O diretor André Pellenz, responsável pelos fenômenos de “Minha Mãe é Uma Peça: O Filme” e “D.P.A.: Detetives do Prédio Azul – O Filme”, decidiu tomar uma medida antes que seguisse os mesmos rumos de colegas como Moacyr Góes e, mais recentemente, Roberto Santucci: encontrar um tempo de respiro entre os sucessos assegurados de público para se envolver com um projeto em que pudesse deixar um pouco mais de sua marca. “Gosto Se Discute” pode até ter toda a embalagem de um produto popular, mas há aqui um pouquinho do envolvimento autoral de Pellenz.
Para que o seu roteiro ganhasse vida, Pellenz precisou trabalhar não somente com um orçamento reduzido, mas também com um cronograma puxado. Em coletiva para a imprensa, confirmou que o texto guarda inspirações de vivências particulares, todas expressas a partir do protagonista. Porém, autoria aqui é apenas uma formalidade, pois “Gosto Se Discute” é totalmente desprendido de qualquer personalidade.
Vivido por Cássio Gabus Mendes, Augusto é o centro pelo qual orbita a história. Dono de um restaurante outrora prestigiado, Augusto hoje enfrenta uma concorrência direta com os food trucks, com aquele em frente ao seu estabelecimento sendo coordenado por Patrick (Gabriel Godoy), de quem foi chefe.
Com o negócio minguando, acarretando em uma crise que o faz inclusive perder temporariamente o paladar, vem ao seu socorro Cristina (a youtuber Kéfera Buchmann, que está bem), representante do banco que é sócio do restaurante para instaurar uma auditoria em busca de estratégias de renovação, do ambiente ao cardápio. Claro que a relação profissional será conflituosa, pois Augusto e Cristina sempre divergem quanto a evolução do endereço.
“Gosto Se Discute” poderia inclusive se apropriar do atual fenômeno dos realities culinários, como o MasterChef, para fazer graça, mas, assim como no recentemente lançado “Duas de Mim”, o plot não passa de uma desculpa para um sem número de piadinhas de rixas que de nada extraem de nós além do enfado. A essa insipidez, vem uma estética televisiva, que pouco faz com a escassez cenográfica e, pior, nenhum sentido aguça com os pratos que contaram com a consultoria da chef Bel Coelho. Bem 1 estrela.
Uma imagem que sempre provocou estranheza, quando não um efeito cômico, apresentada com certo costume na produção internacional falada em inglês é da residência completa em uma caminhão de transporte, quase uma casa de bonecas em tamanho gigante. Pois como bem antecipa o título em inglês deste segundo longa-metragem do francês Vladimir de Fontenay (o primeiro em direção solo), adentraremos aqui um pouco nesse universo dos lares manufaturados.
Ali (Imogen Poots) e Evan (Callum Turner) formam um casal sem nenhuma base que vive o dia presente tentando garantir que no seguinte tenha um teto para dormir ou um restaurante à beira de estrada para comer e fugir sem pagar. Nem o fato de existir um filho, Bone (Frank Oulton), força a busca por um mínimo de estabilidade. Porém, o choque de realidade bate quando um acidente acontece, com Ali precisando fazer as coisas por conta própria.
O envolvimento de Ali com Robert (Callum Keith Rennie), boa-praça que atua em uma empresa de casas modulares, vai evidenciando a metáfora óbvia do roteiro. Trata-se dessa dificuldade de enraizamento, de viajar quase à deriva sem estabelecer conexões emocionais com as pessoas e os locais que habitam.
Mesmo com talento estético perceptível, principalmente pela melancolia que extrai das paisagens mortas canadenses, Fontenay parece depositar em Imogen Poots o fardo de ser a única emissora de uma emoção verdadeiramente genuína. É o que assegura o interesse por “Mobile Homes”, pois a atriz inglesa é daquelas de uma beleza singular que comunica um universo de possibilidades em sua face, fazendo com que sejamos cúmplices de sua Ali mesmo em suas medidas mais inconsequentes.
Frequentemente generosos com filmes brasileiros exibidos em festivais internacionais, a imprensa especializada não recepcionou bem “Não Devore Meu Coração!” quando foi exibido nas últimas edições dos festivais de Sundance e Berlim. Já em sua première em São Paulo na Mostra, não se ouviu aplausos no rolar dos créditos finais, uma formalidade comum até mesmo no mais desapontador dos filmes com a presença da equipe.
Isso talvez se deva porque há prós e contras na mesma medida nesta primeira experiência de Felipe Bragança na direção solo de um longa-metragem. Com o reacender das luzes, é difícil traçar de imediato uma reação mais favorável ou desfavorável ao longa, que deve a sua inspiração aos contos de Joca Reiners Terron.
