Há muitos níveis de realismo. Nosso cérebro é bem adaptado para ver padrões, então nós podemos ver coisas que na verdade, não estão lá, como rostos em marte ou sinais feitos por folhas de chá. É por isso que é relativamente fácil atingir o nível básico de realismo sem aprender muito, nossas mentes são indulgentes. Um dos sinais para "talento para desenhar" pode ser a habilidade de criar esses padrões muito efetivamente, mas isso não é uma habilidade, é apenas advinhação. Se você apertar alguns botões aleatoriamente e fizer uma máquina funcionar, não significa que você pode operá-la.
A diferença entre talento para criar padrões e a habilidade real é fácil de detectar, se você desenvolver um apego forte a cada desenho bonito seu e você ficar com medo de nunca mais desenhar isso de novo se você perdê-lo, isso é o resultado do talento. Habilidade não usa sorte como base!
Os níveis de realismo são criados por vários elementos do que nosso cérebro está procurando reconhecer. Alguns deles são mais importantes do que outros, e eles podem diferir entre pessoas.
Linhas são o significado do desenho. Entretanto, elas não são o mesmo que contorno, um contorno é uma linha feita para ser vista individualmente, definindo algo "dentro" e "fora". Nós somos muito bons em ver contornos, mesmo quando eles não existem no mundo na forma de linhas. Eles são totalmente arbitrários, muitos artistas usam diferentes números de contornos para o mesmo objeto.
Esse é o primeiro momento onde o contorno aparece. Se algo é arbitrário, todo mundo pode criar sua própria versão dele, e ninguém estará mais ou menos certo em si. Nós precisamos adicionar outro padrão para julgar isso, e é o que normalmente fazemos, nós usamos rótulos como "realista" (assemelha-se muito de perto com algo real), "cartoon" (poucas linhas, formas simbólicas), ou "mangá" (estilo japonês característico).
A diferença entre realismo e cartoon é tão grande, por que nem todo estilo não-realista parece "correto" e agradável aos nossos olhos?
Se você quer desenhar um gato, você não pode criar algo totalmente novo e dizer que é um gato (a menos que você seja surrealista, mas mesmo assim sua intensão deveria ser não desenhar um gato) Você precisa pegar todas as especificações do gato e, modificá-las para criar uma nova versão do animal. E você precisa saber as regras para quebrá-las. Se você nunca desenhou um gato antes, e nunca estudou sua anatomia e proporções, não espere que seu desenho pareça correto, mesmo que você esteja tentando uma aparência cartoon. É como se você quisesse construir um carro melhorado, se você não puder construir original em primeiro lugar, não há maneira de fazer isso.
Tudo precisa ter um propósito, não é como se você apenas precisasse alterar o elementos aleatoriamente. É por isso que iniciantes em geral costumam ter problemas em redesenhar seus personagens, primeiro, desenhar é resultado de adivinhação, e mesmo que pareça bom o artista não tem ideia do porquê!
Quando o seu "estilo" não se baseia em nenhuma regra, não é realmente um estilo. O estilo pode ser descrito e se o seu não tem nenhuma regra, como você o descreveria? "O estilo X é caracterizado por...o fato é que foi desenhado por X". Isso não faz muito mais sentido do que "a característica do carro Y é que ele parece o carro Y". "Espontâneo", "aleatório", ou "maluco" não são boas descrições de um estilo também. Deve haver alguma definição, uma receita que você pode usar de novo e de novo, mesmo se você for a única pessoa que a conhece por inteiro.
As regras tornam o estilo repetível; que é a base disso. Um desenho não faz um estilo, tem que haver mais delas. Isso nos leva direto para a próxima questão:
Primeiro, arte não é igual a estilo. É um conceito muito mais aberto e nós não estamos falando sobre ele aqui. O que é importante para o estilo é que ele possa ser descrito com muitos níveis de detalhe. Uma amostra de "árvore" pode parecer assim: desenho> preto e branco> mangá> (coloque as regras detalhadas aqui). É o mesmo com arte abstrata: pintura> colorida> abstrata> (coloque as regras detalhadas aqui).
Segundo, isso pode soar controverso, mas eu acho que a abstração deriva do realismo também, é a negação dele. Para criar algo abstrato, você precisa saber o que não é abstrato. Se você quer pintar uma figura escura, você precisa saber que cores evitar, você precisa saber o que não é escuro Um gato que não se parece com um gato porque você não aprendeu a desenhar um, não é "arte abstrata" é apenas um erro. Quando a imagem final é totalmente diferente daquela na sua cabeça, e você finge que essa é a sua intenção, você está apenas trapaceando você mesmo.
