CINEMA CEM ANOS DE LUZ: Fevereiro 2013
Postado por Marcelo Castro Moraes às fevereiro 28, 2013
Cine Especial: BRIAN DE PALMA: O PODER DA IMAGEM: Parte 2
Sinopse: O fracassado e claustrofóbico ator de filmes B Jake Scully acabam recebendo uma proposta irrecusável de Sam Bouchard: ficar no belo apartamento de um amigo seu enquanto procura lugar para ficar, após presenciar a traição de sua esposa. No novo apartamento, ele presencia estranhos acontecimentos com uma vizinha, e passa a persegui-la e a querer ajudá-la, mas não sabe o perigo que estará correndo.
Muitos podem culpar De Palma de ser um pretensioso, ou um mero imitador de Alfred Hitchcock, mas se analisarmos bem, de suas imitações (ou homenagens) ao mestre do suspense, ele acaba que por vezes criar algo novo. Foi assim com Vestida para Matar e com Dublê de Corpo não foi diferente. Usando elementos de Janela Indiscreta e principalmente Um Corpo que Cai, De Palma cria uma trama investigativa que nos leva em meio ao mundo do cinema onde o diretor, por vezes ou por outra, presta homenagem também.
Não faltam cenas que se tornaram clássicas como o beijo do casal na praia na qual a câmera faz um giro de 360º graus (Um pouco de Um Corpo que Cai e uma dica do que viria futuramente em Matrix) e a cena do assassinato de um determinado personagem através de uma furadeira (clara referencia ao Massacre da Serra Elétrica).
Postado por Marcelo Castro Moraes às fevereiro 27, 2013
Sinopse: Mark O'Brien (John Hawkes) é um escritor e poeta que, ainda criança, contraiu poliomielite. Devido à doença ele perdeu os movimentos do corpo, com exceção da cabeça, e precisa passar boa parte do dia dentro de um aparelho apelidado de "pulmão de aço". Mark passa os dias entre o trabalho e as visitas à igreja, onde conversa com o padre Brendan (William H. Macy), seu amigo pessoal. Sentindo-se incompleto por desconhecer o sexo, Mark passa a frequentar uma terapeuta sexual. Ela lhe indica os serviços de Cheryl Cohen Greene (Helen Hunt), uma especialista em exercícios de consciência corporal, que o inicia no sexo.
Bateram tanto na tecla, pelo fato de Bem Affleck não ter sido indicado para melhor diretor por Argo, que muitos se esqueceram de reclamar da ausência de John Hawkes (Inverno da Alma), entre os indicados a melhor ator, por sua delicada e impressionante interpretação neste filme. Ao interpretar um portador de poliomielite (que o deixa paralisado do pescoço pra baixo), Hawkes incorpora de corpo e alma, uma pessoa impedida de fazer inúmeras coisas, mas que jamais se abaixa perante os obstáculos, mesmo naquele, que acredita que seja o seu maior desafio: fazer sexo pela primeira vez na vida. A tarefa não é das mais fáceis, principalmente por acreditar em certos desígnios da igreja e que acaba o levando a sempre consultar com o seu melhor amigo e padre (William H. Macy, espetacular). O encontro dos dois é sem sombra de duvida os momentos mais cômicos do filme, que ao mesmo tempo gera inúmeros debates sobre religião e do que é certo e errado no que irá fazer durante a vida.
Ao procurar uma especialista de exercícios de consciência corporal (e ter sua primeira relação sexual), entra então em cena Helen Hunt, que surpreende ao passar tamanha segurança, em cenas na qual exige cenas de nudez. Embora já aparentando certa idade, Hunt surpreende ao passar tamanha segurança e profissionalismo que a personagem possui e sem sombra de duvida mereceu a indicação ao Oscar de melhor atriz coadjuvante. É claro que um tipo de filme como esse não é nada fácil de fazer, principalmente porque toca em assuntos, que mesmo em pleno século 21, ainda são um verdadeiro tabu. Mas o cineasta Bem Lewis surpreende ao contornar esses pontos espinhosos, com momentos delicados, humanos e embalados com um bom humor refinado.
Curto, provocativo e contagiante, As Sessões é um filme merecia ter tido mais atenção nesta temporada de Oscar, mas nunca é tarde para descobrir os melhores perfumes nos menores frascos.
Cine Especial: BRIAN DE PALMA: O PODER DA IMAGEM: Parte 1
Sinopse: Carry White (Sissy Spacek) é uma jovem que não faz amigos em virtude de morar em quase total isolamento com Margareth (Piper Laurie), sua mãe e uma pregadora religiosa que se torna cada vez mais ensandecida. Carrie foi menosprezada pelas colegas, pois ao tomar banho achava que estava morrendo, quando na verdade estava tendo sua primeira menstruação. Uma professora fica espantada pela sua falta de informação e Sue Snell (Amy Irving), uma das alunas que zombaram dela, fica arrependida e pede a Tommy Ross (William Katt), seu namorado e um aluno muito popular, para que convide Carrie para um baile no colégio. Mas Chris Hargenson (Nancy Allen), uma aluna que foi proibida de ir à festa, prepara uma terrível armadilha que deixa Carrie ridicularizada em público. Mas ninguém imagina os poderes paranormais que a jovem possui e muito menos de sua capacidade vingança quando está repleta de ódio.