Em tom de realismo fantástico, a história começa com Joca (Eduardo Macedo), um rapaz de 13 anos, sendo encantada por Basano (Adeli Benitez), menina indígena paraguaya que está prestes a completar 15 anos. O amor impossível entre dois pré-adolescentes divididos por suas culturas e conflitos históricos vai sedendo espaço para a continuidade de uma guerra sustentada pelos adultos.
No centro dela, há o irmão mais velho de Joca, Fernando (Cauã Reymond), um agroboy e também importante componente de uma gangue de motociclistas em uma fase de grandes dilemas, principalmente pelas pressões enfrentadas ao assumir uma linha de sucessão. Além da ausência de uma figura paterna, César (Leopoldo Pacheco), que o traumatiza, há uma mãe, Joana (Cláudia Assunção), que ele culpa por arrastá-lo para um ambiente em que não visualiza um futuro e a rivalidade entre gangues.
Cauã Reymond, um ator que tanto cresce pelo seu interesse em estabelecer parcerias com realizadores de cunho autoral, está muito bem em seu personagem, mas há algo em seu arco que estagna “Não Devore Meu Coração!”. Isso acontece porque há realmente uma inocência encantadora quando a narrativa é centrada no romance entre Joca e Basano, de quem teve o seu coração roubado de um modo quase literal. Porém, há um público que estará mais inclinado a simpatizar com Fernando justamente pelo teor menos fantasioso de seu drama, confirmando assim o caráter divisivo provavelmente não planejado por Felipe Bragança.
Quem fizer questão de ver “Yonlu” no escuro, ainda assim já saberá no prólogo da narrativa sobre uma informação que o tornou conhecido pela maioria: o suicídio que cometeu com apenas 16 anos, em seu próprio apartamento em Porto Alegre. Assim, o que o diretor e roteirista Hique Montanari fará a partir disso é investigar todo um processo de depressão e as singularidades desse personagem, um músico promissor descoberto postumamente.
É o cenário de 2006, em que os computadores se transformaram em idem doméstico obrigatório, especialmente em família com adolescentes, e a comunicação à distância se dava mais em fóruns do que em redes sociais ou aplicativos de smartphones. Vinicius Gageiro Marques, como se chamava Yonlu, se apropriava desses recursos, fazendo amizades com usuários de outros países e buscando por plataformas para compartilhar as músicas que compôs.
Porém, se essa abertura para amizades virtuais evidenciava um garoto que poderia muito bem ter manejo para relacionamentos interpessoais no “plano real”, ela também demonstrava alguém fechado em si mesmo, com uma tendência enorme para atingir um nível irreversível de depressão. É o que paulatinamente vai acontecendo com o Yonlu vivido por Thalles Cabral, que encara o plano de interromper a própria existência como uma medida para a tristeza implacável proporcionada por um isolamento que o corrompeu e que encontra online uma contribuição assustadora para colocá-lo em prática.
Há boas intenções de Hique Montanari para a sua versão ficcional de Yonlu e o suicídio aqui não é debatido e encenado com essa poesia sedutora tão associada como dispositivo e largamente questionada com a vinda do seriado “Os Treze Porquês”. Ainda assim, é impossível relevar uma série de outras opções narrativas e visuais sustentadas pelo realizador.
Os primeiros dois atos de “Yonlu” mais parecem uma coletânea de clipes musicais e o que resta de dramaturgia não dá conta de entregar um personagem de contrastes, pouco correspondendo aos perfis de jovens deprimidos. Também pouco comunica o ritual repetido pela câmera nos espaços, como se com isso quisesse apontar sobre os riscos que há em não remover os filhos das privações perigosas de um quarto o dia todo de portas fechadas – os pais de Yonlu, mesmo obviamente isentos de qualquer culpa, são aqui exibidos como aqueles de um comercial de margarina.
Portanto, afora por nos (re)aproximarmos de um talento que tão cedo partiu, deixando como legado uma produção musical realmente consistente e que tanto se comunica pela abordagem das frustrações da tenra idade, “Yonlu” falha não somente como tributo, mas principalmente como uma obra cinematográfica que poderia exercer uma função social para uma geração mais delicada como nunca e que por vezes incorre a uma solução permanente para um problema temporário.
Exibido em competição no último Festival de Gramado, “Pela Janela” saiu da premiação sem nenhuma vitória, gerando inclusive uma discussão entre jornalistas, com um lado defendendo que, mesmo “Como Nossos Pais” sendo um grande filme, a falta de reconhecimento ao trabalho da estreante Caroline Leone foi criminoso. Trata-se de um drama costurado com uma delicadeza que busca flagrar a vida como ela é na velhice e, por isso mesmo, longe de ser uma unanimidade.
Conhecida do teatro e da televisão, Magali Biff está com presença marcante nos últimos dois anos no cinema. Espetacular em “Deserto” e “Açúcar”, a atriz tem em “Pela Janela” a primeira oportunidade na tela grande de ser o centro de todas as atenções como Rosália, uma mulher com 65 anos que desmorona quando é dispensada como líder de uma fábrica de reatores eletrônicos.