Talvez eu saia fora da minha competência aqui, a definição de arte é tão elusiva que alguém pode chamar uma mancha feita por pigmentos jogados numa parece de arte (apenas porque foi aleatório e não intencional). Ainda assim, eu não chamaria fortuitamente de estilo, e mesmo que eu o fizesse, a definição de estilo seria, "desenho/pintura que não é a intenção do artista". Você gostaria de compartilhar seu estilo com uma criança de 2 anos?
Esse é um tópico enorme, mas definitivamente vale o estudo. Basicamente, há uma proporção que fará com que todos os elementos pareçam bons, e de modo inverso, eles parecerão ruins quando estiverem fora dessa proporção. Nosso cérebro é de alguma forma configurado para isso, você não pode mudá-lo. Há pura matemática por trás de cada flor e folha, e a mesma matemática deve ser aplicada para qualquer coisa criada por sua mente, aceite isso como verdade, mesmo quando não é um realismo.
É claro que pode e deve haver pequenas variações (a beleza perfeita é tediosa, pequenos defeitos podem ser muito atraentes), mas o "corpo" principal do seu objeto deve seguir a regra, pelo menos aproximadamente Então mesmo quando você redimensiona uma cabeça que criou em proporções cartoon, há tamanhos que vão parecer bons e outros que não, a habilidade de enxergá-los sem ter que medir pode ser outro sinal de "talento", mas vem com a prática também.
Há uma coisa que pode salvar seu estilo, não importa o quanto ele seja maluco e afastado do realismo. É chamado de adaptação, quando você olha algo estranho com frequência, ele se torna normal para você (mas não para os outros). Então se você mostrar sua arte para os mesmos amigos por um longo tempo, eles pode na verdade começar a entendê-la. Sendo apreciada por eles podem levar você a falsa ideia de que você tem um estilo, mas que é apenas incompreendido pelos outros. Não se tranque na zona de conforto, mas em vez disso, escute as opiniões das pessoas fora do seu círculo de fãs. Essa é a única maneira de se desenvolver como artista.
Há um outro lado da adaptação também. Nós tendemos a considerar apenas as coisas familiares como "normal". É por isso que mesmo um desenho correto, mas menos conhecido de um dinossauro pode parecer anatomicamente incorreto, e a anatomia de um gato aplicada a um lêmur pode passar despercebida. Fato engraçado: nenhuma das quatro patas, nem as orelhas colocadas no alto da cabeça estão mais justificadas do que três pernas e orelhas no traseiro, elas apenas são mais frequentemente vistas no nosso mundo então nós percebemos como natural.
Cauda longa e listrada? Confere! Máscara escura na cabeça? Confere! Olhos de óculos? Confere! Corpo esguio? Confere! Tudo certo, isso deve ser um lêmur.
O primeiro propósito da visão é sentir a luz e sombra. Nós somos ainda muito sensíveis a ela, e nós não precisamos de nenhum contorno para enxergar as formas quando a luz e sombra estão presentes. Isso pode ser outro estágio de desenho (sombreamento com linhas), ou o primeiro estágio da pintura.
Nós observamos que alguns elementos que podem submeter o "talento para desenhar", como paciência, perfeccionismo, habilidade para criar padrões e reconhecer a regra de ouro. O talento para pintura (e sombrear em geral) é muito mais raro. Sua base seria "um olho para observação". As ideia de um mundo feito de contornos é tão fixa na nossa mente que é muito difícil na verdade ver formas feitas por luz e sombra. Você precisa fazer um esforço real para visualizar o mundo como ele é, coberto por manchas de luz e sombra. E mesmo uma tentativa de pintar dessa maneira pode causar uma dor no "músculo-cérebro" (pelo menos é assim que eu sinto). Entretanto, esse esforço é digno de fazer, um arte bagunçada feita de luz e sombra parece muito mais realista aos nossos olhos do que uma obra de arte complexa e refinada consistindo apenas de linhas.
