Adélio Sarro - Eduardo Esteves Arts Management
Observações sobre o pintor brasileiro Sarro e a cor azul.
"Eu creio que o cara enverniza", este veredito aniquilador foi pronunciado por Wilhelm Leibl sobre Ludwig Thoma. Se observarmos as velhas telas envernizadas dos pintores de salão do século XIX, compreende-se a aversão dos artistas pelo verniz e pela pintura em camadas. É uma ironia da história que o dogma da pintura de primeira classe surgiu da admiração pelos vernizes acabados dos Mestres Antigos, cujo resultado eles não conseguiam alcançar com os novos tubos de tintas.
Renoir expressou isso de maneira mais clara: Uma vez que os antigos conheciam o seu ofício, eles possuíam essa matéria e essas tintas transparentes, cujo segredo ambicionamos inutilmente a desvendar.
Quando os pintores do século XV ensinavam seus aprendizes a pulverizar as tintas em almofarizes, amassá-las sobre pedra ou decantar em água, eles tinham em mente antes a intensidade máxima da luz, pois a pureza absoluta, mesmo com o maior dos cuidados, pertencia ao reino do impossível. À medida em que se perdia o conhecimento físico dos materiais que construíam os quadros, perdia-se mais do espírito das suas obras do que os pintores admitiam.
Goethe reconheceu cedo no alheamento do concreto a média comum: "Mas tudo, meu caríssimo," escreve ele em julho de 1825 em Zelter, agora é extremo, tudo transcende irresistivelmente tanto no pensamento quanto na ação. Ninguém mais conhece a si mesmo, ninguém entende o elemento, onde ele paira e age, ninguém entende o material no qual está trabalhando. A conversa não pode ser de pura ingenuidade; existe muita ingenuidade por aí. Os jovens são excitados muito cedo e depois arrastados no redemoínho do tempo; riqueza e rapidez é o que o mundo admira e que todos almejam. Estradas de ferro, correios expressos, navios a vapor e todas as facilidades possíveis da comunicação, nos quais acaba o mundo civilizado, devem ser sobrepujados, reconstruídos e através disso continuar na mediocridade."
O velho azul-marinho (ultramarinho) deve seu nome ao descobrimento da pedra; o Lapislazuli veio do além-mar – autre mer - . O novo vem do laboratório e é ultra-azul, assim como todas as cores são agora ultra.
A nunca vista luminosidade das cores, o sedutor azul de van Eyck, é atingido por Sarro através do jogo da transparência, elevado para princípio básico; ele consegue através de sobreposições e da modelagem diferenciada crescente uma densidade e uma plasticidade da representação que eram obtidos outrora pelos antigos mestres. A luz penetra uma multiplicidade de "camadas geológicas" , até chegar ao fundo da tela de cor marfim, que reforça a luminosidade e o brilho das cores do fundo. A caligrafia é dificilmente reconhecida, o fundo transparente confere à textura um efeito muitas vezes obtuso, quase do tipo pastel, que dificulta sobremaneira as eventuais correções, pois as tonalidades mais fortes, sobretudo as mais escuras, deveriam ser sobrepostas apenas grosseiramente, o que a sua maneira não permite. Sarro não se facilita as coisas e freqüentemente parece criar os obstáculos para si próprio. Nisso, o nascido em 1950 Adélio Sarro Sobrinho nunca foi cantado no berço que ele viria a ser, um dia, um pintor internacionalmente solicitado. Filho de um imigrante italiano e de uma mãe portuguesa, desde criança precisou ajudar seus pais na lavoura, numa fazendo em Andradina no Estado de São Paulo. Mais tarde, trabalhou como carpinteiro, operário de pedreira, numa canteira de mármore e ainda em muitas outras profissões. Nisso ele aproveitava cada minuto do seu escasso tempo livre para desenhar e rabiscar. Nesta época tem origem a sua sensibilidade para diversos materiais. A visita ao museu de Brodowski no interior de São Paulo trouxe o ponto de inflexão na vida de Sarro. A profunda impressão causada nele pelas obras de Portinari fez amadurecer a decisão de se dedicar inteiramente à pintura. Se no começo ele se apoiava fortemente na obra de Picasso, logo encontrou o seu estilo próprio. Seus quadros encontraram a mesma assistência, a mesma admiração, que os dos mexicanos Rivera, Orozco, Siqueros e dos brasileiros Portinari e Gruber.
