A memorável foto foi encomendada pela revista Esquire, como parte do número de janeiro de 1959. A ideia foi de um dos editores, Harold Hayes, entusiasta do gênero. Ele e o designer Robert Benton, futuro diretor de cinema, convidaram Art Krane para pensar numa fotografia que reuniria dos melhores músicos de jazz de todos os tempos. Texto de Cadão Volpato publicado originalmente no site da revista Zum, em 11/12/17. +
Um deles, o clarinetista Gigi Gryce, que está na extrema esquerda da foto, foi cortado na edição da revista. Quem abriu as páginas da Esquire naquele janeiro de 1959 viu o seu corpo pela metade. Entre os 57 artistas estão três mulheres, dois personagens de óculos escuros, dois de gravata borboleta e 47 negros, mas apenas um deles apareceu pela metade, enquanto do lado direito da foto há espaço de sobra para uma escada vazia que dava no número 19 daquela rua do Harlem. Gigi está encostado de leve no ombro do pianista Hank Jones, de terno e gravata, chapéu e óculos, sapatos engraxados e brilhantes. Segura um envelope debaixo do braço. Havia se convertido ao islamismo e mudara o nome para Basheer Qusin. Não fazia parte de nenhum grupo, não bebia e nem usava drogas. Era uma pessoa reservada. Abandonaria o jazz nos anos seguintes e se reinventaria como professor numa das escolas públicas da cidade, não muito longe dali. Mas teve a sorte de aparecer naquele grande dia no Harlem.
Texto de Cadão Volpato publicado originalmente no site da revista Zum, em 11/12/17.
Cabeça de índio exposta em Viena causa polêmica
Em exibição em Viena, uma cabeça cortada usada como troféu de guerra pelos Munduruku, etnia indígena do Norte do Brasil, tem gerado polêmica entre alguns frequentadores. Especialistas criticaram a instituição por mostrar restos mortais de um representante de povos originários e não fornecer informações sobre a procedência da cabeça. Matéria de Nelson Gobbipublicada originalmente no jornal "O Globo", em 10/01/18. +
Em exibição no Weltmuseum, de Viena, uma cabeça cortada usada como troféu de guerra pelos Munduruku, etnia indígena do Norte do Brasil, tem gerado polêmica entre alguns frequentadores. De acordo com reportagem do jornal "The Art Newspaper", especialistas criticaram a instituição por mostrar restos mortais de um representante de povos originários e não fornecer informações sobre a procedência da cabeça e dos demais artefatos, datados do século XIX. A curadora do Weltmuseum, Claudia Augustat, declara ao jornal britânico que a exposição segue as diretrizes do Conselho Internacional de Museus (Icom) para a exposição de restos humanos, mas não dá detalhes sobre como o artefato foi adquirido.
A polêmica na Áustria não é a única na Europa em relação à exposição de restos humanos em universidades e museus etnográficos. Muitos destes "acervos" foram retirados de seus países de origem durante as pesquisas antropológicas do século XIX, dentro de uma lógica colonial que vem sendo debatida nos últimos anos, inclusive com o aumento nos pedidos de repatriação destes restos humanos pelas comunidades originárias.
MUSEU DO ÍNDIO TEM ITEM SEMELHANTE
Etnia de tradição guerreira, os Munduruku dominavam a região do Vale do Tapajós e tinham como hábito cortar a cabeça de seus inimigos e enfeitá-las como forma de atrair boa sorte. A prática durou até a segunda metade do século XVIII, quando aconteceram os primeiros contatos com os colonizadores brancos.
— Os Munduruku passavam até seis meses em expedições pela mata para encontrar e enfrentar povos inimigos. Muito da fama de seu ímpeto guerreiro vem de pesquisadores que tiveram contato com eles no século XIX. Mas cabeças cortadas ficaram raras entre eles com o passar do tempo. As cabeças que chegaram às instituições podem ter saído com pesquisadores europeus na época, é difícil precisar — ressalta José Sávio Leopoldi, doutor em Antropologia pela USP e autor do livro "De caçadores de cabeça a índios urbanos: a saga dos índios Munduruku", lançado no ano passado.
Fechado ao público desde 2016 e ainda sem previsão de reabertura, o Museu do Índio, em Botafogo, mantém uma cabeça que foi preservada pelos Jivaros, índios da região amazônica. Para a sua apresentação, assim como a de qualquer outro artefato oriundo de povos indígenas, a instituição segue uma série de normas técnicas, que inclui a curadoria realizada exclusivamente por uma equipe de antropologia.
— Toda a parte temática e de conteúdo é feita pela antropologia, que deve ter um trabalho de campo junto aos grupos abordados na exposição — informa Ione Couto, museóloga e coordenadora de Patrimônio Cultural do Museu do Índio. — Todas as condições de exibição dos itens são discutidas com os grupos, tudo depende de sua aprovação. A museologia entra para garantir as condições técnicas ideais para a apresentação e preservação das peças.
Para a museóloga, que recorda ter visto em um museu belga um manto tupinambá sem a identificação correta, a exibição de restos humanos é importante em termos de pesquisa, embora acredite que as instituições etnográficas devam rever frequentemente seus conceitos.
— É fundamental contextualizar com precisão este tipo de item, evitando abordagens que retratem estas culturas pelo viés do exotismo. O próprio Quai Branly (o Museu das Artes e Civilizações da África, Ásia, Oceania e Américas, em Paris) mudou seu modelo de exibição. Também fizemos uma mudança no Museu do Índio a partir de 2001, deixamos de ter mostras genéricas para focar em determinados grupos de cada vez.
Matéria de Nelson Gobbipublicada originalmente no jornal "O Globo", em 10/01/18.
Patricia Phelps de Cisneros doa 202 obras para MoMA e outros museus
No total, seis museus receberão obras de 91 artistas latinos-americanos, que estão representados nesta doação. O MoMA de Nova York será o maior beneficiado. Matéria publicada originalmente no site do Toucharte (www.touchofclass.com.br). +
A renomada colecionadora de arte latino-americana e membro do conselho do Museu de Arte Moderna de Nova York, Patricia Phelps de Cisneros, anunciou a doação de 202 obras de arte a seis museus – sendo que noventa delas serão destinadas ao MoMA, de acordo com texto de Andrew R. Chow para o New York Times.
