MOSTRA DE TIRADENTES 2015: CURTA-METRAGENS :: | Curta o Curta
MOSTRA DE TIRADENTES 2015: CURTA-METRAGENS
Por Curta o Curta em 05/02/2015 17:43
Além dos longas-metragens em pré-estréia nacional e das obras inéditas na Mostra Aurora, a Mostra de Cinema de Tiradentes também se caracteriza por exibir um conjunto muito amplo de curtas-metragens. É importante o espaço que a Mostra oferece ao formato, cuja importância na revelação de novos valores e na proposição de novas formas de fazer é indiscutível.
É difícil fazer um balanço completo do conjunto de curtas exibidos, pois eles se dividem em inúmeras sessões espalhadas durante todo o festival:
- Mostra Foco: mostra principal por ser a competitiva, com 3 sessões e 12 curtas ao todo;
- Mostra Panorama: mostra não competitiva, com tendências da produção contemporânea, com 5 sessões e 22 curtas
- Mostra Praça: com curtas mais populares, exibidos a céu aberto, com 14 curtas
- Mostra Dissonâncias: novidade desta edição da mostra, abriga curtas que dividiram a opinião dos curadores, com 9 curtas
- Mostra Formação: curtas realizados em escolas, oficinas, cursos ou unversidades, com 8 curtas
- Mostra Cena Mineira: curtas mineiros, com 7 curtas
- Mostra Cena Regional: curtas de Tiradentes e arredores, com 4 curtas
- Mostrinha: curtas infantis, com 14 curtas
Assim, chegamos - se eu não tiver perdido algum número no meio desse caminho - a 90 curtas exibidos na Mostra. É um painel bastante significativo, mas que, ao mesmo tempo, quase impossibilita uma análise mais ampla do conjunto da produção exibida no evento.
Minha estratégia, então, será destacar alguns dos curtas exibidos na Mostra Foco e na Mostra Panorama, as duas principais mostras de curtas exibidas no evento.
ESTÁTUA, de Gabriela Amaral Almeida, prossegue a pesquisa audiovisual realizada em seus curtas anteriores (UMA PRIMAVERA, A MÃO QUE AFAGA, ...) e que também revelam sua proximidade com a Filmes do Caixote. Seus curtas são sobre pessoas comuns que inesperadamente se veem em situações extraordinárias. O tempo comum do cotidiano vai assumindo um gradual estranhamento, dialogando clamente com os limites do cinema de gênero. Assim, se o cinema contemporâneo trata o comum, a rotina, a família e o cotidiano nas bordas do filme documental, indiretamente influenciado pelo neorrealismo italiano, aqui o enfoque é quase que radicalmente diverso. Em comum, pensamos em diversos dos trabalhos do Filmes do Caixote, em especial os curtas e longas de Juliana Rojas, Marco Dutra e Caetano Gotardo, vários dos quais a própria Gabriela participou como colaboradora. ESTÁTUA prossegue essa linhagem, aparentemente enunciando-se como uma simples história de uma babá grávida que toma conta de uma menina de cerca de 10 anos, quando sua mãe viaja. Esse filme de mulheres sobre mulheres vai gradualmente deixando o campo do comum e embarcando no campo do fantástico (termo mais apropriado do que "terror" ou "suspense"). A habilidade com que a diretora cria climas e situações, com um curta todo passado dentro de uma casa, é notável. As dobras entre a comédia, o drama e o "suspense" têm variações fluidas, leves e orgânicas, garantindo o equilíbrio do resultado final, entre roteiro, atuação e direção (mise en scene).
Há alguns poucos diretores que são mestres na abordagem do universo feminino, como Bergman, Antonioni ou o nosso Carlão, mas é raro ver o contrário: cineastas mulheres abordando o universo masculino. Geralmente as mulheres buscam protagonistas femininas, em busca de um "ponto de vista feminino". Em A OUTRA MARGEM, a diretora Nathália Tereza aborda o universo masculino, um homem à noite à procura de alguém. O curta inteiro é um passeio de carro pelas ruas da cidade à procura de uma diversão, talvez algo para entreter o tédio, uma companhia, um amor, não sabemos ao certo muito bem. Não estamos então muito longe da atmosfera do cinema de um Kiarostami, por exemplo. O carro, a estrada e esse homem. A OUTRA MARGEM, no entanto, não é um filme psicológico: quase à maneira de um TWO-LANE BLACKTOP, temos o percurso e a estrada em planos bastante longos. E a noite. Há, ainda, um tom de melancolia que preenche toda a cena, uma solidão. Fico imaginando - provavelmente puro delírio meu - que essa menina que ele encontra seja mero fruto de sua imaginação. Com uma estrutura circular, estamos diante de um homem que busca, mas ele permanece opaco: temos apenas a estrada, o percurso, o carro. Tudo o mais se passa na cabeça do espectador, que sente sua solidão, que, ao final desse percurso que nunca abcaba, parece ser a sua própria. Não há psicologia para definir o curso das ações: as ações, elas falam por si mesmas (no cinema, o que temos são as ações, os pequenos gestos, não conseguimos ter acesso ao interior, esse é o bom cinema moderno!) O uso da música - som diegético mas cuja função poderia bem ser extradiegética -, esse recurso tão perigoso, é também um capítulo à parte.
