua esposa, Tina Girouard, e rapidamente se tornou parte da cena artística do centro de Nova York. Ele muitas vezes ajudou os artistas com suas instalações e performances e fotografou seus projetos criando uma incrível série de imagens que capturam os projetos, processos e colaborações artísticas indicativas desta vibrante cena artística. O show apresenta um conjunto de suas fotografias em preto e branco que fornecem uma visão privilegiada da comunidade.
Matta-Clark era uma figura central na comunidade de arte da cidade de Nova York até sua morte prematura em 1978. Ele também era o dono junto com Carol Goodden, da Food Restaurant, que se tornou o centro do artista de Nova York. O artista é mais conhecido por suas "cortes" arquitetônicos em larga escala, onde ele mudaria fisicamente edifícios inteiros, transformando-os através de uma série de grandes cortes que expuseram as camadas do prédio e abriram os elementos. Ele elogiou suas intervenções arquitetônicas e municipais com uma série de filmes. O show inclui fotos de seus "cortes" e um filme mudo, City Slivers, onde ele usou o material do próprio filme para criar uma série de fatias ou cortes da vida diária da cidade em Nova York, mostrando não só a arquitetura da cidade, mas também o tráfego e as pessoas que se deslocam através de sua rotina diária.
Outro trabalho do artista, Office Baroque, é uma fotografia Cibachrome feita em 1977 no que era o antigo escritório de uma companhia de navegação no porto de Antuérpia, que havia saído do mercado (quebrou). Matta-Clark cortou uma série de elipses através dos pisos do edifício, cada um ligeiramente diferente como uma espécie de tema e variação que se poderia encontrar no padrão da música barroca. A interseção das elipses criou um corte em forma de barco, refletindo o negócio original e também jogando na semelhança no som das palavras "barroco" e "quebrado". Infelizmente, como todas as intervenções arquitetônicas em grande escala de Matta-Clark, o prédio acabou sendo destruído. Para preservar a experiência de suas obras de arte, o artista não apenas as documentou. Ele pegou as imagens e juntou-se fisicamente os negativos para criar fotografias de cibachrome, que refletem o que era ser no próprio trabalho e sentiam a transformação e a desorientação do espaço após os cortes.
Músicos como Landry e Glass tornaram-se parte desta cena artística, porque naquela época sua música experimental só era aceita pelo mundo da arte e a maioria de suas performances eram realizadas em museus e galerias. O vidro é representado no show com uma gravação de uma performance do Philip Glass Ensemble de Einstein on the Beach, que é a sua primeira e mais longa partitura de ópera.
O desempenho artístico foi um elemento importante da nova cultura artística. Um bom exemplo é o Water Motor, um filme de dois minutos e meio, silencioso, preto e branco de uma performance de Trisha Brown, filmada por Babette Mangolte em 1978. A coreografia de Brown neste primeiro trabalho chave apresenta movimentos derivados de gestos cotidianos, estendidos para uma seqüência de fluidos que sugere o fluxo de água e a intensidade de um motor motorizado.
Joan Jonas canalizou influências da arte visual, do teatro, da dança e do som japonês em trabalhos performativos e de vídeo inovadores. Como muitos dos artistas da comunidade que abraçaram a própria cidade como material, ela ativou a paisagem urbana, tornando-se o seu espaço artístico através de uma série de apresentações ao ar livre em ambientes naturais ou industriais. Song Delay, um filme de seu desempenho de 1973, exibido no show, enfatiza essa relação com o espaço, criando uma distância com o espectador, através do uso de telefoto e lentes de grande angular, e um atraso entre o som e as ações que produzem o som. Com muitos de seus colegas artistas atuando no filme, o trabalho também ilustra como esta comunidade de artistas se apoiou.
Suzanne Harris fundou uma empresa de dança chamada Natural History of the American Dancer que explorou as técnicas de improvisação na dança contemporânea. Através de sua experimentação e colaboração na dança, ela começou a fazer objetos e instalações que foram ativadas pelo corpo do artista. Seu filme Wheels / Flying Machine, no show, captura sua primeira exposição individual no 112 Greene Street. Para a peça Flying Machine, uma estrutura de madeira de doze metros de comprimento com cabos de nylon e cabos foi construída para suspender as pessoas enquanto simultaneamente, levantando-as do chão para flutuar e dançar no ar, simulando a experiência de voar. A peça Wheels era uma grande instalação de gigantes rodas de madeira interligadas, que girariam em uníssono quando os corpos dos dançarinos se moviam.
A comunidade também incluiu Richard Nonas, um antropólogo que passara anos vivendo com tribos nativas na aldeia isolada do México. Incapaz de expressar suas experiências em palavras, ele se virou para a escultura, onde ele poderia comunicar ideias e sentimentos abstratos através de objetos.
Outras obras, como a nuvem de Alan Saret, como a escultura feita a partir de fio de níquel; e o tubo de aço de borracha de Robert Grosvenor, ilustram como esses artistas tocaram com materiais para desafiar nossas percepções sobre o mundo material que nos rodeava.