Blake evitou o cristianismo tradicional e sentiu em vez disso que a imaginação era “o corpo de Deus.”Seus poemas e imagens altamente originais e muitas vezes misteriosos foram feitos para transmitir as visões místicas que ele muitas vezes experimentou. Europa uma profecia refletiu seu desapontamento na Revolução francesa que ele sentiu que não tinha resultado em verdadeira liberdade, mas em um mundo cheio de sofrimento, como refletido na Inglaterra e França na década de 1790. Pouco conhecido durante sua vida, as obras de Blake foram redescobertas pelos pré-rafaelitas no final do século XIX, e como mais artistas continuaram a redescobri-lo no século XX, ele se tornou um dos mais influentes dos artistas românticos.
Esta pintura retrata Napoleão I, ainda não o Imperador, visitando seus soldados doentes em 1799 em Jaffa, Síria, no final de sua campanha egípcia. Suas tropas haviam saqueado violentamente a cidade, mas foram posteriormente atingidas por uma epidemia de peste. Gros cria um quadro dramático de luz e sombra com Napoleão no centro, como se em um palco. Ele está em frente a uma arcada Moura e toca as feridas de um de seus soldados, enquanto seu oficial de Estado-Maior segura seu nariz do fedor. No primeiro plano, homens doentes e moribundos, muitos nus, sofrem no chão nas sombras. Um homem Sírio à esquerda, juntamente com o seu servo que carrega um cesto de pão, dá pão aos doentes, e dois homens atrás deles levam um homem numa maca.
Enquanto o professor de Gros, Jaques Louis David, também retratou Napoleão em toda a sua glória mítica, Gros, juntamente com alguns outros estudantes de David, injetou um dinamismo Barroco em suas composições para criar um efeito mais dramático do que o Neoclassicismo de David ofereceu. A representação de Gros de sofrimento e morte, combinada com heroísmo e patriotismo dentro de um local exótico tornou-se marcas de muitas pinturas românticas.
O uso da cor e da luz destaca o gesto de Napoleão, destinado a transmitir seu caráter nobre, além de compará-lo a Cristo, que curou os doentes. Napoleão encomendou o quadro, na esperança de silenciar os rumores de que tinha ordenado que 50 vítimas da peste fossem envenenadas. A obra foi exibida no Salão de Paris de 1804, sua aparição foi marcada entre a proclamação de Napoleão como imperador e sua coroação.
O romantismo, definido pela primeira vez como uma estética na crítica literária por volta de 1800, ganhou impulso como um movimento artístico na França e Grã-Bretanha nas primeiras décadas do século XIX e floresceu até meados do século. Com sua ênfase na imaginação e na emoção, O Romantismo surgiu como uma resposta à desilusão com os valores iluministas da razão e da ordem no rescaldo da Revolução francesa de 1789. Embora muitas vezes se opusesse ao Neoclassicismo, o romantismo inicial foi moldado em grande parte por artistas treinados no estúdio de Jacques Louis David, incluindo o Barão Antoine Jean Gros, Anne Louis Girodet-Trioson e Jean Auguste Dominique Ingres. Este desfocamento das fronteiras estilísticas é melhor expresso na Apoteose de Ingres de Homero e Eugène Delacroix da morte de Sardanapalus (ambos musé du Louvre, Paris), que polarizou o público no Salão de 1827 em Paris. Enquanto Ingres trabalho aparentemente encarna o ordenado classicismo de David, em contraste com o transtorno e tumulto de Delacroix, na verdade, ambas as obras tirar do Davidian tradição, mas cada um, em última análise, subverte o modelo, afirmando a originalidade do artista—uma noção central do Romantismo.
