Bad Music for Bad People: 2014
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National Wake - Confrontando o Apartheid com muito barulho e subversão
Posted on terça-feira, 19 de agosto de 2014
Quando pensamos em punk rock, de cara já pensamos em The Clash e Sex Pistols, na gloriosa Londres de 1977, de uma juventude raivosa gritando contra a monarquia e sem perspectiva de futuro, ou então dos garotos entediados da blank generation de Nova York, como os Ramones e os Dead Boys. Não tiro o mérito dessas bandas, que aliás sou muito fã, mas o punk vai muito além disso.
Enquanto nos países desenvolvidos, por volta de 1976 à 1978, o punk surgia como uma resposta ao tédio e a falta de perspectivas de uma juventude degenerada, nos países de terceiro mundo, logo quando apareceu, foi visto pelos jovens rebeldes como uma perfeita arma contra regimes autoritários e uma resposta à opressão vivida no dia a dia. Foi assim na América Latina, que ainda no final dos anos 70 vivam sob os pesos das botas, fuzis e capacetes, e também dos países africanos, que entravam em processo de independência, e no caso específico da África do Sul, viva um regime racista e autoritário num país de maioria negra. E foi nesse contexto que surgiu na África do Sul uma banda pioneira: o National Wake.
Antes do National Wake, o punk não era exatamente uma novidade na África do Sul. Bandas como Wild Youth já haviam surgido e fazendo pequenos shows em universidades para públicos multirraciais (o que era probido) já tinham feito um certo barulho, inclusive com shows interrompidos pela polícia. O Wild Youth, de Durban, foi uma das primeiras bandas a trazerem o punk rock para a África do Sul.
Mas o National Wake, de Johannesburgo, formada por Ivan Kaye, juntamente com os irmãos Gary e Punka Khoza na "cozinha" e o guitarrista Steve Moni, conseguiu chamar ainda mais a atenção por um fato muito simples: foi a primeira banda multirracial da história da África do Sul, com integrantes brancos e negros, em pleno regime de apartheid. Desafiando as leis raciais da época e um governo totalmente autoritário, o National Wake foi a banda punk sul-africana de maior destaque e uma das mais relevantes do punk rock africano, por ter representado um marco corajoso e ter batido de frente com um regime racista para fazer som. E mais que isso: a banda tinha letras de cunho totalmente político e social. Sua música mais conhecida, "International News", é uma crítica em relaçãoa censura da imprensa sul-africana e do controle que o governo exercia sobre a informação.
Logicamente, a banda sofreu diversas perseguições por parte do governo sul-africano, com diversos shows interrompidos pela polícia e inclusive resultando em tretas violentas e até mesmo na prisão dos membros da banda. Apesar disso, a banda seguia suas apresentações em pequenos centros culturais e universidades, sempre para públicos multirraciais, e lançaram um LP em 1981, de forma totalmente independente. O disco, autointitulado, é uma das melhores coisas não só do punk africano, como da primeira geração do punk rock, que vai de 76 até 82. Na época, foram lançadas apenas 700 cópias, sendo a edição original um raríssimo e precioso item de colecionador. Pelo menos foi assim até 2011, quando o tal LP foi relançado pela gravadora Light In The Attic. Na época que o disco foi lançado, chegou até as mãos de John Peel, na Inglaterra, que tocou "International News" em seu programa na BBC, que chamou a atenção inclusive do dono da Atlantic Records, Ahmet Ertegun, que demonstrou grande interesse pela banda, mas no fim, as negociações acabaram não resultando em nada.
Não muito depois do lançamento do LP, a banda encerrou as atividades, por conta da situação que ia ficando cada vez mais complicada para a banda, que passou a ter cada vez mais problemas com as autoridades, na medida que após o lançamento do seu primeiro disco, sua popularidade também ia aumentando. Passaram a ter problemas com o controle do governo sobre rádios e leis de distribuição restritas para seus discos. Eram um péssimo exemplo a ser seguido por outros grupos e um perigo em potencial contra a ordem racista e autoritária da época. A situação acabou ficando insustentável e a banda acabou, deixando um legado e muitas portas abertas não só para o punk, mas como para praticamente todo o movimento cultural e artístico do país.
Baixe aqui o primeiro e incrível disco do National Wake e prove a si mesmo que existe punk além dos EUA e da Inglaterra.
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Sérgio Sampaio: Não há nada mais bonito do que ser independente
Posted on segunda-feira, 18 de agosto de 2014
A trajetória musical de Sérgio Sampaio é das mais inusitadas dentro da nossa música popular, ou impopular, como queiram. Incompreendido na época em que viveu, a cada dia ganha mais fãs e admiradores via internet. Entrando no inconsciente coletivo popular com um hit bombástico ("Eu quero é botar meu bloco na rua", de 1972) e nunca mais conseguindo repetir o êxito ou mesmo manter uma carreira regular, ganhou o título de "maldito" tanto pelos excessos etílicos/cocainômanos quanto por uma poesia que privilegiava os aspectos mais sombrios da vida e da humanidade.