Carrie: A Estranha foi à primeira obra de Stephen King a ser levada para o cinema, bem como foi seu primeiro best-seller. Carrie White (interpretada de maneira sensacional por Sissy Spacek) é uma adolescente tímida e contraída, filha de uma fanática religiosa (Piper Laurie, magnífica), sempre hostilizada pelas colegas, mas que possui poderes paranormais, podendo mover objetos de acordo com sua vontade. Numa das cenas mais poéticas e selvagens da história do cinema, Carrie menstrua pela primeira vez no chuveiro do vestiário da escola: a câmera lenta mostra seu banho, unindo a queda da água do chuveiro com o escorrer do sangue nas suas pernas, vindo então a surpresa de Carrie pelo que ocorreu e, imediatamente depois, o seu terror por não saber do que se tratava. Desesperada, ela tenta procurar ajuda de suas colegas que, por sua vez, a humilham. Voltando para casa, é repreendida pela mãe, que na opinião dela, sua filha agora era possuía pelo pecado de ser mulher. Com remorso pelo que aconteceu, uma de suas colegas, Sue (Amy Irving, a futura mulher de Steven Spielberg) decide fazer com que seu namorado, Tommy (William Katt), um dos rapazes mais disputados pelas garotas na escola, leve Carrie no baile de formatura. Neste ínterim, a professora de educação física suspende Chris (Nancy Allen) do baile que, junto com seu namorado (John Travolta antes do sucesso espetacular de Os Embalos de Sábado à Noite), prepara para vingar-se da protagonista. Carrie, dominando melhor os seus poderes, impõe sua vontade à sua mãe, indo no baile com Tommy. No baile, o casal é eleito como os reis da festa e, na hora da premiação, são banhados com um balde cheios de sangue de porco - a vingança de Chris concretiza-se. Segue-se então uma das seqüências mais violentas da década de 70: Carrie, sentindo-se humilhada, usa seus poderes paranormais e destrói a escola, matando quase todos que estão na sua frente. Brian de Palma fez o uso do efeito tridimensional, ou seja: várias telas se abrindo e mostrando várias coisas acontecendo ao mesmo tempo para o espectador (Ang Lee faria algo parecido na sua versão de Hulk de 2003). Voltando para sua casa, tem de enfrentar sua mãe, em outra seqüência espetacular de suspense, terror e violência. Criticado na época por seu excesso de violência, o filme apresentou muito mais do que devastação e sangue (foi utilizado xarope nestas cenas): a fragilidade e os elevados poderes de Carrie foram magistralmente retratados, criando a tensão necessária para prender o espectador por todo o filme. O enredo vai crescendo de tal maneira que fez com que a "resposta" da personagem, "esmagada" por sua mãe e por todos à sua volta, tivesse sentido.O final acrescentado ao filme (Sue, a única sobrevivente, sonha que uma mão sai da cova de Carrie e a agarra) é diferente do livro de Stephen King, chegando a assustar o próprio, que não o conhecia até a exibição do filme.
Sem sombra de duvida foi o grande momento da carreira do diretor Brian de Palma, que após esse, começou a fazer inúmeros filmes como o magistral Os Intocáveis, mas na minha humilde opinião, Carrie: A Estranha é sua maior obra prima,
No auge de sua forma como cineasta, Brian De Palma cria aqui um verdadeiro clássico de filmes de gangster baseado tanto em fatos reais como também de uma famosa série de TV. Ambientando nos anos 30, o filme possui uma excelente reconstituição de época da velha Chicago, onde gangster e policiais se enfrentavam devido ao trafico de bebidas em meio à lei seca. Com um elenco estelar de encher os olhos, cada um desempenha um ótimo papel, ao começar por Kevin Costner no papel certo e na hora certa no qual o consagrou. Já Robert De Niro uma reencarnação perfeita de Al Capone que transmite poder e medo, mas é Sean Connery com seu incorruptível personagem Jim Malone que da um verdadeiro show de interpretação principalmente em sua seqüência final que lhe valeu o Oscar de ator Coadjuvante.
E se já não bastasse tudo isso, o diretor nos brinda com uma impactante cena de tiroteio na escadaria do metro em que o cineasta presto uma homenagem mais do que bem vinda do clássico russo o Encouraçado de Potemkin.