Na Arte Romântica, a natureza—com seu poder incontrolável, imprevisibilidade e potencial para extremos cataclísmicos—oferecia uma alternativa ao pensamento iluminista ordenado. As imagens violentas e aterradoras da natureza evocadas por artistas românticos recordam a estética do Sublime do século XVIII. Como articulado pelo estadista britânico Edmund Burke em um tratado de 1757 e ecoado pelo filósofo francês Denis Diderot uma década depois, “tudo que atordoa a alma, tudo que imprime um sentimento de terror, leva ao sublime.”Na pintura francesa e britânica do final do século XVIII e início do século XIX, a recorrência de imagens de naufrágios (2003.42.56) e outras representações da luta do homem contra o incrível poder da natureza manifestam esta sensibilidade. Cenas de naufrágios culminaram em 1819 com a balsa incrivelmente original de Théodore Gericault da Medusa (Louvre), baseada em um evento contemporâneo. Em sua horrível explicitação, intensidade emocional e notável falta de um herói, a jangada da Medusa tornou-se um ícone do emergente estilo romântico. Da mesma forma, J. M. W. Turner 1812 representação de Aníbal e seu exército atravessar os Alpes (Tate, de Londres), na qual o general e suas tropas são diminuídos pela esmagadora escala da paisagem e envolta no vortex de neve, incorpora a sensibilidade Romântica, na pintura de paisagem. Gericault também explorou a paisagem Romântica em uma série de visões que representam diferentes momentos do dia; de Noite: Paisagem com um Aqueduto (1989.183), o céu dramático, blasted árvore, e ruínas clássicas evocar um sentimento de melancólico devaneio.
Outra faceta da atitude romântica para com a natureza emerge nas paisagens de John Constable, cuja arte expressa sua resposta ao seu campo Inglês nativo. Para suas principais pinturas, Constable executou esboços em grande escala, como em vista da Catedral de Salisbury (50,145,8); ele escreveu que um sketch representa “nada mais que um estado de espírito—aquilo em que você estava na época. Quando suas paisagens foram exibidas em Paris no Salão de 1824, críticos e artistas abraçaram sua arte como “a própria natureza”. A visão subjetiva e altamente pessoal de Constable da natureza está de acordo com a individualidade que é um princípio central do Romantismo.
Este interesse no indivíduo e no subjetivo-em desacordo com o racionalismo do século XVIII-é espelhado na abordagem romântica ao retrato. Tradicionalmente, registros de semelhança individual, retratos se tornaram veículos para expressar uma série de estados psicológicos e emocionais nas mãos de pintores românticos. Gericault sondou os extremos da doença mental em seus retratos de pacientes psiquiátricos, bem como o lado mais sombrio da infância em seus retratos não convencionais de crianças. Em seu retrato de Alfred Dedreux (41.17), um menino de cinco ou seis anos, a criança parece intensamente séria, mais adulta do que infantil, enquanto as nuvens escuras no fundo transmitem uma qualidade inquietante e ameaçadora.
Tais explorações de estados emocionais estenderam-se ao reino animal, marcando o fascínio romântico com os animais como forças da natureza e metáforas para o comportamento humano. Esta curiosidade é manifesta nos esboços de animais selvagens feitos nas menageries de Paris e Londres na década de 1820 por artistas como Delacroix, Antoine-Louis Barye e Edwin Landseer. Gericault retratou cavalos de todas as raças—de cavalos de trabalho a cavalos de corrida—em seu trabalho. O conto de Mazeppa de Lord Byron de 1819 atado a um cavalo selvagem cativou artistas românticos de Delacroix a Théodore Chassériau, que explorou a violência e a paixão inerentes à história. Da mesma forma, Horace Vernet, que exibiu duas cenas de Mazeppa no Salão de 1827 (ambos Musée Calvet, Avignon), também pintou a corrida de cavalos que marcou o fim do Carnaval romano, que ele testemunhou durante sua visita a Roma em 1820. Seu esboço a óleo (87.15.47) capta a energia frenética do espetáculo, pouco antes do início da corrida. Imagens de animais selvagens e desenfreados evocados primais estados que agitaram a imaginação romântica.