As outras instituições, que devem receber obras de artistas como Luis Camnitzer (Uruguai), Regina José Galindo (Guatemala), Amalia Pica (Argentina) e Jac Leirner (Brasil) são o Bronx Museum of the Arts, de Nova York; o Blanton Museum of Art da Universidade do Texas, Austin; o Museo de Arte de Lima, no Peru; o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía em Madri; e o Museo de Arte Moderno em Buenos Aires.
Noventa e um artistas de vinte e dois países de toda a América Latina estão representados nesta doação (em 2016, o MoMA recebeu uma doação histórica de mais de cem obras de arte latino-americana de Cisneros). Em uma entrevista telefônica ao Times, Cisneros disse que passou os últimos quarenta anos de vida colecionando arte com o objetivo de entregá-la a um público global mais amplo.
"Ela tem sido um catalisador na transformação da forma como o MoMA pensa a respeito da arte latino-americana", disse Glenn D. Lowry, diretor do museu. "De certa forma, [esta doação é] ainda mais importante do que aquela primeira".
Matéria publicada originalmente no site do Toucharte (www.touchofclass.com.br).
Um novo Leonardo? Apresentação acadêmica afirma revelar a mão do mestre
O Worcester Art Museum (WAM) em Massachusetts colocará o complexo processo de identificação de um Leonardo no coração de uma nova exposição: "O Mistério de Leonardo de Worcester", que fez com que um trabalho da coleção do museu, "Um milagre de Santo Donato de Arezzo", deve ser creditado ao mestre do Renascimento. Matéria de Judith H. Dobrzynski publicada no site do The News Art Paper (www.theartnewspaper.com), em 09/01/18. +
Como Christie's comercializou agressivamente o Salvator Mundi, de Leonardo da Vinci, o trabalho vendido por surpreendentes US $ 450 milhões em novembro passado, o mundo da arte voltou a falar sobre a questão da atribuição da pintura - mesmo que a Galeria Nacional de Londres tenha ampliado o debate, incluindo o trabalho em sua mostra de Leonardo entre 2011 e 2012.
Nesta primavera, o Worcester Art Museum (WAM) em Massachusetts colocará o complexo processo de identificação de um Leonardo no coração de uma nova exposição. "O Mistério de Leonardo de Worcester" (10 de março a 3 de junho) fez com que um trabalho que tem estado na coleção do museu desde 1940, "Um milagre de Santo Donato de Arezzo" (em torno de 1479-85), deve ser creditado ao mestre do Renascimento.
"Não temos medo de nenhuma controvérsia", diz o confiante Matthias Waschek, diretor do museu. Os especialistas externos são mais cautelosos, com um estudioso que chama a nova atribuição "plausível", enquanto outro expressou dúvidas.
O museu exibirá o trabalho com outro painel predella, a "Anunciação" (cerca de 1475-78), do Musée du Louvre de Paris. Ambos foram atribuídos principalmente a Lorenzo di Credi. Com base na pesquisa de Rita Albertson, conservadora em chefe da WAM; Laurence Kanter, curadora chefe da Galeria de Arte da Universidade de Yale e Bruno Mottin, curador sênior do Centro de Pesquisa e Restauração de Museus de França, argumenta que Leonardo foi o principal autor de ambas as pinturas.
Os cílios parecem com Leonardo
Os painéis faziam parte de um retábulo para o Duomo de Pistoia na Toscana; documentos mostram que Andrea del Verrocchio recebeu a comissão em torno de 1475. Leonardo e Lorenzo eram membros da oficina da Verrocchio em Florença na época. "Estudos de raios-X no painel de Worcester confirmam teorias anteriores de que dois artistas trabalharam nisso", diz Albertson, argumentando que os esboços traem a mão de Leonardo. "A pintura também apresenta efeitos de luz, detalhes como cílios e rugas, e uma paisagem naturalista consistente com o mestre", diz ela. A análise de Mottin sobre o trabalho do Louvre atendeu às conclusões de Albertson.
Kanter, que duvidou da atribuição de Lorenzo da pintura de Worcester por cerca de 20 anos, cita evidências observacionais da técnica de Leonardo, por exemplo, na forma como a luz se rompe contra os dedos do santo. O trabalho apresenta "uma recessão do espaço que muito poucos artistas poderiam ter feito", diz ele.
O próprio meio – óleo - é outro sinal. Verrocchio e Lorenzo trabalharam na tempera. "Leonardo era o único artista na pintura de Florença nos óleos na época", diz Kanter. Ele sugere que até 85% do painel de Worcester foi pintado por Leonardo, que já tinha 20 anos e ainda não havia se desenvolvido como artista.
Lorenzo usou como um retorno
Os estudiosos erroneamente tratam Lorenzo di Credi como a atribuição padrão "se uma pintura não está bem acima" para Leonardo, diz Kanter. A exposição incluirá a Anunciação aceita (em torno de 1480-85) de Lorenzo, da Coleção Alana em Delaware, para ilustrar seu estilo distinto.
Os historiadores da arte acordaram há muito tempo na dificuldade de atribuir firmemente pinturas feitas na oficina de Verrocchio. Redescoberta na década de 1930, a imagem de Worcester foi doada ao museu como um Leonardo, apenas para ser rebaixada mais tarde pelos estudiosos. Durante décadas, foi rotulado apenas como Lorenzo di Credi. O Louvre credita seus trabalhos para Lorenzo e Leonardo, naquela ordem. Ambos os rótulos agora mudarão, mas os museus se protegerão, escrevendo: "Atribuído a Leonardo da Vinci e Lorenzo di Credi".
Essas mudanças apontam para um enigma maior. "Há um verdadeiro trabalho a ser feito nas colaborações entre Verrocchio, Lorenzo e Leonardo na década de 1470. Subestimamos a colaboração como uma forma de trabalhar naquela época ", diz Luke Syson, que organizou o programa Leonardo da Galeria Nacional e agora é curador de escultura europeia e artes decorativas no Metropolitan Museum of Art de Nova York. Ele se recusou a comentar a tese da exposição da WAM, mas acrescentou: "Quando vermos as obras juntas, estaremos em melhor posição para julgar".
Matéria de Judith H. Dobrzynski publicada no site do The News Art Paper (www.theartnewspaper.com), em 09/01/18.
Santander Cultural realizará duas exposições sobre diversidade após cancelamento
Compromisso foi firmado junto ao Ministério Público Federal, que apurou prejuízos à liberdade de expressão pelo encerramento antecipado da mostra artística. Caso aconteceu em setembro de 2017, em Porto Alegre. Matéria publicada originalmente no site do G1 RS, em 10/01/18. +
O Santander Cultural realizará duas novas exposições sobre temas de diferença e diversidade na ótica dos direitos humanos, de acordo com termo de compromisso firmado entre a instituição e o Ministério Público Federal do Rio Grande do Sul (MPF/RS).
