4	A Fita Branca, de Michael Haneke, escolhido para representar a Alemanha, é de cara um postulante ao Oscar de filme estrangeiro de 2010. Além de realizado primorosamente, o longa, Palma de Ouro no Festival de Cannes, aborda um tema caríssimo em Hollywood: o nazi-fascismo.
Embora as regras do Oscar tenham mudado, e a Academia de Cinema dos EUA possa indicar um filme que não foi eleito para representar o seu país, convém lembrar que La Nana e Abraços Partidos foram preteridos em seus países de origem e não figuram entre os 65 pré-indicados. Esse também é o caso do uruguaio Gigante, de Adrián Biniez. O representante uruguaio na disputa é Meu Dia para Pescar, de Alvaro Brechner. O chileno é Dawnson - Isla 10, de Miguel Littin, e o espanhol, El Baile de la Victoria, de Fernando Trueba.
É bom lembrar também que preciosidades como o sueco Deixa Ela Entrar, de Tomas Alfredson, o turco 3 Macacos, de Nuri Bilge Ceylan, e o francês Entre os Muros da Escola, de Laurent Cantet, entre outros, embora tenham estreado no Brasil em 2009, foram lançados originalmente em 2008 - e, por isso, estão fora do páreo.
0	Uma recente safra de cinebiografias passou em revista vida e obra de ídolos da música como Ray Charles, Johnny Cash, Bob Dylan, Edith Piaf e Ian Curtis. Os próximos projetos do gênero, entre realizados e anunciados, mantêm a diversidade de ritmos e a relevância artística dos homenageados.
Dos filmes já concluídos, três se destacam: Serge Gainsbourg, Vie Héroïque tem como personagem o grande ídolo da música francesa que transitou pelos mais diferentes estilos musicais e se tornou uma referência do pop contemporâneo. O longa sobre a trajetória do autor do sussurante hit erótico Je T'aime moi non Plus estreia em janeiro na França e chama a atenção pela impressionante caracterização do ator Eric Elmosnino como Serge - que é pai da atriz e cantora Charlotte Gainsbourg. Com estréia prevista para este final de semana na Inglaterra, Nowhere Boy tem foco na infância e adolescência de John Lennon, destacando seus conflitos familiares, a paixão pelo rock'n'roll e a amizade com George Harrison e Paul McCartney, com quem faria história nos Beatles. Em março, entra em cartaz, nos EUA, The Runaways, que passa em revista a história da seminal banda de rock dos anos 1970 formada por garotas ainda adolescentes. No elenco estão Kristen Stewart (a Bella da saga Crepúsculo), como a guitarrista Joan Jett, e Dakota Fanning, no papel da cantora Cherie Currie - leia mais sobre esse filme no post abaixo.
Na lista de cinebiografias anunciadas, tem Michael Douglas vivendo o pianista Liberace - com Matt Damon de guarda-costas e amante do espalhafatoso músico. Bob Marley está no centro de uma disputa entre sua viúva, Rita, que desenvolve um longa de ficção, e o cineasta Martin Scorsese, que toca um documentário sobre o ídolo do reggae - a pendenga envolve os direitos de uso das músicas de Marley.
Enquanto isso, o comendiante Mike Myers ainda tenta encenar seu tributo a Keith Moon, o mítico maluquinho baterista do The Who, e o produtor Thomas Tull (de Wacthmen) garante que sai seu filme sobre o guitarrista Jimi Hendrix - os músicos Lenny Kravitz e André Benjamin (do Outkast) estão na lista de candidatos ao papel. Já a cinebiografia de Freddie Mercury parece distante, embora tenha sido especulado que o cantor do Queen seria revivido por Sacha Baron Cohen - que fica bem de bigodão, como mostrou em Borat.
1	Demorou, mas finalmente vem aí o filme que promete contar a história da primeira grande banda de garotas do rock, as riot girls conhecidas como The Runaways. Formado nos EUA em 1975, o grupo pintou na cena pré-punk no embalo do glam rock e já flertando com o som que vinha sendo apresentado por nomes como Ramones. À frente, entre algumas mudanças na formação, de quinteto a quarteto, despontaram três gatas ainda adolescentes: a morena Joan Jett (guitarra) e as loiras Cherie Currie (voz) e Lita Ford (guitarra).
As Runaways estouraram logo de cara com o hit Cherry Bomb - alusão ao perído de TPM das minas - e tiveram um grande êxito em turnês com ingressos esgotados, subretudo no Japão. Mas rivalidades internas e um tanto de preconceito no universo machista do rock à época - que estranhava belas garotas combinando peso e melodia com temas juvenis como farra, pegação, escola e família - levariam à dissolução do grupo ainda naquela década.