Junto com a canalização de extremos emocionais e comportamentais, artistas românticos expandiram o repertório de matéria, rejeitando o didaticismo da pintura de História neoclássica em favor de temas imaginários e exóticos. O orientalismo e os mundos da literatura estimularam novos diálogos com o passado e com o presente. As odálisques sinuosas de Ingres (38.65) refletem o fascínio contemporâneo com o exotismo do harém, embora um Oriente puramente imaginado, como ele nunca viajou para além da Itália. Em 1832, Delacroix viajou para Marrocos, e sua viagem ao norte da África levou outros artistas a seguir. Em 1846, Chassériau documentou sua visita à Argélia em cadernos cheios de aguarelas e desenhos, que mais tarde serviram como modelos para pinturas feitas em seu estúdio de Paris (64.188). A literatura oferecia uma forma alternativa de escapismo. Os romances de Sir Walter Scott, A poesia de Lord Byron, e o drama de Shakespeare transportaram a arte para outros mundos e eras. A Inglaterra Medieval é o cenário do tumultuoso sequestro de Rebecca por Delacroix (03.30), que ilustra um episódio do Ivanhoe de Sir Walter Scott.
Em sua diversidade estilística e variedade de assuntos, o romantismo desafia a categorização simples. Como o poeta e crítico Charles Baudelaire escreveu em 1846, “o romantismo está situado precisamente não na escolha do assunto nem na verdade exata, mas em uma maneira de sentir.”
Apesar de os primeiros esforços de pioneiros como El Greco (Domenikos Theotocopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) e Claude Lorrain (1604-82), o estilo nós sabemos como o Romantismo não reunir ímpeto até o final do século 18, quando o heróico elemento Neoclassicismo foi dado um papel central na pintura. Este elemento heróico combinado com o idealismo revolucionário para produzir um estilo romântico emotivo, que surgiu na sequência da Revolução francesa como uma reação contra a arte acadêmica contida do estabelecimento de artes. Os princípios do Romantismo incluíam: um retorno à natureza – exemplificado por uma ênfase na pintura plein-ar espontânea – uma crença na bondade da humanidade, a promoção da Justiça para todos, e uma forte crença nos sentidos e emoções, ao invés de razão e intelecto. Pintores e escultores românticos tenderam a expressar uma resposta emocional pessoal à vida, em contraste com a contenção e valores universais defendidos pela arte neoclássica. arquitetos do século XIX, também, procurou expressar um senso de romantismo em seus projetos de construção: veja, por exemplo, a arquitetura vitoriana (1840-1900).
Entre os maiores pintores Românticos foram Henry Fuseli (1741-1825), Francisco de Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), JMW Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Theodore Gericault (1791-1824) e Eugene Delacroix (1798-63). A arte romântica não deslocou o estilo neoclássico, mas funcionou como um contrapeso à severidade e rigidez deste último. Embora o romantismo tenha diminuído por volta de 1830, a sua influência continuou muito tempo depois. Nota: para ver o papel que a pintura romântica desempenhou na evolução da arte do século XIX, ver: realismo ao Impressionismo (1830-1900).
Após a revolução francesa de 1789, uma mudança social significativa ocorreu dentro de uma única geração. A Europa foi abalada por crises políticas, revoluções e guerras. Quando os líderes se reuniram no Congresso de Viena (1815) para reorganizar os assuntos europeus após as Guerras Napoleônicas, tornou-se claro que as esperanças dos povos para a “liberdade, igualdade e fraternidade” não tinham sido realizadas. No entanto, durante os 25 anos agitados, novas ideias e atitudes tinham tomado conta das mentes dos homens.
O respeito pelo indivíduo, o ser humano responsável, que já era um elemento chave na pintura neoclássica, deu origem a um fenómeno novo mas relacionado – a intuição emocional. Assim, o Neoclassicismo frio e racional foi agora confrontado com a emoção e a imaginação individual que brotou dela. Em vez de elogiar o estoicismo e a disciplina intelectual do indivíduo (Neoclassicismo), os artistas também começaram a celebrar a intuição emocional e a percepção do indivíduo (Romantismo). Assim, no início do século XIX, uma variedade de estilos começou a emergir – cada um moldado por características nacionais – todos sob o título de “romantismo”.
