Henrique Amorim, Author at You! Me! Dancing!
Author: Henrique Amorim
Posted on 22 de julho de 2019 21 de julho de 2019 by Henrique Amorim Posted in The Raconteurs
O The Raconteurs foi, durante muito tempo, uma alçada experimental e um projeto paralelo quase que de gaveta do excelentíssimo e talentoso Jack White. Foi uma surpresa, em 2006, quando ele lançou o primeiro disco do quarteto junto com outros nomes como Brendan Benson e dois membros do The Greenhornes, mostrando que podia fazer coisas diferentes do saudoso White Stripes. O Raconteurs ficou em foco durante um tempo para o músico, mas acabou sendo engavetado para dar lugar a sua carreira solo e ao The Dead Weather.
Em 2019, de supetão, eles voltam com o terceiro disco de estúdio, Help Us Stranger, num contexto aonde o estilo musical antigo, com pitadas de blues e garage rock, já não é e não se faz mais tão interessante. E, nesse contexto musical diferente em que estamos hoje, é ainda mais interessante perceber que Jack e companhia sabem muito bem disso e desviam o som do The Raconteurs para algo mais polido e menos sujo, na maior parte do tempo; fazendo adições interessantes e incursões simples para mostrar as novidades.
Help Us Stranger tem poucas coisas que podem se relacionar com os dois álbuns que o precedem, como algumas distorções aqui e ali, ou músicas mais rápidas e enérgicas, mas, essencialmente, é uma redenção a um feijão-com-arroz bem feito e entregue com a tradicional primazia do grupo.
No final das contas, esse terceiro disco vai ser notado como um álbum essencial por marcar a volta do projeto, que eu considero o mais interessante do Jack White, depois de 11 anos. Não possui reinvenções da roda; não possui adições ou mergulhos corajosos, como aconteceu anteriormente; não tem arranjos grandiosos; tampouco mostra Jack White e Brendan Benson em seus momentos de liricistas mais criativos. Help Us Stranger é praticamente um serviço para os fãs e uma desculpa para vê-los em turnê.
O que nos resta aqui é, então, esperar que o foco volte para os Raconteurs; e é praticamente certo que isso vai acontecer, já que eles estão colhendo bons frutos do repentino reaparecimento – turnês lotadas, espaços dignos em festivais internacionais, topos inéditos de paradas e críticas em tons positivos nos sites mais reconhecidos. Vamos aguardar que não se passem mais dez anos para que um projeto tão interessante como esse volte a tona – Jack White mantenha-se ocupado aqui, por favor!
OUÇA: "Bored And Razed", "Now That You're Gone" e "Live A Lie"
Posted on 5 de junho de 2019 3 de junho de 2019 by Henrique Amorim Posted in Alex Lahey
A Alex Lahey é uma filha da Internet, mas que ganhou elevada notoriedade em seu país – a Austrália – com a ajuda de mídias bem mais tradicionais: ela ganhou dois concursos, ambos em 2016; o primeiro de uma associação para artistas sem contrato e que foi responsável por alavancar a sua carreira com uma gravadora; e o outro, da maior rádio local, a Triple J, que a levou direto para um dos maiores festivais de lá, o grandioso Splendour in the Grass.
Em The Best Of Luck Club, seu segundo álbum, Alex Lahey repete essa fórmula que conquistou toda essa gente lá em 2016 e no seu primeiro disco de 2017. Repete, mas com algumas ressalvas que fazem que esse novo registro não carregue todo seu talento, toda sua glória e toda sua sonoridade, fazendo com que ele seja quase homeopático nessas qualidades.
Apesar de estar dentro de seu lugar seguro, Lahey parece dosar de forma estranha o seu som e quase nenhuma música lembra muito fortemente o que ela fez com intensa maestria no primeiro disco. "Don't Be So Hard On Yourself", "Misery Guts" e "Isabella" talvez sejam as únicas faixas que a gente consiga relacionar diretamente com o I Love You Like A Brother em suas guitarras rápidas, sua cantoria eufórica e as letras irônicas, bem feitas e inteligentes.
