Claro que aqui e ali vemos belas sequências encenadas de maneira muito bonitas e Dafoe, particularmente, está relativamente bem no papel, mas isso é pouco para o diretor de PIXOTE - A LEI DO MAIS FRACO (1981), BRINCANDO NOS CAMPOS DO SENHOR (1991) e CORAÇÃO ILUMINADO (1998). Aliás, CORAÇÃO ILUMINADO já servia muito bem como o filme que lidava com a sombra da morte, depois de o cineasta ter passado pelo que passou na luta contra a doença.
Aí ele vem e faz um filme chamado MEU AMIGO HINDU, cujo título mal se justifica dentro do conteúdo geral da obra, já que esse pequeno personagem, além de pouco aparecer na história, não tem uma contribuição afetiva quando aparece, nem quando o cineasta procura resgatá-lo para concluir sua história semiautobiográfica.
Mas isso é o de menos quando vemos uma cena tão equivocada, para usar de eufemismo, como a cena da dança na chuva da personagem de Bárbara Paz. Isso, levando em consideração que estamos falando de uma cena relativamente longa com uma mulher nua dançando, e que deveria ser um dos pontos altos de qualquer filme. Será que se fosse com outra atriz a coisa funcionaria melhor? Bárbara não é das mais talentosas. E mais: o que é aquela citação horrível de O SÉTIMO SELO, de Bergman, com o Selton Mello fazendo o papel da morte e tentando criar um diálogo espirituoso e não conseguindo um resultado minimamente satisfatório?
Por outro lado, Maria Fernanda Cândido consegue passar uma dignidade em sua personagem que chega a ser admirável diante de tantos momentos embarassosos.Suas cenas íntimas com Dafoe acabam sendo os pontos altos do filme. Ao final, ficam as curiosidades sobre o que é biográfico e o que é fictício. Mas talvez isso não seja importante, já que o próprio cineasta tratou de afirmar que muito do filme é invenção. Talvez para resguardar a própria privacidade
Que o cinema italiano anda mal das pernas (em comparação com seu passado glorioso), isso a gente percebe já faz mais de uma ou duas décadas. Claro que há algumas exceções vez ou outra, e entre elas está o trabalho de Nanni Moretti, que com uma sensibilidade toda especial sabe tratar de assuntos tão pessoais e ao mesmo tempo tão universais, como questões políticas e familiares.
A questão política passa um pouco de leve em MIA MADRE (2015), mas as questões afetivas estão presentes com muita força na história de uma cineasta que precisa lidar com a rotina difícil de sua profissão em um momento particularmente complicado de sua vida, quando está passando por uma separação, e principalmente por ver a vida de sua mãe se esvaindo aos poucos, internada em um hospital.
Moretti já havia tratado a questão da perda de maneira até mais devastadora em O QUARTO DO FILHO (2001), e por isso é muito bom que ele não tenha se repetido e tenha abordado a perda de outro ente querido de forma um pouco mais distante – aqui, a protagonista é Margherita Buy e não o próprio cineasta, que interpreta um coadjuvante, o irmão da cineasta Margherita (Moretti deu à personagem o mesmo nome da atriz) .
MIA MADRE é autobiográfico. O cineasta escreveu o roteiro enquanto sua mãe estava doente e ele filmava HABEMUS PAPAM (2011). E foi um acerto e tanto ele oferecer o papel principal para uma atriz que trabalhou com ele em seus dois trabalhos anteriores e manter uma relativa distância. O seu personagem, o irmão companheiro Giovanni, talvez represente aquilo que ele gostaria de ter sido durante os últimos dias de vida da mãe: alguém que largou o emprego para ficar com ela.
Por isso MIA MADRE é também implacável, ainda que de maneira muito gentil, consigo mesmo, ou seja, com a protagonista, que é alguém que não dá a devida atenção às pessoas próximas a ela, embora a gente não consiga, ao longo do filme, também perceber isso. Afinal, é muita coisa para essa personagem processar e o ar sereno de Margherita passa sempre a impressão de que estamos vendo alguém quase isento de culpas.
O estado de confusão mental da protagonista durante esse período também é muito bem explorado por Moretti. Muitas vezes não sabemos o que é sonho e o que é realidade, como na cena em que o apartamento de Margherita fica cheio de água, como simbolizasse um transbordar de emoções que ela não está mais conseguindo lidar. Mas tudo é muito bem conduzido e o filme flui como um belo e tranquilo rio. A presença de uma canção do Leonard Cohen ("Famous blue raincoat") em uma dessas cenas de sonho da protagonista é especialmente bela.
E o final é tão delicadamente lindo, prestando tributo à personagem do título, que faz com que queiramos que todo o filme seja assim, embora em nenhum momento da projeção fiquemos aborrecidos. Ao contrário, é tudo muito gostoso de ver, desde a relação conturbada da diretora Margherita com um ator americano (John Turturro), passando pelas visitas ao hospital para ver a mãe e o relacionamento distante com a filha adolescente. MIA MADRE é dessas obras cheias de tanto amor e mansidão, que Moretti parece feito para perdoar a si mesmo. E isso faz muito bem ao coração do espectador, também.
O que tem gerado tanta louvação em torno de A BRUXA (2015), longa-metragem de estreia de Robert Eggers, é justamente o fato de ser um filme de horror que, além de ter uma condução intrigante e muitas vezes aterrorizante, não se propõe à vulgarização dos sustos que costuma ocorrer na grande maioria dos filmes do gênero, principalmente os que conseguem chegar ao nosso circuito, já que muita coisa boa acaba ficando invisível e é necessário procurar por outros meios.
O filme se passa na Nova Inglaterra, nos anos 1630, algumas décadas antes do episódio terrível de Salem, que condenou 14 mulheres à morte por bruxaria, por causa de uma histeria coletiva gerada pela ignorância e o medo do desconhecido. E nesse sentido, A BRUXA também segue na contramão da maioria dos filmes do gênero, que são mais cristãos. Nesse sentido, o filme estaria mais próximo da tradição de O HOMEM DE PALHA, de Robin Hardy, do que de O EXORCISTA, de William Friedkin.