10/12/2013 09:13:21.000
Carrie, a estranha foto: Divulga��o	Coragem de Kimberly Peirce encarar a direção de Carrie, a Estranha (Carrie, Estados Unidos, 2013), filme consagrado de Brian De Palma (1976), baseado no livro homônimo de Stephen King, de 1974, e que está sendo relançado pela Suma de Letras (200 págs., R$ 39,90).
Refilmar quase nunca dá certo; e as exceções confirmam a regra. Reler, na verdade, faz parte do universo do teatro. Em função da efemeridade deste é possível revisitar milhares de vezes o mesmo texto. No cinema, por conta da linguagem própria e da capacidade de as imagens se eternizarem as tentativas quase sempre são frustradas, pois a sombra do anterior acaba por se transformar em um fantasma.
A nova versão até seria boa releitura para os dias atuais, pois a tecnologia poderia ser usada ao seu favor. Ao contrário, joga contra. No lugar da sugestão, a alma da versão antiga, o peso dramático está depositado inteiramente sobre o efeito especial explícito. Tudo escancarado, a começar do cartaz exagerado – parece uma máscara – e fake.
No filme de Brian De Palma, Sissy Spacek criou um espanto no rosto (especialmente no olhar) que supera a própria imagem do sangue sobre o corpo. Em Chloë Grace Moretz sobrevive apenas o sangue – elemento externo, de caráter unicamente visual e, portanto, incapaz de provocar a menor sensação de incômodo no espectador.
Fica evidente da parte da direção e, certamente, da produção que o filme apenas atualiza (sem qualquer novidade) a história para o público jovem – provavelmente àquele que nunca viu a versão de 1976 e, talvez, nem se interesse, por considerá-lo "velho".
Sendo assim, há momentos de puro desperdício de efeitos especiais tentando nos convencer de que estamos diante de um filme de horror. Mas se o efeito facilita o trabalho de tentar criar o medo (ou algo similar) o esforço passa longe do que se poderia esperar. Chega a ser bizarro. E não espanta ninguém.
Bem, a história é fartamente conhecida. Carrie, como informa o título em português, é uma garota estranha. Além da opressão da mãe, a fanática religiosa Margaret (uma Julianne Moore descompensada), a adolescente sofre bullying na escola.
Para piorar, ela menstrua pela primeira vez após uma prática esportiva. Como desconhece o significado daquela experiência, ela acredita que está morrendo e vira alvo de deboche das colegas. A reação dela se baseia na descoberta de poderes extra-sensoriais com os quais irá se defender posteriormente de humilhação pública.
Chloë Grace Moretz se esforça, especialmente quando tenta emprestar ao corpo uma linguagem que nos passe a impressão de opressão da qual se tornou vítima. Mas a jovem atriz não alcança o intento. Por ser um papel mais simples, Ansel Elgort, o personagem Tommy Ross (também vítima), se sobressai. Sobre ele a direção deposita um tanto da leveza e de certa inocência perdida que se vê no filme. Mas é só. enviada por: Jo�o Nunes
09/12/2013 05:10:54.000
Tatuagem * foto: Divulga��o	Tatuagem, primeira direção de Hilton Lacerda, é um filme cheio de referências que remetem a outros trabalhos dele como roteirista, caso de Febre do Rato (Cláudio Assis, 2012), de filmes brasileiros realizados em Super 8, passando pelo Grupo Oficina de Zé Celso Martinez, Helio Oiticia e Dzi Croquetes, entre outros.
Em meio a estas citações todas, o filme conta a história do garoto Fininha (o ótimo Jesuíta Barbosa, que ganhou prêmio de ator no Festival do Rio, em setembro). Ele é o fio condutor e, correndo paralelamente, entra a atuação do grupo de teatro Chão de Estrelas, explosão teatral criativa que serve de contestação político-sexual – estamos no final dos anos 1970, em plena ditadura militar.
O adolescente vive cercado de mulheres em uma família conservadora do Nordeste. E, ao servir o exército, experimenta o contraponto deste e vê a vida transformada ao conhecer o referido grupo teatral. Ele é um garoto fora de lugar na família e no exército. Não por acaso, um dos momentos mais bonitos se dá quando conhece o grupo. Os olhos dele brilham na obscuridade do ambiente e o sorriso denota uma felicidade que ele desconhecia. Há medo e deslumbramento; nunca arrependimento.
E aqui entra outra referência, talvez involuntária, do conto Sargento Garcia, de Caio Fernando Abreu – história do garoto seduzido por um sargento. Em Tatuagem também há sedução, mas na relação inversa, do soldado Gusmão (Ariclenes Barroso) e quase da mesma idade. E Fininha vira alvo de escárnio por parte de um militar enrustido.
As aparições de Jesuíta Barbosa serão todas luminosas. O personagem tem inquietude no olhar e ânsia pelo novo. Na primeira vez em que o rosto dele aparece em close e bem iluminado, o ator carrega todas as dúvidas e inseguranças, pois os riscos estão evidentes. Há tempos não se via um ator brasileiro com tamanha carga dramática expressa no olhar e carregando todas as intenções do personagem.
Claro que há, sobretudo, o trabalho de Hilton Lacerda. São dele a linguagem do filme, a condução segura, alguns momentos de brilho intenso na atmosfera que ele cria – como a primeira festa na casa do grupo de teatro, ou no acerto de contas entre Clécio (Irandhir Santos) e (Paulete) Rodrigo Garcia (outro ator que se sobressai). Assim como a emblemática cena em que Fininha aparece com máscara e formula um jogo de esconde, de verdades e mentiras.