Apesar de ainda mostrar uma inteligência incrível para compor, ela deixa de lado em muitos momentos as suas viradas harmônicas rápidas e a sua voz quase gritada, que completariam o pacote que ela entrega com louvor desde o começo de sua carreira. Alex se arrisca em melodias mais lentas e BPMs menos energéticos, como estávamos acostumados. E é um pouco estranho ver uma moça com tanta presença se apagar tanto assim.
Paralelamente, é possível traçar um panorama e várias semelhanças entre Alex Lahey e sua conterrânea, a Courtney Barnett. Alex parece seguir muito de perto os passos da outra moça, que também é LGBT, também vem de Melbourne, também tem uma habilidade impressionante com a guitarra, também tem um poder de letrista excelente; ou seja, as duas tem um pacote de habilidades e qualidades muito idêntico e um começo de carreira bem parecido.
Barnett, assim como Lahey, se manteve em seu lugar seguro no seu segundo álbum e aqui aparece mais uma semelhança: o lugar comum acabou enfraquecendo e as doses mudadas ficaram sem uma certa qualidade e categoria que era esperada da musicista. A energia abaixou, a poeira baixou e o furor do debut bem colocado acabaram se perdendo um pouco.
E tudo bem isso tudo. The Best Of Luck Club não é um álbum ruim, é apenas um disco que tem músicas que mostram que Alex Lahey tem ainda seu talento ali e outras músicas que parecem um deslize rápido que não deve ser repetido. No fim das contas, temos um álbum com músicas memoráveis, mas que não se vê como completo como obra composta.
OUÇA: "Don't Be So Hard On Yourself" e "Isabella"
Posted on 9 de abril de 2019 8 de abril de 2019 by Henrique Amorim Posted in Julia Jacklin
A Julia Jacklin é uma moça australiana de 28 anos, no momento dessa resenha, que você talvez nunca tenha ouvido falar. E eu sinto pena de você por seus ouvidos nunca terem cruzado o caminho dela, caso seja essa a sua situação (corrija-a imediatamente). O seu primeiro álbum, Don't Let The Kids Win, apareceu em 2016 e não fez uma legião de novos fãs surgir para a moça naquele momento. Crushing aparece agora, em 2019, com a Jacklin em sua base de folk, sólida e cativante, destacando elementos mais pesados e interessantes que antes estavam tímidos no meio de um som com algumas camadas de sujeira.
Crushing mostra uma Jacklin fazendo um som com um ar mais polido e infinitamente mais preparada para colher os frutos que esse álbum vai render (e já está rendendo, haja visto as turnês com datas esgotadas em diversos locais do mundo, os convites para posições-chave em festivais, o lugar elevado nas paradas de sucesso da Austrália e as boas notas dadas pela crítica especializada), versando de maneira mais forte, poderosa e cheia de sua personalidade sobre problemas de relacionamentos (sejam eles amorosos ou familiares) com um toque agridoce de guitarras com uma bateria ritmada.
Na questão musical, esse segundo disco acaba não entrando em méritos muito diferentes do que ela fez no seu primeiro álbum. As guitarras estão aqui mais presentes do que no outro registro, mas é o folk interessante misturado com o indie pop cativante que deixa tudo mais aprazível. O ponto alto; a cereja do bolo, talvez, seja a voz suave da moça, completando tudo com uma maestria significativa. Crushing chega no primeiro trimestre e já desponta facilmente como um álbum que certamente veremos em listas independentes por aí, em posições de destaque.
Crushing é um álbum sensível, mas sem soar melodramático e carregado. A sua sensibilidade reside na cadência leve, mais ainda assim acelerada e o ressoar das guitarras em músicas como "Pressure To Party"; também aparece com facilidade no agudo segurado da voz doce e nas batidinhas leves de bateria em músicas como "Turn Me Down". Ele é gostoso de ouvir em dias chuvosos e cinzas, mas também tem uma aura ensolarada que o coloca perfeitamente para um dia fresco. Sua leveza é o seu principal trunfo e quando menos percebemos já chegamos em "Comfort", querendo repetir essa viagem dos seus quase quarenta minutos.