O movimento começou na Alemanha, onde foi motivado em grande parte por um sentimento de cansaço mundial (“Weltschmerz”), um sentimento de isolamento e um anseio pela natureza. Mais tarde, tendências românticas também apareceram na pintura inglesa e francesa.
Na Alemanha, a jovem geração de artistas reagiu aos tempos de mudança por um processo de introspecção: eles recuaram para o mundo das emoções – inspirados por um anseio sentimental por tempos passados, como a era Medieval, que agora era vista como um tempo em que os homens tinham vivido em harmonia consigo mesmos e com o mundo. Neste contexto, a pintura Gótica Catedral da Água por Karl Friedrich Schinkel, foi tão importante quanto as obras do ‘Nazarenos’ – Friedrich Overbeck, Júlio Schnorr von Carolsfeld e Franz o ppr – que assumiu a liderança da pictórico tradições do Início do Renascimento italiano e o alemão de arte da idade de Albrecht Durer. Em sua lembrança do passado, os artistas românticos estavam muito perto do Neoclassicismo, exceto que seu historicismo era crítico da atitude racionalista do Neoclassicismo. Simplificando, os artistas neoclássicos olharam para o passado em apoio de sua preferência por indivíduos responsáveis e racionais, enquanto os românticos olhavam para o passado para justificar sua intuição emocional não-racional.
O movimento romântico promoveu a “intuição criativa e imaginação” como a base de toda a arte. Assim, a obra de arte tornou-se uma expressão de uma “voz de dentro”, como disse o pintor romântico Caspar David Friedrich (1774-1840). Mas esta nova subjetividade (ao contrário da época contemporânea) não implicava a negligência do estudo da natureza, nem a pintura artesanal. Pelo contrário: artistas românticos mantiveram as tradições acadêmicas de sua arte, de fato suas qualidades de pintura ainda representam um ponto alto da arte ocidental.
O gênero preferido entre os Romanticistas era a pintura paisagística. A natureza era vista como o espelho da alma, enquanto na Alemanha politicamente restrita era também considerada como um símbolo de liberdade e de impotência. Assim, a iconografia da arte Romântica inclui figuras solitárias, situado na zona rural, olhando ansiosamente para a distância, bem como vanitas motivos, tais como árvores mortas e ruínas cobertas de vegetação, simbolizando a transitoriedade e a natureza finita da vida. Motivos de pintura semelhantes de vanitas ocorreram anteriormente na arte barroca: na verdade, pintores românticos emprestaram o tratamento da luz, com seus efeitos tenebristas de luz e sombra, diretamente dos mestres barrocos. No Romantismo, o pintor lança seu olhar subjetivo sobre o mundo objetivo, e nos mostra um quadro filtrado através de sua sensibilidade.
Quando a restauração Europeia foi iniciada pelas Resoluções de Carlsbad (1819), e a perseguição aos demagogos começou, o apetite pelo Romantismo alemão já tinha desaparecido, e a rebelião tinha sido substituída pela resignação e decepção. As aspirações emancipatórias do Romantismo alemão foram postas de lado em favor das da Restauração. Em face de tal conservadorismo político, o artista-cidadão retirou-se para sua privada idílio, inaugurando o período Biedermeier (1815-1848), do Final do Romantismo, exemplificado pela obra de Moritz von Schwind (1804-71), Adrian Ludwig Richter (1803-1884), e Carl Spitzweg (1805-85). Spitzweg foi talvez o representante proeminente do estilo Biedermeier: narrativa, cenas anedóticas da família estavam entre seus temas pictóricos favoritos, embora suas pinturas alegres e pacíficas tenham um significado mais profundo. Por trás da sua aparência inocente, satiriza o materialismo da burguesia alemã. Ver também: arte alemã, século XIX.