Filho de pai maestro, cantor e compositor, Sérgio desde cedo teve interesse por música. Seu relacionamento tempestuoso com o pai marcou toda sua vida e carreira. Isso mais o isolamento geográfico (capixaba de Cachoeiro de Itapemirim, terra do Roberto Carlos e longe dos grandes centros culturais) podem dar uma pista das origens da personalidade hedonista e arredia do artista.
A grande guinada na vida de Sérgio foi sua mudança para o Rio de Janeiro no final da década de 60 , onde conheceu as melhores mentes da contracultura nacional e virou hippie. Tendo gravado alguns compactos e dono de uma imagem bastante dropout chamou a atenção do até então produtor musical Raul Seixas. Raul gravava artistas bregas e românticos mas queria desesperadamente fazer um disco anárquico e avant garde, nos moldes do que o Frank Zappa havia fazendo lá fora. Além de Sérgio, Raul também recrutou uma bichona, Eddy Starr; e uma sambista de interpretação nada convencional, Miriam Batucada. O quarteto gravou o antológico "Sociedade da Grã Ordem Kavernista", um dos grandes tesouros perdidos do nosso udigrudi.
Raul Seixas e Sérgio Sampaio durante a gravação do primeiro álbum-solo de Sérgio
A amizade de Raul com Sérgio rendeu muita bebedeira, pó e putaria pelas ruas do Rio de Janeiro, com Raul uma vez afirmando que perto de Sérgio Sampaio, ele se sentia um coroinha. Além disso Raul Seixas também produziu o primeiro LP solo de Sérgio, "Eu quero é botar meu bloco na rua", que aproveitava o título do compacto de sucesso lançado por Sérgio um pouco antes . É o disco mais rock dele e também o mais instantaneamente fácil de gostar. A base musical de Sérgio Sampaio eram o samba e os boleros de Nélson Gonçalves mas o resultado rock ficou orgânico, como mostram a mais raulseixista do disco, "Viajei de trem", repleta de imagens poéticas drogadas e a empolgante "Filme de terror", primor de interpretação, letras e arranjos. Há também influências do Caetano Veloso tropicalista por todo o álbum, como em "Leros e boleros". Sua relação de amor e ódio com seu pai rendeu duas obras-primas: a misógina "Cala a boca, Zebedeu", regravação do velho e "Pobre meu pai", um acerto de contas com o passado dos mais dolorosos. A capa também chama atenção, com Sérgio posando de vampiro andrógino e o logotipo do seu nome em vermelho pingando sangue. Sérgio, grande fã de Edgar Allan Poe, Baudelaire, Augusto dos Anjos foi talvez nosso maior gótico.
Em 1976 mais um disco, "Tem que acontecer", em que a faixa-título é uma lamentação a mais um fim de relacionamento amoroso fracassado (ele teve muitos). Esse disco é mais ligado ao samba e à tradição dor de cotovelo. "Velho bandido" é a grande obra-prima do disco, onde não se sabe onde termina o personagem e a persona do próprio Sérgio.
Somente em 1982 é que ele gravaria um novo LP, chamado de "Sinceramente", um disco menos carregado emocionalmente e que pode ser interpretado como uma tentativa de sobriedade ("Homem de 30"). Lançado de forma independente, é um disco, mais intimista que os anteriores e cheio de grandes pérolas ("Nem assim", "Tolo fui eu" , o lindo arranjo de sintetizadores de "Meu filho, minha filha"...).
"Sinceramente" foi também seu último LP, passando daí por diante a sofrer cada vez mais as consequências de uma vida de excessos e é também o momento mais crítico de sua decadência. Fazendo shows esporádicos (Sérgio não tinha organização para gerir sua carreira) e mergulhando em vícios e paixões, lançava materiais esparsos. Apesar disso, planejava seu grande renascimento das cinzas, o que nunca aconteceu. Bastante irregular, alternava grandes êxitos, lotando algumas importantes casas de show pelo Brasil e outros de miséria, necessitando da ajuda de amigos e parentes para sobreviver.
Sua situação com as drogas o levaram a sucessivas internações. A última foi em 1994, em que morreu de pancreatite aguda.
Deixou considerável material inédito gravado, que é compilado por Zeca Baleiro e se transforma no CD "Cruel"como tentativa de manter viva a memória do artista e que contém também algumas de suas melhores músicas, como "Roda Morta", uma de suas mais conhecidas e apreciadas.
Em tempos de trabalhos musicais rasos e ralos, ouvir algo tão denso e pungente tem efeito devastador, pro bem e pro mal. Qualquer tempo gasto com Sérgio Sampaio não é em vão. Autoral, entregou a alma como poucos e fez sua música ter outra dimensão. Não fazendo concessões e não dando trégua ao ouvinte, é um dos contatos mais íntimos através da música que se possa ter. É o máximo que podemos suportar de treva e beleza.
