Assalto da Arte!!! por Movimento Casa das Onze Janelas
Francisco Bosco escreve sobre a cultura dividida e o vaivém do MinC, Folha de S. Paulo
Artistas planejam exposição e leilão contra o 'golpe' por Silas Martí, blog Plástico
A artista Ana Paula Oliveira une o improvável em suas peças por Camila Molina, Estado de S. Paulo
Mostra de Alfredo Volpi em Londres questiona o título de naïf do pintor por Lucas Neves, Folha de S. Paulo
Morre o artista alagoano Euzebio Zloccowick, O Povo
Armadilhas de Tunga criadas entre realidade e ficção, drama e loucura por Maria Hirszman, Estado de S. Paulo
Obra de Tunga não ficava restrita ao discurso autorreferente da arte por Fabio Cypriano, Folha de S. Paulo
Tunga construía sua poesia calcado em universos distintos por Miguel de Almeida, Folha de S. Paulo
Tunga 1952-2016: Antonio José de Barros Carvalho e Mello Mourão por Silas Martí, Folha de S. Paulo
ASSALTO DA ARTE!!!
#porquenaoaqui?, #acasafica! #arteealimento!
Post originalmente publicado no blog Movimento Casa das Onze Janelas em 16 de junho de 2016.
"a última palavra do poder é que a resistência é a primeira"
(Deleuze, 1988)
Artigo de Francisco Bosco originalmente publicado no caderno Ilustríssima do jornal Folha de S. Paulo em 12 de junho de 2016.
RESUMO O ex-presidente da Funarte, exonerado do cargo pelo presidente interino Michel Temer, escreve sobre diferentes ações para a cultura na história do país e a atual divisão da classe artística. Há aqueles que reconhecem a recriação do Ministério da Cultura e os que, como ele, não querem diálogo com a direção da pasta.
De um presidente sem votos, chefe de um partido especializado na realidade das relações de força do Congresso, e não na da sociedade, dificilmente se poderia esperar outra coisa: sem fazer a menor ideia de onde pisava, extinguiu logo o Ministério da Cultura –aquele antro de petistas mamadores da Lei Rouanet– e acabou por se deparar com o mais barulhento foco de resistência a seu governo em suas semanas iniciais.
Primeiro, o setor cultural inteiro se manifestou contra o remake do fim do MinC (a versão original foi obra de Fernando Collor). O novo ministro da Educação e Cultura, Mendonça Filho, já na chegada teve que encarar um protesto humilhante dos servidores. Em um primeiro recuo, Temer anunciou que a Secretaria de Cultura sairia da Educação e seria ligada à Presidência. Procurando o que para ele seria unir o inútil ao desagradável, buscou uma mulher para o cargo. Bateu de frente com a recusa pública de ao menos cinco delas.
Forçado a retornar ao ponto de partida, decretou a volta do MinC e nomeou um novo ministro, mas as sedes do ministério em todas as capitais do país permaneceram ocupadas, e diversas associações, como a Frente Nacional do Teatro, além de diversos artistas, mais e menos conhecidos, declararam não reconhecer o novo MinC. Para essa parte do setor, não há qualquer diálogo possível com o novo ministério. A reivindicação é única e posta nos mesmos termos do vício de origem de todo esse processo: #foratemer.
Ao mesmo tempo e por outro lado, associações como o Procure Saber, o GAP (Grupo de Ação Parlamentar da música) e a APTR (Associação de Produtores Teatrais do Rio de Janeiro) manifestaram contentamento com a recriação do MinC e apoiaram o novo ministro. O diretor de teatro e realizador cultural Marcus Faustini o saudou como "primeiro ministro pós-participante da geração de resistência à ditadura, pós-tropicalismo, pós-hegemonia de sociólogos no comando da cultura". E viu nisso "uma mudança importante" (que importância, não se sabe).
É preciso, portanto, primeiramente assinalar a oposição entre essas duas vertentes e, em seguida, compreender o que está em jogo em sua diferença. Se o setor cultural está dividido, é porque há dois projetos de cultura fundamentalmente diferentes sendo disputados. Como costuma ser a regra, ao status quo interessa dissolver a diferença. Com efeito, tem sido essa a estratégia do novo ministro da Cultura –mas isso, como procurarei demonstrar, só acaba por revelar com clareza maior a distinção. Para compreendê-la, precisamos recuar no tempo.