Na carreira solo, Joan Jett se saiu superbem lapidando o som que fazia nas Runaways e conseguiu enorme sucesso com hinos roqueiros do porte de I Love Rock 'n' Roll e Bad Reputation. Lita Ford, nem tanto, sobretudo por ter investido na onda do metal farofa poser oitentista - a jaqueta de couro mostrou ter mais fôlego que o laquê e as lantejoulas. Cherie também tentou seguir sozinha, mas não vingou nem na música e tampouco no cinema.
2	É qualquer coisa fora de série o visual deste novo Alice in Wonderland, provavelmente Alice no País das Maravilhas no Brasil, se os distribuidores não se perderem na tradução.
Pela expectativa criada, o novo Tim Burton é candidato a ser um dos melhores, se não o melhor trabalho do visionário cineasta de 51 anos - eles, Burton e a fábula fantástica de Lewis Carroll, não parecem ter sido feitos um para o outro?
Esta semana a Disney liberou o segundo trailer. Dá uma olhada abaixo. E aproveita para ver, na sequência, o trailer anterior e um vídeo com a caracterização de alguns dos personagens - Mia Wasikowska como Alice, Johnny Depp como o chapeleiro maluco, Helena Bohnam Carter como a Rainha de Copas, Anne Hathaway como a Rainha Branca.
1	ATUALIZAÇÃO: a Imagem Filmes acaba de nos informar que - em razão da dimensão que o filme tomou, tema deste comentário - vai lançar Guerra ao Terror nos cinemas brasileiros, em 5 de fevereiro de 2010. Como será que a distribuidora nacional de Guerra ao Terror está lidando com essa? O filme lançado no Brasil direto em DVD, em abril, indicativo da pouca fé em seu desempenho nos cinemas, se tornou um dos grandes destaques da temporada, circulando em importantes festivais sob ótima recepção da crítica. E agora vence importantes prêmios no aquecimento do Oscar, festa na qual, aliás, sua presença já é dada como certa, ainda mais que aumentou para 10 a lista de indicados a melhor filme.
2	Falam muito de Avatar, e seguem falando muito de Avatar, mas eu vou confessar que tenho mais vontade de ver este filme aqui, ó:
1	Quatro dos melhores cineastas do planeta resolveram se debruçar sobre o mesmo tema em seus últimos filmes. Não se trata de algo tão inusitado tendo em vista que esse tema é, por assim dizer, o já batido nazismo/anti-semitismo. Mas, como se tratam de realizadores muito diferentes entre si, e de abordagens todas tão pertinentes quanto incomuns, eu diria até inusitadas, o painel que acabam formando é dos mais interessantes.
Esse nem título em português tem, apesar de ter sido lançado lá em 2008. Talvez sequer estreie no Brasil, embora tenha sido exibido na Mostra Internacional de São Paulo de 2009. Seu argumento é tão ou mais inquietante quanto o de A Fita Branca: Jeff Goldblum, naquele que talvez seja o papel da sua vida, é um artista de circo que foi preso pelos alemães durante a II Guerra mas acabou poupado da camara de gás para "entreter" os outros judeus enquanto eles caminhavam para a morte. Sua história, incluindo os detalhes mais sórdidos, como a obrigação de se comportar literalmente como um cachorro para divertir os nazistas, é revivida a partir de suas lembranças em um sanatório construído em Israel. Tem alguns dos diálogos mais impressionantes dos últimos tempos. E uma mise-en-scène impecável. Filmaço.
A senhora que você vê no pôster acima é Jeanne Moreau, ela mesma, interpretando a mãe de um homem que busca solucionar o misterioso desaparecimento de seus avós - no caso, pais da mulher. Ele, que é vivido por Hippolyte Girardot, até tenta conversar, mas ela não gosta de falar sobre o assunto. Ao investigar o caso e descobrir que os velhos foram assassinados pelos nazistas durante a ocupação de Paris na II Guerra, vai descobrindo também porque a própria tradição judaica da família foi sendo corroída ao longo dos anos. Tudo daquele jeito que os conhecedores da obra do israelense Gitai (de Kedma, Kippur e Free Zone) já estão acostumados - Mais Tarde Você Vai Esperar é um filme enxuto, cheio de lacunas narrativas e composto de poucas sequências, quase todas costituídas de um único e longo plano. Em Porto Alegre, passou no recente Festival Varilux, mas não tem previsão de estreia no circuito.
