Crítica teatral: Abril 2016
Helga Nemeczyk e Marisa Orth
O musical "Mulheres à beira de um ataque de nervos" é a versão para teatro do filme homônimo de Pedro Almodóvar. Com texto de Jeffrey Lane e músicas de David Yazbek, a montagem brasileira é assinada por Miguel Falabella, que também dirige a produção. Há poucas alterações da tela para o palco e das produções originais da Broadway e de Londres para o Brasil, mas a narrativa continua sendo sobre como as mulheres podem ser enlouquecidas pelos homens. O texto é interessante, o cenário de J. C. Serroni e o videografismo de Rico e de Renato Vilarouca são ótimos, o figurino de Fábio Namatame é excelente. Mas a direção imprime às interpretações um tom morno que fica aquém das potencialidades da dramaturgia, dos personagens e da estética do cineasta espanhol. Helga Nemeczyk e Ivan Parente se destacam no elenco que tem também Marisa Orth, Erika Riba e grande elenco. A temporada carioca vai até 8 de maio no Teatro Oi Casa Grande no Leblon.
Para Almodóvar, é bom amar e viver em Madrid
Madrid, 1987. Para vencer a insônia após ser abandonada pelo namorado e colega de trabalho Ivan (Juan Alba), a atriz Pepa (Marisa Orth) toma uma dose considerável de Valium. Seu dia seguinte começa mal: ela chega atrasada ao trabalho, onde não consegue falar com o ex, e de lá parte para o consultório de um médico que informa sobre sua gravidez. Em outra região da cidade, Lúcia (Erika Riba), a ex-mulher de Ivan, se prepara para uma audiência contra o seu ex-marido. Ela o está processando por ter gasto dezenove anos de sua juventude em uma clínica a fim de esquecê-lo (sem sucesso). Enquanto isso, a modelo Candela (Helga Nemeczyk), a melhor amiga de Pepa, descobre que dormiu com um terrorista perigoso e por isso pode ser procurada pela polícia. Há ainda a equilibrada Marisa (Carla Vazquez) que, decidida a manter firme as rédeas dos seus sentimentos, procura um apartamento para morar com seu futuro marido, que talvez não lhe faça tão feliz (nem triste).
Com cores berrantes, emoções à flor da pele, calmantes e tentativas de suicídio, Pedro Almodóvar pauta o poder do amor como vilão no processo de manutenção da sanidade das mulheres. E, ao mesmo tempo, como a marca mais potente de sua feminilidade. No roteiro de "Mujeres al borde de un ataque de nervios", que foi indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, aparecem de modo relevante três homens: Ivan, seu filho Carlos (Daniel Torres) e um taxista (Ivan Parente). Para os três, as relações afetivas não lhe envolvem totalmente. São românticos, delicados até, mas seus sentimentos não têm o poder de lhes fazer perder a cabeça. O cineasta não os critica, nem defende tampouco as mulheres, mas o filme faz um retrato engraçado das vidas em ebulição. Melhor do que isso, a cena final faz um convite ao amor apesar de toda a bagunça que ele provoca. Para Almodóvar, amar, assim como viver em Madrid, por pior que seja, é sempre bom!
A versão musical de "Mulheres à beira de um ataque de nervos" não foi bem recebida pelo público nem em Nova Iorque, nem em Londres, embora tenha despertado a atenção da crítica e dos jurados dos prêmios. Nos Estados Unidos, ela recebeu três indicações (Melhor Música e Melhor Atriz Coadjuvante para Patti LuPone e para Laura Benanti) ao Tony Award em 2011, ano em que "The book of Mormon" ganhou quatorze indicações e nove troféus. Tendo estreado no fim de 2010, fez menos de setenta apresentações e saiu de cartaz: um fracasso retumbante. Na Inglaterra, a montagem recebeu duas indicações ao Oliver pela temporada de janeiro a maio de 2015. David Yazbek, autor das músicas e das letras originais, é o mesmo autor do ótimo "Ou tudo ou nada – O musical", cuja versão brasileira está em cartaz em São Paulo.