Francisco De Goya (1746-1828) foi o líder indiscutível do Movimento Da Arte Romântica na Espanha, demonstrando um talento natural para obras de irracionalidade, imaginação, fantasia e terror. Em 1789, ele foi firmemente estabelecido como pintor oficial da Corte Real Espanhola. Infelizmente, por volta de 1793, ele foi afligido por algum tipo de doença grave, que o deixou surdo e fez com que ele se retirasse. Durante sua convalescença (1793-1794), ele executou um conjunto de 14 pequenas pinturas sobre o estanho, conhecido como Fantasia e invenção, que marcam uma mudança completa de estilo, representando um mundo dramático de fantasia e pesadelo. Em 1799, ele publicou um conjunto de 80 gravuras intituladas Los Caprichos comentando sobre uma série de comportamentos humanos da maneira de William Hogarth. Em 1812-15, no rescaldo da Guerra napoleônica, ele completou um conjunto de gravuras aquatint chamadas Os desastres da Guerra retratando cenas do campo de batalha, de uma forma perturbadora e macabra. As gravuras permaneceram inéditas até 1863. Em 1814, em comemoração à insurreição Espanhola contra as tropas francesas na Puerta del Sol, Madrid, e ao tiroteio de espanhóis desarmados suspeitos de cumplicidade, Goya produziu uma de suas maiores obras – primas-o terceiro de Maio de 1808 (1814, Prado, Madrid). Outra obra-prima é o Colosso (1808-12, Prado, Madrid). Depois de 1815 Goya tornou-se cada vez mais retirada. Sua série de 14 pinturas conhecidas como pinturas negras (1820-23), incluindo Saturno devorando seu filho (1821, Prado, Madrid), oferecem uma extraordinária visão de seu mundo de fantasia pessoal e imaginação.
Na França, como em grande parte da Europa, as Guerras Napoleônicas terminaram no exílio para Napoleão e uma onda reacionária de Políticas de restauração. A república francesa tornou-se novamente uma monarquia. Em termos de Belas Artes, tudo isso levou a um enorme impulso para o romantismo, até então contido pela dominação de Neoclassicistas, como o pintor político Jacques Louis David (1748-1825) e outros membros dominantes da Academia francesa, que reinaram sem contestação. Mais amplo do que os seus homólogos alemães, os artistas românticos franceses não se restringiram à paisagem e à ocasional pintura de género, mas também exploraram a arte do retrato e a pintura de história.
Outra vertente do Romantismo do século XIX explorado por artistas franceses foi a pintura orientalista, tipicamente de cenas de gênero no norte da África. Entre os melhores expoentes estavam o acadêmico Jean-Leon Gerome (1824-1904), bem como o mais maverick Eugene Delacroix.
O primeiro grande pintor romântico na França foi Jaques-o melhor aluno de Louis David – Antoine-Jean Gros (1771-1835). O cronista das campanhas de Napoleão e um retratista realizado, Gros foi associado com o estilo acadêmico de pintura, embora ele também teve uma influência significativa em Gericault e Delacroix.
Theodore Gericault (1791-1824) foi um importante pioneiro do Movimento Da Arte Romântica na França. Sua obra-prima balsa da Medusa (1819, Louvre) foi o escândalo do Salão de Paris de 1820. Nenhum pintor até então tinha retratado o horror tão graficamente. O impacto da pintura foi ainda mais eficaz por se basear num verdadeiro desastre de vida. A composição de Gericault fortemente arranjada prejudicou a pintura intelectual calculada do Neoclassicismo Acadêmico. A tridimensionalidade das figuras, aliada ao arranjo meticuloso da jangada, com sua desesperança simbólica. Este retrato simbólico de um naufrágio (de aspirações políticas populares) dá à pintura o mesmo drama que marcou as obras de mestres barrocos antigos como Rubens e Velázquez. Gericault também adotou uma abordagem romântica para seus famosos retratos de reclusos de asilo.
Eugene Delacroix (1798-1863), que mais tarde se tornou o líder do romantismo francês, seguiu os passos de Gericault após a morte do último, pintando quadros cujas cores vivas e pinceladas impetuosas foram projetadas para estimular as emoções e agitar a alma. Ao fazê-lo, reacendeu deliberadamente o argumento centenário sobre a primazia do desenho ou da composição cromática. Delacroix contrapôs o que ele considerava ser “monotonia Neoclassical” – exemplificado, no que lhe diz respeito, por Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) e pela conservadora Academia francesa-com movimento dinâmico, e uma composição baseada em cores não diferente da de Ticiano ou Rubens. Sua obra-prima no estilo romântico é a liberdade que lidera o povo (1830, Louvre), pintada por ocasião da Revolução de 1830.