Todos já devem ter visto nos cinemas, e quem ainda não o fez eu aconselho a recuperar o tempo perdido - o DVD não deve demorar muito a ser lançado. Neste filme, que é estrelado por Brad Pitt e Christoph Waltz (em interpretação antológica) e que narra a cruzada de um grupo de assassinos de nazistas durante a II Guerra, o eterno adolescente Tarantino, o mais abobado entre os mestres da arte de filmar, rearranja a própria história do século 20 e cria uma série de situações inverossímeis buscando levar o espectador a um prazer cinematográfico pleno, genuíno: ao mesmo tempo em que é envolvido por cenas construídas com um rigor absoluto, de texto, montagem, interpretação, criaçao de clima de suspense, humor ou drama, às vezes tudo isso simultaneamente, o público também se sente vingado pela barbárie que foi o Holocausto. Êxtase, no mínimo, em dobro - se todos os filmes fossem assim...
0	Para quem já estava por dentro, quando falamos do curta Ataque de Pânico AQUI no blog, o Segundo Caderno desta quinta-feira traz uma entrevista com o diretor uruguaio Federico Álvarez (colaboração do chapa Lucca Rossi). Fede Álvarez, como assina, abriu um espaço na agora apertada agenda para nos contar como o vídeo que colocou no YouTube o levou a assinar um contrato de US$ 30 milhões em Hollywood, apadrinhado por Sam Raimi. Confira AQUI a reportagem. Postado por Marcelo Perrone
1	O processo de edição por vezes é cruel, ainda mais quando o tema é tão estimulante quanto o sensacional livro Easy Riders, Raging Bulls: Como a Geração Sexo Drogas e Rock`n`roll Salvou Hollywood, do jornalista americano Peter Biskind. Com os acréscimos que tiveram de ser limados da versão em papel e outras observações que me ocorreram posteriormente - diante de um livro obrigatório para cinéfilos em qualquer grau de paixão e do qual cada capítulo mereceria uma resenha própria -, segue o texto publicado no Segundo Caderno desta quinta-feira.
Algo muito estranho, mais forte e inesperado que um dos habituais terremotos, começou a mudar a paisagem de Hollywood no começo dos anos 1970. De uma hora para outra, os grandes estúdios tiveram executivos de cabelo escovinha, terno e gravata substituídos por jovens de batas, sandálias, barba e rabo de cavalo. O tilintar do gelo nos copos de uísque silenciou quando o ambiente foi impregnado pelo cheiro de maconha.
A efervescência da contracultura, enfim, parecia dominar um dos territórios mais sagrados do estilo de vida americano. Era o início de uma revolução que teve curta duração, mas deixou marcas definitivas na história do cinema. À frente dela nomes como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Brian De Palma, Steven Spielberg e George Lucas, entre outros jovens cineastas que, fortemente influenciados pela nouvelle vague francesa criariam a Nova Hollywood. Com 10 anos de atraso, chega ao Brasil o livro que disseca este momento: Easy Riders, Raging Bulls: Como a Geração Sexo, Drogas e Rock 'n' Roll salvou Hollywood, de Peter Biskind, ex-editor da revista Premiere e um dos mais respeitados jornalistas culturais dos Estados Unidos. Hollywood consagrou na ficção a máxima de que "entre a lenda e o fato, publique-se a lenda". Ao decidir contar os bastidores de um período em que muitos fatos têm diferentes versões e essas ressurgem fragmentadas em memórias distorcidas pelos excessos de álcool e drogas, Biskind correu riscos. Mas, em vez da avalancha de processos que seus editores e advogados previam, seus maiores danos foram amizades rompidas e desmentidos, que ele coloca no livro como contrapontos nos casos em que as versões são antagônicas.
Em meio a revelações mundanas de alcova, intrigas e maquinações que ergueram mitos ou arruinaram carreiras, relatos dos conturbados bastidores de clássicos como O Poderoso Chefão, Chinatown e Taxi Driver, Biskind detalha como nasceu, brilhou e sucumbiu a geração - os chamados Moleques - que tentou cravar nas colinas de Hollywood o cinema autoral praticado pelo diretor onipotente, que varreria da sala de comando os antigos chefões dos estúdios que até então davam a palavra e a forma final aos filmes.
Biskind dismistifica alguns conceitos dessa turma liderada por um Coppola que é pintado ao mesmo como genial e truculento, visionário e irresponsável. O autor do livro destaca que nem todos da turma eram malucos-beleza loucos para pegar as então recentes câmeras portáteis e sair às ruas filmando o filme genial que, não raro, só existia em suas cabeças, turbinadas por pretensão e arrogância juvenis - e frequentemente embaralhadas pelo efeitos de drogas e litros de birita.