Em entrevistas, Miguel Falabella justifica a produção nacional de espetáculo mal avaliado no exterior, apostando nos modos de acesso da cultura brasileira à estética de Pedro Almodóvar. O que ele diz faz sentido, mas estranhamente não é o que se vê no palco. Sua direção não revela mulheres à beira de um ataque de nervos, mas ligeiramente nervosas em alguns momentos com uma única exceção positiva: Helga Nemeczyk. A opção reduz as potencialidades de toda a excelência que a versão brasileira tinha pra ser. É uma pena!
Encenação morna
Não há grandes canções, mas, no primeiro ato, "Madrid" e "Model Behavior" se destacam enquanto, "Yesterday, Tomorrow and Today" na segunda parte no âmbito da direção musical de André Cortada. São ótimos o cenário de J. C. Serroni, e sua articulação nas trocas de cenas, assim como a iluminação de Drika Matheus e a colaboração vibrante do videografismo e projeções de Rico e de Renato Vilarouca. Os figurinos de Fábio Namatame com visagismo de Dicko Lorenzo trazem pujança ao todo. Esses elementos estéticos e o modo como são usados sugerem a vida que as interpretações deixam de ter no quadro geral. Em outras palavras, a encenação morna não acompanha o visual quente da montagem.
Erika Riba (substituindo Stella Miranda como Lucia), Bruna Pazinato (substituindo Erika Riba como a personagem Paulina), Carla Vazquez (Marisa) e Daniel Torres (Carlos) têm performances comportadas, sem desméritos nem brilhos. Juan Alba (Ivan) é favorecido pelo ótimo personagem em atuação sem desafio aparente. Marisa Orth (Pepa) apresenta a protagonista como um mero produto da dramaturgia, sem nenhuma opinião que lhe destaque para além do que lhe oferece o figurino e a trilha sonora. Helga Nemeczyk (Candela) parece que agarra as boas oportunidades e as transforma em melhores, fazendo das cenas menores relevante participação. No elenco ainda, Clara Verdier, Giovana Zotti, Nay Fernandes Tassia Cabanas, Arízio Magalhães, Betto Marque, Carlos Leça, Frank Tavantti, Kiko do Valle e Oscar Fabião colaboram positivamente no âmbito da defesa das canções e da discreta coreografia de Fernanda Chamma.
Esperava-se mais de "Mulheres à beira de um ataque de nervos" que não chega a ser frustrante, mas está longe de ser um ponto alto desse outono carioca.
Videografismo e Projeções: Rico Vilarouca e Renato Vilarouca
Vídeos de Cena: Luciana Ferraz e Otavio Juliano
Elenco: Marisa Orth, Stella Miranda, Juan Alba, Helga Nemeczyk, Daniel Torres, Ivan Parente, Erika Riba, Carla Vazquez, Bruna Pazinato, Clara Verdier, Giovana Zotti, Nay Fernandes Tassia Cabanas, Arízio Magalhães, Betto Marque, Carlos Leça, Frank Tavantti, Kiko do Valle, Oscar Fabião.
Apresentador por: Ministério da Cultura, Governo do Estado de São Paulo e Banco Santander
Patrocínio: Lei de Incentivo à Cultura, Proac SP e Sulamérica
Realização: Quote Produções, Chaim Produções Espaço Bela Vista, Governo do Estado de São Paulo, Ministério da Cultura e Governo Federal do Brasil - Pátria Educadora.
Atendimento à Imprensa: Ju Mattoni Comunicação
Marcadores: Mulheres à beira de um ataque de nervos (SP)
Elisa Pinheiro e Virgínia Cavendish
Comédia imperdível!
