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A arte contemporânea supera os antigos clássicos?
Para os americanos que amam a arte por Hans Holbein, Édouard Manet, Georges Braque e Paul Klee, os tempos sombrios estão à frente. Cada um é um artista brilhante, mas nenhum é um nome familiar como Claude Monet ou Pablo Picasso. Depois de anos de declínio da educação em artes públicas, apenas os artistas de maior destaque são reconhecidos pelo público em geral, capazes de atrair pessoas para ver sua arte nos museus. E isso significa problemas para artistas do passado.
Nós já estamos vendo isso, na verdade. O museu que vai nos Estados Unidos parece ser bastante saudável. Nos últimos três anos, os 242 museus afiliados à Associação de Diretores de Museus de Arte atraíram anualmente mais de 60 milhões de visitas. As investigações do National Endowment for the Arts indicam que, em 2015, 19 por cento dos adultos participaram de uma exposição de arte em um museu ou galeria.
Mas, então, há esse número mais pertinente: entre 2007 e 2015, quase metade das exposições especiais nos principais museus nos EUA foram dedicadas à arte criada depois de 1970, de acordo com The Art Newspaper, que anualmente tabula os assuntos e participação em , exposições especiais. E são exposições especiais, não coleções permanentes, que atraem a maioria dos visitantes para museus.
"Apenas há 20 anos", o jornal dizia: "O impressionismo era rei, nenhum show contemporâneo agravava as dez exposições mais visitadas nos museus dos EUA em nossa pesquisa de números de comparecimento de 1997. Naquela época, apenas cerca de 20% dos shows organizados pelas instituições dos EUA foram dedicados à arte de seu tempo ". No ano passado, sete dos 10 mais importantes diziam respeito à arte contemporânea, pela medida do papel, que classifica pela frequência média diária em vez de atendimento total. (Usando números de comparecimento, quatro dos dez melhores eram contemporâneos, quatro eram arte moderna, apenas dois eram pré-século 20).
A pesquisa, que foi conduzida com o Centro Nacional de Pesquisa em Artes da Southern Methodist University em Dallas, também chegou a uma conclusão mais clara: os museus que organizam exposições de arte contemporânea atraem mais pessoas por exposição do que aqueles que apresentam uma programação "equilibrada" que inclui exposições históricas arte.
Neste ambiente, com os diretores dos museus sob pressão para aumentar o atendimento, Holbein perde para Damien Hirst, Manet para Christian Marclay, Braque para Jean-Michel Basquiat e Klee para Jeff Koons. Mesmo os museus cujas coleções se estendem aos antigos estão enfatizando a arte contemporânea. Nos últimos anos, alguns diretores de museus e fundraisers me disseram que tornou-se difícil encontrar dinheiro para exposições que exibem o que alguns agora chamam de "arte pré-contemporânea". Os patrocinadores, seja eles corporações, fundações ou indivíduos, simplesmente não estão interessados.
Isto é, como um comerciante de arte me comentou, como perder Mozart.
Ou seria, se Mozart estivesse sendo desviado, por exemplo, Du Yun ou Henry Threadgill, os dois vencedores mais recentes do Prêmio Pulitzer em música. Mas ele não é. Na ópera, Mozart, Verdi e Puccini ainda reinam, enquanto obras de compositores vivos são vendas difíceis. As empresas de dança vendem desempenhos de The Nutcracker e Swan Lake de Tchaikovsky, mas imploram por público para programas de dança contemporânea. Os salões sinfônicos dos EUA estão lotados quando gênios clássicos, como Beethoven, estão no programa, mas sentem-se meio vazios quando a música clássica contemporânea é tocada. Um baixista de uma grande orquestra sinfônica recentemente me disse que colegas músicos se referem a uma estratagema de programação comum - um trabalho contemporâneo desempenhado entre duas composições clássicas populares - como um "sh-sandwich".
