Natalie Portman | Cinema é a minha praia!
Thor. Dateme un martelo!
por notobviouscinema.
Pode acreditar: apesar do desastrado trailer que praticamente só mostra efeitos especiais, Thor é excelente cinema.
Thor estreou aqui uma semana antes da estreia nos EUA; numa sexta-feira, como a maior parte dos filmes. Mesmo achando absurdo não estrear Thor comme il fault em uma quinta-feira, lá fui eu. Não pelo 3D, não pelos efeitos especiais, mas curioso para ver como se sairia Kenneth Branagh na direção. Diretor da pouco conhecida obra-prima Dead Again (Voltar a Morrer) [*] e de adaptações de Shakespeare como Henri V, Branagh foi no mínimo uma escolha inusitada para dirigir um filme baseado nos quadrinhos da Marvel.
O resultado é surpreendente. Branagh conseguiu elevar a história de Thor acima da pancadaria, equilibrando uma boa dose de humor, ritmo impecável e interpretações marcantes. Só não espere falas shakespeareanas – os diálogos são a parte fraca do filme, pomposos mas sem arestas.
O primeiro acerto de Branagh foi provavelmente a escolha de Antony Hopkins para o papel de Odin, rei de Asgard cujos filhos Loki e Thor se debatem numa relação fraterna conflituada. Hopkins conduz a trama de maneira firme, sem excessos, sem jogar sombra sobre seus herdeiros. De um lado, Chris Hemsworth faz um Thor com boa dose de esquisitice mas que não cai no ridículo. Na outra ponta, Tom Hiddleston rouba a cena com seu conturbado Loki, destroçado entre a admiração pelo irmão, o gosto do poder e as descobertas que faz ao longo do filme.
O maior acerto provavelmente foi ter içado Heimdall, a divindade a quem cabe guardar a ligação de Asgard aos demais reinos (inclusive a Terra), a um papel chave na trama. Idris Elba dispõe de pouco mais do que alguns olhares e uma ou outra fala para compor Heimdall, que no roteiro é um elo crítico para as ações do filme (e para as sequências que já estão no forno) – um alívio, pois em mãos erradas Heimdall [**] poderia ser reduzido a um Scotty de Jornada na Estrelas.
A galeria de interpretações inclui ainda os mortais que Thor encontra em seu exílio terrestre: a compulsiva cientista Jane (Natalie Portman), seu mentor Erik Selvig (Stellan Skarsgård, perfeito no papel) e a maluquinha Darcy (Kat Denning, mais uma vez usando gorro).
Como já vem acontecendo nos filmes da Marvel, Stan Lee faz uma ponta e as histórias se misturam. O Agente Coulson dos filmes Iron Man (Homem de Ferro) 1 e 2 aparece em Thor – com a mesma interpretação competente de Clark Gregg e a mesma capacidade de ser o grande babaca do filme. Pelo menos cabe ao agente Coulson a melhor piada. [***]
Vá, divirta-se e não saia da sala antes do final dos créditos.
[*] Dead Again, nunca canso de repetir, tem uma das aberturas mais brilhantes do cinema. Aparentemente convencional, mas quase cirúrgica.
[**] Heimdall foi um dos poucos deuses mitológicos que não entrou em meu imaginário durante a infância – por algum motivo naquela confusão de deuses e monstros nórdicos não tinha dado caso dele. Foi mais tarde que, precisando batizar um projeto onde era crucial garantir que somente as informações relevantes fossem enviadas, recebi de um colega a sugestão de que Heimdall era a melhor analogia. O nome foi adotado e passei alguns meses contando a estória do guardião da Ponte do Arco-Íris em palestras e até congressos, uma pitada de nerdice que ajudava a quebrar o gelo. Mal sabia eu o quanto esta última analogia seria apropriada por Branagh.
[***] SPOILER: é evidente que a piada é melhor quando vista em seu contexto. Mas se a curiosidade for grande, lá vai:
Quando o Agente Coulson vê pela primeira vez o Destruidor, um monstro metálico vindo de Asgard, ele pergunta: "você é do Stark?" – ingenuamente achando que se tratava apenas de mais uma engenhoca do homem de ferro Robert Stark.
por colaborador(a) • Postado em EUA	• Com a tag Ação, Anthony Hopkins, Aventura, Baseado em HQ, Chris Hemsworth, Drama, Idris Elba, Kenneth Branagh, Mitologia Nórdica, Natalie Portman, Odin, Stan Lee, Stellan Skarsgård, Thor, Tom Hiddleston
Sempre achei balé uma forma de arte extremamente exigente, tanto física como mentalmente. Mas você precisa ser devoto ao balé para assistir "Cisne Negro" (Black Swan, 2010)? Não! O diretor Darren Aronofsky realmente me surpreendeu com esse filme. Nos sólidos 110 minutos de projeção não tem uma cena desperdiçada. E achei impossível não se envolver com a estória da personagem principal (Nina).
