E Aí, Cinéfilo, Cadê Você?: Julho 2013
Postado por Maurício Owada às 19:09 Nenhum comentário:
Postado por Maurício Owada às 13:35 Nenhum comentário:
Se existe um sub-gênero que provoca emoção e torcida nos espectadores, esse é o Tribunal. Tema que já inspirou diversos filmes, muitas vezes invoca um sentimento de empatia com os advogados defensores feroses ou das vítimas, estas inocentes até que se prove o contrário.
O sub-gênero é sempre repleto de reviravoltas, tendo um roteiro muito amarrado, torna-se claustrofóbico com o tempo, na medida em que as questões vão sendo resolvidas, e afunilando apenas uma resposta para o enigma. A história desafiante, a retórica e a atuação dos advogados e o sarcasmo dos juízes fazem dos filmes de tribunal, uma das mais intensas e deliciosas experiências de se assistir cinema.
Veja 9 filmes selecionados sobre esse tema.
9. O Veredicto, de Sidney Lumet (1982)
8. O Leitor, de Stephen Daldry (2008)
7. Anatomia de Um Crime, de Otto Preminger (1959)
6. O Sol é Para Todos, de Robert Mulligan (1962)
5. O Rito, de Ingmar Bergman (1969)
4. Close-up, de Abbas Kiarostami (1990)
3. Julgamento em Nuremberg, de Stanley Kramer (1961)
2. Testemunha de Acusação, de Billy Wilder (1957)
1. 12 Homens e uma Sentença, de Sidney Lumet (1957)
Postado por Wendell Marcel às 08:37 Nenhum comentário:
"Seja uma sátira social ou um filme de ação,
Verhoeven marca o cinema americano com seu estilo"
Um futuro próximo, cidade dominada por gangues, o crime organizado e pelas grandes corporações, infestado por uma cultura pobre abastecida pela televisão e seus programas de baixo conteúdo que contribui para a imbecilização de uma sociedade cada vez mais doente. Seja presente ou futuro, essa é a sociedade retratada e satirizada por Paul Verhoeven em Robocop, O Policial do Futuro (Robocop).
Após ser massacrado por uma gangue durante uma patrulha, Alex Murphy (Peter Weller) se torna propriedade da OCP (Omni Produtos de Consumo) e transformam seu corpo em uma máquina feita para lutar contra o crime, em um ciborgue policial que segue suas diretrizes baseadas na lei, indestrutível e eficiente. Porém, lembranças do seu passado começarão a atormentá-lo e desviá-lo de sua função.
Uma das coisas que chama atenção é, primeiramente, a visão de uma Detroit extremamente caótica e distópica, onde a televisão é recheada de noticiários tendenciosos e propagandas apelativas, para pessoas alienadas em seus sofás, enquanto as ruas explodem na violência e no crime. O roteiro inteligente de Edward Neumeier e Michael Miner constroem a narrativa e o contexto através dos programas de TV, que é ilustrada de forma exagerada e engraçada, o que realça a qualidade do filme como uma sátira.
Por seu um filme de ação, as cenas de tiroteio e morte não ficam de lado, mesmo assim, Verhoeven choca pela violência extrema contida nas cenas, que vai desde um executivo fuzilado por um robô descontrolado até um bandido desforme por lixo tóxico. Todo esse exagero acrescenta ainda um humor negro e um toque de sadismo que dá um charme, sendo assim, Robocop é um filme com bastante personalidade própria que tem em seu diferencial, as mãos de um diretor estrangeiro. Talvez o fato de Robocop ter se sobressaído no mercado por ter um realizador de outro país, é que os estúdios acabaram escolhendo o brasileiro José Padilha para dirigir o remake tenha se concretizado.