A história das políticas públicas do Estado brasileiro para a cultura, enquanto conjunto de ações articuladas e sistemáticas, é relativamente recente e pode ser em larga medida sintetizada, como identifica Albino Rubim, pelas palavras "ausência, autoritarismo e instabilidade".
Foi na década de 1930, durante o governo Vargas, que ocorreram as primeiras experiências mais conscientes e consequentes de políticas públicas para a cultura, por meio das figuras de Mário de Andrade e Gustavo Capanema.
O primeiro, embora gestor municipal –diretor do Departamento de Cultura de São Paulo–, avançou formulações e práticas inaugurais de vocação e interesse nacionais: afirmou a cultura como instância central ("algo tão vital como o pão"); estabeleceu uma intervenção estatal sistemática, articulando diferentes áreas da cultura; realizou pesquisas sobre o folclore em diversos Estados, recusando identificar cultura e belas-artes; formulou um ambicioso e criterioso programa de proteção ao patrimônio; entre outras ações.
Seu contemporâneo Gustavo Capanema, ministro da Saúde e Educação de Vargas, realizou também um conjunto articulado de intervenções, estabelecendo legislações para as diversas artes e criando instituições culturais, entre elas o Instituto Nacional do Livro e o Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, instituição mais forte da cultura no país até os anos 1970. "Esteticamente modernista e politicamente conservador", como o define Rubim, sob a gestão Capanema estavam tanto o Departamento de Informação e Propaganda, órgão de controle e censura da cultura, quanto alguns dos mais importantes artistas modernistas, como Drummond, seu chefe de gabinete, Portinari e Niemeyer.
Acelerando a história, o período de 45 a 60 é marcado por um desenvolvimento forte da indústria cultural, desacompanhado de intervenções sistemáticas por parte do Estado. Já durante a ditadura, após a fase de brutalidade máxima, a partir de Geisel, com o começo da distensão do regime, ocorre um intenso investimento do Estado na cultura, com ampliação de orçamento para a área e criação de diversos organismos, entre eles a Funarte.
Nesse momento, sob a gestão do ministro da Educação e Cultura Ney Braga, o governo incentiva um conjunto de atividades culturais no meio universitário, abrangendo 21 universidades. Como observa Lia Calabre, "a perseguição e o desmantelamento dos trabalhos realizados pela UNE, por meio dos CPCs [Centro Popular de Cultura], deixou espaço para projetos institucionais artísticos no campo universitário". Essa situação tem caráter exemplar.
Com a Nova República, começa a se formar uma mentalidade liberal na relação entre Estado e cultura. Apesar da própria criação do MinC, o sentido do período é sobretudo de enfraquecimento das ações estatais: Lei Sarney de incentivo fiscal, o desmonte institucional da cultura por Collor, a Lei Rouanet e a gestão de Francisco Weffort nos oito anos de FHC se dão sob essa égide.
Durante todo o governo FHC quase não há políticas culturais, a não ser alterações na Lei Rouanet. Para pior, distorcendo seu correto espírito original e produzindo um desequilíbrio no ecossistema cultural que permanece até hoje, apesar dos esforços de retificação do governo seguinte.
Foi na gestão de Gilberto Gil (2003-08), seguida pela de Juca Ferreira (2008-10), que o Ministério da Cultura viveu um processo inédito de engrandecimento. Substituiu uma ideia restritiva de cultura por outra abrangente, capaz de abarcar a complexidade e heterogeneidade do país.
Criou mecanismos de gestão participativa, fortalecendo o CNPC (Conselho Nacional de Políticas Culturais) e realizando as Conferências Nacionais de Cultura. Identificou a necessidade de um Sistema Nacional de Cultura, baseado no fortalecimento institucional de Estados e municípios e de sua articulação com a União, com o objetivo de produzir uma relação mais eficiente entre os entes federados.