Curiosidades: Albert H. Wolff, o único integrante vivo dos verdadeiros intocáveis, trabalhou como consultor do filme, auxiliando o ator Kevin Costner em como Eliot Ness deveria ser caracterizado nas telas.
Postado por Marcelo Castro Moraes às fevereiro 26, 2013
Embora lembre em alguns momentos formulas usadas a exaustão na saga Crepúsculo, a historia de amor de uma garota e um zumbi em um mundo pós apocalíptico até que agrada, tanto para aqueles que curtem um romance açucarado, como também o publico mais exigente. Isso se deve ao fato do humor sobressair em vários momentos bem sacados: a seqüência de abertura, onde vemos o zumbi "R" (Nicholas Hoult) contando para nos (narração off) o seu dia a dia como um morto vivo e comedor de carne, em um aeroporto é genial. Na verdade o filme aproveita esse cenário de fim de mundo, para levantar questionamentos sobre como as pessoas atuais se afastam cada vez mais um do outro e se entregando a tecnologias de hoje, o que acaba então gerando uma vida alienada e sem vida.
Embora seja um morto vivo, "R" sente lá no fundo algo já muito esquecido e começa a senti-lo novamente, a partir do momento que conhece Julie (Teresa Palmer), onde ao mesmo tempo ele acaba comendo o cérebro de seu namorado. Curiosamente "R" começa a ter lembranças não da sua vida passada, mas sim do falecido namorado de Julie e partir disso começa gradualmente a sua volta para a vida. Embora o protagonista nos convença que começa a ter vida e sentimentos (muito se deve a boa interpretação de Nicolas Hoult), o mesmo não se pode dizer dos outros mortos vivos, que com eles, essa formula de voltar a sentir como um ser humano, não é só rápida demais como soa muito forçada. Felizmente isso é contornado pelo bom desempenho de outro zumbi que é amigo de R, interpretado com delicadeza pelo ator Rob Corddry, que em alguns momentos acaba até mesmo roubando a cena.
Dirigido pelo cineasta Jonathan Levine (50%) Meu Namorado um Zumbi possui uma historia com começo, meio e fim e não tem pretensão nenhuma de ir além disso. Muito diferente da interminável saga Crepúsculo, que diferente do seu conterrâneo zumbi, teve que nos apresentar cinco filmes, cuja trama poderia facilmente ser resumida num único e dispensável filme.
VENCEDOR DO OSCAR DE MELHOR FILME DESSE ANO JÁ SE ENCONTRA PARA LOCAÇÃO
Documentário sobre ícone da cena underground, entra em cartaz no CineBancários
Após ter aberto a edição de 2011 do Close - Festival Nacional de Cinema da Diversidade Sexual na capital gaúcha, o documentário brasileiro Meu Amigo Cláudia finalmente entra em cartaz no CineBancários a partir de 26 de fevereiro, e permanece em cartaz até dia 3 de março, com sessões às 15h, 17h e 19h, de terça a domingo.
Dirigido pelo estreante Dácio Pinheiro, Meu Amigo Cláudia retrata a trajetória de Cláudia Wonder (1955-2010), uma das artistas mais importantes da cena "underground" brasileira durante as décadas de 80 e 90. Transexual que ficou conhecida por suas performances e apresentações musicais na noite de São Paulo, Wonder também ganharia notoriedade por sua militância em prol do livre exercício da diversidade sexual. Além de seus disputados shows, ela atuou em filmes da Boca do Lixo de São Paulo e também participou de espetáculos dirigidos por Zé Celso Martinez Corrêa no Teatro Oficina. O título do documentário de Dácio Pinheiro é o mesmo de uma crônica dedicada a Wonder pelo escritor gaúcho Caio Fernando Abreu, que era amigo e fã da artista.
A exemplo de outros documentários recentes, como Dzi Croquettes, Meu Amigo Cláudia traz depoimentos reveladores e um rico material de arquivo, com imagens marcantes de um período ainda pouco explorado pelo cinema brasileiro, as décadas de 80 e 90.
Meu Amigo Cláudia, de Dácio Pinheiro. Brasil, 2009, 87 minutos. Classificação indicativa: 16 anos.
Postado por Marcelo Castro Moraes às fevereiro 25, 2013
Noite de Oscar não é fácil, porque a cerimônia sempre vai até tarde e logo mais tenho que levantar para o serviço parecendo um zumbi. Mas enfim, sempre vale à pena, mesmo quando a cerimônia de uns anos para cá deixa a desejar, mas pelo menos neste ano a coisa foi equilibrada, indo para o caminho do bom gosto.
Com já era esperado, Argo venceu na noite, levando os prêmios de melhor filme, roteiro adaptado e montagem, sendo que isso mais ou menos todo mundo esperava. Mas a grande surpresa daquele momento, veio na forma de um telão, onde Michele Obama na casa branca anunciou o grande vencedor da noite. Por um momento eu achei que o grande vencedor seria Lincoln (que seria injusto), mas pelo visto eu estava errado e o que merecia realmente levou o prêmio para casa.
