Stephen Percy Harris é um idealista. Fiel ao que acredita, fundou o Iron Maiden em 1975 e conduziu a banda com mão de ferro até o topo do heavy metal, influenciando profundamente o gênero e tornando-se referência para qualquer grupo que queira se aventurar pelo estilo. Atravessou a turbulenta segunda metade da década de 1970 (quando o punk rock era a ordem do dia na Inglaterra), manteve o leme firme quando praticamente todas as principais bandas pesadas alteraram a sua música para agradar o público norte-americano no final dos anos 1980, sobreviveu ao período com Blaze Bayley no posto de Bruce Dickinson (quando o Maiden viu a sua popularidade desabar e trocou os shows em grandes estádios por casas muito mais modestas) e aceitou de volta o falante e hiperativo vocalista colocando a banda em primeiro plano, deixando de lado as várias questões pessoais que envolvem a sua eternamente turbulenta relação com Dickinson. E tudo isso sem cortar nenhum centímetro de sua longa cabeleira, mesmo quando cabelos curtos passaram a ser a ordem do dia no heavy metal :-)
Harris sempre soube o que quis e fez tudo para transformar o Iron Maiden em uma das maiores bandas da história do heavy metal. Se nem quando era apenas um músico iniciante o baixista abria mão de suas convicções, não seria agora, aos 56 anos e com o status de lenda viva, que ele faria isso. Por isso, a sua surpreendente estreia solo com British Lion deve ser analisada tendo como ponto de partida essa visão: trata-se do som que ele queria fazer, e da maneira que imaginou fazer. Não há nenhuma pressão por sucesso ou concessão mercadológica, é apenas um dos maiores músicos da história do rock homenageando o seu passado na forma de um álbum com canções inéditas que bebem diretamente nas bandas que o influenciaram e serviram de base para a sua formação.
Steve cercou-se de músicos desconhecidos - o vocalista Richard Taylor, os guitarristas Graham Leslie e David Hawkins (esse também responsável pelo teclado) e o baterista Simon Dawson - e gravou um disco que não soa nada parecido com o Iron Maiden. Não há aqui nada que remeta à banda principal de Harris, e esse é o primeiro ponto que pode causar estranhamento em quem estava esperando, de maneira equivocada, um som na linha do que o Maiden fazia, por exemplo, na década de 1980. O negócio aqui é outro. Trata-se de um álbum de hard rock, com algumas passagens mais pesadas que podem ser classificadas como heavy metal. A influência é a escola setentista do hard, com canções baseadas em riffs - algo que, infelizmente, o Iron Maiden não vem mais fazendo nos últimos anos - e reminiscências de ícones do período e favoritos confessos do baixista como Wishbone Ash, Thin Lizzy, Rainbow, UFO, Scorpions e Judas Priest.
De maneira consciente, Steve escolheu um vocalista que possui um timbre totalmente diferente de Bruce Dickinson. A voz de Richard Taylor é aguda e remete a Glenn Hughes e ao jovem Klaus Meine. Segundo tombo para quem esperava ouvir algo semelhante ao Iron Maiden. Há uma enorme quantidade de melodia nas composições, com ótimas passagens de guitarras gêmeas e grandes refrões por todo o álbum. Faixas como “Eyes of the Young”, por exemplo, tem potencial para fazerem bonito como single se bem trabalhadas.
As dez faixas de British Lion transparecem um frescor que não é encontrado nos discos recentes do Maiden. Esse é um ponto extremamente positivo e digno de elogios, pois demonstra o tesão de Harris, que do topo do mundo ainda mostra uma vitalidade juvenil para desvendar novos caminhos.
O início do álbum aponta para um lado mais experimental, com Steve trilhando caminhos até então inéditos em sua carreira. “This is My God” é um hard pesadão na linha do Alice in Chains, enquanto “Lost Worlds” vai pelo lado mais moderno do gênero. A coisa esquenta com “Karma Killer”, construída a partir de um riff turbinado de wah-wah e com o baixo bem na cara. Aliás, esse é outro fator que chama a atenção em British Lion. Se você acha o volume do baixo alto nos discos do Iron Maiden, prepare-se para conhecer outra padrão no disco solo de Harris. O baixo conduz todas as canções, e em vários momentos está mais alto até que o vocal. Isso, somado ao fato de o timbre de voz de Richard Taylor não ser dos mais potentes, incomoda um pouco.
