segunda-feira, 18 de janeiro de 2016 Críticas, Filmes | 18:46
"Boi Neon" flagra Nordeste moderno e aborda empoderamento feminino e limites de gênero
Gabriel Mascaro é dos realizadores mais interessantes a emergir no cinema contemporâneo. Prova disso, é a aclamação que seu terceiro longa-metragem, "Boi Neon", amealhou festivais mundo afora. Com destaque para os prêmios em Veneza, Toronto e Rio de Janeiro.
"Boi Neon" é um filme de inescapável força dramática, ainda que não se escore nos recursos mais tradicionais da dramaturgia para tanto. Mascaro problematiza o corpo e o gênero com a sutileza de um artesão.
Iremar (Juliano Cazarré) é um vaqueiro de curral que viaja pelo Nordeste junto com uma pequena trupe. Ele prepara os bois para as tradicionais vaquejadas (em que sobre cavalos, os vaqueiros precisam alinhar e conduzir os bois para os locais demarcados). Iremar, no entanto, gosta mesmo é de desenhar roupas. Ele sonha em ser estilista de moda. No Nordeste contemplado por Mascaro, Iremar pode até ser excêntrico, mas não é uma ave rara. Galega (Maeve Jinkings), que pertence à mesma trupe, é uma mulher "bronca" na definição de Iremar. Caminhoneira rude no tratamento com as pessoas, ela cede à arte do strip-tease à noite e a roupa que tira é desenhada por Iremar. Há, ainda, Júnior (Vinicius de Oliveira), um rapaz que substitui Zé (Carlos Pessoa) no grupo. A vaidade de Júnior o coloca em frontal deslocamento com a aparência dos homens que vemos por ali.
Esses recortes expõe a verdade que Mascaro quer relativizar com seu filme. Os limites de gênero, impostos lá atrás, estão se dilatando não apenas nas grandes metrópoles. Mas o filme, que mostra este Nordeste redentor, de gente que aspira mais, mas está muito bem com sua rotina, tem mais a revelar com seu minimalismo narrativo e seu desprendimento visual.
O corpo é uma das matérias-primas de "Boi Neon". Tanto os corpos humanos como os dos animais. Iremar, por exemplo, abriga uma feminilidade no gestual e na relação com Cacá (Alyne Santana), filha de Galega, que não expulsa de seu corpo a masculinidade característica de um homem com seu ofício. Essa contradição do corpo é uma das maiores belezas, na provocação perene que estabelece, de "Boi Neon".
A imagem é soberana em "Boi Neon", mas muito das inflexões do filme não estão nelas, mas partem do que elas propõem. Um exemplo disso é o empoderamento feminino. O sexo em "Boi Neon", tratado com a parcimônia dos amantes experimentados, parece adornado para dimensionar como os clichês do comportamento social já soam deslocados em um Nordeste muito mais moderno do que o pregado a torto e a direito.
Há uma cena de sexo, envolvendo uma mulher grávida, em que o clamor do desejo é correspondido com ternura e delicadeza, mas também muito tesão. É uma cena de sexo quase explícita, em termos gráficos, mas extremamente reveladora de um mundo em transformação. Não à toa, é uma das cenas mais longas do filme.
"Boi Neon" é um cinema de propostas sólidas, de uma reflexão manente e de narrativa delicada. É um filme que precipita seu contexto com inventividade e inquietação. Para quem gosta de cinema, não dá para pedir mais do que isso.
Autor: Reinaldo Glioche Tags: Boi neon, Cinema nacional, Críticas, Gabriel Mascaro
quinta-feira, 14 de janeiro de 2016 Atores | 20:05
Alan Rickman sofisticava o simples e aferia graça ao malicioso
Morreu nesta quinta-feira (14), aos 69 anos, o ator britânico Alan Rickman. Ele cravou-se no âmago da cultura pop por dar vida a Severus Snape, icônico e primordial personagem da franquia Harry Potter. Para além da graça afetada e do ar intrigante com que revestiu Snape, um dos favoritos dos fãs, Rickman notabilizou-se por sofisticar personagens triviais e hipnotizar a audiência com o melhor dos acentos do famoso charme inglês.
Suas presenças em filmes como "Simplesmente Amor" (2003), "Razão e Sensibilidade" (1995), "Um Certo Olhar" (2006), "Michael Collins" (1996) e "Sweeney Todd – o Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet" (2007) são testemunhos dessa magia que Rickman operava em papeis pequenos ou simplórios.