A medida acontece em decorrência da apuração do MPF sobre a suspeita de prejuízo à liberdade de expressão artística com o encerramento antecipado da exposição Queermuseu – Cartografias da Diferença na Arte Brasileira, em setembro de 2017, no museu que fica no centro de Porto Alegre.
A exposição foi acusada de fazer apologia à pedofilia, zoofilia e ofensas a símbolos religiosos, o que motivou seu fechamento, cerca de 30 dias antes do previsto. Segundo o MPF, que analisou o caso, tais acusações não se verificaram na realidade.
Ainda de acordo com o MPF, o Santander Cultural se compromete a patrocinar as duas exposições, que conjuntamente permanecerão abertas por aproximadamente 120 dias.
Uma delas deve abordar a questão da intolerância, e a outra tratará sobre as formas de empoderamento das mulheres na sociedade contemporânea, informa o órgão. "Ambas as temáticas são altamente relevantes nos dias de hoje", reforça o procurador regional dos Direitos do Cidadão (PRDC), Enrico Rodrigues de Freitas.
"A intolerância, em especial quanto às questões de gênero e orientação sexual, está diretamente ligada ao encerramento precoce da 'Queermuseu', então nada mais coerente do que debatê-la por meio de uma nova exposição. Já a mostra sobre o empoderamento feminino é outra perspectiva da questão de gênero, que igualmente temos que trazer à luz, inclusive sob o prisma da orientação sexual, e por meio do debate buscar evoluir", ressalta.
O termo de compromisso ainda estabelece que o Santander Cultural deve manter medidas informativas sobre eventuais representações de nudez, violência ou sexo nas obras que serão expostas, assegurando, assim, a mais plena proteção à infância e à juventude.
Caso o acordo não seja cumprido, o Santander Cultural pagará multa de R$ 800 mil.
O Queermuseu foi cancelado após protestos de grupos, indignados com o que apontavam como "incentivo à pedofilia, zoofilia e ofensa religiosa". Em visita ao museu, após o fechamento, o promotor da Infância e Juventude de Porto Alegre, Julio Almeida, avaliou que não havia pedofilia na exposição.
Além disso, o próprio MPF recomendou a reabertura da exposição, o que não foi acatado pelo Santander. Nesta mesma recomendação, o órgão já mencionava a realização de uma nova exposição sobre temas de diversidade.
Cerca de 270 obras de 90 artistas nacionais integravam o Queermuseu.
Matéria publicada originalmente no site do G1 RS (www.g1.com), em 10/01/18.
O mercado de arte está louco?
A extravagante venda da obra de Leonardo na na Christie's de Nova York por US$ 450 milhões [...] causou não apenas incredulidade e espanto como também um tipo de perplexa repulsa. Isso, sentiram algumas pessoas, era simplesmente louco demais. Matéria de Jan Dalley do Financial Times publicada originalmente no jornal "Valor Econômico", em 05/01/18. +
Nesta vida, tudo é possível. A venda extrapolava o palpite mais tresloucado de qualquer pessoa. Na noite de 15 de novembro, na Christie's de Nova York, fez história a batida do martelo ao lance de US$ 450 milhões. Ou, em outras palavras, a um preço que pouco se distanciava do US$ 1 milhão por polegada quadrada, pelo quadro "Salvator Mundi", de Leonardo da Vinci (1452-1519). Será que o mercado de arte tinha enlouquecido completamente? Teria perdido qualquer ligação com a razão, com a realidade?
No site do mercado de arte Artnet, Tim Schneider comparou a venda a "sair com o seu cachorro para o seu passeio habitual matinal e vê-lo ser arrebatado da rua por um pterodáctilo (réptil voador do período Jurássico Superior)". A extravagante venda da obra de Leonardo - ou, segundo os detratores, dos restos de uma imagem histórica muito parcialmente de autoria de Leonardo e muito grandemente de autoria de hábeis restauradores - causou não apenas incredulidade e espanto como também um tipo de perplexa repulsa. Isso, sentiram algumas pessoas, era simplesmente louco demais.
Foi talvez a primeira insinuação de que um mercado que é empolgante e estimulante estaria prestes a se tornar alarmante. Após o ano um pouco fraco de 2016, quando as leiloeiras viram seus totais cair em relação a temporadas anteriores, 2017 foi um ano incrível. Foram quebrados recordes e uma série de batidas de martelo aparentemente irracionais referendaram preços estonteantes por obras de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) e outros. Nas cobiçadas categorias de arte do pós-guerra e arte contemporânea, preços nas últimas casas das dezenas de milhões de dólares se tornaram um tipo de novo normal. Como isso pode acontecer? De onde, diabos, vem esse dinheiro?
Georgina Adam, especialista no mercado de arte e comentarista do "Financial Times", tem explicação bem simples. "Pessoas muito ricas, hoje em dia, têm uma quantia absolutamente assombrosa de dinheiro disponível", diz. Em outras palavras, na era pós-colapso do excesso de liquidez, o grupo dos bilionários não apenas cresceu como também, em muitos casos, ampliou sua renda disponível.
No novo livro de Georgina, "Dark Side of the Boom: The Excesses of the Art Market in the 21st Century", um galerista entrevistado pela autora faz as contas. Se um casal tiver um patrimônio líquido de US$ 10 bilhões, exemplifica ele, talvez possa decidir aplicar 10% disso em arte ostentosa para as paredes de alguma de suas muitas casas: será US$ 1 bilhão investido em arte. Esse bilhão compra muita coisa: nesse contexto, US$ 40 milhões por um Picasso não parece tanto assim. E, na esfera da arte de primeira linha, é claro, sempre há o atrativo de possíveis lucros no futuro, o que não ocorre com jatinhos particulares, iates ou quaisquer outras aquisições dos super-ricos sujeitas à depreciação. Esse tipo de aritmética surreal só faz algum sentido, naturalmente, para menos que 0,1% do 1% mais rico, mas é suficiente para levar esse mercado a extremos até então inimagináveis.
Mas mesmo esses cálculos foram desafiados pela venda do Leonardo. Quando uma postagem nas redes sociais deu a notícia de que o "Salvator Mundi" seria exposto no Louvre Abu Dhabi, foi rapidamente seguida por uma surpresa: o comprador era um príncipe saudita pouco conhecido, Bader bin Abdullah bin Mohammed bin Farhan al-Saud.