No fim das contas, Julia Jacklin conseguiu nos entregar um álbum com uma consistência tremenda, que não se perde e entrega um pacote completo e tocante. Começa pequeno e acanhado em "Body" e vai crescendo música após música. Julia soube entender aonde tinha entregado pouco em Don't Let The Kids Win, apara aqui as pontas soltas e chega com os dois pés no peito com um trabalho autoral gigante e marcante.
OUÇA: "Pressure To Party", "Don't Know How To Keep Loving You" e "You Were Right"
Posted on 27 de novembro de 2018 25 de novembro de 2018 by Henrique Amorim Posted in The Ting Tings
Dez anos. Esse é, de maneira rústica, o intervalo de tempo entre o primeiro álbum e esse quarto, o The Black Light, na carreira dos britânicos do Ting Tings. "Shut Up And Let Me Go" e "That's Not My Name" aparte, é possível traçar um panorama interessante dentro desse grande espaço de tempo: de onde a dupla partiu e até aonde a dupla está agora. E, além disso, de que o maior instrumento da carreira do duo acaba sendo o tempo e como ele molda os interesses deles.
Nesse quarto disco a dupla abusa muito mais de elementos industriais que permearam um pouco os álbuns anteriores – se observarmos o single solto "Hands" antecessor ao segundo álbum conseguimos enxergar bem essa construção – e consegue deixar esse ritmo eletrônico mais cru e emergencial de uma maneira interessante para ser trabalhado dentro de uma banda tipificada dentro do grande gênero indie. Jules e Katie ainda abusam de elementos da grande ressurgência da cena techno, criando uma amalgama eletrônica com elementos de guitarra dentro de seu novo estilo – um indie pop electro industrial bem bolado.
The Black Light demorou quatro anos para aparecer desde Super Critical, mesmo intervalo de tempo entre o primeiro e o segundo álbuns, e essa pausa se pareceu muito necessária para eles. Esse quarto álbum parece servir como momento de autocrítica, de aceitar que sua identidade e criatividade do primeiro álbum foram essenciais para aquele instante, mas não estão mais alinhadas com os interesses da banda atualmente – o tempo, o grande instrumento.
Dentro desse panorama, The Black Light parece ser o primeiro álbum verdadeiramente do The Ting Tings desde o primeiro disco, aonde eles mostram de maneira muito mais fluida e fácil quais são os interesses deles atualmente. Essa falta de identidade fez a dupla sofrer muito e parecer uma reconstrução bizarra do sucesso do seu primeiro disco nos álbuns anteriores. Esse quarto álbum vem como uma construção de um novo modelo para a banda e, esperamos, que apareça como uma vontade de aprimoramentos e maior consciência nas composições dos próximos álbuns.
No fim das contas, o Ting Tings parece ter se reinventado dentro do seu mesmo jogo mais uma vez. Eu particularmente acho que a discografia da dupla tem seus momentos de luz e que possuí músicas geniais dentro das singularidades de seus álbuns – "Day To Day" e "Wrong Club", por exemplo – mas The Black Light é, talvez, o álbum mais interessante desde o seu primeiro e grande sucesso. Apesar dos pesares, é bonito ver que a dupla continua na ativa e continua entregando música bem pensada para nos alimentar, mesmo que ainda vivam, em 2018, sob a sombra do seu sucesso de primeira viagem lá em 2008.
OUÇA: "A & E" e "Blacklight"
Posted on 29 de agosto de 2018 27 de agosto de 2018 by Henrique Amorim Posted in Miles Kane
O doce menino inglês, que já não é tão mais menino assim, chega ao auge de seus 32 anos lançando o seu terceiro disco em carreira solo. Coup De Grace mostra um retorno necessário ao britpop e ao começo da carreira solo do cantor quando ele tinha só 25 anos. A energia do álbum, que se apoia em guitarras certeiras, solos impressionantes e uma inteligência para compor músicas de fácil digestão, é surpreendentemente contagiante e mostra que a juventude pode começar a não aparecer mais nos números, mas, sim, volta a aparecer com todo o gás em sua música.
