O foco na família continua forte no cinema de Hirokazu Koreeda. Ainda que seja bem menos sombrio do que NINGUÉM PODE SABER (2004) e mesmo do que O QUE EU MAIS DESEJO (2011), ainda assim DEPOIS DA TEMPESTADE (2016) é desses filmes que parecem manter uma nuvem negra sobre seu protagonista, um escritor fracassado que agora faz bicos trabalhando como detetive particular e que tem muita dificuldade para pagar a pensão do filho, fruto de um casamento que chegou ao fim. Ele ainda sente muita falta da esposa, demora para virar a página, sem falar que é muito doloroso para ele ter que se ausentar do garoto.
O personagem problemático, que usa de artimanhas para conseguir o que precisa, como até mesmo tentar roubar a própria mãe, entre outras coisas, mas percebemos que se tratam de atos desesperados, pelo menos dentro da cabeça dele. Podemos vê-lo como um sujeito que demorou a crescer e por isso acaba perdendo tudo o que havia conquistado, mas também podemos ser mais solidários com ele, especialmente quando há uma triste identificação com muitos aspectos de sua personalidade e de sua vida.
Uma das curiosidades de DEPOIS DA TEMPESTADE é o modo como Koreeda filma as ruas, quase sempre vazias. Aquilo passa uma sensação de um universo quase morto, como se não houvesse escapatória para o protagonista a não ser tentar se reconciliar com a esposa, que, no entanto, está bastante ciente de que seu casamento acabou e tem um posicionamento bem prático diante da vida. Para ela, não dá para conviver com um homem tão irresponsável.
Ainda assim, se não torcemos por ele, nos sentimos do lado de Ryota, o protagonista, principalmente no terço final do filme, quando a narrativa encaminha os personagens mais importantes para a casa da avó (Kirin Kiki, a velhinha de SABOR DA VIDA). Aliás, impressionante como a atriz, que já havia aparecido em outros filmes do diretor, funciona como a personificação da mãe/avó amorosa. E de como esse aspecto, bem como o ritual de fazer refeições e de comer, é tão próximo dos valores japoneses.
A parte final do filme é a mais rica em significação e em sentimento, com a chegada de Ryota e do filho na casa da avó, enquanto esperam um tufão que deve causar alguns estragos na cidade. O aconchego da casa da avó, seus olhos amorosos e tristes pelo insucesso do filho, a tentativa de aproximação com a nora, tudo isso é explorado com muita delicadeza. Koreeda, em vez de fazer um melodrama carregado, prefere um drama agridoce, sutil, que nos aproxima daquela família e nos deixa tristes, mas até que bastante conformados com a situação final. Que, aliás, não chega a ser uma solução pessimista, mas realista.
A franquia Harry Potter, mais do que os filmes do Universo compartilhado da DC, é a menina dos olhos da Warner. Dá para notar pelo cuidado com que a companhia tem em arriscar um filme desse universo mágico sem conter personagens conhecidos ou mesmo personagens infantis ou jovens. Por outro lado, sabemos que o público que começou a carreira de leitor com Harry Potter já está bem crescido, sem falar que os últimos filmes da saga, dirigidos inclusive por David Yates, tinham um conteúdo político bem acentuado.
Este conteúdo é apenas tangenciado em ANIMAIS FANTÁSTICOS E ONDE HABITAM (2016), que na verdade é menos arriscado do que se imagina. É arriscado apenas em vender um produto do universo de Harry Potter sem trazer Harry Potter, mas não o é ao apostar mais numa aventura envolvendo animais de aparência estranha que fogem de uma maleta e que devem ser recapturados como mote. Não deixa de ser fascinante a ideia de uma maleta que pode conter um universo inteiro, desafiando as leis da física.
O problema é que o filme apresenta personagens pouco atraentes. Ou pelo menos os dois personagens masculinos, o estranho Newt (Eddie Redmayne) e o não-mágico Kowalski (Dan Fogler), dois homens de pouco apelo para o público feminino, mas que talvez justamente por isso tenham sido pensados para protagonizar uma franquia juvenil. Quem sabe também o aspecto loser dos personagens funcione como uma espécie de aproximação com o público adolescente.
Mas não deixa de ser um tanto complicado acompanhar um ator como Eddie Redmayne, que parece fugir o tempo todo do olhar da câmera, meio que trazendo os trejeitos de seu personagem de A TEORIA DE TUDO e talvez até um pouco de A GAROTA DINAMARQUESA também. Isso não deixa de ser curioso. Já Kowalski quase funciona como uma porta de entrada do espectador para aquele universo mágico, já que ele não faz parte daquele mundo. Ainda assim, o espectador ri e parece estar em situação de vantagem com ele, a cada vez que Kowalski se percebe encantado ou admirado com a magia perpetrada por aqueles novos amigos que ele acabara de conhecer.