"Não vamos pagar" é uma deliciosa comédia que está em cartaz no Teatro do Sesi, no centro do Rio, até 14 de maio. O texto foi escrito pelo casal italiano Dario Fo (Prêmio Nobel de Literatura em 1997) e sua esposa Franca Rame (1954-2013) em 1974. Na história, duas mulheres se envolvem em um protesto de donas de casa contra o aumento dos preços dos produtos dentro de um supermercado, levando para casa alguns produtos sem pagar. A crise na fábrica onde trabalham seus maridos e as buscas da polícia na vizinhança estruturam uma situação cheia de entradas e saídas, perseguições e segredos revelados em muita confusão. O público gargalha! Dirigida por Inez Viana, a comédia tem Guilherme Piva, Elisa Pinheiro, André Dale, Zéu Brito e Virgínia Cavendish no elenco, essa última a idealizadora do projeto. O período de discussão política que o Brasil vive nesse período é contexto ideal para assistir a esse excelente espetáculo. Nele, o riso não substitui a reflexão, mas talvez até a qualifique!
Texto delicioso de Dario Fo
"Non si paga! Non si paga!" foi levado à cena tão logo foi escrito por Fo e por Rame no grupo Colletivo Teatrale La Comune, fazendo muito sucesso na Itália e ganhando o mundo. No Brasil, sob o título de "Pegue e não pague", foi dirigido e protagonizado por Gianfrancesco Guarnieri, em 1981, com Renato Borghi, Bete Mendes, Regina Viana e Herson Capri no elenco. Cinco anos depois, Dina Sfat (1938-1989) estava ensaiando "Ninguém paga, ninguém paga!" quando descobriu-se doente. A montagem, dirigida por Celso Nunes, foi a última produzida por ela, sem infelizmente a sua atuação.
A peça começa com Antônia (Virgínia Cavendish) contando para sua amiga Margarida (Elisa Pinheiro) o que aconteceu enquanto fazia compras no supermercado. O nova taxação de preços irritou as donas de casa presentes, um tumulto começou e o local foi saqueado. Antônia, assim, trouxe vários produtos roubados, alguns dois quais estranhos a sua rotina: como comida para cães e alpiste para canário. Agora, ela precisa esconder esses mantimentos, pois seu marido João (Guilherme Piva) é um homem de valores muito restritos e não gostará nem um pouco da história. Embora relutante, Margarida topa ajudá-la, mas a coisa se complica quando inesperadamente Luís (André Dale), seu marido, volta do trabalho mais cedo. Começa aí um corre-corre entre as esposas e o marido e de todos contra as investidas da polícia (Zéu Brito), em que sobra força, mas falta cérebro.
É em João que a maior transformação da história acontece. No original, seu personagem foi escrito como uma espécie de comunista conservador: determinado a lutar pelas causas sociais e definitivamente contrário ao consumismo capitalista e à desordem. Em questão, está, de um lado, o ideal filosófico de sociedade desapegado das realidades cotidianas representado por ele. De outro, as dificuldades do dia a dia - contas vencidas, dinheiro escasso, comportamentos em transformação – representadas por Antônia. Na tradução de José Almino, a referência à sociedade comunista (provavelmente clara aos espectadores italianos do meio dos anos 70) desapareceu. Em seu lugar, entrou uma concepção mais pantanosa do personagem que reflete a complexidade dos nossos dias e da nossa cultura. É quase impossível, afinal de contas, identificar um governo de esquerda ou de direita por aqui.
Assim, o texto de "Não vamos pagar" enfrenta hoje um dilema que talvez não tenha sido tão problemático há 40 anos: em que circunstância o roubo é permitido? É enorme o mérito dessa montagem em enfrentar essa difícil questão com tanto êxito. Ela substitui, através da comédia de vaudeville, a ação específica que deu origem à toda a narrativa pelo conjunto de valores que a circunda. Em cartaz desde outubro de 2014, quando ainda estavam quentes as reinvindicações sociais do inverno de 2013, eis aqui uma proposta divertida e inteligente que tem tudo a ver com o momento atual.
A direção de Inez Viana, assistida por Luis Antônio Fortes, tem resultado excelente sobretudo no ritmo ágil com que a narrativa se estabelece. As cenas são fluídas, as situações claras, os contextos sempre dispostos a surpreender e manter firme a atenção do público. O cenário de Omar Salomão, talvez atendendo à necessidade da peça em abandonar o realismo mais político e falar de realidade através do nonsense, abre campo para a teatralidade. A casa de João e de Antônia é representada por tapumes de madeira e módulos que, dentro do conceito, têm várias funcionalidades. O figurino de Juli Videla dá conta do realismo, a direção musical de Ricco Viana auxilia no ritmo e no estabelecimento da graça e a iluminação de Renato Machado enaltece os aspectos visuais, participando da narrativa de modo invisível nas cenas mais realistas e aparente quando o conceito estético da peça precisa ser ratificado.
