Sala de Cinema P. F. Gastal: Agosto 2013
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UMA PLATAFORMA PARA O LANÇAMENTO DE BONS FILMES NA SALA P. F. GASTAL
O filme escolhido para inaugurar a Sessão Plataforma é o cultuado documentário Room 237, de Rodney Aschner, que participou dos festivais de Cannes, Sundance e Berlim. O documentário de Aschner explora os labirintos das inúmeras teorias obsessivas sobre o clássico filme O Iluminado, de Stanley Kubrick. Um filme sobre a paixão por um filme, por um realizador e, acima de tudo, pelo cinema, um filme sobre a cinefilia como única saída para se livrar dos fantasmas de um filme sobre fantasmas.
Room 237 será exibido dia 27 de agosto, às 20h, com reprise no sábado, dia 31 de agosto, às 17h. O valor do ingresso é de R$ 3,00.
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CLÁSSICOS E RARIDADES DA HOLLYWOOD GERMÂNICA NA SALA P.F. GASTAL
Esposas Ingênuas (Foolish Wives), de Erich von Stroheim (EUA, 1922, 140 minutos)
Um falso Conde - na realidade, um charlatão - faz pose em Monte Carlo para tirar vantagens de mulheres ricas, armando golpes com a ajuda de suas amantes. Exibição em DVD.
O Leque de Lady Windermere (Lady Windermere's Fan) , de Ernst Lubitsch (EUA, 1925, 89 minutos)
Lady Windermere está irritada com as infidelidades do marido, interessado em Mrs. Erlynne. Para piorar a situação, seu marido convida a mulher para seu aniversário de casamento. Cansada da situação, a esposa decide abandonar o marido e vai morar com outro homem. Mas sua mãe tentará impedir que ela deixe o seu marido. Adaptação de uma novela de Oscar Wilde. Exibição em DVD.
O Homem Que Ri (The Man Who Laughs), de Paul Leni (EUA, 1928, 120 minutos)
Herdeiro de um ducado, Gwynplaine é sequestrado quando garoto e, por ordem do rei, desfigurado. Com o rosto esculpido num perpétuo sorriso macabro, ele vira atração de circo e torna-se um famoso palhaço. Exibição em DVD.
Fúria (Fury), de Fritz Lang (EUA, 1936, 92 minutos)
Após sofrer um sanguinário linchamento por uma turba, Joe Wilson é injustamente preso e pensa que está morto. Mas algo o mantém vivo. Com o objetivo de buscar justiça contra seus agressores, Joe milagrosamente consegue escapar da prisão. Spencer Tracy é Joe, Silvia Sidney é sua noiva. Fúria mostra como as turbas de linchamento são capazes de destruir o trabalho da justiça. Exibição em DVD.
Silêncio nas Trevas (The Spiral Staircase), de Robert Siodmak (EUA, 1945, 83 minutos)
Baseado no romance Some Must Watch,de Ethel Lina White, Silêncio nas Trevas é um filme noir gótico que mostra os moradores de uma casa de estilo vitoriano sendo assombrados pela presença de um assassino. Exibição em DVD.
O Homem do Planeta X (The Man From Planet X), de Edgar G. Ulmer (EUA, 1951, 70 minutos)
Durante uma pesquisa a um pequeno planeta em rota de colisão com a Terra, cientista e sua filha encontram uma espaçonave e um extraterrestre amigável. No entanto, a maldade humana poderá despertar incríveis poderes na criatura. Exibição em DVD.
A Um Passo da Eternidade (From Here to Eternity), de Fred Zinnemann (EUA, 1953, 118 minutos)
Em 1941, Robert E. Lee Prewitt (Montgomery Cliff) pede transferência do exército e vai parar na base militar de Schofield, no Havaí. Paralelamente, o Sargento Warden (Burt Lancaster), ouvindo histórias que a esposa do capitão procura relações extraconjugais por ter sérios problemas no casamento, começa a se interessar por ela e acaba sendo correspondido. Para complicar a situação na base, Maggio (Frank Sinatra), um amigo de Prewitt, é vítima de Fatso (Ernest Borgnine), um sádico sargento, e Prewitt se apaixona por uma prostituta. Mas enquanto todos estes acontecimentos têm andamentos algo muito mais grave está para acontecer: o ataque japonês a Pearl Harbor. Exibição em DVD.