Na Mostra Panorama, o grande destaque foram várias produções do Rio de Janeiro, muitas delas com alunos ou ex-alunos do curso de cinema da UFF. É notável ver um contexto criativo de curtas ousados surgindo de uma geração jovem ligada a essa tão tradicional escola de cinema. Esses curtas gritam de ousadia, quase todos em torno de um cinema jovem, que expresse os anseios, as dúvidas e os dilemas da juventude refletidos através de uma estética contemporânea, viva, pulsante, que se coloca em risco. Além do BICUDA, selecionado para a Mostra Foco, outros três curtas, mais radicais na forma que o BICUDA, podem ser citados: JAVAPORCO, de Leandro das Nevez e Will Domingos, ENSAIO SOBRE MINHA MÃE, desconcertante curta de Jocimar Dias Jr., e especialmente o incrível CORAÇÕES SANGRANTES, de Jorge Polo - que considero a mais pulsante obra - entre curtas e longas - exibida em toda a Mostra. Infelizmente não terei fôlego para falar sobre os dois primeiros curtas citados (talvez volte a eles em outro instante, se conseguir revê-los). Destaco também A HORA AZUL, de Giovani Barros, que, apesar de "mais formatado" que os curtas anteriores (que são mais "rebeldes" ou, colocando de forma melhor, que se arriscam mais), tem momentos bonitos na forma delicada como o realizador olha para a vida de sua protagonista. E também VENTANIA, de Matheus Peçanha, Renata Spitz e Thiago Yamachita, exibido na Mostra Formação.
Vamos então a CORAÇÕES SANGRANTES, de Jorge Polo.
Devemos ter cuidado com a beleza - o que é a beleza? não sei dizer. CORAÇÕES SANGRANTES (e não "sangrentos") é o mais belo filme da mostra não exatamente porque suas imagens exalam a beleza plástica fotográfica-fotogênica de um certo padrão do "cinema de arte". Sua beleza vem da forma como o diretor se atirou num abismo ao realizar esse filme. Seu projeto de juventude não surge por conta meramente da idade dos personagens ou porque "passam por uma travessia em que enfrentam desafios e amadurecem". Sua juventude é porque não há passado nem projeto de futuro, há apenas o presente. Porque é um filme de personagens que não querem amadurecer. Sua juventude está em como reúne diversos elementos do chamado cinema jovem contemporâneo para deslocá-los para outro lugar, para fazê-los caminhar, e não para simplesmente repeti-los ou diluí-los. É um filme de afetos, de encontros (um filme que entrecruza as relações entre cinema e vida, entre representar e viver, de personagens frágeis que se fortalecem por estarem juntos, um filme de encontros) mas ao mesmo tempo um filme político (um filme sobre um modo de viver no Rio de Janeiro, sobre a ocupação de um casarão no Centro da Cidade). Um filme ingênuo - a ingenuidade como subversão do bom gosto. Um filme inesperado, repleto de paixão e pulsão, mas ao mesmo tempo com uma certa melancolia, com algo que falta. É essa oscilação entre a alegria da brincadeira ingênua e a consciência da fugacidade e do desencanto que tornam esse curta de Polo tão singular. Ou, como prefiro, tão jovem. Essa pulsão e esse mal estar. Algo que me lembra de passagem um cruzamento entre o primeiro cinema de Jarmusch e alguns dos filmes do nosso cinema marginal. A radicalidade e a sinceridade com que o diretor se arremessa nesse abismo são absolutamente comoventes para quem consegue entrar nesse casarão.