Todos os trabalhos de interpretação são ótimos. Zéu Brito (sargento, capitão e pai de Antônia) investe mais na caricatura, Guilherme Piva (João) no naturalismo. Virgínia Cavendish (Antônia), André Dale (Luís) e Elisa Pinheiro (Margarida) equilibram a encenação ora mais para um lado, ora para outro. Em todos, vê-se claramente um jogo profícuo entre si e com o público que é vibrante. Ele é responsável juntamente com o todo pelos muitos méritos do espetáculo.
Muito raramente se encontra uma comédia tão boa quanto "Não vamos pagar" em cartaz no Rio de Janeiro apesar da programação teatral daqui ter outra fama. Essa peça é imperdível!
ASSISTENTE DE DIREÇÃO: Luis Antonio Fortes
ELENCO DA TEMPORADA ATUAL: Virginia Cavendish (Antônia), Guilherme Piva (João), Elisa Pinheiro (Margarida), George Sauma | André Dale (Luís) e Zéu Britto (sargento, capitão e pai).
Stand in: Luisa Arraes (Margarida)
PRODUÇÃO TÉCNICA E OPERAÇÃO DE SOM E LUZ: Jorge Maciel Filho
CONTRARREGRA E CAMAREIRO: Marcelo Gomes e Cedelir Martinusso
DESIGN GRÁFICO, FOTOS, WEBSITE: Omar Salomão
ASSISTENTE DE CENOGRAFIA: Chica Caldas
ASSISTENTE DE FIGURINO: Alessandra Padilha
PRODUÇÃO EXECUTIVA e DIREÇÃO DE PRODUÇÃO: Virginia Cavendish
ASSISTENTE DE PRODUÇÃO: Bruno Fagotti
ESTAGIÁRIA: Barbara Bailan
ESTRUTURAÇÃO DE PROJETO: Cristiana Giustino
PRODUÇÃO: Casa Forte Produções
Postado por Rodrigo Monteiro às 14:10
Marcadores: Não vamos pagar (RJ)
Foto: Airton Silva
Nathalia Timberg e Tadeu Aguiar
Nathalia Timberg em excelente espetáculo
O excelente "33 Variações" está saindo de cartaz no próximo domingo, dia 17 de abril. A peça inaugurou o belo e confortável Teatro Nathalia Timberg, no Centro Comercial Freeway Center, na Barra da Tijuca, com ela própria no elenco como protagonista. Escrito em 2007 pelo venezuelano Moyses Kaufman, o texto fez muito sucesso na Broadway quando trouxe de volta aos palcos a atriz Jane Fonda, afastada deles por quase quarenta e cinco anos. Ele narra a história da musicóloga Katherine Brandt que, enfrentando uma doença terminal, parte corajosa para a Alemanha. Lá ela quer descobrir a origem do interesse de Ludwig van Beethoven (1770-1827) em uma composição de Anton Diabelli (1781-1858) que ela considera medíocre. Em cena, ao lado de Natalia Timberg, está o dono da casa e diretor do espetáculo Wolf Maya. E também Tadeu Aguiar, Lu Grimaldi, Flavia Pucci, Gil Coelho, Gustavo Engracia e mais quatorze atores. A participação do pianista Silas Barbosa é outro grande momento do trabalho, bem como o majestoso cenário de J.C. Serroni. Eis uma produção sensível, delicada e grandiosa que vale a pena ser vista!