O personagem interessante da trama é realmente Murphy/Robocop, já que o roteiro explora o conflito de sua humanidade com a sua posterior robotização; todas as suas características são icônicas, desde sua frase: "Venha comigo, morto ou vivo!", desde seus movimentos de ciborgue e o modo como sacava a arma, como um mocinho herói de bangue-bangue, que paradoxalmente faz parte de um ambiente totalmente hostil e corrompido, dominada pelas grandes corporações. Enquanto isso, Ronny Cox faz um vilão caricato em sua melhor forma: vingativo, trapaceiro e ganancioso, que não mede esforços para tirar quem quer que seja do seu caminho, já Nancy Allen vive a policial Anne Lewis, a típica mulher durona, enquanto o personagem Robert Morton, vivido por Miguel Ferrer, é uma caricatura da geração yuppie. A maioria dos personagens são muito mais um mosaico de uma sociedade alienada e consumista.
No fim, Robocop funciona como um bom filme de ação dos anos 80, mas o seu maior triunfo é sua visão ácida perante as grandes corporações, as medidas governamentais, a privatização de órgãos públicos (lembrando que a polícia de Detroit é propriedade da Omni), a mídia manipuladora e uma onda crescente de violência e crime que vive mancomunado com a política. No fim, até parece que estamos falando daqui do Brasil.
Postado por Maurício Owada às 17:47 Um comentário:
Postado por Maurício Owada às 07:05 Nenhum comentário:
No ultimo dia 20 de julho foi comemorado o Dia do Amigo, não só no Brasil, mas no Uruguai e Argentina o dia também é comemorado anualmente nessa mesma data.
Para homenagear o dia, a seguir 9 filmes selecionamos sobre Amizade.
9. Sempre Ao Seu Lado, de Lasse Hallström (2009)
8. E.T., de Steven Spielberg (1982)
7. Jules e Jim, de François Truffaut (1962)
6. Conta comigo, de Rob Reiner (1986)
5. Toy Story, de John Lasseter (1995)
4. Amizade Colorida, de Will Gluck (2011)
3. Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore (1988)
2. Onde Vivem os Monstros, de Spike Jonze (2009)
1. O Reencontro, de Lawrence Kasdan (1983)
Postado por João Paulo às 13:54 2 comentários:
Postado por Kaio Feliphe às 08:56 Um comentário:
Filme: Scenes From The Suburbs
Roteiro: Spike Jonze, Will Butler e Win Butler
Sipnose: Inspirado no terceiro disco da banda canadense Arcade Fire, "Scenes From The Suburbs" acompanha um grupo de amigos adolescentes em suas experiências, vivências e descobertas.
O roteiro é do diretor Spike Jonze e dos irmãos Win e Will Butler (integrantes do grupo musical); o elenco é composto por atores desconhecidos. O clipe da música The Suburbs serve como amostra.
Postado por Maurício Owada às 13:44 Um comentário:
Postado por Maurício Owada às 14:01 Um comentário:
Postado por Wendell Marcel às 11:21 9 comentários:
(ALERTA de spoiler no primeiro parágrafo!)
Quando Bonasera diz "Eu acredito na América" logo no fade in de O Poderoso Chefão, num diálogo que vai entre a gratidão por aquela terra "frutífera" e a indignação de uma justiça falha que absolve os agressores de sua filha, que com lágrimas em seu pobre rosto descreve o quão ela está deformada e pede a Don Vito Corleone (Marlon Brando) por "justiça": que os mate! Mas o Don nega e diz que se justiça fosse feita, eles não devem ser mortos, mas sofrerem o mesmo que ela sofreu. Pede que peça este favor com respeito e que peça por sua amizade, assim seus inimigos serão o inimigo dele, sendo seu Padrinho.