Luz e sombras, e a forma que elas criam, são tão abertas para estilo como contornos. O tamanho da forma e os traçados de pincel sozinhos dão a você a chance de criar incontáveis números de interpretações totalmente diferentes de uma cena. Quando você adiciona sua própria interpretação da localização de luz e sombra, você não precisa ter medo de não ser reconhecível. Leia mais sobre luz e sombra aqui, e eu imagino como você pode usar essas regras para criar seu próprio estilo!
Cor é um ótimo melhorador da visão, traz todo um monte de novas informações à cena. Agora, além de valores, nós temos matiz, saturação e luminosidade. Há mais elementos construindo a imagem, mais possibilidades de criar um estilo distinto. Pensar apenas em valores é um sofrimento em si, agora adicione três novos aspectos a isso!
Você pode ser realista, mas você não precisa ser. Eu frequentemente vejo artistas que conseguem ser bons em desenho realista (contornos) e então vão direto para as cores mais realistas possíveis; tudo exatamente como funciona no nosso mundo. Não é necessário, e mais, isso leva você perto do fotorrealismo entediante! E o problema como o fotorrealismo (nós falaremos sobre isso mais tarde) é um estilo que parece idêntico, não importa o que você use. Se você quiser que seu estilo seja distinto, seja realmente seu, experimente com regras. Você precisa aprendê-lo, é claro, estudar a natureza e os objetos a sua volta, mas então modificar o que você aprendeu. Criar suas próprias regras!
Pode parecer surpreendente, mas detalhes não são importantes para uma pintura realista, nem mesmo para desenhar. Já que nós não enxergamos de verdade os instantâneos do cérebro, e a figura é apenas uma simulação de uma cena percebida, nós podemos tomar várias ações para criá-la. Pintar tudo como com deve ter parecido durante uma fração de segundo apenas priva você do significado real da situação. O significado é espalhado sobre vários, ou talvez uma dúzia de instantâneos. E se você quer desenhar uma figura, não criar um filme ou uma animação, você precisa usar alguns truques.
Isso pode ser outra parte do talento, a habilidade de converter movimento em uma cena sem movimento, enquanto mantém a sensação dele. Se ater aos detalhes do início pode sem intenção, evitar que você atinja sua meta. Quanto nós vemos uma cena a primeira coisa que notamos é alguma sensação intangível - nós vemos movimento, luta, brilho de luz em uma espada, o o vermelho do sangue - não mechas de fios na barba do guerreiro ou os adornos magistrais na sua armadura.
Eles são apenas manchas de cores escuras e claras na sua "imagem". O que você vê aqui é criado na maioria por você!
Há muito espaço para estilo aqui, entre borrões de sombra sem forma e uma cena totalmente detalhada. Há inúmeras maneiras de atingir essa "sensação", e quando você sacrifica detalhes, você pode muito facilmente encontrar um estilo pessoal seu. Existe apenas uma única maneira de desenhar detalhes realisticamente, e uma número infinito de maneiras de criar apenas a sensação deles.
Qual é a diferença entre realismo e fotorealismo? Até agora nós discutimos instantâneos do cérebro. E se alguém tirar instantâneos com uma câmera real? As fotos se tornaram algo completamente normal para nós. Nós as tratamos como reais representações da realidade, não entendendo que a câmera não funciona exatamente como nossos olhos e cérebro. Nós estamos tão acostumados com fotos que algumas vezes elas parecem mais realistas para nós do que a realidade em si.
O fotorrealismo é a forma mais alta de realismo. É apenas sobre criar coisas tão precisamente que elas podem ser confundidas com uma fotografia. Mas, vamos dizer isso mais uma vez, uma foto não é o mesmo que um instantâneo do cérebro, uma câmera não pega todas as ilusões e não é tão precisa quanto nós pensamos. Quantas vezes você tentou tirar uma foto de algo, mas não pareceu tão maravilhoso quanto o que você viu com seus próprios olhos (lua, pôr do sol). Com um pouco de conhecimento de fotografia você pode consertar isso, mas agora você pode ficar tentado a ir mais longe e criar uma realidade melhorada, algo melhor do que nós percebemos com os olhos nus. Eu não estou falando de foto manipulação, a câmera mesmo pode ser configurada para "ver" o mundo de muitas maneiras. E quando você adiciona suas próprias luzes, não as encontradas na natureza, você consegue um efeito atraente, mas não realista. Aprender com fotos pode não deixar você mais perto do realismo então!