Já Katherine Waterston, a inglesa que havia encantado muitos espectadores em VÍCIO INERENTE, com roupas curtas e visual da contracultura, está elegante com um casaco longo e um cabelo dos anos 1920. Não deixa de ser uma beleza diferente a dela, mas o suficiente para encantar em diversos momentos, sem que, com isso, tire a atenção do espectador para a história.
Aliás, é um mérito do filme ter uma história tão simples sendo conduzida de modo agradável e interessante. Talvez só perdendo o fôlego lá perto do final, quando o clímax se assemelha ao de muitos filmes de fantasia e ação a que estamos acostumados. Ainda assim, quem não dormir pode aproveitar a beleza dos efeitos especiais caprichados.
E, embora o humor esteja muito mais presente do que o mistério, é a junção dos dois que faz com que ANIMAIS FANTÁSTICOS se torne interessante. Pode ser que se torne ainda mais interessante com o anúncio dos próximos quatro filmes da franquia, todos muito bem pensados por J.K. Rowling. Vamos ver até onde eles vão chegar. Pelo menos uma coisa a gente pode esperar: referências ao universo de Harry Potter cada vez aumentando mais (o que é bom para os fãs dos livros, principalmente), uma direção de arte caprichadíssima (como sempre) e efeitos especiais de ponta (mas isso já é obrigação da produção mesmo).
Em um cenário com poucos nomes de destaque do cinema de horror, eis que desponta e se destaca cada vez mais o nome de Mike Flanagan. Quem teve o prazer de ver a sua, por enquanto, obra máxima O ESPELHO (2013) sabe o quanto o cineasta se destaca, o quanto suas ideias são boas e seu domínio da linguagem cinematográfica funciona com elegância de dar inveja até mesmo a um James Wan, para citar o nome mais quente do gênero horror atualmente. Depois de ver OUIJA – ORIGEM DO MAL (2016), tive que ver outros trabalhos dele, e ao ver estes três filmes abaixo minha admiração pelo cineasta só aumentou.
Neste ano, tivemos simplesmente três filmes muito bons de Mike Flanagan. HUSH – A MORTE OUVE (2016) foi um que não chegou a passar nos cinemas, indo direto para o VOD. Mas vê-lo na telinha não diminui o seu impacto, especialmente se o virmos na calada da noite. Ele foge um pouco à tendência sobrenatural dos demais trabalhos de Flanagan. Trata-se de um thriller de intoxicar o sangue, um jogo de gato e rato muito bem executado entre uma jovem mulher surda-murda (Kate Siegel, ótima) que mora sozinha em uma casa e um psicopata que planeja matá-la, mas antes disso tem a intenção de levá-la à loucura. É desses filmes que te pegam pelo braço e não largam até terminar.
Uma amostra de que Flanagan não é um sujeito que dirige filmes de horror convencionais é este ABSENTIA (2011), que se destaca mais pelo drama do que pelas sequências de susto, embora esse aspecto vá crescendo ao longo da trama. Mas o importante é que o cineasta dá importância à história das duas irmãs: uma delas procura por sete anos o marido desaparecido e atualmente está grávida; a outra, mais jovem, acabou de retornar de uma temporada longe de tudo e de todos. A tensão e o amor entre as duas moças é muito bem dosado e o filme ainda cresce quando o mistério em torno do desaparecimento do marido ganha contornos bem bizarros. O brilhante roteiro é também cortesia de Flanagan.
Mais um caso de história que se destaca mais pelo drama do que pelo horror, o que pra mim acaba contando ainda mais pontos para Flanagan. Mas talvez justamente por isso O SONO DA MORTE (2016, foto) não tenha ido tão bem nos cinemas, já que ele se vende como um filme puramente de horror. Sem falar que andou circulando um trailer dublado horroroso, o que ajudou muita gente a antipatizar o filme e não dar a chance que ele merece. É mais um trabalho que lida com a perda, dessa vez a de um casal (Kate Bosworth e Thomas Jane) que resolve adotar uma criança depois do trauma de ter perdido o filho pequeno. Acontece que o garotinho adotado (Jacob Trembley, de O QUARTO DE JACK) tem um dom: o de trazer para a realidade seus sonhos mas também seus pesadelos mais horríveis. Um dos maiores méritos do filme está em saber lidar tanto com a questão da perda quanto com o abuso infantil, ainda que de forma tangencial. Pode não ser o melhor de Flanagan, mas soma pontos à sua já brilhante carreira.
James Schamus é um produtor de bom gosto, que trabalhou diversas vezes com Ang Lee e talvez por isso tenha herdado uma sensibilidade especial, de modo a conseguir dirigir um trabalho tão bom quanto INDIGNAÇÃO (2016), desses filmes que precisam de sequências longas, ainda que com muito uso do campo e contracampo, para que possa dar conta minimamente do texto denso de Philip Roth, autor do romance homônimo lançado em 2008.