Miles Kane retorna depois de cinco longos anos com Coup De Grace, que aparece depois de dois álbuns bastante sem-graça: o seu próprio segundo registro solo, lá de 2013; e o último do The Last Shadow Puppets, lançado em 2016. Felizmente, esse disco consegue resgatar muito bem e com bastante sucesso o Kane que conseguiu segurar uma boa parcela de seu público fiel depois de fazer uma dobradinha de lançamentos no final da década passada. Logo após o estrondoso sucesso da sua parceria com Alex Turner, Miles não foi bobo e aproveitou para lançar o seu primeiro registro de estúdio, chamando bastante atenção para seu rock clássico, pitoresco e sua voz interessante, que agora era a única protagonista.
Aqui em Coup De Grace, ao contrário do álbum anterior, Kane mantém uma pose mais séria, mais bem acertada e mostra para o que veio; consegue não fugir muito do clássico do seu estilo (mostrado com gosto em Colour Of The Trap, 2011) e do clássico do rock inglês: dá um toque de memória àquelas músicas antigas do The Who, do Beatles, do The Animals e até mesmo dos Stones, fazendo poucas firulas e tocando muita guitarra em cima de tudo isso. O rapaz aposta também em solos de guitarra, que são muito raros hoje em dia, e repetições de palavras-chave, para fazer valer sua quase-gritaria, em músicas como a própria faixa-título e a acelerada "Silverscreen".
É bonito ver que o Miles Kane está trilhando sua carreira de maneira a ser o herdeiro do trono da Inglaterra quando se fala de música, no futuro. Sua carreira solo depois do The Rascals e acompanhada de perto pelo The Last Shadow Puppets, seu projeto mais conhecido e em parceria com o Alex Turner, guina de uma maneira interessante nesse terceiro álbum, marcando o rapaz como um dos nomes mais interessantes da cena local que ainda sobrevive do britpop e do clássico indie rock.
Coup De Grace faz justiça ao seu nome, é uma ótima adição à discografia do britânico e mostra uma recarga interessante das baterias da carreira do músico, que volta de um poço que parecia quase sem fundo. A rapidez das guitarras nas horas certas, momentos para palminha e batidinhas do pé no ritmo, além de uma calmaria em horas necessárias, mostram a inteligência e a maestria de Miles Kane em fazer música. Agora boa e de qualidade.
OUÇA: "Too Little Too Late", "Cold Light Of The Day" e "Something To Rely On"
Posted on 3 de agosto de 2018 30 de julho de 2018 by Henrique Amorim Posted in Florence and The Machine
Depois do insosso e quase furioso How Big How Blue How Beautiful de 2015, Florence Welch retorna, quase como uma surpresa e sem muito alarde, com seu quarto disco de estúdio agora em 2018. High As Hope apareceu repentinamente, sem muito furdunço e sem muitas promessas a serem cumpridas depois do balde de água fria que foi o disco anterior. De qualquer maneira, mesmo sem expectativas e, ainda pior, com o curto intervalo de tempo entre o anúncio oficial e o lançamento, a internet sempre vai à polvorosa quando um álbum da cantora é anunciado – a esperança vai lá pro alto. Não foi diferente com High As Hope.
Não tem como não admitir e não perceber que High As Hope é um álbum cheio de infinitos muito particulares. Esse disco é o qual a Florence mais se separa e distancia de sua Machine, projetando muito de seus desejos e, dessa vez, escancarando muito suas angústias e frustrações. Ela é o centro das atenções, mas sem soar egocêntrica, e não parece se envergonhar disso, soltando-se de uma maneira exemplar. Welch sempre teve um pezinho no quase gospel, com uma voz poderosa fazendo uma presença muito forte em tudo. Dentro desse panorama, High As Hope parece entrar ainda mais nesse mérito, aonde a voz de Florence é, praticamente, o único instrumento necessário para fazer uma música.
Esse quarto disco é muito límpido, muito cristalino e sem muitas camadas e nuances como os outros anteriores – talvez "Hunger" seja a única exceção aqui – e esse é mais um dos motivos pelo qual High As Hope parece bem distante do resto da discografia – um disco muito pessoal e muito intimista e com uma única premissa: colocar a voz de Welch no maior pedestal possível dentro de tudo isso. Num rápido panorama e pente fino pelos discos já lançados, High As Hope parece ser o disco mais sereno e centrado dela. E isso soa como um leve sopro de que podemos ter toda a grandiosidade da Florence retornando muito em breve. O disco tem seus momentos, mas ainda é muito morno e sem muitos instantes memoráveis. A coesão da obra é incrível, mas ainda assim o produto final parece ter algo inexplicavelmente faltando quando se trata de Florence and The Machine.