Você pode dizer "mas fotos são tão realistas que verdadeiramente é o mesmo". Errado - você apenas pensa que elas são realistas. Tire uma foto e então olhe para a cena com seus olhos nus. a diferença pode ser supreendente. Há diferenças técnicas como reflexo de lente (não ocorre com seus olhos dessa maneira), ou a forma da área fora de foco (nós enxergamos com os dois olhos, então essa área não está apenas borrada, é também feita de duas imagens deslocadas), mas também há outras mais elusivas, a câmera pega apenas o que está lá, nosso cérebro pode fazer muito mais do que a realidade. Você não fará a foto de uma cena através de olhos cheios de lágrimas, ou olhos de uma pessoa assustada correndo através de uma floresta à noite. Nós não apenas enxergamos, nós sentimos, e fotos ignoram o último.
Mais uma coisa: eu disse antes que é impossível desenhar a realidade. Ao mesmo tempo a câmera tenta pegar um instantâneo perfeito da realidade. Isso não torna as fotos mais reais do que o que nós vemos, elas são efetivamente muito objetivas e despojadas de uma parte muito importante da nossa realidade. Assim como ir a um restaurante não é apenas uma jornada a um local caro para saciar a fome, a realidade não é apenas um conjuntos de sinais visuais.
É claro que isso não significa que o fotorrealismo está errado. Eu apenas quero confrontar a crença de que um artista realista deve estar o mais perto possível da qualidade de foto. Esses são dois estilos diferentes, e nenhum deles é "melhor" ou "superior". Também é importante observar o mundo com os olhos nús e não confiar apenas em fotos. Eu sei que elas são mais fáceis de obter, mas algumas vezes pegar uma folha e criar o efeito da superfície texturada por você mesmo vai ensiná-lo muito, muito mais. Aprender com os dois, realidade e fotorrealismo você pode criar um estilo completamente novo, único.
E as coisas que não existem de verdade? É possível desenhá-las realisticamente, ou em qualquer estilo derivado do realismo? Sim, mas você precisa desenhá-las na forma que elas teriam no nosso mundo se fossem reais. Você pode dizer "mas eu quero usar um estilo não realista, por exemplo, um dragão com pernas finas como fósforos e com uma enorme cabeça redonda." Tudo bem, mas observe que você apenas disse "pernas" e "cabeça". Essa são coisas do nosso mundo, com certa forma que elas tem aqui. Esse é o ponto de partida para suas criações. Você precisa saber que é cabeça para poder desenhá-la, mesmo que você queira criar um novo tipo de cabeça.
A propósito, eu quero esclarecer uma questão: por que você não pode desenhar algo realisticamente, mesmo que você saiba a aparência dele? Você pode imaginar um cavalo muito claramente na sua mente, mas então no papel ele parece totalmente errado. É aquilo de novo, falta de talento?
Não, é ante uma confusão de dois de processos diferentes de novo, identificação e criação. Vamos dar uma boa olhada neles com um simples pseudocódigo:
Quando você vê um animal com um conjunto de características que sua mente salvou como parecido com cavalo, você o reconhece com cavalo. Simples assim. Você não precisa saber cada uma das características do cavalo para reconhecê-lo, apenas algumas delas e você sabe o que você vê. O mesmo acontece quando você visualiza um cavalo em sua mente, você não vê características que não conhece, e sua mente inteligentemente esconde a falta delas.
A situação é totalmente diferente quando você quer criar um cavalo você mesmo. De repente você precisa saber todas as variáveis, e mais! Você começa a desenhar o casco e de repente você se dá conta que não sabe como ele se parece, mesmo que você possa reconhecê-lo quando vê um. É por isso que testes de múltipla escolha são mais fáceis.
Todos os problemas com criação vem de uma base de dados pobre de informação sobre a nossa realidade. Com frequência nós pensamos que sabemos como algo se parece, mas quando se trata de detalhes, eles apenas não estão lá. Quando você lê um livro, você não vê cada folha de grama sob os pés do personagem, na verdade, algumas vezes você nem sabe como o rosto dele é (até vê-lo num filme e comparar sua ideia elusiva com a realidade). Você tem a impressão de que sua visão do mundo do livro, é completa, mas se alguém pintá-la e mostrá-la a você, ela será cheia de lacunas. Se você quer criar seu próprio estilo, comece aprendendo sobre realismo - construa uma base de dados de tudo o que você vê.
Comentarista: "eu acho que essas pernas não deveriam ser tão longas, o animal é tão musculoso que parece que vai cair a qualquer momento."