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Posted on quinta-feira, 24 de julho de 2014
O Queens of The Stone Age surgiu em 1996 e originalmente era formado por Josh Homme (V/G), Nick Oliveri (B) e Alfredo Hernandez (D), que eram ex-integrantes do Kyuss, banda que anos antes havia tido grande louvação pela crítica porém havia passado despercebida pelo grande público. A gestação do QOTSA ocorreu durante o que ficou conhecido como "Desert parties", que eram jam sessions intermináveis organizadas pelo trio e feitas no meio do deserto californiano utilizando um gerador (qualquer semelhança com o Pink Floyd em Pompéia é mera coincidência!). Artistas das mais diversas vertentes musicais eram convidados para essas jams e nesse clima experimental inclusivista, foi de onde surgiu a proposta mais universal do QOTSA. A idéia era pegar o stoner rock ( subgênero de bandas que se inspiravam e também copiavam o som saturado e psicodélico de Black Sabbath e Blue Cheer) e fazer música com apelo moderno, que tivesse substância mas fosse também acessível ao ouvinte médio. Essa contradição arte/mercado foi e é um dos principais charmes da banda, que era prá se chamar "Kings of the Stone Age", mas que o nome foi considerado machista demais e ficou "Rainhas...", que era mais de boa.
O primeiro material gravado veio em 1998, autointítulado. O disco da calcinha é o mais cru e despretensioso deles. E já de cara uma obra-prima! Os vocais sussurados e riffs robóticos de Homme (uma das abordagens mais criativas do instrumento desde a invenção da guitarra elétrica), o baixo estilo mamute de Oliveri e a bateria simples e eficaz de Hernandez trabalham em cima de composições perfeitas, misteriosas e lascivas. Nesse período tocavam em botecos e pequenos festivais, nem imaginando no que se tornariam. Mas como dizem que quem tem amigos não precisa de dinheiro, Josh Homme tinha alguns amigos e famosos, sendo Dave Grohl o maior deles. Tiete do Kyuss e grande divulgador dos artistas que gosta, não deixava de tecer elogios ao QOTSA quase que a cada entrevista do Foo Fighters.
Com excelentes críticas e a base de fãs crescendo consideravelmente, veio dois anos depois "Rated R". Já com vontade de conquistar um público maior, a banda vem com um som mais acessível, dando ênfase em refrãos e apostando na variação de vocalistas: Oliveri assume o vocal principal de diversas faixas, geralmente as mais punk estilo fio desencapado. É chamado também o ex-Screaming Trees Mark Lanegan, que faz uma espécie de irmão mais velho de doideira dos caras e que colaboraria também nos trabalhos posteriores. Uma curiosidade é que Josh Homme participou como músico contratado na última turnê dos Trees. Com um hino (a louvação às drogas "Feel the good hit of summer", com direito a backing vocals do Rob Halford), esse disco teve bastante aclamação lá fora, o que fez com que passassem pelo Brasil no Rock In Rio 3, em 2001, numa desastrosa apresentação, onde os colocaram para abrir para medalhões do metal como Sepultura e Iron Maiden e sofreram total falta de respeito do público. Um fiasco, o que levou a banda a demorar quase 10 anos para voltar ao Brasil novamente.
Em 2002 há uma das mais felizes combinações musicais, como também uma senhora estratégia de marketing: Dave Grohl grava um disco com a banda. Não só um disco, mas o maior álbum do milênio até agora. Era só o que o QOTSA precisava para ganhar o status de mega, com o baterista de uma das bandas mais influentes de todos os tempos dando aquela força. Mas de nada adiantaria a ajuda de Grohl se o material não fosse de primeira. E "Songs for the deaf" com sua atmosfera freneticamente tensa, bruta, cínica e escapista é um arregaço, não deixando pedra sobre pedra. Durante a turnê de "Songs...", Nick Oliveri sai da banda, o que redirecionou o som do grupo e repercute até os dias de hoje. Sim, o cara faz muita falta!
Um clima deprê é a tônica do próximo lançamento, "Lullabyes to paralise". Apesar de ter algumas músicas muito boas, no geral é um álbum arrastado e o primeiro vacilo na carreira deles.
Natasha Shneider, a tecladista de origem russa que ajudou a formar a cara do Queens pós-saida -do-Oliveri. Morreu precocemente de câncer aos 52 anos, em 2008, sendo homenageada com um show.
Com as críticas fracas e estranhamento de boa parte dos fãs, Josh concentrou forças para o lançamento do próximo álbum, o ótimo "Era Vulgaris", que é bem mais rock e que consegue manter o nível pelo disco todo, tanto por algumas músicas que viraram hits da banda como por pérolas escondidas por todo o álbum.
QOTSA versão 2014
Um hiato de 5 anos e em 2013 vem o aguardado "Like clockwork", num estilo paradeira que remete ao clima do "Lullabyes to paralise". Mesmo assim é obrigatório, como todo disco da banda, possuindo composições fortes e emocionantes. Para a turnê desse disco o QOTSA vem ao Brasil pela quarta vez para duas apresentações, o que sempre causa bastante expectativa e furor. Verdade seja dita, depois da saída do Oliveri a banda nunca mais foi a mesma, mas até esse QOTSA mais domesticado que anda pela Terra é infinitamente superior e mais interessante a tudo o que o aconteceu no rock mainstream depois do surgimento deles. Josh continua tocando o puteiro!
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