A melancolia está expressa na vida daquelas pessoas diante do contexto repressivo militar, porém, há uma alegria que as joga para cima a partir das performances debochadas do grupo. Alegria embutida nos números desbocados da trilha do DJ Dolores, que cola nos ouvidos. Mesmo com toda a extravagância, o que fica dela (e dos números musicais) nunca é a grosseria, mas um ato político possível naquele contexto histórico.
Tatuagem provoca impacto imediato não somente pela maneira como Hilton Lacerda dirige, mas também pela irreverência do grupo (sem meios tons) e, principalmente pela descoberta de Fininha. Ele se apaixonará por Clécio, mas o mais importante não será a vivência de um primeiro e grande amor, mas da libertação que isso representará na vida do garoto.
Hilton filma como quem provoca, porém, vai além do ato gratuito – como a sequência da relação sexual entre Fininha e Clécio. Não há pudores, mas tampouco vulgaridades. Está fazendo um cinema ousado, mas sem apelações e, ao mesmo tempo, sem medos.
* Publicado no Correio Popular de Campinas em 8/12/2013
enviada por: Jo�o Nunes
08/12/2013 12:30:30.000
Azul � a Cor mais Quente* foto: Divulga��o	Longe de querer podar a criatividade do artista ou de bancar o sensor, Azul é a Cor mais Quente (La vie d'Adèle, França, 2013), de Abdellatif Kechiche, poderia ser mais enxuto. São 179 minutos que, acentue-se, não cansam nem enfastiam. A questão não é esta, mas o fato de que, em dado momento, o filme parece não ter muito mais a dizer e poderia terminar.
Contraditoriamente, o prazer de vê-lo nos faz esquecer o tempo, pois as qualidades estão na tela: ótimo elenco no qual sobressaem as protagonistas Adèle Exarchopoulos (Adèle) e Léa Seydoux (Emma), passando pela direção detalhista e cuidadosa a uma mise-en-scène realista convincente.
E há uma história que foge à narrativa costumeira de um conflito único estabelecido desde sempre pela dramaturgia. Na verdade, pequenos conflitos vão marcando aos poucos a vida da protagonista e, na diferença intelectual das duas meninas que se amam, está o mais acentuado e determinante deles. Porém, enfatize-se, não o único.
A razão de o filme ser longo reside no modo como o diretor sublinha as cenas. E tira delas o máximo. Disto resultam sequências belíssimas como o reencontro das garotas em um café. Comove a intensidade de cada gesto, de cada expressão dos rostos, de cada palavra. Como é doce e ingênuo o encontro de Adèle com o namorado Thomas (Jérémie Laheurte) quando, enquanto tomam lanche, discutem literatura.
Idêntica linguagem ele usa na cena mais discutida desde que o filme passou em Cannes: a do sexo entre as duas amantes. São seis minutos mais que calientes que servem de deleite aos voyeurs (todo mundo tem um pouco) de plantão – especialmente os homens que curtem cenas sexuais entre mulheres. Sim, poderia ser menor porque depois de três minutos ela se torna reiterativa e perde o efeito estético e erótico.
Mas Kechiche parece gostar dos excessos. As lágrimas estão por toda parte: nos olhos de Emma, de Thomas e, em especial, nos de Adèle. E elas não parecem fora de propósito. Adèle chora como resultado de uma dor com a qual nos identificamos (dor de amor) e nos comovemos com a força demonstrada pela atriz e pela extrema sutileza como foi dirigida. Reforçando a contradição, ao mesmo tempo em que o cinema do diretor parece exagerado, ele tem a capacidade de usar o muito com tamanho poder que a ideia inicial de que ele extrapola os limites se dilui.
Assim, e sem arrebatar (ele não tem esta característica por causa do ritmo contido da direção), Azul é a Cor mais Quente agarra o espectador. A razão está na história, nas interpretações, mas, em especial, na maneira de dirigir.
Na passagem da adolescência para a vida adulta, Adèle se descobre interessada em mulheres, ao contrário do que esperariam a família, as amigas e Thomas, o garoto apaixonado por ela. Drama familiar e social que afeta profundamente a adolescente. É antes de tudo o drama de não se caber no mundo. Encontra em Emma o espaço certo: artista, família aberta, amigos também. Porém, o amor delas esbarra no desnível intelectual e social.
* Publicado em 8/12/2014 no Correio Popular de Campinas
* Publicado no Correio Popular de 29/11/2013	enviada por Jo�o Nunes
* Publicado no Correio Popular em 29/11/2013	enviada por Jo�o Nunes
* Publicado no Correio Popular em 15/11/2013	enviada por Jo�o Nunes
* Publicado no dia 8/11/2013 no Correio Popular	enviada por Jo�o Nunes
De fato, o roteiro de Las Horas Muertas é simples, mas sofisticado, assim como a depuração exigida para contar essa história (só na aparência) pouco atraente. Ocorre que naquele cotidiano onde quase nada acontece se processam transformações das quais o personagem nem se dá conta: ele está deixando de ser garoto para se transformar num homem. E sem nenhuma concessão ao clichê tão comum a esse tipo de história.	enviada por Jo�o Nunes
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