Soube-se posteriormente que ele atuou como representante do príncipe herdeiro Mohammed bin Salman. Mesmo assim, foi um certo anticlímax. Aquele preço astronômico deixou de parecer tão extraordinário - com um poço sem fundo de petrodólares, que diferença faz meio bilhão aqui, meio bilhão ali? Mais intrigante, talvez, seja a identidade do autor do lance de valor menor que - embora de forma mais lenta - seguiu os saltos dos lances, até a oferta definitiva, tida como imbatível, de US$ 30 milhões. O melhor palpite seria o Catar, que também vai abrir um novo museu nacional concorrente, um projeto resplandecente de Jean Nouvel, no ano que vem, e que, além disso, passa por uma rixa com a Arábia Saudita e os Emirados Árabes Unidos.
Tinha de ser uma compra ostentatória. Era impossível entender como a obra poderia ter sido comprada para fins de investimento. A esse nível de preço, os custos de compra e de venda são descomunais - no caso do Leonardo, só as comissões ultrapassavam US$ 50 milhões -, e mesmo para obras excepcionais o mercado é volátil.
O vendedor do Leonardo, o bilionário russo Dmitri Rybolovlev, pode ter ganhado a sorte grande com essa venda, mas outras obras de primeira linha que ele vendeu recentemente o fizeram amargar, no cômputo líquido, prejuízos punitivos.
A arte como investimento é um fenômeno relativamente novo. Até as aceleradas inflações dos preços do século XXI, o potencial de lucros era limitado e dilatado demais no longo prazo. Há muitos especialistas nessa área que ainda consideram a arte um investimento horrível - excessivamente pouco líquido, incerto demais e onerado por custos pesados -, mas o vertiginoso número de zeros, associado à falta quase total de regulamentação, não apenas atrai investidores incautos como também constitui um prato cheio para hábeis manipuladores do que Noah Horowitz, autor de "Art of the Deal: Contemporary Art in a Global Financial Market", descreve como "uma economia singular".
Como destaca Georgina, o setor não constitui, na verdade, um único mercado, mas uma série de mercados frouxamente ligados pelo fato estranho e inoportuno de que todos eles lidam com objetos culturais exclusivos. O segmento que conquista manchetes, o lugar onde se dá a atual corrida do ouro, são as obras de arte das eras do pós-guerra e contemporânea, e, depois dele, apenas a própria ponta de uma pirâmide íngreme. A grande área intermediária não é notícia.
Mas, em todo o segmento, não há transparência, quase não há regulamentação e impera cultura de sigilo quase obsessiva. Normalmente não ficamos sabendo o nome nem do comprador nem do vendedor nas transações dos leilões, e nas vendas privadas não ficamos sabendo sequer o preço - ou mesmo se ocorreu, na verdade, alguma venda. Não há registro de transações ou da propriedade de obras. O termo "uso de informações privilegiadas" não cabe - na verdade, se poderia dizer que todas as transações com arte dependem de algum grau de informação privilegiada. Trata-se de uma situação muito susceptível de abuso, e o negócio de arte tem seu lado escuso. O próprio princípio do anonimato é um choque para muitas pessoas alheias ao segmento.
Como teria dito Sharon Cohen Levin, ex-diretora de confisco de ativos do Ministério Público Federal americano em Manhattan, de acordo com o "New York Times", "pode-se ter uma transação em que o vendedor está registrado como 'coleção particular' e o comprador está registrado como 'coleção particular'. Em quaisquer outras áreas de negócios, ninguém conseguiria sair incólume com isso".
Outra surpresa é o sistema de garantias dos lotes a serem leiloados, por meio das quais um terceiro garante um preço no leilão (portanto a obra, na prática, é pré-vendida, o que isenta o vendedor de risco) em troca de uma parcela da renda para o caso de a obra ser vendida por um valor superior. Na prática uma forma sofisticada de aposta, esse procedimento é perfeitamente legal, sendo, no entanto, acusado por alguns especialistas de forçar os preços para cima. Mas não há nada que impeça o garantidor (que é anônimo, embora tenha tido acesso ao preço mínimo da obra, que também é, normalmente, secreto) de participar da disputa de lances ascendentes. Se o garantidor de US$ 100 milhões do Leonardo tiver sido ao mesmo tempo o autor do lance vencedor, terá registrado também um bom retorno financeiro sobre o preço final.
Hábitos do mundo da arte como esse vão além do ilusionismo da magia, tendem muito mais a pertencer à esfera da bruxaria financeira. Certamente nada têm a ver com a arte. Ou com os artistas, que muitas vezes são brutalmente comoditizados pelo mercado. Os preços das obras do pós-guerra e contemporâneas são alcançados apenas por muito poucas, que acabaram sendo transformadas em marcas: a Artnet informou que apenas 25 artistas renomados foram responsáveis por 44,6% dos totais arrecadados em leilão no segmento no primeiro semestre de 2017.
Olav Velthuis, professor da Universidade de Amsterdã, descreve isso como um mercado em que "o vencedor leva tudo", também típico do dos atores, músicos e atletas. Portanto, não surpreende encontrar uma questionável manipulação de preços de alguns dos nomes mais famosos. Se, por exemplo, um marchand ou colecionador possuir uma série de obras do artista X, é essencial que os preços de leilão do artista nunca pareçam perder força: o colecionador poderá, portanto, despachar agentes para todos os leilões disputados pela obra do artista X para puxar para cima os patamares da disputa de lances - e garantir o valor dos ativos que detém.
Com artistas já mortos, isso parece cínico, até triste, mas talvez não trágico. Onde coisas desse tipo podem realmente fazer a diferença é no que diz respeito aos talentos vivos, principalmente os jovens ou emergentes, que se veem vítimas dessa fábrica de lucros.
Georgina dá um exemplo do qual ouviu falar, que funciona da seguinte maneira: você compra dez obras de um artista jovem por, digamos, US$ 10 mil. Após plantar bocados de badalação aqui e ali por cerca de um ano, você leva uma das obras a leilão. Você e um coconspirador fazem lances cada vez maiores pela obra no leilão, digamos até US$ 100 mil. Quando o martelo for batido nesse nível - porque a principal maneira de determinar os preços, no mercado de arte, é simplesmente pelos preços já alcançados -, você poderá (devagar, sem pressa) vender todas as outras nove obras a preços analogamente inflados. Com um tremendo lucro.