O britânico agraciou o cinema com um dos maiores vilões de todos os tempos. Seu Hans Gruber de "Duro de Matar" (1988) ajudou a consolidar o filme de John McTiernan como um dos highlights da década e, ainda hoje, impressiona pela caracterização refinada e maquiavélica.
Rickman era desses que navegava com habilidade indecifrável pelos diferentes tons da interpretação. Não à toa, era requisitado por gente tão diferente como Kevin Smith, que o fez ser um anjo em "Dogma" (1999), e Lee Daniels – que o transformou em Ronald Reagan em "O Mordomo da Casa Branca" (2013).
Da comédia ao drama, passando pela aventura – foi vilão também em "Robin Hood – O Príncipe dos Ladrões" (1992) – , Rickman cativava sempre. Seu maior predicado, porém, era a capacidade de aferir graça ao malicioso. De tonar o dúbio, sedutor. Algo que já estava presente em Hans Gruber, mas que ele elevou a um nível de arte nos filmes de Harry Potter.
Autor: Reinaldo Glioche Tags: Alan Rickman, Atores, obituário
quarta-feira, 13 de janeiro de 2016 Curiosidades | 17:47
Apostas da coluna para os indicados ao Oscar 2016 nas principais categorias
Na manhã desta quinta-feira (14), a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood divulga a lista dos indicados ao Oscar 2016. Trata-se de um dos anos com a disputa mais aberta e indefinida. Mesmo assim, há filmes e artistas que podem ser dados como certos entre os contemplados pelo Oscar. Esses e os outros estão na breve lista de apostas que o Cineclube elaborou. Será que a gente emplaca a maioria?
"Carol" deve receber indicações a melhor filme, atriz e roteiro adaptado, mas seu diretor, Todd Haynes, deve ficar de fora…
Alejandro González Iñárritu ("O Regresso")
Tom McCarthy ("Spotlight – Segredos Revelados")
Steven Spielberg ("Ponte dos Espiões")
Bryan Cranston ("Trumbo: Lista Negra")
Saoirse Ronan ("Brooklyn)
Michael Keaton ("Spotlight – Segredos Revelados")
Helen Mirren ("Trumbo: Lista Negra")
Alicia Vikander ("Ex-Machina": Instinto Artificial")
"Filho de Saul" (Hungria")
"Cinco Graças" (França")
"O Novíssimo Testamento" (Bélgica")
"Theeb" (Jordânia")
"Labirinto de Mentiras" (Alemanha")
Autor: Reinaldo Glioche Tags: Listas, Oscar, Oscar 2016
Análises, Notícias | 14:01
terça-feira, 12 de janeiro de 2016 Análises, Filmes | 17:03
"Os Oito Odiados" é um Tarantino inconformista
Cena de "Os Oito Odiados": um filme erguido pelo desejo de resistência
Principal estreia deste fim de semana, "Os Oito Odiados" é, também, o oitavo filme do badalado cineasta Quentin Tarantino. Em novembro, o cineasta esteve em São Paulo para divulgar o filme e comentou sobre suas principais motivações para rodar "Os Oito Odiados".
Vale lembrar que logo depois do vazamento do roteiro do filme, Tarantino ameaçara abandonar o projeto. Voltou atrás. "Era uma primeira versão", disse sobre o texto vazado em uma roundtable da qual a coluna participou.
Tarantino disse, ainda, que seu desejo de contribuir para o gênero do western norteou a feitura do filme. "Dizem que com três filmes você já pode ser considerado um diretor de westerns. Me falta um", observou o autor de "Django Livre" (2012).
"Os Oito Odiados" mostra um Tarantino mais dominante dos códigos do western, mas também um inconformista. Trata-se de um filme de resistência. Não há mocinhos em cena e o passado escravagista da América, o olho no furacão de "Django Livre", é uma sombra poderosa na construção da mise-en-scène aqui.
"Os Oito Odiados" é, sob muitos aspectos, uma crônica pessimista sobre a humanidade – e reparem no destino do único personagem não odiável em cena. É, também, um exercício de estilo dos mais referendados do roteirista Tarantino. Pouco modesto, o próprio entende ser seu melhor roteiro. De fato, é possível identificar nas bem elaboradas cenas de 'Os Oito Odiados" as referências aos outros filmes do cineasta. É o triunfo da palavra. Nunca se falou tanto em um filme de Tarantino e os diálogos já são tidos como a especialidade da casa.