Delacroix também foi um ávido estudante de cor na pintura, em particular a interação de cor e luz. Ele descobriu que ” a carne só tem a sua verdadeira cor ao ar livre, e particularmente ao sol. Se um homem segura a cabeça à janela, é bem diferente de dentro da sala; aqui está a estupidez dos estudos de estúdio, que se esforçam para reproduzir a cor errada”. Um resultado importante de seus estudos foi a descoberta de que as nuances da cor podem ser produzidas misturando cores primárias complementares – um fato que foi tomado com grande interesse pelos impressionistas. Como era, o próprio Delacroix foi fortemente influenciado por John Constable, o grande artista paisagista inglês, que também teve um enorme impacto nos pintores da “Escola Barbizon”, perto de Fontainebleu, que se dedicou à pintura plein-air na década de 1830.
Outros artistas franceses que trabalhavam na tradição do Romantismo incluem: Pierre-Paul Prud’hon (1758-1823), Anne-Louis Girodet-Trioson (1767-1824), François Gerard (1770-1837), George Michel (1763-1843), Antoine-Jean Gros (1771-1835) e Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875). Um caso incomum é o pintor de história clássica Paul Delaroche (1797-1856), que se especializou em cenas históricas melodramáticas tipicamente com a realeza inglesa, como a execução de Lady Jane Grey (1833, National Gallery, Londres). Imensamente popular durante sua vida, ele fez uma fortuna vendendo gravuras de suas fotos.
Na América, a tradição romântica da pintura histórica de Delacroix foi mantida pelo artista germano-americano Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868), cuja obra-prima é Washington Crossing the Delaware (1851, Metropolitan Museum of Art, New York).
John Constable (1776-1837) pertencia a uma tradição inglesa do Romantismo, que rejeitou composições marcadas por uma maior idealização da natureza, tais como os de Caspar David Friedrich, em favor do naturalismo do século 17 holandês arte Barroca, e também a de Claude Lorrain (1604-82). Esta tradição buscava um equilíbrio entre (por um lado) uma profunda sensibilidade à natureza e (por outro) avanços na ciência da pintura e do desenho. Estes últimos foram exemplificados pelos estudos sistemáticos do céu e da nuvem da década de 1820 que caracterizaram o trabalho de Constable. A observação precisa da natureza levou-o a ignorar a importância convencional da linha, e construir suas obras a partir de manchas livres de cor.
Esta emancipação da cor é particularmente característica da pintura de William Turner (1775-1851). Para Turner, indiscutivelmente o maior de todos os pintores ingleses do Romantismo, a observação da natureza é apenas um elemento na realização de suas próprias ambições pictóricas. O humor de suas pinturas é criado menos pelo que ele pintou do que pela forma como ele pintou, especialmente como ele empregava a cor e seu pincel. Muitas de suas telas são pintadas com cortes rápidos. Impasto espessoal alterna-se com delicada pintura alla prima, pintura tonal com fortes contrastes de luz e escuridão. Muitas vezes leva um tempo para o objeto representado emergir desta impressão giratória de cor e material. Assim, por exemplo, em sua pintura Snowstorm: Steam-Boat off a Harbour’s Mouth (1842, Tate, London), Turner não tentou retratar a neve motriz e o vento de amarração, mas sim traduzi-los para a linguagem da pintura. Turner é um importante precursor da pintura abstrata moderna. Mais imediatamente, sua arte teve um enorme impacto sobre os impressionistas, que, ao contrário dos pintores românticos, eram realistas – eles não estavam interessados em visões de luz que aumentavam a expressividade, mas em efeitos reais de luz na natureza. Este movimento para o realismo apareceu por volta de 1850. Neste ponto, abriu-se um abismo cada vez maior entre a emoção e a realidade. Os Românticos, incluindo grupos, como os Pré-Rafaelitas, focado na emoção, fantasia e artisticamente mundos criados – um estilo muito em sintonia com a era Vitoriana arte (1840-1900) – um excelente exemplo a ser altamente popular sentimental retratos de cães por Sir Edwin Landseer (1802-73). Em comparação, Os realistas aderiam a um idioma mais naturalista, englobando estilos tão diversos como o realismo francês (com temas socialmente conscientes) e o Impressionismo.