Irma La Douce (Irma La Douce), de Billy Wilder (EUA, 1963, 142 minutos)
Nestor é um policial honesto de Paris que se apaixona por Irma, uma prostituta que ele conhece no serviço. Após ser demitido da polícia por não aceitar participar do acordo entre prostitutas, cafetões e policiais, ele vem a se tornar o cafetão de Irma, mas não quer que ela se encontre com nenhum homem que não seja ele. Exibição em DVD.
15:00 – Silêncio Nas Trevas, de Robert Siodmak
17:00 – O Homem do Planeta X, de Edgar G. Ulmer
19:00 – Esposas Ingênuas, de Erich von Stroheim
15:00 – A Um Passo da Eternidade, de Fred Zinnemann
17:00 – O Leque de Lady Windermere, de Ernst Lubitsch
19:00 – Irma La Douce, de Billy Wilder
15:00 – Fúria, de Fritz Lang
17:00 – Silêncio nas Trevas, de Robert Siodmak
19:00 – O Homem que Ri, de Paul Leni
17:00 – Irma La Douce, de Billy Wilder
17:00 – O Homem que Ri, de Paul Leni
15:00 – O Leque de Lady Windermere, de Ernst Lubitsch
19:00 – Fúria, de Fritz Lang
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SALA P. F. GASTAL APRESENTA CLÁSSICOS QUE INSPIRARAM O FILME TABU, DE MIGUEL GOMES
O cinema contemporâneo tem como um de seus aspectos mais destacados o diálogo constante com obras de outros tempos. Longe da reverência trivial, Tabu, aclamado longa-metragem do português Miguel Gomes que entrou cartaz em Porto Alegre no mês de agosto, traz entre suas referências Aurora (1927) e o homônimo Tabu (1932), obras célebres do período norte-americano de F. W. Murnau, além de um dos últimos filmes de Josef von Sternberg, Macau, cuja trama se passa na ex-colônia portuguesa – e que também foi retomado por outro destaque da cinematografia portuguesa recente, A Última Vez que Vi Macau, de João Pedro Rodrigues e João Rui Guerra da Mata. Com a intenção de promover o debate sobre a relação entre as obras contemporâneas e o cinema clássico, a Sala P. F. Gastal da Usina do Gasômetro (3º andar) apresenta a mostra Tabu: Influências e Confluências com os filmes de F. W. Murnau e Josef von Sternberg que inspiram a obra-prima de Miguel Gomes.
Com narrativas sobre infidelidade e amores condenados, Aurora e Tabu são os dois principais filmes que F.W. Murnau, o grande gênio do cinema alemão dos anos 1920, realizou nos Estados Unidos. O primeiro é uma superprodução lançada em 1927, ano em que Hollywood começa a dar os primeiros passos em direção ao cinema sonoro, historicamente situada como um dos filmes que esgotam as possibilidades estéticas e narrativas do período silencioso. O segundo é uma produção independente filmada na Polinésia Francesa em parceria com Robert J. Flaherty, um dos pioneiros do documentário. Assim como o filme de Gomes – que apenas inverte a ordem das narrativas de Murnau –, a história é divida em duas partes: Paraíso e Paraíso Perdido.
Macau é um dos cultuados filmes policiais de série B produzidos pela RKO, com um charme particular por ter sua história ambientada em um território exótico, poucas vezes visto em filmes norte-americanos do gênero daquela época. Teve uma produção turbulenta – Nicholas Ray precisou terminar algumas cenas – e se destaca na última década de realização de um dos estetas mais influentes do cinema clássico, Josef von Sternberg, outro germânico radicado nos Estados Unidos, cuja parceria – cinematográfica e amorosa – com Marlene Dietrich no início dos anos 1930 rendeu a Hollywood alguns de seus momentos mais provocantes.
A mostra Tabu: Influências e Confluências tem o apoio da distribuidora MPLC e da locadora E o Vídeo Levou.