Uma dramaturgia emocionante
O texto de Moyses Kaufman é brilhante. O empenho de Katherine Brandt (Nathalia Timberg) em descobrir o que levou Ludwig van Beethoven (Wolf Maya), entre 1819 e 1823, a paralisar a composição de sua Missa Solene para se dedicar às variações da valsa de Anton Diabelli (Tadeu Aguiar) é apenas uma parte da dramaturgia. Há ainda a relação da protagonista com sua filha Clara Brandt (Flavia Pucci) e dessa com o enfermeiro Mike Clark (Gil Coelho). E a de Beethoven com Diabelli mediada por Anton Schindler (1795-1864) (Gustavo Engracia), secretário do primeiro. No entanto, não é nelas que está a história principal de "33 Variações".
A peça é sobre a importância de exercer um olhar sobre as coisas e sobre as pessoas que seja menos centrado em nós mesmos. Forçada física e intelectualmente a esse desafio, Katherine Brandt redescobre o mundo. E nos emociona! Personagens reais e fictícios em uma trama cuja pesquisa histórica e urdimento são pontualmente bem marcados são convite para o homem refletir sobre si próprio e seu entorno. Um trabalho emocionante!
Escrito em 2007, a montagem de 2009 da Broadway recebeu quatro indicações ao Tony Award e mais o troféu de Melhor Cenário. Jane Fonda interpretava a protagonista.
Um dos melhores trabalhos de direção de 2016
A direção de Wolf Maya é firme, madura, delicada, respeitosa e corajosa. "33 Variações" atravessa o tempo tão lenta quanto preocupada em construir beleza. São duas horas e quarenta minutos de espetáculo, uma trajetória longa e difícil a que raros diretores se aventuram e mais raros ainda são aqueles que conseguem ótimo resultado como aqui é o caso. O texto bem dito por todos os atores em excelente conjunto de atuações e os elementos estéticos bem articulados no panorama geral garantem a atenção cena após cena. Injustamente acusada de se aproveitar de Kaufman para exibir a potencialidade do seu teatro recém inaugurado, a direção, na verdade, parece ter percebido que, sem cadeiras que ascendem do porão, grandes cenários que entram e saem, e sem cenas que usam cada canto do espaço cênico, seria difícil alimentar bem o interesse contemporâneo por uma peça inteiramente ilustrada por composições eruditas para piano.
Renovando-se através de confortável aparato cênico, a montagem não se despreocupou do que é essencial. Os três núcleos dramáticos de "33 Variações" – Beethoven, Schindler e Diabelli; a responsável pelos diários do compositor, Dra. Gertrude Ladenburguer (Lu Grimaldi) e Katherine Brandt; Clara Brandt e Mike Clark – apresentam cenas cheias potência. Os quadros se dão a ver através de marcas claras, os diálogos têm intenções limpas e tempos bem equilibrados, as articulações são fluentes. O elenco de apoio composto por quatorze atores colabora com a profundidade dos momentos, reforçando com realismo o movimento da narrativa. Wolf Maya apresenta aqui um dos melhores trabalhos de direção de 2016, sem dúvida.
O brilho de Nathalia Timberg
Gil Coelho (Mike Clark) colabora com enorme carisma, Tadeu Aguiar dá força para seu Anton Diabelli sobreviver bem ao que os demais personagens dizem dele, Gustavo Engracia (Anton Schindler) oferece ótimo contraponto para Beethoven. Lu Grimaldi (Dra. Gertrude Ladenburguer) acrescenta nobilíssima profundidade a sua personagem menor e Flavia Pucci tem o mérito de defender sua Clara Brandt contra qualquer facilidade, viabilizando-a com a complexidade adequada ao texto. Wolf Maya vence o desafio Beethoven em sua fase final, regulando loucura e epifania, força e foco.
Nathalia Timberg, prestes a completar 87 anos de vida e 62 anos de carreira no teatro profissional, está em excelente forma. Ela apresenta aqui um trabalho majestoso, agarrando todas as oportunidades para fazer brilhar sua Katherine Brandt com determinação, cuidado e êxito. Sua voz é clara, sua presença é forte, sua interpretação dá a ver as modificações pelas quais passa a longa narrativa de "33 Variações". Eis aqui uma atuação imperdível!