As obras de Sarro foram expostas em numerosas exposições e feiras artísticas, entre outras na Artexpo em Nova York e Las Vegas, na Europ Art de Genebra e em muitas galerias célebres, principalmente na America e na Europa e sempre com grande sucesso.
A arte de Sarro é severa e demonstrativamente objetiva. Nisso, ele não é um tradicionalista nem um destruidor de tradições. Como Marc Chagall deixa sempre ressurgir as figuras da cidade pequena , também Sarro encontrou o pessoal dos seus quadros nas pessoas das suas vizinhanças. Mas diferentemento de Chagall, Sarro ainda vive no meio da sua grande família no bairro de "gente pequena" em São Paulo. Se ele trocou também de lugar, então ele permaneceu sempre fiel ao meio.
Provavelmente por isso as suas figuras – mulheres indígenas, mulatas, agricultores, mães com seus filhos, vendedoras ambulantes, diaristas e vagabundos – causam um efeito tão tocante. Mãos fortes e grandes pés descalços, testemunhas da dura batalha da vida que precisam vencer diariamente.
Distanciadas, quase desconfiadas elas contemplam o espectador. Freqüentemente estes olhares parecem perguntar quem é o intruso que capta o acesso. A hora do dia e o fundo ficam propositadamente indefinidos por Sarro. No centro olham apenas as pessoas. Através dessa conseqüente redução, essa escassez calculada, os quadros ganham em atmosfera do simultaneamente sobrereal e irreal e acima de tudo reina uma leve melancolia. Nisso, fica sempre sensível o grande amor de Sarro pelas suas modelos. No seu caso reina não uma oculta vaidade do grande artista, mas, antes, os gestos instigante e instigados dos anti-heróis que deixam compartilhar a sua alegria pelos sofrimentos e alegrias dos seus amigos nesta difícil existência.
Um crítico de arte pergunta ao Sarro: por que sempre este azul? A reposta simples e óbvia é: porque eu gosto assim. Nisso, o tratamento sutil das cores tem uma grande parcela do efeito emocional das obras de Sarro, nas quais cada camada aplicada sobre a outra produz a luminosidade e a intensidade na superfície do quadro. Através do escurecimento transparente as cores se conservam fiéis, tanto na luz quanto na sombra, e agem animadas mesmo nas mais profunda escuridão. Às reproduções das obras plásticas de Sarro, eu gostaria de apresentar uma citação de Michelangelo de 1547:
"Quando juízo mais forte e dificuldades, obstáculos e incómodos maiores não tiverem uma nobreza maior como conseqüência, então a pintura e a escultura são a mesma coisa. Para que se trate posteriormente, nenhum pintor deve cultivar menos a escultura do que a pintura e o igualmente o escultor pode ser igualmente ativo na pintura como na escultura. A escultura é para mim uma arte, na qual se constrói subtraindo; a arte que forma por acréscimo, é parecida com a pintura. Enfim, a escultura e a pintura, tanto uma como a outra, originam-se na mesma força do espírito, assim pode-se fechar uma boa paz entre elas e renunciar a numerosas disputas, com as quais só se gasta mais tempo do que é necessário para a criação de uma escultura."
Assim como muitos outros pintores, também Sarro estimulou o desafio de dilatar a sua arte na terceira dimensão, e também aqui a familiaridade com materiais lhe é favorável. Sarro domina o material, ele se organiza segundo a sua vontade.
Mas, se as figuras da sua pintura atuam freqüentemente de modo introvertido, as figuras da sua escultura se inclinam, pelo contrário, cada vez mais a ser extrovertidas. Apesar do peso do material, elas transmitem a impressão de leveza, do movimento. Figuras femininas formam costas com costas um círculo, os braços erguidos estaticamente para o céu. O motivo das mãos erguidas é repetido por Sarro ainda em algumas outras esculturas.
Deve ser salientado apenas o trabalho na casa do artista em São Bernardo do Campo. Aqui ele dá forma à vida plena de maneira a alcançar as qualidades breugelianos. Sarro expressa sem dúvida, ao apresentar as suas obras plásticas, o desejo que eles nos agradem. E elas o fazem!