Mais uma vez, nada disso é, na verdade, ilegal. E, pelo fato de esse tipo de coisa depender tanto do cinismo, e da credibilidade dos compradores - que acham que investiram precocemente no próximo grande nome -, é difícil sentir muita solidariedade para com alguém que faz parte desse triste cenário. A exemplo de muitas das brigas que irrompem no mercado da arte, ninguém, na verdade, dá tanta importância, porque isso é visto apenas como estratégia enganosa exercitada entre os ricos, que o fazem porque podem.
A exceção diz respeito ao artista, cuja carreira tem poucas chances de sobreviver a manobras desse tipo. Mesmo aqueles que parecem ter resistido com sucesso às regras da casa leiloeira muitas vezes fracassaram A famosa venda de Damien Hirst de sua nova obra pela Sotheby's, no próprio dia de 2008 em que o Lehman Brothers faliu, granjeou para o artista triunfantes 111 milhões de libras esterlinas - mas os preços inflados detonaram seu mercado. Como diz o crítico Will Harrison: "Em 2009... as vendas anuais em leilão de Hirst tinham encolhido 93%; desde então, cerca de um terço de suas obras não conseguiu ser vendido".
Desta vez, a falta de sorte foi dos colecionadores e investidores; a combalida reputação de Hirst só foi - para alguns - restabelecida por sua megaexposição em Veneza neste ano.
Muitos profissionais do mundo da arte relutam em prestar declarações sobre os revertérios e fracassos do mercado leiloeiro: notícias incessantemente boas são obrigatórias em um universo dominado pela opinião e a reputação. Mas leilões não são a única alternativa possível: na Art Basel Miami Beach há poucas semanas, seu diretor mundial, Marc Spiegler, destacou que as feiras de arte (ou seja, as galerias que participam delas) dominam atualmente 41% das vendas de obras do pós-guerra e contemporâneas.
Embora reconheça que o modelo de negócios das galerias está assediado por dificuldades, Spiegler reivindica uma posição de superioridade para elas por seu cuidado com a arte e os artistas: "Acredito nas galerias, acredito no papel desempenhado pelas galerias frente aos artistas - são elas que assumem o primeiro enorme risco, antes das mostras dos museus e das bienais, e, ao assumir esse risco, elas possibilitam as coisas para os artistas", diz ele.
No sistema das galerias, tanto quanto nas casas leiloeiras, porém, comentaristas não pertencentes ao mundo da arte sugerem crimes mais misteriosos do lado mais obscuro da arte. Thomas Christ, membro do conselho de administração do Instituto de Governança da Basileia, instituição sem fins lucrativos de combate à corrupção financeira, descreveu o mercado de arte como "o campo ideal para lavagem de dinheiro" da parte de "contrabandistas, traficantes de drogas, negociantes de armas e assemelhados".
Enquanto os outros setores estão cada vez mais apertados pela regulamentação, os ativos de arte são portáteis, difíceis de rastrear, e têm valor internacionalmente reconhecido. São, de fato, ideais. Georgina volta a apontar para a opacidade das transações nesse mercado. "A lavagem de dinheiro é muito difícil de comprovar, e raramente chega a conhecimento público - é por isso que todo mundo cita os mesmos cinco ou seis casos."
Mesmo assim, a doutrina do mundo da arte tem muitos casos de - por exemplo - o uso da arte como garantia para obter empréstimos em dinheiro "limpo", ou para transações cambiais ou para várias formas de elisão fiscal. Essas são apenas algumas das muitas formas pelas quais o mercado trata as obras de arte meramente como commodities comercializáveis. As marcas registradas dos artistas acionam as metas de preços; para além disso, parece muitas vezes não haver absolutamente qualquer consideração estética.
Talvez a manifestação mais melancólica disso se revele na tendência da estocagem. Com a elevação dos preços e o crescimento do internacionalismo, o aparentemente desinteressante campo da estocagem de obras de arte se tornou muito significativo. Acredita-se, em amplos círculos, que nada menos que 80% das obras de arte mundiais estejam estocadas: uma estatística que certamente faria qualquer artista e qualquer amante da arte estremecer.
Atualmente as obras de arte são regulamente compradas e vendidas sem sequer sair de suas protegidas prateleiras: "zonas francas" criadas na Suíça e em outros países não apenas oferecem cuidados especializados de longo prazo de obras como também paraísos fiscais, e luxuosas instalações para visualizar e negociar obras "in loco", de forma anônima. A maioria das transações realizadas nas zonas francas são, sem dúvida, legais, mas o potencial para negociações ilícitas é evidente.
Para além de qualquer questão da lei, no entanto, ou mesmo da moralidade, a ideia dessas instalações - prisões de segurança máxima de luxo que confinam milhões de dólares em soberbas obras de arte, punidas por serem caras demais - é horripilante. É, certamente, uma consequência insana de forças de mercado insanas que obras cuja única finalidade é serem vistas e apreciadas sejam trancafiadas.
Numa sociedade na qual o valor de obras de arte se tornou simplesmente monetário algo deu muito errado. (Tradução de Rachel Warszawski)
Matéria de Jan Dalley do Financial Times publicada originalmente no jornal "Valor Econômico", em 05/01/18.
Os candidatos da segunda fase da Fuvest 2018, que iniciou no domingo (7/1), tiveram como tema da redação dissertativa sobre a a polêmica com a exposição Queermuseu, em Porto Alegre, cancelada em setembro de 2017 após protestos conservadores e religiosos, onde precisaram escrever a partir da pergunta: "Devem existir limites para a arte?". Matéria publicada originalmente no jornal "Folha de S. Paulo", em 08/01/18. +
Os participantes da segunda fase da Fuvest 2018, que teve início neste domingo (7), tiveram que escrever uma redação sobre os supostos limites para arte. A proposta para o texto trazia reportagem da Folha sobre a polêmica com a exposição Queermuseu, em Porto Alegre, cancelada em setembro de 2017 após protestos conservadores e religiosos.
A exposição Queermuseu - Cartografias da Diferença na Arte Brasileira, promovida pelo Santander Cultural na capital gaúcha, contava com 270 obras que tratavam de questões de gênero e sexualidade.
Os candidatos que buscam uma vaga na USP (Universidade de São Paulo) precisaram escrever um texto a partir da pergunta: "Devem existir limites para a arte?". Além de reportagem sobre o cancelamento da exposição, a prova trazia a nota oficial do Santander Cultural sobre o cancelamento.