A peça tem ainda vibrantes colaborações do figurino de Tatiana Rodrigues, do visagismo de Marcelo Dias e da iluminação de Aurélio de Simoni. O jogo entre as épocas nas quais a história acontece ganha crédito no empenho valoroso ao realismo. O cenário de J.C. Serroni, com pompa e circunstância, divide o melhor destaque da encenação com a direção musical de Natalia Trigo em que participa o piano de Silas Barbosa.
"33 Variações" é teatro da melhor qualidade em casa de espetáculos igualmente elogiável. Aplausos!
Elenco de apoio: Caio Ruas, Armando Amaral, Duda Ramos, Milene Cauzin, Claudio Pitanga, Rafael Siano, Filipe Goulart, Marcus Quaresma, Valentina Garcia, Talita Feuser, Allan Bergantinne, Victor Losso, Viviane Vieira e Zeca Vaz
Direção musical: Natalia Trigo
Assistente de direção: Hudson Glauber
Postado por Rodrigo Monteiro às 13:21
Marcadores: 33 Variações (RJ)
Um belo convite!
No ótimo monólogo "Guia afetivo da periferia", Marcus Faustini adapta para teatro seu celebrado livro homônimo lançado pela editora Aeroplano em 2009. A peça saiu de cartaz no último sábado, dia 9 de abril, no Teatro Serrador. No texto, uma coleção de histórias revela o dia a dia de um rapaz que, quando era criança, mudou-se do bairro Chacrinha, em Duque de Caxias, para Santa Cruz, na zona oeste do Rio de Janeiro. A visão dele sobre a vida nesses lugares e também sobre a relação deles com outras partes da cidade sugere uma reflexão acerca dos pontos não privilegiados no olhar do nosso entorno. A interpretação de João Pedro Zappa e a colaboração das projeções em vídeo na dramaturgia são outros pontos altos desse belo espetáculo que há de cumprir muitas e ainda calorosas temporadas.
O texto de Marcus Faustini
O texto de "Guia afetivo da periferia" é um excelente convite para um ponto de vista mais amplo no qual o comum também ganhe a atenção. O pôr-do-sol do Cesarão, conjunto habitacional de Santa Cruz, pode merecer tantos aplausos quanto o de Ipanema, o valor de um endereço na zona sul pode ser rapidamente questionado, a importância da função de office-boy do Banco do Brasil também é relativa. Sem sugerir uma inversão de valores através da simples troca de lugares entre o que é central e o que é periférico, a dramaturgia da peça oferece uma alternativa que não se desfaz do convencional. Justapostos, eles podem lindamente conviver em uma perspectiva mais complexa de humanidade.
Com muitos méritos, dois são os problemas que atrasam a excelência. O primeiro deles é um aspecto técnico da sala da espetáculo onde o texto ganhou montagem. O frio absurdo causado pelo ar condicionado enrijeceu a audiência, detalhe importante, mas que passa muitas vezes batido por produções desatentas. No inverno carioca, é preciso manter-se atento para o movimento do público em busca de casacos se se consideram não apenas os elementos estéticos como aqueles relevantes à fruição da obra.
A segunda questão diz respeito à estrutura do texto. A ausência de ordem cronológica e de situação de pontos de conflito que manifestem mais claramente uma curva ascendente é positiva porque dá à narrativa tom de realismo. Isso informa que "Guia afetivo da periferia" não está longe, mas perto, vivo, disposto em qualquer lugar ao alcance da vista mesmo fora do teatro. No entanto, um bom ritmo fica mais difícil de se sustentar com essa opção. O excesso de regularidade na disposição dos signos permite ao público sentir que a peça pode durar quinze ou noventa minutos a mais e a relatividade do tempo faz disso um problema que é vencido aqui, mas não facilmente.
A direção de Marcus Faustini
A direção de Marcus Faustini, assistido por Douglas Resende e por Veruska Delfino, estabelece ótimas bases para a fluente conversa entre palco e plateia. As projeções em vídeo, que dominam dois terços da encenação, trazem à cena balanço para os quadros unicamente apresentados pelo ator João Pedro Zappa. Elas oferecem, de maneira ímpar, a imagem indubitável das paisagens vistas pelo personagem: as bancas de churrasquinho, os azulejos do Edifício Capanema, as casas simples. Além disso, seu lirismo, como também o da trilha sonora, equilibra o todo com a iluminação de Aurélio de Simoni, essa que faz positivamente a peça tão crônica quanto o livro.