O mais teatral dos seus filmes, talvez escancare o desejo de Tarantino de se desapegar do cinema e enveredar-se pelas outras artes, como a literatura e o teatro. "Os Oito Odiados" funciona muito bem como cinema, mas talvez seu impacto como um romance, ou como uma montagem, fosse maior; mais perene. Essa inquietação, que se transfere do autor para o público que o acompanha como um mestre em sua arte, palpita em "Os Oito Odiados" como a carta de Abraham Lincoln o faz para com os personagens do filme.
Autor: Reinaldo Glioche Tags: Os oito Odiados, Quentin Tarantino, The hateful eight
sexta-feira, 8 de janeiro de 2016 Diretores, Filmes | 14:39
Eu queria resgatar o tempo do sexo no cinema, diz diretor do aclamado "Boi Neon"
Na próxima quinta-feira (14), estreia no Brasil o filme "Boi Neon", o mais novo elixir oriundo do cinema pernambucano. Assinado por Gabriel Mascaro, que antes já havia causado sensação com "Doméstica" (2012) e "Ventos de Agosto" (2014), o filme mostra um Nordeste radicalmente diferente da leitura tradicional que se tem da região. Mas não é só.
"Boi Neon" é um filme que pensa o corpo como nenhum outro ousou fazer no cinema recente. Mascaro, com muita sutileza, tateia a questão de gênero, e seus limites cada vez mais dilatados, com imaginação e riqueza visual.
O cineasta pernambucano Gabriel Mascaro na pré-estreia do filme em São Paulo
(Foto: divulgação/Imovision)
Premiado em Veneza e Toronto e grande vencedor do último festival do Rio, "Boi Neon" é, sob muitos aspectos, representante de um cinema brasileiro mais oxigenado e que pode, e deve, ajudar a transformar o olhar estrangeiro sobre o nosso cinema. Não à toa, o filme fez uma longa carreira em festivais internacionais antes do lançamento comercial no País.
A coluna bateu um papo com o cineasta no dia em que ele apresentou o filme para convidados na capital paulista. Mascaro se mostrou orgulhoso do resultado. Nada mais justo, já que o filme é maravilhoso, e entusiasmado com as possibilidades para seu rebento daqui para a frente. "Quero que o filme seja descoberto e que chegue ao interior. Quero muito ver quais serão seus efeitos por lá".
Leia também: Longa brasileiro "Boi Neon" busca contradição do corpo e causa boa impressão em Veneza
Cineclube: Você diria que "Boi Neon" é seu filme mais ousado? Por quê?
Gabriel Mascaro: Eu não saberia dizer. Porque não faria "Boi Neon" se não tivesse feito os outros filmes. É uma experiência muito única. Essa troca com os atores, com a equipe. Certo, posso dizer, é que foi um processo muito rico.
Cineclube: Qual é a sensação de estrear um filme no Brasil depois de uma carreira tão bem sucedida em festivais mundo afora?
GM: Alegria imensa. Ter essa possibilidade de mostrar para as pessoas que o filme é reconhecido. A sensação é de ter fechado esse ciclo.
Cineclube: O corpo e a questão de gênero são muito prementes no filme. Como foi trabalhar isso visualmente e de que maneira você concebeu essa característica do filme para os propósitos narrativos?
GM: O corpo é uma coisa muito forte no filme. É sobre transformação. Ele acumula. Onde os homens estão reapropriando essa ideia do masculino. Tem uma série de novas possibilidades de vivência que estão acontecendo lá (no Nordeste) e que para mim era importante trazer para o filme. O sexo, a urina do Iremar (o filme se demora na exposição desses ritos). O cinema não tem tempo para mostrar um ato sexual do começo ao fim e eu queria resgatar isso.
Cineclube: A quebra de paradigmas parece um norte do filme. Vivemos em um mundo que a relativização é bem-vinda? Seria esse o ponto de encontro da sua filmografia? Eu estou viajando ou é por aí mesmo?
GM: Acho que você coloca uma coisa muito pertinente. Personagens diferentes. Estranhos. Que são exceções. O filme cria ambiguidade e o filme te aproxima desses personagens que a gente acha diferente e escancara a possibilidade de convergência. A ambiguidade está lá apenas para afastar a ideia de normalidade. Viajei mais do que você (risos).
A gente imagina que a cultura do Nordeste é aquele lugar que as pessoas querem ir embora pela dificuldade e tal, nesse filme ninguém quer ir embora. Querem modificar a vida, mas permanecer ali. São personagens que resistem de certa forma. Ousam sonhar sonhos diferentes.