Há grandes momentos e ótimos acertos em British Lion. “Us Against the World” conta com guitarras gêmeas que, em um piscar de olhos, nos levam diretamente a Somewhere in Time, disco lançado em 1986 pelo Iron Maiden. Essa é a música mais próximo do universo do Maiden em todo o trabalho, e é impossível ouvi-la e não imaginar a canção com a voz de Bruce Dickinson. Pra falar a verdade, parece uma faixa perdida saída diretamente daquela época. No outro extremo, “The Chosen Ones” é Steve mostrando que sabe compor um hard grudento e empolgante, que não faria feio no repertório de bandas como o Bon Jovi, por exemplo.
Mas o grande momento de British Lion, ao meu ver, se dá com a estupenda “A World Without Heaven”, que ao longo de seus mais de sete minutos derrama generosas doses de melodia e inspiração. As linhas vocais são agradáveis, e as longas passagens instrumentais levam ao paraíso. Uma canção ensolarada, com um refrão muito bom. O nível segue alto com o hard cheio de classe de “Judas”, enquanto “These Are the Hands” é praticamente um pop rock temperado com um pouco mais pesado.
De maneira geral, British Lion é um bom disco. Tudo é focado no prazer em produzir música, em fazer um som. É bem diferente do Iron Maiden, e é justamente esse contraste que irá fazer com que os fanáticos seguidores da banda provavelmente não curtam muito o álbum. Steve Harris leva ao pé da letra a ideia de um disco solo e mostra uma faceta totalmente diferente e até então inédita de sua musicalidade, indo por um caminho novo e que não seria possível explorar em sua banda principal. Essa postura, essa coragem de se expor, é digna de elogios a um músico como Harris, idolatrado em todo o mundo e no qual sempre são despejadas grandes expectativas.
E aí está o único ponto negativo de British Lion. Por tratar-se de um disco solo justamente de Steve Harris, a expectativa da maioria das pessoas era, mesmo de forma inconsciente, que surgisse um trabalho revolucionário e, no mínimo excelente. British Lion não é esse disco. Trata-se de um trabalho totalmente despretencioso, despido da grandiosidade do Iron Maiden e com uma pegada mais intimista e saudosista. Essas características certamente desapontarão quem estava esperando um álbum excepcional e que mudasse o rumo das coisas.
A voz de Richard Taylor é outro ponto que merece discussão. Entendo a escolha de Steve por um cantor bem diferente de Bruce Dickinson, mas a pegada de certas composições parece não combinar com o timbre de Taylor, pedindo um vocal mais rasgado e grave. É o caso de “Karma Killer”, por exemplo. O trabalho de composição é muito bom, mas a voz de Taylor puxa algumas faixas para baixo. De maneira geral, tem-se a impressão de que, com um vocalista mais potente, o resultado final seria muito melhor e mais forte.
Mesmo assim, British Lion é um bom disco, com músicas interessantes e que, em sua maioria, agradam o ouvinte. Steve Harris mostra que tem várias cartas na manga no seu vasto vocabulário como compositor, e a banda revela-se inegavelmente competente.
Não é o Iron Maiden, até mesmo porque só existe um Iron Maiden e não faria sentido copiar a banda, soando como um clone. Mas é justamente a diferença em relação à banda principal de Harris que torna British Lion legal e faz a audição valer a pena.
A Hellion Records anunciou o lançamento para o final de outubro de dois títulos que abrangem períodos distintos da carreira do falecido vocalista Ronnie James Dio.
And Before Elf ... There Were Elves é um deleite para os colecionadores, pois traz faixas gravadas pelo The Elves, banda de Dio anterior ao Elf. O grupo era formado por Ronnie, que respondia também pelo baixo, e por Nick Pantas (guitarra), David Feinstein (guitarra, primo de Dio e mais tarde líder do The Rods), Doug Thaler (teclado) e Gary Driscoll (bateria). O Elves lançou apenas dois singles de forma oficial, então todo o material registrado pela banda era inédito até a chegada desta compilação.
O CD traz 12 músicas gravadas pelo The Elves em 1971, todas canções raras e até então de acesso restrito. Nelas, é possível identificar o poder que a voz de Dio já ostentava, e que iria alcançar o seu ápice alguns anos mais tarde no Rainbow e no Black Sabbath. And Before Elf ... There Were Elves é um item histórico, obrigatório para os fãs de Dio e para quem quer saber mais sobre os primórdios da carreira de uma das maiores vozes da história da música pesada.