Você viu algo estranho aqui? O julgamento não é apenas sobre opiniões negativas ou opiniões positivas; é sobre ambos. No momento que você posta seu desenho online (ou apresente de outro modo para que as pessoas o vejam), você o configura para julgamento. Quando você faz isso, mas espera apenas opiniões positivas, é como nessa situação:
Ilógico? Sim, mas quando você posta seu desenho para ouvir apenas elogios, você não está pensando logicamente. Todo mundo pode julgar você, você não pode privá-los desse direito. A coisa é que o julgamento deles não muda nada sobre o objeto.
Imagine que você tem uma pedra que você ama, talvez um lembrete de um evento importante na sua vida. Você posta milhões de fotos dessa pedra em seu perfil social e seu amigos começam a reclamar, você responde agressivamente: "mas é a minha pedra! Você não pode julgar, você não sabe o quanto ela é importante para mim!" Tudo bem, eles não sabem e nunca saberão, então porque você posta essas fotos? Se é uma pedra/estilo que só você pode entender, porque postar para outros verem? você não quer na verdade, que eles a julguem, mas apenas positivamente? Você não pode forçar isso na mente deles. Se você quer que um estilo seja aceito e visto como verdadeiro, deixe-o compreensível (use as dicas dos parágrafos anteriores). Se não, bem, porquê postar então?
O estilo, assim como todas as coisas, pode ser julgado. Quando uma pessoa diz que não gosta do estilo do Rei Leão, isso não significa que ela esteja errada, porque muitas outras pessoas o amam - é apenas uma opinião! A desculpa "é meu estilo, você não pode julgá-lo" na verdade é um pedido desesperado "não diga que está errado, não diga que está errado."
Para responder a questão levantada na introdução, objetivamente não há estilo "melhor ou pior", até que você adicione um novo padrão. Um estilo não é "feio", ele "não é realista o suficiente para mim." Contudo, podem existir estilos mais ou menos desenvolvidos, portanto cuidado para não usar "estilo" como um escudo para crítica.
Eu acho que a maioria dos artistas começa dessa maneira, logo depois de deixar a fase dos rabiscos infantis. Eles se sentem confortáveis com um lápis (eles são "bons no desenho" no significado mais básico), mas ao mesmo tempo, o progresso deles não é tão rápido como eles desejam. Então ao invés de aprender a partir de outros, eles começam a copiá-los integralmente. De repente seus desenhos parecem perfeitos, e todo mundo os ama também. Normalmente começa com cobrir uma figura, e então copiando com seus olhos, e finalmente aprendendo as regra de estilo para criar seus próprios personagens e ter um pouco de independência. Isso está realmente errado? Vamos descobrir:
Você sente que é bom em desenho e não precisa aprender nada mais, porque você já é elogiado, então você para seu desenvolvimento artístico.
ao contrário do artista origina, você ignora as regras que o levaram a criação do estilo, então você nunca vai tirar o melhor dele.
o estilo se torna parte de você e você não pode se livrar dele mesmo quando você tenta desenvolver seu próprio estilo (isso é uma ameaça séria).
você não está apto a julgar sua arte objetivamente, você e outros, vêem apenas em termos de quanto está perto do original.
você está ficando viciando nos elogios e você tem medo de tentar algo novo, porque isso pode não ser tão bom.
E sobre o mangá? Desenhar mangá não é "copiar um estilo"? Não exatamente. Mangá (ou "o estilo dos quadrinhos japoneses") é antes um conjunto de estilos semelhantes. Assim como o "estilo Disney", ele pode fornecer as linhas guia, todo um conjunto de pistas úteis sobre proporções, mas ainda há muito espaço para desenvolver algo por você mesmo. É uma situação diferente do que focar em um estilo em particular (de certos quadrinhos/animação), mas ainda dentro dos limites e regras criados por alguma outra pessoa.
Se o parágrafo anterior soou encorajador a você, aqui estão más notícias: todo artista de mangá com um estilo pessoal é um bom artista em geral também. Você pode ter certeza que eles tem muita experiência em desenho realista, e eles apenas escolheram usar o mangá como base para seu estilo Se você não tem escolha além de desenhar no estilo de outro, você pode realmente desenhar? Até você entender em que o estilo foi baseado (realismo) você nunca será capaz de modificá-lo livremente. Você apenas não sabe como alterar algo sem quebrar tudo.