Criou o programa Pontos de Cultura, efetivando uma compreensão contemporânea e descentralizada da cultura brasileira. Assegurou transparência e republicanismo aos mecanismos do ministério. E, sobretudo, propôs a cultura como uma instância indissociável de um projeto geral de sociedade brasileira mais democrática. Como observa Isaura Botelho, esse MinC considera "fundamental a articulação entre cultura e cidadania". Pois bem, esse é o ponto.
Se estivesse vivo e observando a conjuntura brasileira, Kafka escreveria a seguinte sucinta parábola: um homem invade a sua casa de madrugada, rouba seus pertences, em seguida o acorda e o convida a dialogar para ajudá-lo a decidir o que fazer com eles. Pois bem, para todos da cultura que consideram o governo Temer fruto de um golpe, o homem da história é o seu ministro da Cultura Marcelo Calero.
Não reconhecer sua legitimidade significa recusar a armadilha do paradigma proposto: dialogar ou não dialogar. Ora, ninguém precisa ser leitor da dialética do senhor e do escravo para perceber que dialogar já implica reconhecimento. E reconhecer esse ministro da Cultura implica necessariamente reconhecer o presidente Michel Temer (chamado por Calero, aliás, de "grande líder"). Não há interesse particular mal disfarçado de malabarismo retórico capaz de desconstruir essa lógica.
Calero fez uma boa gestão como secretário municipal de Cultura do Rio de Janeiro. Tudo indica que ele manterá programas importantes oriundos da gestão Gil e Juca e insistirá na tecla do diálogo. O problema é que, no fundo, o que está em jogo é precisamente a dissociação entre cultura e cidadania, que é, no limite, o maior legado de Gil e Juca.
Há uma contradição lógica entre a manutenção dessas políticas culturais e a compreensão da cultura como uma instância que pode e deve ser tratada isoladamente da situação geral do país, uma vez que essas políticas culturais têm como ponto de partida justamente a compreensão da cultura como uma instância na qual se pensa e se experimenta um projeto de sociedade mais profundamente democrática. Ou seja, precisamente o que se compromete com o golpe que esse novo MinC reconhece e perpetua.
Trata-se, portanto, de uma falsificação decisiva. Dissociar a cultura de um projeto de sociedade brasileira é um retrocesso. Os setores da cultura que se recusam a dialogar com esse MinC o fazem porque estão cientes disso; porque pensam a cultura como cidadania, para muito além de obras de arte, editais e espetáculos.
Há aqueles que defendem o diálogo com esse MinC lembrando que na ditadura se deu a institucionalização da cultura de maneira intensa, com um importante legado. Sério? O que é o legado da Funarte em comparação ao legado da própria ditadura? Volto aqui à referência aos CPCs, à perseguição a eles, e depois à reativação de um circuito universitário. Destruir ilegitimamente para reconstruir à base de um "semblant" de diálogo. É esse o programa, que se filia, desse modo, ao da ditadura.
Os que o recusam se filiam a outra tradição. No projeto cultural sonhado por Mário de Andrade havia não apenas bibliotecas públicas, mas parques infantis, com atividades esportivas e serviço de nutrição. Isso mesmo, a cultura mobilizada para combater o então grave problema da desnutrição infantil. É a essa tradição que se filia o MinC de Gilberto Gil e Juca Ferreira – o MinC de todos os ocupantes, de todos os artistas, produtores e cidadãos que desejam uma sociedade brasileira mais democrática e estão lutando por ela.
FRANCISCO BOSCO, 39, é ensaísta e ex-presidente da Funarte.
Post de Silas Martí originalmente publicado no blog Plástico em 14 de junho de 2016.
Lourival Cuquinha, Ligue os pontos
Luta Artistas de Belém protestaram no domingo contra o que pode ser o fim da Casa das Onze Janelas. O principal espaço de arte contemporânea do Pará pode ser despejado para virar uma escola de gastronomia com restaurante. (abaixo-assinado ao IPHAN - Pará)
Matéria de Camila Molina originalmente publicada no jornal Estado de S. Paulo em 12 de junho de 2016.
Ana Paula Oliveira - Círculo de giz e um pouco sobre sólidos, Galeria Marcelo Guarnieri, São Paulo, SP - 06/06/2016 a 15/07/2016
Mostra de Alfredo Volpi em Londres questiona o título de naïf do pintor
Matéria de Lucas Neves originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 11 de junho de 2016.