13 de agosto a 18 de agosto de 2013
Aurora (Sunrise: A Song of Two Humans), de F.W. Murnau (EUA, 1927, 94 minutos)
Seduzido por uma moça da cidade, um fazendeiro tenta afogar sua mulher, mas desiste no último momento. Esta foge para a cidade, mas ele a segue para provar o seu amor. Exibição em DVD.
Tabu (Tabu), de F.W. Murnau (EUA, 1931, 82 minutos)
Pescador de uma aldeia do Taiti se apaixona por uma garota. Só que ela é considerada "tabu" depois de ser condenada pelos deuses a não se apaixonar ou se entregar a qualquer homem. Mas o amor entre os dois é mais forte que o próprio tabu e eles fogem para escapar dessa maldição. Exibição em DVD.
Macau (Macao), de Josef von Sternberg (EUA, 1952, 80 minutos)
Nick Cochran, um norte-americano exilado em Macau, tem a chance de restaurar seu nome, ajudando capturar um chefão do crime internacional. Exibição em DVD.
14:00 – Sessão fechada
17:00 – Aurora
15:00 – Aurora
17:00 – Tabu
19:00 – Macau
15:00 – Tabu
17:00 – Macau
19:30 – Sessão Sincronário
15:00 – Macau
19:00 – Aurora
15:00 – Sessão História no Cinema (Coronel Delmiro Gouveia)
18:00 – Aurora
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A Coordenação de Cinema, Vídeo e Fotografia da Secretaria da Cultura de Porto Alegre, em parceria com a Vai e Vem Produções Culturais, Centro Cultural Banco do Brasil, e com o apoio do Curso de Realização Audiovisual da UNISINOS (em comemoração ao seu 10º aniversário), da Embaixada da França, da Cinemateca da Embaixada da França no Brasil e do Institut Français, convida para coquetel de abertura da mostra:
JACQUES RIBVETTE - JÁ NÃO SOMOS INOCENTES
dia 6 de agosto de 2013, às 19h
Após o coquetel será exibido o filme Não Toque no Machado (Ne Touchez pas la Hache), de Jacques Rivette. França, 2007, 137 minutos, 35mm.
Postado por Sala P F Gastal às 14:44 Um comentário : Links para esta postagem
No dia 8 de agosto, após a sessão de Paris nos Pertence (às 20h), o professor Milton do Prado, coordenador do Curso de Realização Audiovisual da Unisinos, que tem um Mestrado sobre Rivette realizado na Universidade de Concordia, no Canadá, participa de um debate com o público sobre a sua obra.
Confira, abaixo, algumas de suas considerações sobre Rivette postadas no Facebook
Embora uma versão reduzida da mostra produzida por Francis Vogner Dos Reis e cia, trata-se de uma oportunidade única de ver os filmes desse cineasta pouco conhecido da Nouvelle Vague.
Lembro até hoje da experiência marcante de descobri-lo através de uma sessão de Defesa Secreta na Casa de Cultura Mario Quintana, junto ao Fabiano de Souza e ao Eduardo Wannmacher, ali no início do século (naquele dia, pasmem, tínhamos visto dois outros filmes). Por que raios ficávamos tão vidrados com aqueles passeios intermináveis de trem que a Sandrine Bonnaire fazia?
Depois foi a vez de A Religiosa, também em 35mm, na Cinemateca Quebecoise - e ficar espantado com o trabalho de som impressionante do filme, com a Anna Karina etc.
Seguiram outros espantos e outros prazeres: A Bela Intrigante (que resolvi investigar um dia na academia), Paris nos Pertence (que espanto esse filme de estreia), Amor Louco (o filme de casal mais radical já feito?), Céline e Julie (o filme mais prazeiroso de todos os tempos?), Duelle (o filme de fantasia mais livre que existe?), Não Toque no Machado (o filme definitivo sobre o jogo e a encenação da sedução versus regras sociais?).
Todos os filmes de Jacques Rivette são uma experiência única de prazer, de imagem, de encenação, de presença de atores, de câmera, de narrativa. Para quem gosta de cinema, de teatro, de histórias, de gente, de vida.