Já The Very Beast of Vol 2 é a segunda parte da compilação que traz o melhor da carreira da banda Dio, fundada e liderada por Ronnie depois que ele deixou o Black Sabbath, em 1982. Estão aqui 17 faixas que cobrem a segunda parte da trajetória do Dio, sons como “Killing the Dragon”, “Push” e “Better in the Dark”, todas devidamente acompanhadas por raridades há muito tempo desejadas pelos fãs. É o caso de “Elektra”, composição que havia sido lançada somente no raro box Tournado (2010), “Prisoner of Paradise” e a emocionante “Metal Will Never Die”, uma das últimas músicas gravadas por Dio e lançada anteriormente somente no álbum Bitten by the Beast (2010), de David Feinstein - esse disco também foi disponibilizado no Brasil pela Hellion.
A coletânea conta com textos escritos pelo jornalista e amigo de longa data de Ronnie, Eddie Trunk, apresentador do programa That Metal Show, e sua capa foi criada por Marc Sasso, responsável pelas artes dos discos Killing the Dragon (2002) e Master of the Moon (2004), ambos também do Dio.
Se estivesse vivo, Sebastião Rodrigues Maia completaria 70 anos no próximo dia 28 de setembro - o músico faleceu em 15 de março de 1998, aos 55 anos. Em comemoração a essa, a gravadora norte-americana Luaka Bob anunciou o lançamento de uma compilação com faixas raras de Tim.
Intitulada The Existencial Soul of Tim Maia - Nobody Can Live Forever, o disco foi compilado por David Byrne (líder do finado Talking Heads), o dono do selo, e consumiu 10 anos de trabalho, tempo necessário para desembaraçar os complicados nós que envolvem os direitos das faixas presentes. O álbum traz quinze músicas gravadas durante 1970 e 1976. A maioria das composições abrange a cultuada fase racional de Tim, e algumas são extremamente raras.
The Existencial Soul of Tim Maia chegará às lojas em 28/09, e não há previsão de lançamento no Brasil.
Colecionadores de vinil, boa notícia: a discografia completa dos Beatles será relançada em um box com 16 LPs!
Por enquanto, essas novas edições em LP serão lançadas apenas neste box e não separadas. Resta torcer para que também sejam disponibilizadas edições avulsas.
Foram revelados mais detalhes sobre Celebration Day, novo lançamento do Led Zeppelin que remonta o lendário show de 2007, no O2 Arena. A edição padrão é dupla e traz um DVD - ou um blu-ray - acompanhado por um CD. A edição de luxo inclui vídeo bônus de ensaios e imagens de noticiários da BBC. Há também um edição com CD duplo e blu-ray em alta resolução com som HD, mas sem vídeo.
Fãs do vinil também pode comprar o LP triplo com 16 músicas em três LPs, assim como o pacote completo também pode ser baixado em lojas digitais.
Celebration Day está disponível para pré-venda a partir de hoje, e será lançado em todos os formatos em 19 de novembro. Além disso, a Omniverse Vision organizou um avant-premiere do concerto para o próximo dia 17 de outubro em 1.500 salas de cinema em 40 cidades do mundo. Bilhetes e detalhes sobre esses filmes estão disponíveis em LedZeppelin.com.
A apresentação de 2007 teve a presença dos três integrantes originais vivos e Jason Bonham ocupando o posto de seu falecido pai, John Bonham. Naquela noite a banda mostrou-se em forma, interpretando grandes sucessos como "Whole Lotta Love", "Black Dog", "Dazed and Confused", "Kashmir", "The Song Remains the Same" e "Stairway to Heaven". Foram cerca de nove milhões de pessoas disputando 18 mil ingressos sorteados online.
Será lançado dia 12 de novembro o box Amy Winehouse At the BBC. Trata-se de uma caixa com 1 CD e 3 DVDs que reunem diversos momentos da falecida cantora em programas da tradicional emissora inglesa.
A caixa traz desde as primeiras aparições de Amy na BBC, em 2003, passando por programas como o de Jools Holland e diversos outros. Há entrevistas, vídeos raros, faixas inéditas, covers e versões para as músicas presentes nos dois discos lançados pela vocalista, Frank (2003) e Back to Black (2006).
O CD tem o título de The BBC Sessions e traz quatorze faixas gravadas entre 2004 e 2006. Um dos DVDs é totalmente dedicado ao programa de Holland, também com 14 músicas e participações especiais do próprio Jools e de Paul Weller, líder do The Jam. Outro DVD traz um show completo no Porchester Hall, e o último disco conta com um documentário intitulado Arena: Amy Winehouse - The Day She Came to Dingle.