Em resumo, High As Hope é um leve escombro do que foram os primeiros álbuns, mas é um enorme avanço e sopro de esperança de bons caminhos a serem trilhados daqui pra frente. O disco ressuscita um pouco da sonoridade da voz poderosa da britânica, esquecida e escondida na densidade de camadas de How Big How Blue How Beautiful, dando uma boa renovada para toda sua potência. São em faixas simples como "The End Of Love" que relembramos todo o brilhantismo da cantora, por exemplo, mas ao mesmo tempo temos faixas muito estranhas como "Big God" aonde ela não parece se enclausurar de uma maneira quase claustrofóbica, ou chatinhas como "Grace", com sua abertura exagerada para o religioso.
Eu sempre fui muito crítico com a Florence porque sei que ela sempre pode mais do que entrega – temos exemplos disso de sobra. High As Hope pode não ser tão grandioso como Lungs ou até mesmo Ceremonials, mas acaba dando uma ponta de esperança de que Florence está voltando para o caminho mais certo para ela: dando mais local para sua voz e centrando mais em uma coisa mais íntima, serena; e menos popular e mastigada de uma maneira estranha. High As Hope é muito mais facilmente digerido e apresenta uma coesão mais interessante, funcionando muito melhor como disco do que seu antecessor, mas ainda assim precisa melhorar em alguns pontos para que seja um disco genuinamente da Florence, mostrando melhor ainda o seu potencial do que mostra.
Posted on 14 de junho de 2018 10 de junho de 2018 by Henrique Amorim Posted in Courtney Barnett
É meio estranho começar falando numa resenha sobre um álbum da Courtney Barnett de como ela amadureceu. Ela nunca fez a pose de garotinha talentosa (até porque tem seus bem trinta anos), mas pra quem acompanha a carreira da moça desde que ela era uma senhora-ninguém nos confins da Austrália e fazia shows para 10 pessoas em cidades minúsculas da Inglaterra e que agora vê uma Courtney Barnett, não muito tempo depois, num segundo álbum concreto, depois de colher inúmeros frutos e turnês bem sucedidas em sua corrida para o estrelado e queridismo (sic), é assim que a gente fala mesmo: a moça cresceu e amadureceu.
Se o primeiro disco continuou o caminho trilhado pelos dois EPs anteriores e que foram reunidos na compilação que começou a jogar os holofotes em cima de Barnett, aqui em Tell Me How You Really Fell vemos um cenário bastante diferente refletido, fatalmente, pelo momento em que a artista se encontra. Barnett se transformou em uma referência e uma querida da cena mundial, tanto que é fácil notar e ouvir a influência direta desse peso que ela leva atualmente, o de ser um nome fortíssimo para o grande público nesse estilo e apenas em seu segundo álbum (aí você entende melhor o 'amadureceu').
Além disso, é claro, a influência do seu projeto bem sucedido com o Kurt Vile, lançado no ano passado, parece fazer um pouco de sol aqui em cima de Tell Me How You Really Feel e, quiçá, até apagando um pouco o estilo mais característico de Barnett. Esse segundo disco vê uma artista mais tímida, introspectiva e reprimida do que as suas alçadas anteriores e é um pouco estranho enxergar Barnett sob essa luz e se prestando a esse papel não tão corajoso.
Courtney continua uma letrista impecável, fazendo músicas maravilhosas e casando-as com melodias interessantes e que não mudaram muito em relação ao resto de sua carreira – a guitarra está ali e seu jeito mais falando-do-que-cantando, também. Mesmo assim, Tell Me How You Really Feel não impressiona e não tem tantos momentos brilhantes e sacadas geniais quanto o que se esperava dela (talvez aqui seja o exato ponto de pressão para a musicista e que ela reflete tanto nesse álbum?); e a ausência de músicas que carreguem o peso do nome da australiana e levantem e levem o álbum pra frente é gritante. Não adianta o quanto eu ouça algumas faixas e tente encaixar ela em algo como a Barnett faria, a tentativa é mal sucedida. A própria Barnett chegou a comentar que o álbum (e o seu título) reflete uma situação que veio à tona com a fama e as angústias que esse peso da responsabilidade tão repentina causou.