Venham, amigos de Porto Alegre, habitar por uma semana essa pequena casa de ficção que é o mundo criado por Rivette.
Já não somos inocentes. Assumamos isso e deleitemo-nos.
Em um antigo blogue, cheguei a postar uma vez uma revisão rápida dos fimes do Rivette.
Aproveito a abertura da mostra HOJE, na Sala P. F. Gastal, para copiar alguns desses textinhos:
Onde tudo começou: o teatro, as ruas de Paris, a conspiração. É evidentemente um ensaio que seria melhor desenvolvido em filmes posteriores, mas creio que Rivette é excessivamente rigoroso quando fala desse filme. As imagens em P/B do trem (que viriam depois em cores em La bande des quatre e Secret Défence) e dos telhados de Paris são inesquecíveis, assim como a participação do próprio Rivette como um semi-paranóico numa festa.
Outra aproximação com o teatro, dessa vez de dentro para fora, e depois para dentro de novo. O filme é uma adaptação de uma peça dirigida pelo próprio Rivette alguns anos antes e reflete (no sentido de fazer uma reflexão sobre) essa influência: mais do que no filme anterior, o jogo de atores em relação à câmera se inspira no teatro para contar a história da garota que foi "emprisionada" no convento pela própria família. O filme passa longe do denuncismo fácil e tem Anna Karina iluminada e um assustador trabalho com o som.
Fãs mais empedermidos de Rivette irão me recriminar por considerar visto um filme na versão reduzida (130 minutos ao invés dos 252), e com razão: ao contrário de outros casos, a versão reduzida desse filme foi feita à revelia do diretor. O resultado é um filme que tropeça em sua primeira meia hora, é confuso em algumas passagens, mas que mantém a força das imagens e da loucura do casal (ele diretor de teatro, ela atriz) que se fecha no apartamento até enlouquecer. Um filme único, um encontre de um diretor e atores em estado de graça. No final, só fica a sensação: se a versão ruim é essa, imagina a boa!!!
* vi a versão de 252 minutos alguns anos depois deste post, o que deixa esse texto meio sem sentido, pois quase nada do que escrevi sobre a primeira meia hora e sobre a confusão se aplica. Talvez o melhor filme do Rivette.
Out 1 - Noli me tangere (1971)
Rivette aproveita uma encomenda para TV e leva ao paroxismo as experimentações de L'Amour fou. Foi tão longe que o filme nunca foi exibido na TV que o encomendou, e passou com quase 13 horas de duração, dividido em 8 partes, numa sessão histórica em Havre. Dois anos depois, Rivette faz uma versão de 4 horas e pouco, com o nome de Out 1 - Spectre, que os que viram dizem tratar realmente de um outro filme. No final dos anos 80, Noli me tangere é recuperado por alguns festivais e TVs, com alguns minutos e uma cena a menos, e o século 21 permitiu algum maluco de partilhar uma exibição da RAI nos emules da vida. O filme é uma experiência radical, possivelmente o mais difícil de se colocar uma cotação aqui. As três primeiras partes são as mais radicais: praticamente assistimos ao ensaio de dois grupos de teatro, e ao esboço de dois personagens fora desses grupos. É a partir do quarto episódio que uma tênue trama se instala, envolvendo um grupo que se inspira nos 13 de Balzac para conspirar contra... contra o que, mesmo? Onde está Igor? Quem está traindo quem? As trupes são elas também um grupo de conspiração? E o filme, pode ser ele também uma forma de conspiração?
* somente a versão de 4 horas, Spectre, é que vai passar na Mostra da PF Gastal.
Rivette dá prosseguimento às experiências com improvisação - tanto que o roteiro do filme é assinado por ele e Eduardo de Gregorio, mas também por Juliet Berto, Dominique Labourier, Bulle Ogier e Marie-France Pisier, todas atrizes no filme - dessa vez optando por um tom oposto ao de Out 1. Não que não haja dor e desespero no filme, mas a tônica dominante que é justamente a da brincadeira e do prazer - prazer do cinema, prazer da encenação, prazer do jogo. Os 20 minutos iniciais dão a pista: não procure a trama, pois ela vai te achar. Só nos resta embarcar no barco das duas recém-amigas e acompanhá-las na história de amor e morte a que elas assistem - e da qual depois elas participam. Alice no País das Maravilhas, Casa Mal-Assombrada, Les Vampires - nos anos 70, esses universos faziam mais sentido para Rivette do que a situação político-social da Paris pós-68.