Outro destaque são os curtas silenciosos de Krefer, esse curitibano que volta ao cenário dos festivais depois de um tempo de exílio voluntário. Suas obras são as que mais dialogaram diretamente com as artes visuais nessa edição do festival. Com DEUS Krefer já havia deixado grande impressão numa edição anterior da Mostra, junto com VÕ MARIA, de Tomás von der Osten. Agora, volta ainda mais amadurecido. ESTUDO DE PERSISTÊNCIA é todo feito a partir da montagem de fotos caseiras mostrando casais fotografando-se durante o ato sexual. Nesse estudo sobre o autorretrato, e sobre as formas de exposção da intimidade publicamente - potencializado na exibição desse curta em Tiradentes, numa tenda com cerca de 500 pessoas.... - as fotos ganham contorno sofisticado por um trabalho de luz que superexpõe os flashes, recurso que, para além de seu belo efeito estético, coloca um ponto a mais sobre a questão de "dar luz" a esses momentos de intimidade, ou no que eles propriamente revelam. ACTION PAITING 1 e 2 nasce de uma brincadeira com a pintura de Jackson Pollock, mas que combina com a questão do sexo, que parece ser a vertente desse conjunto de trabalhos de Krefer. Vemos um casal transando, mas vemos apenas as costas do homem por cima da mulher. As costas do homem tornam-se uma tela. As mãos da mulher arranham as costas, marcando-a, ferindo a pele, chegando a sangrar. A relação entre pintura e vida, esse gosto pelo movimento da vida, que é a base da pintura de Pollock, ganha um contexto mais explícito: a tela é o próprio corpo, pinta-se com as próprias marcas das mãos sobre o corpo. Dessa mistura de dor e prazer, desse êxtase, é que nasce a obra. No #2, o efeito é invertido: vemos as costas da mulher, e uma relação sadomasoquista se anuncia com gotas quentes de velas que caem sobre seu corpo, compondo um quadro à la Pollock. O #01 me parece ainda mais potente que o #02, mas os dois se complementam numa espécie de díptico. Muito mais haveria a ser dito, como o efeito curioso quando essas obras verticais (o comprimento é bem menor que a altura) são projetadas numa enorme tela horizontal, numa tela de cinema e numa tenda de enormes proporções como Tiradentes.
Outros destaques estão em dois curtas já exibidos no Festival de Brasília. O extraordinário SEM CORAÇÃO, de Nara Normande e Tião. Ainda não consigo encontrar palavras para exprimir o quanto esse curta tocou em mim, dado o seu potencial sensorial e sua complexidade na abordagem do universo adolescente, essa necesssidade e dificuldade do contato, esse dilema homem-mulher e entre "menino-da-cidade" e "menino-do-interior". O cinema contemporâneo é, acima de tudo, um cinema do encontro, um cinema dos modos de ser. SEM CORAÇÃO é extraordinário. O segundo é o inventivo LOJA DE RÉPTEIS, de Pedro Severien, que consegue estabelecer um clima ambíguo, filme de atmosfera, entre a decadência, o doentio e o perverso. Um curta sofisticado, um diálogo com o expressionismo, um desejo por um cinema muito além de sua narrativa.
Outro curta bem interessante é BOA MORTE, de Débora de Oliveira. O curta, a princípio, parece ser mais um curta memorialista, sobre a infância da própria realizadora em sua cidade no interior de Minas. Se essa estrutura não é novidade, encanta a forma como a realizadora comseguiu um tom muito peculiar, ao inserir toda um clima de intimidade no curta: o trabalho pictórico com as fotos, o bem escolhido timbre da voz e a forma como a narração é lida, os tempos entre as fotos. Melancólico e saudosista, BOA MORTE insere uma certa camada ficcional ao tom documental mas impressiona mais pela habilidade em encontrar um tom singular para abordar essa ambiguidade entre a saudade da infância (pertencimento) e o desejo de distanciamento e uma certa crítica ao provincianismo e anacronismo desse mesmo lugar - expressos de forma extremamente precisa em seu próprio título.
AGRESTE, de Dellani Lima, comprova um caminho progressivo de amadurecimento desse inqueto realizador, que vem realizando praticamente um longa por ano. Realizado de forma urgente por conta de uma estada de Dellani em Fortaleza para a realização da Mostra Cinema de Garagem, AGRESTE, assim como alguns de seus últimos trabalhos, vem apostando numa depuração, na busca de uma simplicidade. É a fase Dellani-zen, que contrasta com seus primeiros filmes fortemente marcados pela influência da videoarte mineira. Mas nos últimos tempos, mais do que texturas visuais, e de seu inconformismo radical, Dellani parece mais interessado em desenvolver uma dramaturgia que busque, com simplicidade, abraçar as carências afetivas de seus personagens, quase sempre num híbido entre documentário e ficção. Neste que é um de seus mais singelos trabalhos, ganha força a forma como a cidade de Fortaleza inesperadamente surge na tela, diante de uma ruína na Praia do Futuro (onde também poderia ser na Barra do Ceará). Talvez sua força venha exatamente da relação pessoal de Dellani com a própria cidade em que passou boa parte de sua vida, até que optou por se mudar para BH. AGRESTE fala da necessidade de partir, de deixar algo para trás, ainda que esse algo no fundo nunca saia da gente. E também fala sobre a morte, ou ainda, sobre o que fica após a morte das coisas (as ruínas). Quando Vítor Colares e Caio Dias quebram com um grande porrete parte das ruinas, a força da cena estão não somente porque esses seres vivem essas situações em seus corpos, mas essencialmente porque eles a vivem em suas próprias vidas. Todo filme de Dellani é uma autobiografia, e este certamente não é diferente. Mas aqui a forma como as carências pessoais são entrecruzadas com um sentimento grave para a cidade ganha um contorno especial. Por fim, é preciso citar a emblemática presença de Jean-Claude Bernardet, como esse pai que surge na tela com toda a sua força e toda a sua fragilidade. Em seu corpo, Bernardet sintetiza os desejos de AGRESTE.