Só para atiçar a curiosidade dos fãs, o Led Zeppelin divulgou um pequeno clipe da clássica “Black Dog”, faixa de abertura do álbum Led Zeppelin IV (1971), gravada durante o show realizado no O2 Arena em 2007. A apresentação será lançada em CD, DVD e blu-ray em 19 de novembro em todo o mundo.
Assista ao pequeno trecho de “Black Dog”, onde já dá pra sacar a qualidade das imagens, do som e como será a edição do vídeo, abaixo:
A ótima banda sueca Graveyard divulgou o clipe do primeiro single de seu novo disco. “Goliath”, faixa do álbum Lights Out, ganhou um vídeo com uma estética retrô, com os caras tocando em uma espécie de programa de auditório enquanto uma pequena trama paralela se desenvolve.
Lights Out é o terceiro disco do quarteto e será lançado em 26 de outubro. Vale lembrar que o grupo colocou no mercado um dos melhores álbuns de 2011, o sensacional Hisingen Blues, e a julgar pelo primeiro single, Lights Out manterá a qualidade lá em cima.
Uma das mais cultuadas bandas do rock alternativo norte-americano, o The Replacements tem a sua história contada no documentário Color Me Obsessed. Dirigido por Gorman Bechard, o filme fez a sua estreia nos cinemas em 2011 e agora está sendo lançado em DVD.
Color Me Obsessed chegará nas lojas em 20 de novembro. O filme tem duas horas de duração e traz trechos de nada mais nada menos que 140 entrevistas com músicos (Colin Meloy, Grant Hart, Tommy Ramone e outros), jornalistas (Jim DeRogatis, Robert Christgau), atores (Tom Arnold, Dave Foley e mais) e fãs.
A versão em DVD traz como extras 19 cenas que não entraram na montagem final, bem como as entrevistas completas com Grant Hart, Robert Christgau e Jim DeRogatis, cenas de bastidores, comentários do diretor e quatro trailers.
Não há ainda informação se Color Me Obsessed será lançado no Brasil, mas seria uma boa se saísse por aqui.
British Lion, a aguardada e cercada de expectativas estreia solo de Steve Harris, baixista do Iron Maiden, teve a sua audição liberada em streaming nesta quinta-feira, 20 de setembro.
Minha opinião, baseada em apenas uma audição: é inegavelmente um bom trabalho. As composições são fortes e bastante diferentes do que o Iron Maiden vam gravando nos últimos anos. Há um frescor em British Lion, característica que agradará quem não gostou dos últimos discos do Maiden. O clima é, não sei se é bem essa a palavra, um tanto saudosista. O hard rock setentista dá o tom de todo o trabalho, e é possível ouvir claramente reminiscências de várias das bandas favoritas de Harris, como Wishbone Ash, Thin Lizzy, Scorpions, UFO e Judas Priest.
A voz de Richard Taylor fica em um meio termo entre os timbres de Glenn Hughes e Klaus Meine. É um timbre agudo, porém sem exageros. O cara sabe cantar e saca das coisas. Todas as faixas partem de riffs, característica que, infelizmente, passou a ser pouco utilizada pelo Iron Maiden nos últimos anos. As guitarras gêmeas também são constantes, o que, pessoalmente, me agradou bastante. Há melodia transbordando pelos cantos.
De modo geral, o mais correto é classificar British Lion como um disco de hard rock e não de heavy metal. Várias das composições possuem refrões grudentos e poderiam tranquilamente virar hits se bem trabalhadas, como é o caso de “Eyes of the Young”, por exemplo.
No final das dez faixas o saldo é muito positivo, e mostra uma faceta da musicalidade de Steve Harris que, surpreendentemente, ainda não havia sido explorada no Iron Maiden, que é a sua banda e onde ele é o chefão. Apesar de ter um pouco em comum com o Maiden, como as guitarras gêmeas e o baixo cheio de personalidade de Steve, British Lion não lembra, em nenhum momento, a banda principal de Harris. Essa é a primeira surpresa.
A segunda é a inegável qualidade não só da banda, mas também das composições. Um hard rock honesto, despretencioso em vários momentos, focado puramente no prazer em tocar aquilo que se gosta e não dando a mínima para alguma pretensão de sucesso comercial. Será um sucesso, mas pela qualidade do trabalho e pelo carimbo de Steve Harris na capa, e não por fazer disso a razão do trabalho.
Preciso ouvir mais vezes para emitir uma opinião mais profunda e concreta, mas gostei muito do que ouvi em British Lion. Steve Harris acertou a mão mais uma vez, para alegria de quem gosta de música!