Outro capítulo das Scènes de la vie parallèle. Dessa vez é a história de duas deusas (do sol e da lua) que voltam a terra para duelarem. A forma com que Rivette mistura o mistério policial e o fantástico é exemplar na sua simplicidade, assim como todos os "efeitos especiais" (que estão mais para reinvenção do repertório do cinema fantástico antigo do que qualquer outra coisa). No primeiro encontro entre as duas deusas, um dos travellings mais bonitos de toda a carreira do cineasta. Embora ainda faça parte de sua fase mais experimental, os movimentos de câmera e o trabalho com os atores (os travellings praticamente dançam com eles) já anunciam o que ele iria sedimentar mais adiante.
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ARTIGO DE LEONARDO BOMFIM NO JORNAL TABARÉ SOBRE RIVETTE
Reproduzimos abaixo, artigo de Leonardo Bomfim, publicado no site do Jornal Tabaré
Que mistérios tem Rivette?
O mistério já virou refúgio de quem precisa encontrar alguma palavra para traduzir o cinema de Jacques Rivette. Mas é mesmo difícil pensar em outra coisa diante dos filmes mais inspirados do quinto homem da Nouvelle Vague – sua filmografia ganha menos holofotes que a de seus comparsas Godard, Truffaut, Chabrol e Rohmer, mas não é exagero dizer que as grandes obras-primas do cinema moderno francês estão na caixa de mágicas de Rivette que a Sala P.F. Gastal abrirá a partir de terça-feira.
Talvez seja esse o primeiro mistério: o pouco contato, até mesmo entre o público cinéfilo, com a filmografia de Rivette. Tá certo que a duração dos filmes assusta – duas horas é quase o tempo de um curta-metragem para um cineasta que realizou, entre outros poemas de duração quilométrica, Out 1, noli me tangere (1971), impressionante obra com mais de doze horas sobre conspirações secretas que acontecem na Paris do início dos anos setenta, tendo como norte os ensaios de grupos de teatro que revitalizam de forma bem experimental dois textos de Ésquilo:Prometeu Acorrentado e Sete contra Tebas. Mas a duração não é argumento para que se ignore as obras-primas de Rivette. Basta alguns minutos de projeção pra perceber que aquilo tudo é um verdadeiro jardim das delícias e que às vezes setecentos minutos passam mais rápido que hora e meia.
De qualquer forma, o francês não estende a duração de seus filmes por puro capricho. No belíssimo documentário realizado por Claire Denis, Jacques Rivette, o Vigilante (1990), que será exibido na mostra, o cineasta explica ao crítico Serge Daney, citando uma obra de Frank Capra como exemplo, a impossibilidade de uma história dos anos 1930 ter a mesma duração quarenta anos depois. O mundo muda, a arte de contar histórias também e Rivette tem esse desafio, a utopia de filmar as coisas em transformação, a vida sendo reinventada o tempo todo – justamente o espírito de um filme incrivelmente libertário como Celine e Julie vão de Barco(1974), sobre duas garotas que se encontram por acaso e despertam, a partir da amizade, o gosto pela fantasia nas ruas de Paris.
O segundo mistério certamente é a relação radical com o teatro. Muita gente do cinema foge dele como o diabo foge da cruz – "teatral" até virou termo pejorativo em alguns bandos por herança das vanguardas dos anos 1920 que bradavam pela independência cinematográfica das artes consagradas. Desde o primeiro longa-metragem, Paris nos Pertence (1960), Rivette tomou para si um posto delicado: é o cineasta que mais vai trabalhar as possibilidades entre cinema e teatro num contexto moderno, de rupturas que se amontoam e redefinem, dia após dia, os rumos da arte cinematográfica. Mas existem tantos teatros na obra de Rivette que fica difícil precisar que o mistério esteja aí. De qualquer forma, acende a luz para o grande rapto teatral que a crítica francesa – Rivette na linha de frente – coordenou nos anos 1950: a apropriação do termo mise en scène.