É uma novidade para a Fuvest a escolha de um tema polêmico e recente como proposta de redação, pelo menos levando em conta provas dos últimos 20 anos. Tem sido mais comum a abordagens de temáticas filosóficas, sem indicações diretas a fatos recentes.
O professor de português e literatura Claudio Caus, do Cursinho da Poli, diz que a proposta facilitou a vida de estudantes, pela repercussão, mas a polêmica pode guardar armadilhas. "Poderia trazer um excesso de confiança para quem já tem posições prontas ou quadradas", diz. "O seguro seria a busca de um caminho mais equilibrado."
Maria Aparecida Custódio, professora do laboratório de redação do Objetivo, lembra que seria um risco escrever só sobre a exposição. "A Fuvest convida o candidato a tecer reflexões universais, para conhecer o repertório dele."
Neste domingo, a Fuvest aplicou a a redação e também dez itens de português. "A parte de português, com questões mais críticas do que conteudistas, não pareceu tão difícil quanto a prova da primeira fase", diz Caus, do Cursinho da Poli.
Célio Tasinafo, coordenador pedagógico do cursinho Oficina do Estudante, elogiou a qualidade do bloco de português e a diversidade de tipos textuais. "Teve textos historiográfico, acadêmico, propaganda, teve um texto filosófico do Montaigne [1533-1592]. Isso tudo resulta em uma prova trabalhosa em alguns sentidos", diz. "Exige do aluno o domínio de vocabulário e da norma culta, além de uma capacidade significativa de redação em todas as questões. Não bastava saber, o aluno deveria organizar muito bem as ideias."
Na segunda-feira (8), serão 16 questões sobre as disciplinas comuns do ensino médio: história, geografia, matemática, física, química, biologia e inglês.
A última prova, na terça (9), trará 12 questões de duas ou três disciplinas relacionadas diretamente à carreira escolhida pelo vestibulando. Todas as provas da segunda fase são constituída por questões discursivas –ao contrário da primeira parte, que trazia itens de múltipla escolha.
Ao longo da gestão do reitor Marco Antonio Zago, que se encerra neste mês, foram realizados planos de demissão voluntárias e contratações foram congeladas. O vice de Zago, professor Vahan Agopyan, assume a reitoria a partir deste mês, após vencer eleição interna e ser nomeado pelo governador Geraldo Alckmin (PSDB).
Matéria publicada originalmente no jornal "Folha de S. Paulo", em 08/01/18.
Mural de Eduardo Kobra é apagado na Rua Oscar Freire
A pintura"Genial é andar de bike" foi apagada no fim de semana (06 e 07/01) na rua Oscar Freire, em São Paulo. O mural retratava o físico alemão Albert Einstein andando de bicicleta e se tornou um movimentado ponto de fotos e "selfies" na rua. O artista diz ter ficado sabendo pelas redes sociais que sua pintura, realizada em 2015, foi apagada. O espaço de 14 metros de altura por 5,5 metros de largura pertence à loja Schutz, e segundo o comunicado da Arezzo, proprietária da marca, a área será ocupada por um projeto do coletivo SHN. Matéria de Nelson Gobbi publicada no jornal "O Globo", em 07/01/18. +
Um dos murais mais conhecidos de Eduardo Kobra, "Genial é andar de bike", na rua Oscar Freire, em São Paulo, foi apagado neste fim de semana, causando uma comoção nas redes sociais e entre os transeuntes que presenciaram a equipe de pintura trabalhando no local. O muralista, que tem mais 100 obras de grandes dimensões espalhados pelo mundo e que é reconhecido pelo "Guiness world records" como o autor do maior grafite do mundo ("Etnias", na Praça Mauá), diz ter ficado sabendo pelas redes sociais que sua pintura, realizada em 2015, foi apagada.
O mural retratava o físico alemão Albert Einstein andando de bicicleta e se tornou um movimentado ponto de fotos e "selfies" na rua. O espaço de 14 metros de altura por 5,5 metros de largura pertence à loja Schutz, que dedica a sua fachada à arte de rua. Segundo o comunicado da Arezzo, proprietária da marca, a área será ocupada por um projeto do coletivo SHN.
— Estava no interior de São Paulo e soube que o grafite foi apagado quando foi marcado em dezenas de publicações no Instagram e no Facebook. Foi uma decisão da marca que eu não questiono, sou grato por terem cedido o espaço e terem custeado o material do mural. Só acho que tudo poderia ter sido feito de outra forma, gostaria de ter sido informado antes, era um mural pelo qual eu tinha muito carinho — lamenta Kobra.
Para o artista, que trabalha frequentemente com a questão da memória em suas obras, o fato de a obra ter criado uma identificação com a cidade pode explicar o número de postagens lamentando o apagamento do mural.
— A ligação das pessoas com esta obra era dessas coisas inexplicáveis da arte, não imaginava que teria essa repercussão. Eu entendo o caráter efêmero da arte de rua, devo ter perdido 90% dos trabalhos que fiz, sou bem desapegado em relação a isso. Mas considerava essa obra um presente à cidade de São Paulo. É só pensar em como as obras remanescentes do Keith Haring são preservadas em Nova York ou como a população de Londres tenta manter a todo custo os grafites do Banksy. Acho que cabe uma reflexão sobre isso — comenta Kobra.
Leia a nota da Arezzo na íntegra:
"O espaço de 5,5m x 14m de altura, que compõe a fachada da loja Schutz, à rua Oscar Freire, em SP, dedica-se a propagar a arte de rua. Tem como propósito apresentar novos artistas temporariamente com diferentes atuações em street art. Em 2015 o artista Kobra estreou com sua arte engrandecendo o projeto, agora o muro recebe a obra do coletivo de arte SHN, formado por Eduardo Saretta, Haroldo Paranhos e Marcelo Fazolin. A nova obra tem previsão para ser concluída amanhã (segunda-feira)".
Matéria de Nelson Gobbi publicada no jornal "O Globo", em 07/01/18.
Pinacoteca dedica 2018 às mulheres do Brasil e do mundo
A Pinacoteca se dedicará às mulheres este ano, com duas grandes exposições estrangeiras, além de três individuais de artistas que, apesar de brasileiras, não têm tanto destaque nacional. Inaugurando a programação em março, exposição da sueca Hilma Af Klint (1862-1944), a mãe do abstracionismo; em agosto a mostra retrospectiva Radical Women: Latin America Art (1960-1985), com obras da brasileira Lygia Clark. Matéria de Isabella Menon para o jornal "Folha de São Paulo", em 01/01/18. +
Sob os olhos do alemão Jochen Volz, a Pinacoteca se dedicará às mulheres em 2018: serão duas grandes exposições estrangeiras, além de três individuais de artistas que, apesar de brasileiras, não têm tanto destaque nacional.