O cenário de Fernando Mello da Costa e o figurino do diretor agem na mesma da direção do texto: a enorme quantidade de palavras são esforço em defender as imagens sob o âmbito de suas complexidades. Com o público sentado muito próximo do espaço cênico, os vários objetos espalhados pela cena parecem ser ainda mais numerosos. Arquivos de aço, caixas de som e folhas de jornal vão dividindo lugar com outros artefatos, poluindo a cena em uma verborragia tão visual para a peça como é essa dramaturgia para a literatura. O panorama colabora bastante bem com o discurso na medida em que essa periferia de que fala "Guia" é totalmente urbana e, por isso, repleta de cores, formas e de texturas.
A interpretação de João Pedro Zappa
Na interpretação de João Pedro Zappa, não há qualquer marca que associe seu personagem ao modo estereotipado como frequentemente se vê quando se trata de periferia carioca. Dentre os vários aspectos positivos dessa opção, está o jeito como ela aproxima o público da peça. Em primeiro lugar, "Guia afetivo da periferia" não hesita em lembrar a plateia de que se está assistindo a um espetáculo teatral. Não há ilusionismo, nem farsa e a teatralidade se garante por modos bem discretos. Zappa exibe pesquisa de personagem, mas não se traveste dele, estabelecendo o contrato a partir de uma situação que nasce simples, cordial e madura e se mantém assim. A graça de alguns momentos atribui leveza ao todo sem tirar a força dos quadros imagéticos mais densos. Trata-se de um trabalho positivamente destacável sob todos os aspectos na programação carioca dessa temporada.
"Guia afetivo da periferia" apresenta um olhar amplo sobre vários aspectos incluindo fortemente a periferia. Proust, Barthes, Dostoievski e cinema francês, valorizados pelo centro, convivem com o sacolé de Toddy, as sonecas no ônibus da madrugada e a Ave-Maria das vésperas sem qualquer juízo pronto de valor no centro dessa narrativa. A justaposição é um convite para se olhar afetivamente para tudo, para o homem de um modo geral. Um belo convite!
Texto, direção, figurino e vídeos: Marcus Faustini
Atuação: João Pedro Zappa
Assistente de direção: Douglas Resende e Veruska Delfino
Estágio de direção e Contrarregragem: Diego Migliorin
Edição de vídeos: Gregório Mariz
Trilha dos vídeos: Eduardo Guedes e Gregório Mariz
Câmeras: Gregório Mariz e Diego Bion
Produção Executiva: Edésio Mota-Inverso Produções Artísticas
Técnicos de luz e de som: JR Camacho e Matheus Castro
Designer Gráfico: Marina Moreira
Assessoria de Adminstração: Valquíria Oliveira e Francisco Salgado
Assessoria de Imprensa: RPM
Realização: Instituto C
Marcadores: Guia afetivo da periferia (RJ)
Gabriela Munhoz e Helena Varvaki
Espetáculo tocante volta a cartaz
O ótimo espetáculo "A outra casa" voltará a cartaz no Teatro Cândido Mendes, em Ipanema, a partir do dia 29 de abril. Sua primeira temporada foi um dos grandes momentos desse início de outono na programação teatral carioca. O texto, escrito pelo americano Sharr White, foi dirigido por Manoel Prazeres, trazendo a excelente Helena Varvaki no papel de protagonista. Ao seu lado, Rick Yates e principalmente Alexandre Dantas e Gabriela Munhoz estiveram em atuações de primeira grandeza. Uma doença neurológica, que talvez seja a Demência com Corpos de Lewy, é ponto de partida para uma história que pode ser sobre a necessidade das relações de serem tão reinventadas quanto os próprios seres humanos. Essa doença é a mesma que vitimou o ator Robin Williams (1951-2014) há bem pouco tempo. A primeira temporada da produção terminou no último domingo, dia 3 de abril, no Centro Cultural da Justiça Federal.