Essas disciplinas estão tendo seus próprios problemas de público, é claro. Talvez os programas mais populares nas salas de concerto dos EUA são aqueles que oferecem temas de filmes, música de videogames e outros - música que atrai as gerações mais novas. O público principal - aqueles que amam Mozart e sua pessoa - estão grisalhos, mesmo quando as orquestras e as companhias de ópera se esforçam para trazê-los para a música clássica mais nova.
Isso é quase o oposto do que está acontecendo nas artes visuais, onde os curadores e os diretores lutam para que a "arte antiga" pareça "relevante", seja o que for que signifique, mas a arte contemporânea obtém um passe nesse ponto, porque é feita no presente. De acordo com a sabedoria convencional, a arte contemporânea é mais "acessível" para o público, embora mesmo alguns diretores de museus admita que caracterizam erroneamente a situação. Em vez disso, a arte contemporânea parece mais acessível porque os curadores são indignos em atribuir significado a uma obra de arte. Os seus rótulos recuam em vez de descrever propriedades e processos físicos, e os telespectadores devem encontrar seu próprio significado.
Essa ambiguidade - que a arte pode significar qualquer coisa que um espectador deseja, ou nada - torna a arte contemporânea mais atraente para um público mais amplo. Não há necessidade de aprender a história, os personagens ou os símbolos que os artistas de idade retrataram e empregaram em suas obras. E, portanto, nenhuma razão para se sentir deficiente.
Juntamente com essa facilidade não tributária, há uma experiência ou aspecto de espetáculo para alguma arte contemporânea que atrai os jovens em particular. Pense no Artista de Marina Abramovic no Museu de Arte Moderna (MoMA) em Nova York em 2010, da Rain Room no MoMA em 2013 e no Museu de Arte do Condado de Los Angeles de 2015-17 e dos Mirrors Infinity de Yayoi Kusama no Museu de Arte Hirshhorn em Washington, este ano. Lá, as pessoas esperavam em linhas por horas para obter 20 a 30 segundos dentro de cada um dos muitos quartos espelhados. Esses contos geram atenção da mídia, o que gera mais visitantes motivados pelo medo de perder.
O crescente mercado de arte, inflacionado por preços recorde de obras de Andy Warhol, Koons e companhia, também contribui para esse estado de coisas. Essas vendas levam manchetes, e os americanos seguirão para ver o que é o problema. É assim que Gustav Klimt, Alberto Giacometti e alguns outros artistas de longa data se mudaram para o domínio de nomes conhecidos que atraem visitantes para os museus. Todo mundo quer ver a Woman in Gold da Klimt que custou a Ronald Lauder $ 135 milhões. Mas um excelente trabalho de Holbein ou Manet, que poderia fazer a notícia, não aparece à venda com muita frequência.
Há outras razões pelas quais os museus estão exibindo mais arte contemporânea: são coletados por muitos dos seus curadores, que expõem (e financiarão) exposições; é feito por um grupo mais diversificado de artistas do que o do passado, quando as mulheres e as pessoas de cor foram excluídas dos círculos artísticos e da história da arte, o que permite aos museus corrigir um desequilíbrio histórico - um movimento de boas vindas; e essas exposições são muitas vezes mais baratas de montar. Os estudantes de graduação em história da arte, aqueles que pretendem ser curadores, também se concentram cada vez mais na arte contemporânea.
Mas quando esses fatores se combinam para atrair a atenção para algumas das maiores obras de arte do mundo, o nosso conhecimento de civilizações passadas é diminuído. Saber menos sobre diferentes tempos e lugares significa que nosso conhecimento da natureza humana cresce mais fino, mais estreito. Nos tornamos, em suma, menos sofisticados. E além de desperdiçar o puro prazer de ver algo como esteticamente satisfatório como, digamos, uma obra-prima de Albrecht Altdorfer ou Luis Meléndez - para citar apenas dois artistas magníficos que deveriam ser mais conhecidos - perdemos uma conexão que deve enriquecer a experiência da arte contemporânea.