"Há uma preocupação de como corrigir a história da arte e vê-la com um pouco mais de cuidado", explica o diretor-geral do museu.
Mãe do abstracionismo, Hilma Af Klint (1862-1944) inaugura a programação feminina em março. Antes de Kandinsky -considerado por muitos como o pioneiro da arte abstrata-, a sueca já pintava, escondida, telas de três metros de altura por dois de largura no estilo.
Morta em 1944, Klint deixou no testamento um pedido curioso à sua família: que suas obras não fossem expostas por mais 20 anos. "Ela tinha uma visão de que, talvez, seus trabalhos ganhassem relevância só em uma geração futura", explica Volz.
Ele avalia que a artista teve um instinto de autoproteção e "optou por não mostrar para ninguém intervir".
Também vem do exterior a segunda grande mostra. Em agosto, a Pinacoteca recebe a "Radical Women: Latin American Art (1960-1985)".
Organizada pelo Hammer Museum de Los Angeles (Estados Unidos), a exposição dá voz a artistas latino-americanas pouco conhecidas. A pesquisa, feita por Cecilia Fajardo-Hill e Andrea Giunta, durou aproximadamente sete anos.
A mostra abriga trabalhos de 20 artistas brasileiras, como Lygia Clark (1920-1988) e Letícia Parente (1930-1991). Para o diretor, será uma ótima oportunidade para o público geral descobrir importantes artistas latinas que não costumam aparecer.
São obras feitas em um período no qual os artistas enfrentavam a ditadura militar em seus respectivos países, entre as décadas de 1960 e 1980. Até por isso, Volz acrescenta que é importante "não só olhar pela arte brasileira, argentina ou chilena, mas tentar mapear o continente inteiro".
Mas nem só de mulheres será o ano da Pinacoteca, artistas como Tunga, José Damasceno e José Antônio da Silva também estarão presentes no ano do museu.
Além deles, já no final do ano, Laércio Redondo trará certa inovação à Pinacoteca com uma coleção permanente em que mecanismos com cheiros serão colocados em espaços estratégicos do museu de acordo com uma pesquisa a ser realizada por ele sobre o acervo.
ONDAS RADICAIS
O segundo semestre de 2017, nas artes plásticas, foi marcado por polêmicas de grupos conservadores que se voltaram contra exposições de teor sexual, o que ocasionou, por exemplo, no cancelamento da "Queermuseu", em Porto Alegre.
Entretanto, o diretor-geral da Pinacoteca diz que manifestações como estas são "ondas radicais que vêm e vão". Essa onda, para ele, requer um momento de união entre as instituições, para aprendizado e troca de informações.
Fazendo um balanço de 2017 -ano em que o museu teve orçamento de R$ 30,8 milhões-, Volz destaca duas montagens. A primeira foi dedicada a Di Cavalcanti e "mostrou uma exposição rica e incrível que trouxe para muitos um outro olhar para o trabalho do artista".
A segunda foi a coletiva "Antologias", com 250 fotografias de 60 artistas. "Sem cronologia, foi possível pensar no acervo como registro e documentação."
O ANO DELAS
Cinco trabalhos femininos em destaque
> Hilma Af Klint: Mundos Possíves
> Instalação de Ana Luiza D. Batista será exposta no segundo andar
> Site specific de Laura Lima ocupará o Octógono
> Radical Women: Latin America Art (1960-1985), com obras da brasileira Lygia Clark
> Retrospectiva da brasileira Valeska Soares, na Pina Estação
> Primeira mostra institucional de Rosana Paulino na Pinacoteca.
Matéria de Isabella Menon para o jornal "Folha de São Paulo", em 01/01/18.
Calendário de arte 2018: quais as feiras e bienais de destaque do ano?
Programação de feiras e bienais de arte pelo mundo em 2018. Matéria publicada originalmente no site do TouchArte (www.touchofclass.com.br), em 02/01/18. +
A cada ano, as grandes feiras internacionais de arte impulsionam o mercado, atraindo milhares de visitantes, colecionadores e aficionados em geral. Para não perder os principais eventos de 2018, preparamos um calendário para você já começar a sua programação.
- SP-Arte/2018 – 12 a 15 de abril
- ZONAMACO: México Arte Contemporáneo, na Cidade do México (México) – 7 a 11 de fevereiro
- Armory Show – 8 a 11 de março
- Frieze Art Fair | Nova York – de 3 a 6 de maio
- TEFAF New York Spring – 4 a 8 de maio
- ArteBA – 24 a 27 de maio
- TEFAF New York Fall – 27 a 31 de outubro
- Art Basel | Miami Beach – 6 a 9 de dezembro
- Arco Madrid: Feria Internacional de Arte Contemporáneo em Madri (Espanha) – 21 a 25 de fevereiro
- TEFAF Maastricht – 9 a 18 de março
- Art Basel – 14 a 17 de junho
- Frieze Art Fair | London – 4 a 7 de outubro
- Frieze Masters – 4 a 7 de outubro
- FIAC – 18 a 21 de outubro
- Art Dubai – 21 a 24 de março
- Art Basel | Hong Kong – 29 a 31 de março
Bienais e outras exposições
4ª New Museum Triennial (Nova York, EUA)
13 de fevereiro a 27 de maio
21ª Bienal de Sydney (Sydney, Austrália)
16 de março a 18 de junho
11ª Bienal do Mercosul (Porto Alegre, Brasil)
6 de abril a 3 de junho
13ª Bienal de Dakar (Dakar, Senegal)
3 de maio a 2 de junho
10ª Bienal de Berlim (Berlim, Alemanha)
9 de junho a 9 de setembro
Manifesta 12 (Palermo, Itália)
16 de junho a 4 de novembro
10ª Bienal de Liverpool (Liverpool, Inglaterra)
14 de julho a 28 de outubro
12ª Bienal de Gwangju (Coreia)
7 de setembro a 11 de novembro
33ª Bienal de São Paulo (SP, Brasil)
7 de setembro a 9 de dezembro
12ª Bienal de Shanghai (China)
10 de novembro a 10 de março de 2019
11ª Bienal de Taipei
17 de novembro a 10 de março de 2019.