Portman tem um desempenho magnífico. Sua Nina transcende inocencia, timidez, insegurança, inibição e determinação, de uma forma que nunca pensei que ela fosse capaz de fazer, principalmente pela complexidade do papel. Não que ela não seja talentosa, mas em "Cisne Negro", Portman domina a tela. Ela se tornou o personagem. Fiquei tão envolvido com suas emoções, que eu esqueci que estava assistindo um filme. Este é o desempenho de uma vida e que precisa ser reconhecido. Espero que ela não seja injustiçada no Oscar como a Ellen Burstyn (por Requiem for a Dream, 2000) foi!
Basicamente, tudo que vemos é a partir do ponto de vista de Nina, que faz tudo parecer duvidoso, isso é, grande parte do fascínio da direção de Aronofsky é tentar discernir a realidade do que transparece na imaginação frenética de Nina. O diretor cria uma grande tensão, e brinca com a platéia, sugerindo que a mente e o corpo são muitas vezes inseparáveis, por exemplo: o filme ganha elementos de terror, e fiquei a perguntar: "tudo que vimos é parte do sonho de Nina ou de sua loucura?"
Se mentalmente a platéia fica sob tensão, o diretor de fotografia Matthew Libatique, nos ajuda a estar com Nina por quase todos os passos nervosos, e piruetas, graças à sua sinuosa "held-camera". Matthey praticamente coloca a câmera no ombro de Portman; e, senti como se estive perseguindo a personagem, ou pegando carona com demônios de Nina. E, o mesmo sentimento, posso descrever sobre a trilha sonora de Clint Mansell, que cresce com o filme, apavorando, e, me levando de volta a certos pontos da trama. Quase todas as faixas tem elementos que são assustadores e inquietantes. Quanto mais eu ouço a trilha, mais eu me apaixono!.
Sim, há uma cena de sexo entre Kunis e Portman, porém depois que o filme termina, eu totalmente esqueci. "Cisne Negro" em si é tão chocante, que a cena, mesmo tão polêmica e bem feita, fica em segundo plano. É uma cena que serve a história, mas o filme é bem melhor do que essa cena.
E se Aronofsky é um mestre em fazer filmes bonitos que nunca quis rever como: "Requiem for a Dream", "The Fountain", e "The Wrestler" (esse achei super chato!), "Cisne Negro" me fez mudar de opinião (já o revi!). Interprete o filme como quiser, mas uma coisa que posso dizer é que ninguém pode ignorar "Cisne Negro" como pura arte de cinema. Sim, a produção tem belas cenas de dança, como em "The Red Shoes" (1948), a tensão preocupante de "Repulsa ao Sexo" (1965), o sadomasoquismo visto em "A Professora de Piano" (2001), e a competição entre as dançarinas como em "A Malvada"(1950), especialmente depois que Nina é escolhido para substituir a velha estrela da trupe anterior, Beth (Winona Ryder), e ao mesmo tempo, enfrentar o desafio de uma novata, a sexy Lily (Mila Kunis ).
Até o momento, "Cisne Negro" é o melhor filme do ano, para mim!.
Lançamento no Brasil em 11/02/2011.
Cisne negro (Black Swan). 2010. EUA. De: Darren Aronofsky. Elenco: Natalie Portman (Nina Sayers / The Swan Queen); Mila Kunis (Lily / The Black Swan); Vincent Cassel (Thomas Leroy / The Gentleman); Barbara Hershey (Erica Sayers / The Queen); Winona Ryder (Beth Macintyre / The Dying Swan); +Cast. Gênero: Drama, Thriller. Duração: 108 minutos.
por rogerio silvestre • Postado em EUA	• Com a tag Balé, Barbara Hershey, competição, Darren Aronofsky, Drama, Natalie Portman, O Lago dos Cisnes, Thriller, Vincent Cassel, Winona Ryder
Visões de Realidade e Fantasia em 'Closer'
Por: Eduardo Sergio de Carvalho.