A mise en scène foi a principal arma que os franceses encontraram para chancelar a defesa de um cinema de autor: só o cineasta, afinal, pode ser o dono da mise en scène do filme. Foram tantas as abordagens críticas que o termo até ganhou ares de conceito. Rivette, então crítico da revista Cahiers du Cinéma, foi o responsável de uma porção delas, fugindo sempre de uma claustrofobia teórica. A mise en scène, para alguns críticos mais sistemáticos, era o equivalente cinematográfico da metafísica na filosofia clássica. Para Rivette, cada cineasta tinha sua mise en scène, não havia uma cartilha estética que todo mundo deveria seguir. No final dos anos 1990, em entrevista para um precioso livro sobre ele que a Cinemateca Portuguesa editou, o francês recorda que a importação do termo foi apenas uma vã tentativa de dar um nome ao mistério maior do cinema que os jovens críticos buscavam compreender.
Entre a mise en scène e a paixão pelo teatro, a obra de Rivette tem como marca registrada, especialmente a partir de 1968, a celebração dos encontros. Quantos mundos podem surgir de um simples encontro? Encontro entre as artes, entre ações criadoras, mas também entre amigas que fundam uma sociedade contra a caretice, entre piratas em busca de vingança, entre rivais que duelam por um anel poderoso e por aí vai. É o que aproxima praticamente toda sua obra: os filmes celebrados, Celine e Julie vão de Barco e Um Passeio por Paris (1981), os magníficos fracassos Duelle (1976) e Noroeste (1976) até realizações mais recentes como Paris no Verão(1995) e Quem Sabe? (2001), quando a narrativa em determinado momento chega a transformar em elipse tudo o que não é encontro entre os personagens.
A necessidade dos encontros, do contato entre dois ou mais, é tão grande que em Rivette, quando um casal entra em crise, os personagens dificilmente se isolam, como acontece na obra de um Michelangelo Antonioni, para ficarmos num universo contemporâneo de grande influência. Em Amor Louco (1969), o filme que marca uma guinada importante dentro da trajetória de Rivette, momento em que ele assume sem medo as rupturas do cinema moderno, o casal protagonista se desentende e, tentando acertar as coisas, resolve passar dias trancado dentro de um apartamento que termina maravilhosamente destruído.
Décadas depois, o cineasta faria um manifesto sobre o atrito como potência criadora em A Bela Intrigante (1991), baseado em A Obra-Prima Ignorada, novela de Balzac de 1831 sobre a angústia de um artista que preza pela sua sensibilidade em obra, mesmo que ela se torne um caos de cores, tons e matizes indecisos, uma espécie de neblina sem forma. O filme de Rivette, ao contrário da novela (que é sobre a idealização e a recepção da arte), se dedica à criação do quadro, da tal obra-prima. Durante mais de cinco horas, ficamos mergulhados numa odisseia criativa, do primeiro esboço (aliás, do primeiro encontro entre o pintor e a modelo) até o seu ponto final. Quando a jovem que passara dias imóvel, modelada pelo pintor como um jardim de Monet, percebe que precisa agir, ou seja, deixar de ser modelo, encontramos o melhor comentário sobre como o encontro é fundamental para a criação artística. Define o professor e montador Milton do Prado (que debaterá uma das sessões da mostra em Porto Alegre) em sua dissertação sobre Rivette, "é a partir dessa interação ativa entre o pintor e a modelo que é feita a obra, que a história avança, que os personagens se transformam". O atrito entre as duas ações criadoras é o que faz a obra-prima acontecer.
Talvez esteja aí o segredo da mise en scène, mas o mistério do cinema de Rivette certamente vai muito além. Contribui para isso o fato de que o francês é um apaixonado por jogos, conspirações, complôs e outras aventuras que Paris oferece de forma naturalmente lúdica. Porque o mistério também está nas ruas e não há nada mais rivettiano que a cidade ocupada, festiva, tomada pela imaginação, como a Porto Alegre do nosso tempo. Pois se há uma única certeza, é a de que os filmes chegaram na hora certa.