Matéria publicada originalmente no site do TouchArte (www.touchofclass.com.br), em 02/01/18.
Na exposição "Corpo a Corpo: a disputa das imagens", em cartaz no IMS Paulista, a artista Sofia Borges apresenta duas séries fotográficas feitas no Congresso Nacional, em Brasília, com imagens fragmentadas, arrancadas da cenografia parlamentar e diluídas em uma multiplicidade de gestos, no momento preciso em que o Senado escolhia um novo presidente. Texto de Sofia Borges e Jacques Leenhardt publicado originalmente no site da revista Zum, em 13/12/17. +
Assim, Sofia Borges selecionou alguns desses retratos pintados e arrancou-lhes da aura tradicional, própria ao mediumpictural. Ela então impôs a esses rostos um enquadramento tão fechado que seus olhos foram eliminados, concentrando-se apenas em suas bocas. Privados dos olhos que confeririam alguma humanidade a tais caras, os órgãos da palavra tornam-se mudos. Atrás de seus sorrisos congelados, a linguagem permanece retida por trás de lábios cerrados ou de dentes rígidos como grades de uma prisão. Toda palavra está presa e o voo da volúpia típica das tribunas já não é ouvido, tampouco a eloquência do famoso Demóstenes. Tal é o paradoxo que produzem essas imagens: o órgão da palavra através do qual a democracia se constrói está mudo. A palavra e seu poder de convicção estão ausentes dessas fotografias. Rostos parcialmente ocultos aparecem como meias verdades e seus lábios cerrados sinalizam um adormecimento da palavra pública.
Como a imagem passa de representação fotográfica anódina à potência caricatural, sem que nada seja acrescentado? É exatamente isso que distingue o olhar cotidiano da obra de arte. É com esse o trabalho da forma que Sofia Borges conquista o estatuto de mestre.
Texto de Sofia Borges e Jacques Leenhardt publicado originalmente no site da revista Zum, em 13/12/17.
Lisette Lagnado se desliga da EAV do Parque Lage
"A falta de repasses do estado e o desmantelamento da equipe original vem comprometendo a qualidade do meu trabalho, o que me impede de permanecer na estrutura atual", escreveu a curadora em sua carta de desligamento. +
Caros professores, funcionários e amigos da Escola de Artes Visuais do Parque Lage,
Comunico meu desligamento da Escola de Artes Visuais do Parque Lage.
Cheguei no início de 2014, a convite de Marcio Botner, Presidente da organização social Oca Lage, então responsável de dois equipamentos de prestígio na cidade, a Casa França-Brasil e a EAV Parque Lage, para atuar como sua vice-presidenta.
Em agosto de 2014, com a saída da diretora da Escola, assumi o cargo, ainda na gestão da Oca Lage, iniciando um novo programa de ensino e exposições.
Quando o estado rompeu com a OS, a então Secretária de Cultura Eva Doris Rosental me pediu para permanecer no cargo.
Em fevereiro deste ano, Eva Doris foi exonerada e o novo Secretário de Cultura nomeou o economista e colecionador Fabio Szwarcwald para meu lugar. Assumi então a função de Curadora de Ensino e Programas Públicos.
Domingo passado, das 11h às 23h, foi aberta a mostra-happening "Escola em Transe", em comemoração aos cinquenta anos do filme Terra em Transe de Glauber Rocha.
O Palacete e os jardins do Parque Lage receberam cerca de 6 mil pessoas, que podiam conferir tanto a mostra final dos alunos nas Cavalariças, com obras selecionadas de professores e ex-estudantes na Capelinha e Galerias 1 e 2, vitrines de documentação, performances, projeções de videoarte, sem contar a III Mostra de Impressos, a II Varanda Sonora e ateliês gratuitos do parquinho lage (núcleo recém-lançado para crianças).
Resultado de um esforço colossal de uma equipe reduzida, das áreas de ensino e produção, além de nossa Biblioteca | Centro de Documentação e Pesquisa, a exposição foi montada em tempo recorde. Graças a nossa determinação coletiva, foi possível apresentar mais de 300 trabalhos de cerca de 200 participantes em menos de 24 horas.
No entanto, foi aberta ainda incompleta, sem a lista de participantes nem fichas técnicas. Cabe informar que parte do atraso se deveu também à chegada tardia de trabalhos após a data prevista, ocorrendo inclusive na própria abertura.
Felizmente, alguns professores estiveram comigo no sábado e dúvidas foram esclarecidas por celular e fotografias com os demais. Puderam testemunhar a quantidade de trabalhos que precisavam subir para paredes monumentais, exigindo uma lógica interna para uma devida valorização.
Fiquei emocionada de ver como os funcionários do ensino e produção se desdobraram para garantir a cada integrante uma visibilidade digna.
É do conhecimento de todos que parte de minha equipe segue trabalhando sem remuneração regular, em condições adversas, pronta a atender solicitações das mais variadas que chegam da Secretaria de Cultura, da Direção e do corpo de professores e alunos. É isso que chamamos de "resistência": manter viva, alegre e atuante uma instituição de ensino a despeito da falta de financiamentos para nossos projetos pedagógico-culturais.
Ressalto que nada disso teria sido possível não fosse a colaboração de Rosa Melo (já exonerada), que se colocou à disposição de forma solidária e veio reforçar a montagem no sábado para podermos honrar a responsabilidade de entregar a exposição prometida.
Hoje, foi feito o levantamento dos ajustes necessários e levado para a Direção, que está ciente dos próximos passos.
Gostaria que cada professor transmitisse a suas respectivas turmas o que representou essa montagem em termos de complexidade e coragem no momento político que estamos vivendo. A EAV não é museu, nem galeria. É uma escola de arte!
Nos últimos meses, graças à mobilização de artistas consagrados, a Escola participou da Artrio e vendeu a tiragem inteira de múltiplos e arrecadou fundos necessários para garantir um programa de ensino público para 2018. O jantar beneficente também foi um sucesso.
No entanto, como se viu acima, a falta de repasses do estado e o desmantelamento da equipe original vem comprometendo a qualidade do meu trabalho, o que me impede de permanecer na estrutura atual.
Ciclos se fecham para que outros iniciem. Devo dizer que foram anos fundamentais para minha vida profissional e afetiva.
Deixo-lhes um forte abraço e meus melhores votos para seguirmos "firmes e atentos" para os novos movimentos de 2018!