Entre eles, por exemplo, havia um Peter Bogdanovich, careta e cinéfilo de impressionante conhecimento enciclopédico, que realizou o marcante A Última Sessão de CInema reverenciando mestres do cinema americano como John Ford e Howard Hawks - diferentemente de colegas que só tinham olhos para Godard, Truffaut, Antonioni e Bergman.
Biskind mostra como caminhos que começaram em paralelo, movidos por camaradagem e mútua colaboração - que se impunham à rivalidade e à competição - se desmembraram em muitos outros, por vezes contraditórios - e com alguns rompimentos no curso - à medida que que esses diretores amadureciam e deparavam com questões mundanas de gente grande, como pagar as contas e sustentar uma família.
Ninguém em Hollywood parecia louco o suficiente para colocar um dólar que fosse na mão de Peter Fonda e de Dennis Hopper, dois atores que representavam em tempo integral a geração sexo, drogas, encrenca e rock'n'roll. Ambos eram vistos como párias e motivo de chacota, maconheiros e bebuns condenados aos filmes B que protagonizavam. Peter era só o filho desengonçado do grande Henry Fonda e irmão da musa em ascensão Jane. Dennis, que se achava o herdeiro de James Dean, dava pinta de que em breve estaria morto, preso ou internado num manicômio. Além da amizade, eles tinham um vago laço de parentesco – a companheira de Dennis à época era filha de uma ex-mulher de Henry Fonda.
Foi Peter, apaixonado por motos, quem bolou o vago argumento sobre dois motoqueiros cruzando os Estados Unidos, que viria a se tornar o marco da contracultura Sem Destino (1969). Dennis entrou de carona e, diante da insegurança do amigo em atuar e dirigir ao mesmo tempo – e pela falta de quem encarasse a bronca –, estreou com o diretor e colocou seu nome na história do cinema. O produtor Bert Schneider foi o louco visionário – e endinheirado – que a dupla precisava encontrar. Certo de que era a hora de ver a efervescência da cultura paz e amor representada nas telas dos cinemas, e vendo que o risco de fracasso traria prejuízo mais à vaidade que ao bolso, Schneider, um entusiasta do cinema de autor europeu e defensor da ideia do diretor com poder total, bancou Sem Destino. Os US$ 340 mil investidos viraram milhões e fizeram do produtor o midas da Nova Hollywood. O filme determinou o rompimento entre Peter e Dennis. A briga, que começou no caótico set, diante das diferentes concepções que tinham da história, prossegue ainda hoje pela paternidade autoral de Sem Destino. Peter, que assinou com produtor, acusa Dennis de ter se apropriado e ficado com os louros da criação "artística" de um projeto seu. Dennis, por sua vez, diz que, das concepções narrativas e estéticas - em que barbeiragens e erros técnicos viraram "marcas autorais" - à espetacular trilha sonora, é tudo ideia dele.
Na verdade, o longa deve muito à interferência de Terry Southern, que divide com eles os créditos pelo roteiro. Foi Southern deu liga às ideias descabeçadas e fragmentadas da dupla – e acrescentou outras fundamentais, como o sombrio desfecho com os cabeludos mortos a tiros por caipiras, quando os atores queriam um final épico, com os motoqueiros sumindo na estrada rumo ao poente. Deve muito também a Schneider, que - ao perceber que sua defesa do diretor-autor não funcionaria com um maluco paranoico - tirou Sem Destino de Dennis na montagem, quando este empacou numa versão com mais de três horas de duração e não tinha a menor ideia de quando finalizaria o filme Quem se deu bem nessa saborosa história foi o coadjuvante Jack Nicholson, então um ator com reconhecido potencial, mas futuro incerto, que era companheiro dos excessos etílicos e químicos da turma. Grande amigo de Schneider, Nicholson iria acompanhar a produção como uma espécie de olheiro, com a missão principal de impedir que os protagonistas matassem um ao outro numa de suas muitas brigas. Entrou no elenco em cima do laço, substituindo um ator que pulou fora após ser ameaçado com um faca por Dennis, e saiu daquela roda de baseado em torno da fogueira onsagrado para um longo reinado em Hollywood.