Dramaturgia tocante!
Traduzido com vitalidade, força e poesia por Diego Teza, o texto marcou a estreia do jovem Sharr White como autor na Broadway. A peça, dirigida por Joe Mantello, mesmo diretor do musical "Wicked", estreou no fim de 2012, recebendo elogios calorosos da crítica especializada por lá. Na história, a personagem da neurologista Juliana Smithon passa a conviver com uma doença neurodegenerativa que afeta sua memória e seus movimentos. Dois anos depois de "A outra casa" ("The other place", no original) estrear em Nova Iorque, o falecimento do ator Robin Williams chamou a atenção para a Demência com Corpos de Lewy, um distúrbio considerado raro até pouco tempo atrás, mas que cresce a cada ano infelizmente. Associada com o Mal de Parkinson e com o Mal de Alzheimer, ela só pode ser seguramente diagnosticada após o falecimento do doente, o que dificulta o trabalho dos pesquisadores em busca de sua cura ou tratamento. Em lugar algum do texto, White dá nome para aquilo de que sofre sua protagonista. Isso faz pensar que esse detalhe, ainda que muito valoroso, não é o mais importante dessa bela dramaturgia.
No passado, Laura, a filha de Juliana e de seu marido Ian, saiu de casa provavelmente para viver junto de seu namorado. Desde então, os três nunca mais estiveram juntos. Quando a narrativa começa, Juliana acredita estar retomando o contato com Laura e com a suposta família que a filha gerou. Esse processo, no entanto, divide lugar – talvez causa, talvez consequência – com a doença de que sofre a protagonista. Pouco a pouco, Juliana vai sendo alcançada por um mundo paralelo, desconectando-se daquele em que ela viveu. Seu casamento vai mal, seu trabalho também. Tudo isso exige dela, daqueles a sua volta e do público uma reflexão sobre a essência do ser humano.
Lá pelas tantas, talvez no melhor momento da narrativa, Juliana se encontra com uma completa desconhecida. Elas não se conhecem, não têm qualquer relação e talvez por isso suas identidades precisam ser mais reapresentadas do que defendidas. O encontro é, principalmente para Juliana, terreno fértil para o nascimento de um novo percurso. E aí "A outra casa", que partiu de um tema importante mas difícil como uma doença, ganha a chance de tocar o homem em qualquer condição. O estranho é uma oportunidade para se reinventar e esse é, por sua vez, material de que são feitos os novos e reveladores pontos de vista sobre a realidade.
Helena Varvaki em trabalho destacável de interpretação
Alexandre Dantas (Ian) e Gabriela Munhoz (Laura, Terapeuta, Desconhecida) apresentam construções cujas marcas garantem o sucesso obtido por Helena Varvaki (Juliana) na bela defesa de sua protagonista. O elenco, de um modo geral, colabora com o espetáculo através das minúcias de cada participação, oferecendo ao público leituras mais e menos profundas em um excelente quadro de interpretações. "A outra casa", em direção sensível de Manoel Prazeres, alterna, evolui, cresce ao longo do tempo na riqueza dos detalhes: expressões pequenas, gestos comedidos, força bem equilibrada no desenho de encenação.
O maior mérito do autor, da direção e das interpretações, porém, se vê no modo como eles seguram o espetáculo na carência de seus recursos cenográficos. Dóris Rollemberg faz de rotunda uma estrutura pouco criativa que colabora nada com a beleza do conjunto. Acanhados, os figurinos de Letícia Ponzi perdem oportunidades. A luz de Renato Machado, alçada a enormes responsabilidades, tem méritos no auxílio à construção do ritmo e à composição dos tons ao lado das belas projeções em vídeo dirigidas por Rodrigo Turazzi e da trilha sonora de Rick Yates e de Renato Alscher.
Plateias cheias
Pela importância do tema, pelas belas atuações, mas principalmente pela habilidade em fazer refletir, o público merece uma segunda temporada bem longa de espetáculo tão valoroso. Por seu turno, a produção há de continuar ganhando plateias cheias.