Um filme pode conter, de maneira proposital, diversas camadas de temas que se sobrepõem, permitindo várias leituras sobre a obra. Através desse artifício, o autor do filme – o roteirista ou o diretor – estrutura o tema ou personagens, de modo que determinados conteúdos psíquicos apareçam em uma camada interpretativa secundária, fazendo com que o espectador identifique-se com ele, atraindo-o inconscientemente para dentro da tela. Por tal ponto de vista, o filme pode ser visto sob um prisma onírico, onde seu conteúdo manifesto – imagens por vezes sem sentido, situações irreais – esconde seu verdadeiro significado no chamado conteúdo latente, escondido. Podemos notar tal artifício desde Um Cão Andaluz de Buñuel, na obra de Fellini, até o cinema comercial americano, mesmo em alguns trabalhos de Spielberg.
Em um segundo aspecto, os temas relativos à psique são apresentados sem a intenção consciente por parte do autor. Aqui, torna-se mais difícil identificá-los, e apenas o olho do indivíduo preparado, ou identificado subjetivamente com o tema latente, poderá apontar e levantar questões pertinentes a ele. Alguns cineastas podem ser considerados autores, justamente por apresentarem variações sobre um mesmo tema, seja consciente ou não, ao longo de suas carreiras – vide Clint Eastwood e sua visão sobre a culpa em sua fase madura, revelando-se essencialmente católica em Menina de Ouro – , e proporcionarem essa identificação junto ao público. Podemos correr o risco de dizer que um filme não existe para o público se não houver essa identificação psíquica.
Tal identificação pode mesmo levar a interpretações profundamente pessoais sobre filmes com intenções muito claras. Parece ser este o caso de Closer – Perto Demais, um filme franco e aberto que discute as relações homem-mulher na sociedade contemporânea. Adaptado pelo dramaturgo Patrick Marber de sua própria peça teatral, o filme de Mike Nichols é um grande e elaborado discurso sobre o tema, questionando de modo ácido que lugares ocupam a mentira e a sinceridade nos relacionamentos, e até que ponto conseguimos discernir onde a verdade sai e dá lugar ao embuste, à fraude. Falando francamente de fraquezas humanas, o texto tem todas as chances de causar impacto no público. E é o que faz.
Em uma das várias discussões acerca de Closer, fui alertado para um aspecto que não notara. Uma pessoa que assistiu ao filme, identificada com Dan (vivido por Jude Law), viu a fita como uma criação literária do personagem: aquilo que vemos na tela em Closer seria O Aquário, o livro de Dan que não deu certo. Para este espectador, o filme todo não passa da realização fantasiosa de um escritor frustrado, que trabalha fazendo obituários em um jornal londrino. É uma leitura plausível: o título do livro – um grande tanque d´água, onde seres vivem expostos aos olhos do público – pode remeter a emoções expostas, porém limitadas às paredes do tanque; à psique aprisionada que quer manifestar-se (a água é um símbolo onírico associado em geral ao inconsciente, bem como às emoções e fantasias). Em suma: Closer é a fantasia de Dan – um alter ego de Patrick Marber ? – exposta na tela, tal qual um aquário.
Uma interpretação absurda, você dirá, mas perfeitamente possível para a pessoa que relatou-a a mim. O indivíduo em questão possui conhecimento da área psicanalítica, é extremamente ligado às artes, em especial à escrita. Li textos belíssimos de sua autoria, nunca editados e apreciados por um público mais amplo. Seu desejo de talvez seguir uma carreira literária fez com que se identificasse com Dan, e seu trânsito entre mundos subjetivo e objetivo levou-o a tal interpretação, unindo real e imaginário sem fronteiras bem determinadas. Não cabe dizer se é certa ou errada; é apenas uma visão pessoal, que poderá variar conforme características e conteúdos inconscientes de cada indivíduo. Uma stripper ou garota de programa, ou quem possua tal fantasia, poderá identificar-se com Alice (Natalie Portman), e enxergar o mesmo filme sob outro ângulo; alguém viciado em chats de sexo poderá ver-se como Larry (Clive Owen); casais em diversas fases no relacionamento, indivíduos manipuladores ou que se deixem manipular facilmente verão outras facetas na mesma obra.
Assim como o inconsciente, o filme jamais se esgota, proporcionando múltiplas visões sobre o mesmo e sobre quem é tocado por ele. Levando essas questões para o ambiente da clínica, um filme como Closer transforma-se em um instrumento notável para a compreensão das relações do sujeito com o outro e consigo próprio.
por colaborador(a) • Postado em _Mais Um Olhar	• Com a tag Baseado em Teatro, Clive Owen, Diretor MiKe Nichols, Drama, Jude Law, Julia Roberts, Natalie Portman, Romance