Celebrizado por suas séries de bandeirinhas e fachadas que aliam formas simples e cores vibrantes, o pintor Alfredo Volpi (1896-1988) foi classificado por um filão da crítica como artista naïf. Ou seja: mais intuitivo do que técnico, e não inserido no circuito tradicional de formação (escolas de arte) e divulgação (galerias, museus, leilões).
Uma exposição a ser aberta neste sábado (11), em Londres, busca justamente questionar essa caracterização. É a primeira mostra no Reino Unido dedicada exclusivamente à obra de Volpi, italiano radicado em São Paulo desde os dois anos. No espaço expositivo da Cecilia Brunson Projects, 17 telas percorrem as seis décadas de atividade do pintor, entre os anos 1930 e 1980.
Para o curador Michael Asbury, "a grande contribuição dele foi mostrar que um homem de origem simples podia ser um grande artista". Morador do Cambuci (bairro na região central de São Paulo com expressiva fixação de imigrantes italianos), Volpi abandonou a escola no começo da adolescência e trabalhou como tipógrafo e pintor de interiores antes de passar às telas.
Veja as fotos da exposição de Alfredo Volpi em Londres
"O rótulo de naïf é resultado de um preconceito classista, constitui uma forma de relegá-lo ao segundo plano", avalia Asbury. "O Brasil não admite isso [que uma pessoa de origem pobre alcance amplo reconhecimento]. Até hoje, no país, há poucos artistas negros ou que não vêm de família da classe alta."
Ironicamente, dois grandes admiradores da produção do italiano estão entre os que contribuíram para o que o curador vê como uma estigmatização. O crítico Mário Pedrosa (1900-1981) organizou uma retrospectiva do artista em 1957, no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Na Bienal de 1961, da qual foi curador, dedicou a ele uma sala. Oito anos antes, havia integrado o júri da Bienal que dera a Volpi o prêmio nacional de pintura –empatado com Di Cavalcanti (1897-1976).
Ocorre que, em seus escritos, Pedrosa costumava sublinhar o caráter "outsider" de Volpi, a sua não filiação a círculos de artistas e ao "mundo da arte" de uma forma geral, lembrando que ele não recebera treinamento formal. Tratar-se-ia, assim, de um naïf.
Já o crítico inglês Herbert Read foi peça-chave para a atribuição da distinção ao pintor na Bienal de 1951 –segundo Décio Pignatari contou à Folha em 2001, havia um acerto entre os membros da comissão julgadora para conceder o prêmio a Di Cavalcanti, mas Read se opôs e ameaçou dedurar a armação à imprensa, conseguindo por essa via emplacar o seu preferido, Volpi.
O britânico tinha apreço pela obra do naïf Alfred Wallis (1855-1942), natural de uma vila de pescadores da Cornualha, e o paralelo com Volpi tornou-se quase inevitável.
O certo é que a pintura de Volpi efetivamente mudou a partir do fim dos anos 1930, depois de ele conhecer o trabalho do naïf Emigliano de Souza, de Intanhaém, no litoral paulista: adeus à perspectiva, fachadas retratadas sob outra mirada, e logo a introdução das bandeirinhas como motivo recorrente.
Mas trata-se de uma progressão consciente, não intuitiva, destaca Asbury. Além disso, Volpi tinha entrada no "grand monde" das artes. Admirava o alemão Joseph Albers e o francês Paul Cézanne; sofreu influência do expressionista Oswaldo Goeldi; frequentava nomes como Tarsila do Amaral e Lasar Segall.
A exposição, organizada com o apoio da galeria paulista Almeida e Dale, fica em cartaz até 29 de julho.
Matéria originalmente publicada no jornal O Povo em 9 de junho de 2016.
A pesquisadora sonora Vivi Rocha, com quem Euzebio trabalhou no coletivo audiovisual Caratapa, diz que o artista "modificou a vida das pessoas" com quem se relacionou. "Foi um baque pra todos nós. Eu acho que poderia descrevê-lo, como um amigo falou, como uma pessoa que ultrapassou e modificou a vida de muitas pessoas", comenta. "Ele foi um profissional muito maravilhoso, muito dedicado. Fazia um trabalho muito minimalista".