Os expoentes mais influentes do Romantismo figurativo inglês durante a Era Vitoriana foram os membros da Irmandade Pré-Rafaelita, co-fundada por William Holman Hunt (1827-1910) e por Dante Gabriel Rossetti (1828-82), notável pela Anunciação e outras obras. Outros artistas associados com o movimento incluídos: John Everett Millais (1829-96) mais conhecida por seu romântico pintura Ophelia, Edward Burne-Jones (1833-1898) o eminente pintor, vitrais e tapeçarias designer para William Morris & Co, e John William Waterhouse (1849-1917), que criou a famosa pintura da Senhora de Shalott.
Outro grupo importante de pintores românticos foi a Escola de pintura paisagística do Rio Hudson, ativa durante o período de 1825-1875. Iniciada por Thomas Doughty, cujas composições pacíficas influenciaram muito os artistas posteriores da Escola, outros membros incluíram Thomas Cole (paisagens dramáticas e vivas) Asher B Durand, Frederick Edwin Church, JF Kensett, SFB Morse, Henry Inman e Jasper Cropsey. Um subgrupo de artistas do Rio Hudson introduziu o estilo de Luminismo, ativo entre 1850-75. Luminist paisagens – exemplificado por aqueles de Frederic E Igreja, Albert Bierstadt, e o Missouri fronteira pintor George Caleb Bingham (1811-79) – foram caracterizados por intensa, muitas vezes dramáticos efeitos de luz, um estilo visível também no assustadoramente belas obras de Whistler, tais como Crepúsculo, em Carne de Cor e Verde, Valparaíso (1866) e Noturno: Azul e Prata – Chelsea (1871).
Obras de romantismo pendem em muitos dos melhores museus de arte ao redor do mundo. Aqui está uma pequena lista selecionada de trabalhos.
Em Paris, durante o início da década de 1920, um grupo de pintores figurativos apareceu cujas pinturas afloradas rapidamente se tornaram rotuladas de Neo-românticas. Entre eles estavam o trio russo de Eugene Berman e seu irmão Leonid, e Pavel Tchelitchew. No entanto, na arte britânica, pelo menos, o termo Neo-romântico denota o estilo imaginativo quase abstrato de paisagem criado por Paul Nash (1889-1946) e Graham Sutherland (1903-80) e outros durante o final dos anos 1930 e 1940. Inspirado em parte pelas paisagens visionárias de William Blake e Samuel Palmer, imagens Neo-românticas muitas vezes incluíam figuras, era tipicamente sombria de humor, mas às vezes exibia uma intensidade impressionante. Outros Neo-românticos importantes incluem Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper, Keith Vaughan.
O século XIX foi perturbado pelas fortes mudanças sociais, políticas e culturais causadas pela Revolução Industrial e pela Revolução Francesa. Da mesma forma, a atividade artística tornou-se mais complexa. Neste período, movimentos artísticos de diferentes concepções e tendências podem ser identificados, tais como Romantismo, Realismo, Impressionismo e Pós-Impressionismo. De todos eles, o Romantismo foi o que se destacou sendo o primeiro estilo e com mais intensa reação ao Neoclassicismo, apesar de ter durabilidade curta com apenas 30 anos (1820-1850).
Os artistas românticos buscavam a livre expressão em detrimento das convenções acadêmicas, a fonte de criação das pinturas eram a imaginação e os sentimentos. A valorização da natureza e o apego ao nacionalismo também eram parte das características do romantismo.