Autor: Reinaldo Glioche Tags: Boi neon, Cinema nacional, Entrevistas, Gabriel Mascaro
quarta-feira, 30 de dezembro de 2015 Filmes, Listas | 16:58
Retrospectiva 2015: Os vinte melhores filmes do ano
Foi um ano intenso. Não só no cinema. Mas talvez o cinema seja o melhor fórum para uma análise dessa natureza. A pluralidade dos filmes selecionados pelo Cineclube para compor esse ranking do que de melhor surgiu no Brasil (cinema, VOD, home vídeo, etc) entre janeiro e dezembro de 2015, garante a satisfação de quem gosta de cinema em toda a sua plenitude.
Uma boa passagem de ano para todos os leitores e nos vemos em 2016!
20 – Força Maior", de Ruben Östlund (Suécia, 2014)
Um olhar frio, distante e irreversível sobre a dinâmica familiar burguesa contemporânea em um filme sem medo de inconveniências.
19 – "A Visita", de M. Night Shyamalan (EUA, 2015)
Shyamalan redescobre a simplicidade narrativa em um filme que tem sustos, sim, mas tem muito mais coração
18 – "Um Amor a cada Esquina", de Peter Bogdanovich (EUA, 2014)
O maior trunfo do cinema é a imaginação nesta comédia deliciosa que homenageia Hollywood com inteligência e delicadeza
Foxcatcher: o que não é mostrado move o poderoso filme de Bennett Miller
17 – "A Pequena Morte", de Josh Lawson (Austrália, 2014)
A ideia de normalidade é afastada em um filme que a partir de inusitados fetiches sexuais fala da nossa necessidade de conexão
16 – "Love 3D", de Gaspar Noé (FRA, 2015)
A sexualização do amor, intangível como só ela, é tateada com fatalismo romântico pelo polêmico Gaspar Noé em um filme que fala à alma de um jeito muito particular
15 – "Divertida Mente", de Pete Docter (EUA, 2015)
Você se sente exposto, representado e compreendido pelo filme que melhor combina emoção e diversão na temporada
14 – "Foxcatcher – um Crime que Chocou o Mundo", de Bennett Miller (EUA, 2014)
O patriotismo distorcido de uma América competitiva dá o tom desse filme de muitas camadas e grandes atuações
13 – "O Jogo da Imitação", de Morten Tyldum (EUA/INGL 2014)
O academicismo de Tyldum realça a boa história de Alan Turing, mas é Benedict Cumberbatch quem faz do filme algo a mais
12 – "À Beira-Mar", de Angelina Jolie (EUA, 2015)
O inverno do amor é flagrado em toda a sua dor e agonia em um filme que se constrói nos detalhes de uma relação amorosa implodida
À Beira Mar: Quando o amor só exite pelo ódio, o que fazer?
11 – "Que Horas ela Volta?", de Anna Muylaert (Brasil, 2015)
Dando nome aos bois dessa coisa de ser mãe é padecer no paraíso e, no ínterim, revelando a dicotomia do Brasil de duas gerações diferentes
10 – "Ponte dos Espiões", de Steven Spielberg (EUA, 2015)
Thriller de espionagem de alta voltagem rima com filme edificante? Spielberg faz crer que sim
9 – "Mapa para as Estrelas", de David Cronenberg (EUA/FRA,2014)
Hollywood, esse lugar de gente doida, esquisita e esculhambada por David Cronenberg
8 – "Casa Grande", de Fellipe Barbosa (Brasil, 2015)
O derretimento da classe média no pós-Lula ganha o cinema com um filme articulado, reflexivo e com muito a dizer
7 – "A Gangue", de Miroslav Slaboshpitsky (UCR, 2014)
Nosso fôlego se esvai com um dos filmes mais duros e violentos dos últimos anos. O fato de não haver som e todos os diálogos serem na linguagem de sinais torna tudo mais impactante
6 – "Kingsman: Serviço Secreto", de Matthew Vaughn (EUA 2015)
Nenhum filme foi tão eficiente em simplesmente entreter como este aqui. De quebra, cinismo em alta, cenas de ação estilosas e o melhor vilão do ano
Kingsman: Porque o cinema também é diversão pura e simples
5 – "Corrente do Mal", de David Robert Mitchell (EUA, 2015)
O terror mais original em anos no cinema conta uma história de amor que vai ganhando gravidade e sentido e torna a resolução ainda mais assustadora
4 – "Beasts of No Nation", de Cary Fukunaga (EUA, 2015)
O horror irrefreável de uma África esquecida que força suas crianças a se demonizarem para subsistir é um dos filmes paradoxalmente mais lindos do ano. E mais cruéis também!