Touro Indomável foi o quarto dos oito longas que Scorsese fez com De Niro. Eles cresceram próximos um do outro em Nova York, conheceram-se adultos e viram que suas personalidades fortes se complementavam também no set. Scorsese, filho de alfaiate e criado numa casa sem livros, apreciava a formação cultural de De Niro, vindo de família classe média ligada às artes plásticas. O ator inveja em Scorsese a vivência nas ruas, vindas do flerte com a marginalidade que ele tão bem retratou em seus filmes - embora, destaca Biskind, o diretor, franzino e asmático, nunca tenha sido de se meter em confusão; pelo contrário, tinha por hábito se esconder quando a coisa esquentava.
Quando enfim topou tocar adiante a biografia do ex-pugilista Jake La Motta, Scorsese estava inseguro quanto a sua vida profissional - vinha do fracasso New York, New York (1977) e havia realizado O Último Concerto de Rock para exercitar sua paixão pelo rock e pela amizade que tinha com os músicos da The Band. Embora a fidelidade ao cinema autoral fosse uma opção, o diretor sentia não ter no currículo sucessos de bilheteria, como o que permitiu aos amigos Coppola (O Poderoso Chefão 1 e 2), Spielberg (Tubarão) e Lucas (Guerra nas Estrelas) tomarem as rédeas de suas carreiras – apenas por esse aspecto, deixava claro. A tensão e o desencanto de Scorsese naquele momento acabaram refletidos no filme, aclamado pela crítica mas um fracasso de público. Embora tenha sido eleito o melhor filme de 1980, o longa, segundo Peter Biskind "é um filme dos anos 70, uma baleia encalhada na praia da nova década". O autor destaca: "Touro Indomável era a coisa mais distante possível da papinha subserviente e mandatoriamente otimista produzida pela contrarrevolução cultural que se aproximava. Scorsese recusara-se a fazer concessões, tinha feito o anti-Rocky, dado uma banana para Star Wars, e pagaria por isso."
24	A coisa de dois finais de semana, estreou nos EUA o filme Ninja Assassin. Com um nome desses, eu não preciso me estender a respeito do seu conteúdo, certo?
Quando criança e um pouco durante a adolescência, eu adorava filmes de ninja. Em grande parte culpa do Michael Dudikoff e seu American Ninja, que dominavam as madrugadas entre o final dos 80 e começo dos 90 e dos quais fui espectador assíduo do original e suas quatro sequências. Fora outros títulos que seguiam a mesma receita de relacionar _ de todas as mais bizarras formas _ os milenares mercenários japoneses com os EUA contemporâneo. O último que vi, por pura e simples curisidade mórbida, foi Ninja, tosquice de marca maior lançado direto para o vídeo este ano. O protagonista é Scott Adkins, o dublê de corpo de Ryan Reynolds no filme do Wolverine quando ele é transformado em Weapon XI _ ou coisa que o valha...
Como nos faroestes onde a disputa é para ver quem tem a pistola maior e mais rápida, nos filmes de ninja a luta é para ver quem, além de tudo, consegue transpassar o outro, penetrá-lo _ o que nunca acontece sem um suspiro, uma lufada de prazer. "Aaaaaah!", e fura o outro, sangue pra todo lado, respiração ofegante, suor escorrendo brilhante pele abaixo.
O entorno também ajuda, com as histórias ocorrendo sempre numa sociedade machista, preconceituosa e regida pela força bruta _ o velho oeste norte-americano ou o Japão feudal, tanto faz _ que oferece terreno fértil para o surgimento de metáforas homoeróticas. Quer dizer, não tem como ser diferente. O máximo que dá para fazer, se isso causa algum desconforto, é fazer de conta que não, aqueles dois sujeitos se batendo com espadas, fugando um no cangote do outro, olhando fundo nos olhos um do outro com a mesma intensidade fulgurante de quem pensa "vem, arranca minha máscara, me faz bainha pra tua espada, mostra quem manda e..." ao invés de "vou te matar para vingar a morte de papai, seu... seu... seu... desonrado!".
UPDATE - 18H50
Pessoal, pra que tanta tensão? É válido criticar o texto e seu autor, mas vamos manter a elegância, ok? Nada de palavrões ou demonstrações de intolerância. Relaxem...
0	Lembram do curta Ataque de Pânico, que foi tema de um post recente por aqui, logo mais abaixo? Pois chega a informação, via Omelete, que o diretor americano Sam Raimi convidou o uruguaio Fede Martinez, autor do impressionante e devastador ataque de robôs a Montevidéu, para realizar um filme de ficção científica nos EUA. Segundo Martinez, seu primeiro longa deverá custar entre US$ 30 e 40 milhões (padrão de uma produção de "baixo orçamento" no gênero).