PERDEDOR E RECORDISTA
Embora Lincoln tenha sido o campeão de indicações ao Oscar, os criadores do filme viram boa parte dos prêmios serem levados pelos outros concorrentes, mas isso já era algo esperado, pois verdade seja dita: Steven Spielberg já fez filmes melhores e Lincoln só funciona mais pelo bom desempenho dos atores, em especial a Daniel Day Lewis, que pela terceira vez leva o Oscar para casa e se torna o ator mais premiado da historia.
Devido à ausência de Bem Affleck nas indicações de melhor diretor, todos apostavam que seria o pai de ET que levaria seu terceiro Oscar de melhor direção, mas pelo visto quem foi para esse caminho errou feio e perdeu um bolão. Ang Lee saiu vitorioso na noite, quando não só levou o Oscar de melhor direção, como também viu seu As aventuras De Pi sair da noite vencedor com o maior numero de Oscars (direção, fotografia, efeitos visuais e trilha sonora).
Não é segredo para ninguém que eu adorei o filme Os Miseráveis, tanto que assisti duas vezes no cinema só para me esbaldar em assistir ao musical que melhor traduziu a obra de Victor Hugo. Além de Anne Hathaway saindo vencedora com o Oscar de melhor atriz coadjuvante, o grande momento da produção durante o evento, foi quando todos do elenco surgiu no palco para cantar a musica indicada ao Oscar. Curiosamente, Russell Crowe, que foi o mais criticado na escalação do filme, foi aplaudido quando surgiu no palco e soltou a voz. Será que a opinião sobre ele de não cantar direito no filme mudou?
De qualquer forma, a superprodução levou para casa três Oscars (melhor atriz coadjuvante, maquiagem e mixagem de som).
Além de Ang Lee ter levado a estatueta de melhor direção, fiquei muito feliz em ver Quentin Tarantino levar novamente o Oscar de melhor roteiro original (a ultima vez foi Pulp Fiction) e provando mais uma vez sua genialidade na criação de roteiros originais. Outro diretor autoral que saiu com prêmio na mão foi Michael Haneke, com o seu impressionante filme AMOR, na categoria de melhor filme Estrangeiro. Depois de uma década lançando obras primas como Cachê, Fita Branca e Violência Gratuita, era mais do que na hora desse impressionante cineasta levar uma estatueta para casa.
Muitos duvidavam da segunda vitoria na categoria de ator coadjuvante para Christoph Waltz em Django Livre. Mas pelo visto os membros da academia reconheceram que por muitas vezes durante o filme ele simplesmente rouba a cena e, portanto não é exagero ele ter ganhado pela segunda vez em tão pouco tempo. Mas será que na terceira parceria dele com Tarantino irá rolar um tri campeonato?
DA VITORIA PARA O TROPEÇÃO
Da empolgação, sempre pode terminar em tropeção. Talvez isso seja o que melhor traduz o momento que Jennifer Lawrence, ao subir ao palco para receber o seu prêmio de melhor atriz por O Lado Bom da Vida, acabou tropeçando nos degraus e quase batendo de boca no chão. Claro que num momento como esse qualquer pessoa de juízo perfeito iria se empolgar, mas pelo visto ela havia se esquecido que estava usando um vestido que varria o chão. Mais cuidado da próxima vez menina!
DO JUSTO AO PREVISÍVEL
Achei mais do que justo que a produção da Disney Paperman ter levado o Oscar de melhor curta de animação, pois a singela historia de amor acabou conquistando o publico e critica. Agora, foi previsível Valente ter levado de melhor longa metragem, que embora tenha suas "qualidades PIXAR", acho que quem merecia mais era Frankenweenie, pela sua ousadia a lá Tim Burton.
BOND CHEGOU LÁ
Embora tenha sido um tanto que esnobado nas categorias principais, felizmente o ultimo (e melhor) filme de 007 terminou na cerimônia com duas estatuetas, que dentre elas de melhor canção, coisa que nenhum dos filmes anteriores havia conseguido. Claro que isso muito se deve a voz magnética e contagiante da cantora Adele, que fez a sua musica tema do filme ecoar em todo o auditório da cerimônia.
CHICAGO: 10 ANOS DEPOIS
Em comemoração aos dez anos de vida do divertido filme musical, Chicago marcou presença na cerimônia com um numero musical que representa a abertura do filme e a presença de todo elenco no palco. Mais do que justo para um vencedor daquela noite do Oscar de 2003 e que sobreviveu ao tempo.
No saldo geral, foi uma premiação mais do que justa para todos que estavam concorrendo e a meu ver, uma das melhores dos últimos anos. Confiram abaixo a lista completa dos vencedores.