A Rolling Stone perguntou para seus leitores qual seria o melhor disco de heavy metal de todos os tempos. A enquete rolou durante a última semana e contou com participação maciça de fãs de todo o mundo.
De modo geral, achei o resultado coerente e correto. Porém, vou fazer algumas observações. A primeira é sobre o Metallica: Master of Puppets no topo é justíssimo, mas a lista tem quatro álbuns da banda. Tiraria facilmente ... And Justice for All dali e abriria espaço para Kill ‘Em All ou outro trabalho de outro grupo. Porque? Porque, para mim, ... And Justice for All é um disco superestimado, técnico ao extremo e abaixo do que o Metallica vinha produzindo e produziu logo depois, como o ótimo Black Album. Podem jogar as pedras e preparar os xingamentos, mas é o que eu penso.
O disco do Guns N’Roses não é, estilisticamente, um álbum de heavy metal. O que temos em Appetite for Destruction é um hard rock selvagem e que moldou grande parte da sonoridade oitentista. Entendo a sua presença na lista como uma prova da popularidade da banda e da força que o trabalho ainda possui, já que trata-se de um daqueles discos que extrapolam gêneros e fazem parte da memória e do inconsciente coletivo.
Led Zeppelin II possui um dos maiores arsenais de riifs de guitarra já gravados. Trata-se de um álbum de hard rock, porém a influência do trabalho de Jimmy Page aliado ao sublime trampo de Robert Plant, John Paul Jones e John Bonham justifica a sua inclusão.
Mexeria pouco na lista da Rolling Stone. Para mim, a lista com os 10 melhores álbuns de heavy metal de todos os tempos seria assim:
O Wilco divulgou o clipe da bela “Sunloathe”, música presente em seu último disco, The Whole Love, lançado em 2011.
O vídeo traz uma bela animação apresentando personagens peculiares que remetem ao filme Onde Vivem os Monstros (2009), de Spike Jonze.
Surpresa do dia: uma nova música de Prince, ou seja lá como ele quer ser chamado hoje em dia, foi divulgada hoje. “RNR Affair” é um rhythm & blues grudento e cheio de groove, com instrumentação na medida certa e o toque de Midas pop do artista.
Não foram divulgadas maiores informações sobre a música, se ela fará parte de um possível novo álbum de Prince ou não.
Monster, o aguardado vigésimo disco de estúdio do Kiss, chegará às lojas dia 9 de outubro. O trabalho contará também com uma limitadíssima edição especial produzida pela revista inglesa Classic Rock.
O pacote contém a última edição da publicação - a número 177, com o Iron Maiden na capa -, mas em quatro versões diferentes, cada uma com uma foto de um integrante do Kiss estampando a capa. Cada uma dessas edição traz uma entrevista exclusiva com o músico que está na capa e mais quatro cards, tudo devidamente acondicionado em um luxuoso box. Ah, a edição em CD de Monster vem junto no pacote.
A estreia solo de Steve Harris, baixista e dono do Iron Maiden, é o assunto mais comentado no momento pela mídia especializada em heavy metal em todo o mundo. A Sweden Rock Magazine é mais uma publicação a estampar o músico em sua capa, e traz uma matéria que destrincha o álbum British Lion.
A revista sueca tem também matérias com Witchcraft, Muse, Danko Jones, Down, Kamelot, Dokken e Steve Vai, entre outros.
A banda australiana Tame Impala divulgou o primeiro clipe do seu novo álbum, Lonerism, com lançamento durante o mês de outubro.
A faixa “Elephant” ganhou um vídeo repleto de cores saturadas e efeitos psicodélicos, reforçando ainda mais o clima lisérgico da canção. Musicalmente, soa como uma espécie de cruzamento entre o Black Sabbath e o Pink Floyd, contagiante pra caramba!
Black Country Communion divulga nova música em meio a rumores que apontam para o fim das atividades da banda
O Black Country Communion divulgou o primeiro single de seu terceiro disco, Afterglow, que tem data de lançamento marcada para 30 de outubro. “Confessor” é um rock direto com ótima performance vocal de Glenn Hughes e um grande solo de Joe Bonamassa, apesar do riff meio genérico que permeia a canção. Jason Bonham e Derek Sherinian também fazem o dever de casa em seus intrumentos.