O disco é parelho, sem muitos altos, com alguns baixos e bem linear – quase apagado. Courtney passa aquele sentimento de que fez um trabalho mediano e entregou só pra se manter aí na ativa, numa coceira insistente de se fazer presente que não parece a deixar sossegar. A entoada workaholic em sua carreira parece ter culminado em um ponto chave: talvez seja a hora de Barnett dar uma descansada de sua imagem e parar de desgastá-la tanto assim em tão pouco tempo. Tell Me How You Really Feel, no final das contas, serviu para mostrar que Barnett não é a deusa que todos pensam e colocam lá em cima: ela também tem suas fraquezas e vulnerabilidades, precisa respirar e precisa descansar.
OUÇA: "Charity", "Nameless, Faceless" e "Crippling Self Doubt And A General Lack Of Self Confidence"
Posted on 8 de maio de 2018 6 de maio de 2018 by Henrique Amorim Posted in Brazilian Girls
Eu achei que nunca fosse fazer uma resenha para o Brazilian Girls. Há quase dez anos que a banda lançava o seu terceiro e melhor álbum, o excelente New York City e embarcava numa extensa divulgação do mesmo. Anos passaram e finalmente começamos a ter sinais da banda, mais alguns anos depois e agora temos em nossos ouvidos Let's Make Love, o quarto disco. E eu estou aqui fazendo a resenha de uma banda que parecia morta há pouco tempo.
Parece que Let's Make Love, apesar da distância; e do tempo; e do amadurecimento do Brazilian Girls como banda, começa exatamente aonde o New York City parou. Eles ainda estão divertidos, fazendo piadas e contando historietas cheias de picardia aqui e ali, ainda estão misturando uma quantidade gigantesca de ritmos e ainda estão fazendo músicas com uma quantidade ímpar de texturas e nuances, sempre guiadas pela ótima Sabina, vocalista icônica da banda.
Fato é que o Brazilian Girls, apesar de ter seu público fiel e ter sido indicado ao Grammy com o último disco, nunca teve um apelo enorme no meio da música. Seu estilo não é tão acessível até para os fãs mais assíduos da música eletrônica e, às vezes, conseguem beirar um jazz ambient que não faz muito sentido até para quem conhece a banda há um tempo. É difícil de classificá-los numa caixinha dada a sua grande gama de nuances e estilos – e esse é exatamente o diferencial do quarteto. Let's Make Love é exatamente isso: difícil de ser encaixado em algum rótulo, mas, felizmente e ao contrário dos primeiros álbuns do grupo, de fácil apreciação e digestão – mas eles ainda continuarão sem muito apelo no meio da música.
"Pirates" é a faixa de abertura e já dita o tom do quarto disco: muita alegria e muita celebração por conta do retorno. Conseguimos ver isso claramente em quase todas as faixas e o ritmo de festa e felicidade entoa boa parte das faixas. Até que a banda soube manter o Let's Make Love coeso e interessante, mas ele é uma verdadeira montanha-russa: ora temos uma faixa incrível como "World Wide Web", ora vemos uma menos cativante como "Sunny". Entretanto, vale a pena falar aqui, o Brazilian Girls não faz nenhuma música ruim ou entediante por aqui – eles vão do morno para o excelente em questão de uma faixa ou duas e mantêm esse ritmo muito bem, não fazendo com que o interesse pelo álbum seja perdido ao longo de sua quase uma hora – duração um pouco diferente do habitual nos dias de hoje.
Fatalmente esse álbum não vai aparecer em muitas listas ou menções honrosas por aí como um álbum que revolucionou as paradas, mas é bom ter essa banda e seu preciosismo único de voltas. Eu particularmente acho que essa mescla de ritmos feita de uma maneira tão acessível e que está presente em todo Let's Make Love fez o retorno do Brazilian Girls ser memorável e muito bom. E o clichê: não demorem para lançar mais um álbum!