3- "Whiplash – Em Busca da Perfeição", de Demien Chazelle (EUA, 2014)
A música e a obsessão compõem um soneto perfeito neste filme pulsante, cheio de energia e que se recusa a deixar o espectador a sós com seus pensamentos
2- "Mad Max: Estrada da Fúria", de George Miller (EUA, 2015)
A ópera do caos em toda a sua fúria, cor e excelência. Nenhum outro filme cravou-se no imaginário popular quanto esse petardo de estilo de Miller. O cinema de ação se despede outro de 2015
1 – "Birdman – ou a Inesperada Virtude da Ignorância", de Alejandro González Iñárritu (EUA 2014)
Um pequeno conto sobre vaidade, insegurança e outras coisitas mais com Hollywood como pano de fundo. Imperdível.
Birdman: Porque a eletricidade do registro faz a inteligência da história crescer de tamanho
Autor: Reinaldo Glioche Tags: Birdman, Corrente do mal, Love, Mad max - estrada da fúria, Retrospectiva 2015, Whiplash - em busca da perfeição
Críticas, Filmes | 14:38
"O Despertar da Força" incorpora padrão Disney a "Star Wars"
Sob muitos aspectos "Star Wars: O Despertar da Força" (EUA 2015) é o filme que os fãs da saga criada por George Lucas merecem. É um entretenimento vistoso em sua capacidade de abraçar a nostalgia com beats de outros filmes da série, em especial de "Star Wars: Uma Nova Esperança" (1977), e de reorganizar os arranjos para a expansão da franquia, agora sob o jugo da Disney.
J.J Abrams é um diretor hábil em repaginar sucessos. Não à toa, revitalizou outra franquia sci-fi ("Star Trek") e era bastante óbvio para quem quer que acompanhe sua carreira que seria exitoso em sua incursão pelo universo de "Star Wars".
O grande mérito de "O Despertar da Força", no entanto, está nos novos personagens. Tudo bem que Rey (Daisy Ridley) nada mais é do que a reengenharia de Luke Skywalker (Mark Hamill), mas a personagem tem fôlego e o fato de uma mulher ser a protagonista da nova trilogia estabelece um novo e bem-vindo paradigma para a série e para a ficção científica como um todo. Passa por aí, também, as figuras de Finn (John Boyega) e Poe Dameron (Oscar Isaac), este último uma reimaginação de Han Solo (Harrison Ford), personagem da trilogia original com mais espaço no novo filme.
Finn é o mais oxigenado dos novos personagens, ainda que seja o vilão Kylo Ren – defendido com a habitual competência por Adam Driver – o mais cativante. O conflito do personagem entre a luz e a escuridão e seu confesso desejo pelo segundo invertem a expectativa natural em relação ao tema. Além do mais, ele precisa lidar com a sombra de Darth Vader. Intra e extra-diegeticamente.
As relações entre os personagens obedecem toda a estruturação clássica da série, algo que pode ser creditado ao fato de Lawrence Kasdan, que assinou "O Império Contra-ataca" (1980) e "O Retorno de Jedi" (1983), ser o responsável pelo roteiro. Todo o DNA de "Star Wars" está lá. O filme funciona muitíssimo bem para quem é fã e funciona ainda melhor para quem toma contato com este universo pela primeira vez.
Neste primeiro momento, é factível dizer que "Star Wars" se beneficia desse padrão Disney, mas essa leitura tende a se diversificar com a chegada dos novos filmes e, também, com o olhar histórico sobre este filme.
O hype é imenso e com um bom filme nos cinemas é difícil opor-se de alguma forma a "O Despertar da Força". Mas não estamos diante de um grande filme. Para além da boa vontade generalizada, há escolhas discutíveis – nas frentes narrativa e estética – e pequenas falhas concentradas no roteiro principalmente que não escapam a olhos mais atentos.
De qualquer forma, é um recomeço e tanto para uma franquia que ajudou a definir o conceito de cinema enquanto indústria. Em pleno vapor, a reengenharia de "Star Wars" foca no seguro e mesmo aquelas que parecem escolhas ousadas – e o filme tem sua porção delas – são movimentos bem calculados em uma margem para lá de segura. A Disney sabe o que está fazendo. Antes de ser um filme, "O Despertar da Força" é um grande produto.
Autor: Reinaldo Glioche Tags: Críticas, Star Wars, Star Wars: o despertar da força, Star Wars: The force awakens