Entendemos assim, pela cena descrita no parágrafo acima que o Padrinho é um mafioso que segue princípios pelos quais acredita, que lhe servirão de base para as suas decisões, em prol da família, seja aquela construída com esposa e filhos, ou aquela formada por capos, soldados e consigliere (conselheiro). Mesmo que seus atos sejam condenáveis, é um personagem passível de tamanha admiração pela moral a qual valoriza – ironia? Acima de tudo, ele é um pai e seu dever é proteger, ou ele acha que é essa. Os Estados Unidos da América em sua extensa história confundiu o seu "dever" de proteger seus valores de liberdade e democracia com atos moralmente questionáveis que fogem da definição daquilo que tanto defendem, seja lembrando dos indígenas dizimados para que a civilização alcançasse todo o continente norte-americano, a bomba atômica no Japão em prol do fim da guerra, a luta contra o comunismo através de métodos questionáveis e a guerra contra o terror através da tortura e invasões de países do Oriente Médio. Francis Ford Coppola não filma nada sem um propósito e fica claro que o Sonho Americano permeia ainda entre os personagens; a oportunidade de crescer e melhorar de vida só depende de onde e até onde você está disposto a ir, como por exemplo Michael Corleone (Al Pacino, em uma atuação em início de carreira) indo estudar, virando veterano de guerra e sendo um exemplar cidadão americano ou então chefe de negócios ilegais aonde seus interesses são conquistados pela corrupção e o derramamento de sangue - no final das contas, não importa muito o caminho ou o fim daquela linha (geralmente resulta o indivíduo em uma figura trágica), pois é algo que deve ser feito.
Personagens cínicos sob uma visão humanizada é o que sustenta a essência da obra, ninguém é o que é por acaso, são as circunstâncias que definem suas escolhas, tudo por um bem maior: o bem da família. A fraternidade entre seus companheiros italianos é toda retratada na agitada e alegre festa de casamento de Connie (Talia Shire), com direito a muita comida, vinho e muita música, mas quando vamos nos adentramos naquele círculo fechado, onde os negócios não se misturam com os assuntos pessoais. O jogo de contraste de luz e sombra explícito na fotografia deixa explícito o quão fechado é a relação dentro da máfia, ouvimos suas conversas suspeitas, suas reuniões secretas, transformando o espectador em cúmplice, que nos aproxima mais ainda deles. Não à toa, todo o filme tem o ponto de vista de um membro da família Corleone, nunca se mostra o que o lado rival está tramando, a não ser que um esteja ouvindo ou vendo. É esse cerco de inimigos e amigos que se confundem que confere uma visão tridimensional nas ações de cada personagem.
A insistência do diretor em manter a trama em meados da década de 40 pós-2ª Guerra, foi uma escolha acertada. Os produtores e executivos queriam que ambientassem nos anos 70 para diminuir os custos de produção, mas se tivesse tomado esse caminho, provavelmente a obra perderia todo o impacto de sua dramaticidade e relevância. A diferença de ideologias das duas épocas é o que faz refletir perante o mundo de hoje e o do passado; eram outros anseios, mais esperançosos e é por isso que o filme passa uma sensação de nostalgia, porque toda sua diegese carrega uma decadência gradual daquilo que aprendemos a conhecer e a qual Don Vito, um velho tão antiquado, se recusava a ignorar. Ele nos mostra o passado e reflete sobre o presente.
Fica claro desde o primeiro instante a metáfora da América na história de O Poderoso Chefão, Francis Ford Coppola confere maior poder dramático para as passagens banais do livro de Mario Puzo e transforma um ótimo livro em um filme poderoso, tanto em sua estética quanto em sua essência. Os caminhos que Vito e seu filho Michael tomam é um retrato da passagem do tempo, as mudanças de princípios e do que resta lá de trás para o futuro, para os nossos filhos. E nem o cinema é poupado, quando veio a Nova Hollywood, carregados de inspiração pela Nouvelle Vague e sua tese do cinema de autor, Coppola aproveita uma subtrama no livro para fazer um breve e ácido retrato dos figurões da indústria cinematográfica.
A saga da família Corleone segue como uma ópera trágica, banhada a sangue e ensurdecida pelo barulho das armas, mas é apenas o som da porta se fechando devagar perante os olhos do espectador que arrebata e encerra a primeira parte desta trilogia.
Postado por Maurício Owada às 05:53 Um comentário:
Sessão Curta+: A Pequena Vendedora de Fósforos (2006)
Filme: A Pequena Vendedora de Fósforos (The Little Matchgirl)
Roteiro: Roger Allers, baseado na história original de Hans Christian Andersen
Premiação: Indicado ao Oscar 2007 de melhor curta de animação
Sipnose: A história de uma pequena garotinha russa no período pré-revolucionário que tenta sem sucesso vender seus fósforos para sair do frio. E com esses mesmos fósforos ela é capaz de ter as mais belas visões de esperança.