Luiz Aquila sempre foi atraído pela tensão entre contrários. Já em seu período de formação, sentia-se dividido entre o universo expressionista de Goeldi e a economia expressiva de Aluísio Carvão, entre este artista neoconcreto, que preconizava a autonomia da cor, e elegância linear, um tanto aristocrática de Wesley Duke Lee.
Em sua obra, vamos encontrar fases em que um pólo parece prevalecer sobre o outro, o espaço sobre o tempo, o próximo (uma relação visceral com a tela) e sobre o distante (a cor sprayada sobre a tela, camada sobre camada), a cor (rompendo diques, sangrando os bordos da tela) sobre o linear (gregas, espirais, angulações, grafismos vários, a própria assinatura que esplende, vigorosa, no canto da tela), a natureza (impossível morar no Rio e não ser afetado pelas curvas e sinuosidades das montanhas e do próprio viver escorregadio do carioca: isto ocorreu com Burle Marx, Niemeyer, Le Corbusier, Lhote, e ocorre também com Aquila) sobre a cultura (estas formas amebianas, de palhetas-corações que marcam o Modernismo brasileiro dos anos 40/50, no qual Aquila treinou seu olho), o orgânico sobre o inorgânico, o gesto sobre a construção.
A rigor, porém, nenhum destes pólos existe em estado de pureza, pois Aquila rompe continuamente os limites e fronteiras entre um campo e outro e esta relação tensionante ocorre no interior de cada tela. Às vezes, dramaticamente, outras vezes, em tom lírico. Se Lélia Coelho Frota chegou a falar em aerofotogrametria da paisagem, definindo a natureza como motivo central e coerente de sua obra, é ela mesma que vai alertar para o fato de que são o quadrado e o retângulo que se naturalizam ao invés de geometrizarem os elementos naturais.