Zloccowick morava em Fortaleza há cerca de 20 anos.
Texto de Maria Hirszman originalmente publicado no jornal Estado de S. Paulo em 18 de novembro de 2007.
É naquilo que aparentemente é caótico, que obedece às leis insondáveis da filosofia, da ciência e da psique que Tunga funda sua ordem. E é num processo de continua repetição, de fluxo permanente e sinuoso (seja o fio de cabelo, o traço do desenho ou a linha tênue que conduz raciocínio e emoção paradoxalmente para uma mesma direção) que ele está permanentemente rompendo paradigmas. Apóia-se na tradição, busca referência nos arquétipos, mas não se prende a eles. Como diz o próprio artista na abertura de Barroco de Lírios, ele reencontra "o novo no velho": "Sempre gostei de bagunça. Não de ordem nem desordem. Bagunça. O que tenho à mão vou mexendo até perder, pra depois achar de novo. Achando o que perdi acho o novo de novo, reencontro o novo no velho - é como a luz, a velha luz, descansada e sempre nova de novo", escreve.
Análise de Fabio Cypriano originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 6 de junho de 2016.
Artigo de Miguel de Almeida originalmente publicado no jornal Folha de S. Paulo em 6 de junho de 2016.
Tunga 1952-2016: Antonio José de Barros Carvalho e Mello Mourão
Matéria de Silas Martí originalmente publicada no jornal Folha de S. Paulo em 6 de junho de 2016.
Cronologia Tunga
Morre aos 64 anos no Rio o artista plástico Tunga
Matéria originalmente exibida no Jornal Nacional em 6 de junho de 2016.
Com 22 anos, Tunga realizou a sua primeira exposição individual, no Rio. Artista que morreu e câncer era conhecido por ser inquieto e provocador.
Morreu nesta segunda-feira (6), aos 64 anos, o artista plástico Tunga, um dos brasileiros mais prestigiados no cenário internacional. Ele estava internado, no Rio, combatendo um câncer.
Ossos, tranças e tantos outros objetos unidos ganham força e poesia em um espaço no Museu de Inhotim, em Minas. As obras ocupam duas grandes galerias, onde a gente percebe a potência e a dimensão da arte de Tunga.
Antônio José de Barros Carvalho e Mello Mourão, filho do jornalista e poeta Geraldo Mello Mourão, nasceu em 1952, em Pernambuco. Descobriu a escultura na infância.
"As primeiras esculturas foram meus primeiros gestos, do excremento ao alimento. Foi biscoito, mel, chupeta, leite, justamente um modo diferente de olhar o mundo", disse o artista.
Mas foi no Rio que ele cresceu e se descobriu como artista. Em 1974, com 22 anos de idade, Tunga realizou a sua primeira exposição individual, no Museu de Arte Moderna.
Tunga era um artista inquieto, provocador. Transformava tudo em arte. Um verdadeiro bombardeio visual.
"A minha principal função é ser um poeta. Não há intenção de ser um especialista, porque a especialidade de um poeta, de um artista, é ser exatamente ser aquele sujeito que está à disposição de todos os especialistas", destacou Tunga.
Fez esculturas, desenhos, performances e escreveu livros. A poesia, o jeito transgressor e a criatividade das obras de Tunga acabaram chamando atenção das galerias e expositores de várias partes do mundo. Foi o primeiro artista contemporâneo a ter uma obra exposta do Museu do Louvre, em Paris.
"Com certeza a obra dele já entrou para a história importante da arte brasileira e da arte internacional. Ele foi extremamente inovador no desenvolvimento de suas esculturas, utilizando sempre pessoas, o corpo fisicamente, numa espécie de alquimia e ciência, que isso acabava se transformando em objetos", elogia a artista plástica Beatriz Milhazes.
"Ele é um dos maiores artistas contemporâneos brasileiros e é uma perda irreparável, um artista que tem uma obra que você não pode filiar ou aparentar com nenhuma outra. É uma obra muito própria, muito interessante, e é uma perda para a arte brasileira", curador do MAM-RJ, Fernando Cocchiarale.