A história, porém, se passa durante o período de juventude do escritor, na década de 1950, mais especificamente no ano de 1951, quando explodia a Guerra da Coreia e os Estados Unidos ainda não haviam testemunhado o nascimento oficial do rock'n' roll, que se manifestaria como uma forma de extravasar tanta energia e intensidade daquela juventude. O personagem principal, o jovem Marcus (Logan Lerman, de AS VANTAGENS DE SER INVISÍVEL), é um garoto bom e aparentemente muito centrado e correto. Mas há algo nele que o deixa particularmente irritado com as regras impostas pela sociedade.
E é interessante esse aspecto, pois, por mais que nos coloquemos em seus sapatos, e muitas vezes com muito prazer, especialmente a cada cena positiva com ele e Sarah Gadon (da minissérie 11.22.63), o filme não o torna dono da verdade. É muito possível questionar seu ponto de vista e suas atitudes, por mais que a sabatina com o reitor da universidade (grande momento de Tracy Letts) seja um tanto desnorteadora.
A trama se inicia com os últimos dias de Marcus com sua família em New Jersey, antes de passar a morar na Winesburg College, em Ohio. É lá que percebemos sua dificuldade (ou má vontade) de socialização, por mais que, inicialmente, ele tenha simpatizado com seus dois colegas de quarto. Sua intenção ali é especialmente estudar. Quem acaba fazendo com que ele mude de ideia é uma bela e aparentemente recatada jovem, cujo nome ele cita em voice-over com ar respeitoso, Olivia Hutton, de modo a torná-la, desde o primeiro instante, especial.
E o tímido e inexperiente Marcus resolve convidá-la para sair. O resultado do primeiro encontro é inesquecível. Tanto que o rapaz, com aquela mentalidade tão conservadora do início dos anos 1950, não sabe como lidar com o comportamento mais ousado daquela moça, que, para nós, espectadores, é uma promessa de felicidade, algo a não se deixar escapar. Tudo bem que Olivia Hutton é uma garota complexa – tem um histórico de problemas mentais em uma instituição psiquiátrica –, mas sua doçura, beleza e encantamento compensam tudo isso.
O trabalho de direção de atores, o cuidado com a montagem das cenas, especialmente as mais longas e tensas (ou intensas), e os belos enquadramentos em scope, fazem de INDIGNAÇÃO um dos mais belos filmes sobre a juventude dos últimos anos. Schamus sabe muito bem quando colocar as poucas intervenções narrativas retiradas do livro de Roth, e sabe quando utilizar apenas imagens para compor este filme que nos leva para junto do personagem, provavelmente por identificação com esse momento tão conturbado e ao mesmo tempo tão mágico, que é a juventude e seus encantos e dissabores.
Muito bom poder acompanhar o processo de maturidade criativa de um cineasta que tem conquistado seu espaço por seus próprios méritos e sem fazer concessões, como é o caso do canadense Denis Villeneuve, que tem mostrado sua autoralidade através de filmes bem distintos entre si. Com relativamente poucos mas marcantes títulos no currículo, ele já pode se dar ao luxo de fazer autorreferências, como se pode notar em A CHEGADA (2016), seu novo e aguardadíssimo filme. Quem viu O HOMEM DUPLICADO (2013) e SICARIO – TERRA DE NINGUÉM (2015), para lembrar de obras mais recentes, pode perceber intercessões claras com o novo trabalho.
Será comum encontrar em algumas críticas referências a outros filmes de contatos entre seres de outro planeta e a Terra, como O DIA EM QUE A TERRA PAROU, de William Wyler; CONTATOS IMEDIATOS DO TERCEIRO GRAU e GUERRA DOS MUNDOS, ambos de Steven Spielberg; ou CONTATO, de Robert Zemeckis; mas Villeneuve prefere seguir outro caminho, mais arriscado. O trailer, embora entregue alguma coisa, ainda não é suficiente para dar a dimensão das surpresas e do grau de encantamento que A CHEGADA proporciona.
Assim como em SICARIO – TERRA DE NINGUÉM, temos uma protagonista feminina em uma situação perigosa, em um ambiente perigoso. Em A CHEGADA, somos apresentados a uma conceituada linguista, a Dra. Louise Banks (Amy Adams, como sempre, adorável), que é recrutada pelos militares americanos para decifrar a língua dos enigmáticos alienígenas que acabaram de aparecer em 12 diferentes lugares do planeta. Desde o início, ficamos sabendo, em pouquíssimos mas eficientes quadros, de um passado doloroso da personagem, envolvendo uma filha, que ela perdeu para uma doença rara. Em pouco tempo, já temos um breve painel da solidão e da dor dessa personagem.