A música surge em torno a rumores cada vez maiores sobre o fim das atividades da banda. O motivo para isso é o descontentamento de Hughes com Bonamassa, que dá prioridade total à sua carreira solo e coloca o Black Country Communion em segundo plano. A situação chegou a um ponto tal que, apesar de Afterglow chegar às lojas em 30/10, há apenas um show marcado para promover o álbum, em 5 de janeiro, na cidade inglesa de Wolverhampton. Os meses de outubro, novembro e dezembro estão ocupados com dezenas de shows solos de Bonamassa, e há uma folga na agenda do guitarrista apenas em janeiro - a turnê de Joe retorna com tudo em fevereiro de 2013. Vale lembrar que ele acabou de lançar o ao vivo Live From New York, gravado no Beacon Theatre.
Devido à situação, não será surpresa se o Black Country Communion anunciar o encerramento de suas atividades nos próximos meses.
Boa nova para quem curte livros sobre música. A Globo Livros anunciou o lançamento no mercado brasileiro de dois novos livros sobre Jimmy Page e Neil Young.
Luz e Sombra - Conversas com Jimmy Page, de Brad Tolinski , é uma biografia baseada em diversas entrevistas do autor, editor da respeitada revista Guitar World desde 1989, com o lendário guitarrista e comandante do Led Zeppelin, realizadas nos últimos 20 anos. A obra abrange toda a carreira de Page, iniciando nos seus primeiros anos como guitarrista na Inglaterra, onde ainda como músico de estúdio trabalhou com artistas como Tom Jones, Shirley Bassey e Burt Bacharach, passa pelos anos gloriosos e recheados de excessos ao lado de Robert Plant, John Paul Jones e John Bonham, que transformaram o Led Zeppelin na maior banda de rock do mundo durante a década de 1970, e detalha toda a atividade pós-Led de Jimmy.
O livro também analisa e esmiuça as composições mais emblemáticas do Led Zeppelin, como “Stairway to Heaven”, “Kashmir” e “Whole Lotta Love”, e mergulha na paixão de Page pelo ocultismo. Há ainda a transcrição de conversas com o velho amigo Jeff Beck e com o pupilo Jack White. Construído através das palavras do próprio Jimmy Page, Luz e Sombra apresenta uma visão em primeira pessoa sem precedentes de um dos maiores músicos da história e será lançado em todo o mundo durante o mês de outubro.
Já Neil Young - A Autobiografia é a tradução de Waging Heavy Peace, livro escrito pelo músico canadense onde ele conta a sua vida. Na obra, Neil fala sobre a sua trajetória pessoal e a sua carreira, passando por bandas como Buffalo Springfield, CSNY e Crazy Horse. A obra, cujo lançamento mundial - incluindo o Brasil - acontecerá em 25 de setembro, tem sido comparada pela imprensa estrangeira às elogiadíssimas autobiografias de Bob Dylan e Keith Richards.
Bem, o que esperar deste disco? Steve Harris é um dos personagens mais emblemáticos do heavy metal. Sua banda - e vamos falar claramente, trata-se da SUA banda, que isso fique bem claro -, o Iron Maiden, vendeu mais de 85 milhões de cópias de seus 15 álbuns, e Harris deixou a sua marca em cada um deles.
Muitos destes 15 discos apresentam a repetição de uma mesma fórmula, e não há nada de errado com isso, como Steve sempre diz. Mas há um sentimento de que, talvez, este seja o trabalho da vida de Harris. Ele e o Iron Maiden criaram um som e uma imagem duradoura, e se havia algo a acrescentar nisso tudo, que fosse antes do seu aniversário de 56 anos - Steve completou 56 em 12 de março passado.
Isso faz de British Lion uma supresa, e muuio bem-vinda. O disco é em grande parte uma homenagem às influências de Harris: Deep Purple, UFO, Scorpions, The Who, Rainbow e Judas Priest. Todos esses grupos são reconhecidos em algum momento, sintetizados em um som poderoso que celebra uma época. Não seria justo chamar de simples, mas é uma música descomplicada e despretenciosa, um exercício de nostalgia produzido por alguém formado pelo tempo.
Com a confiança inabalável de Harris em seu julgamento musical, ele transmite uma certa arrogância no material de British Lion, evitando que as músicas pareçam datadas. E esse é um belo truque.
De acordo com o press release, o primeiro encontro de Steve com o vocalista Richard Taylor e com o guitarrista Graham Leslie aconteceu há muitos anos atrás, quando a dupla entregou uma fita para o baixista. E, aparentemente, Harris gostou do que ouviu. Taylor tem uma voz na linha de Glenn Hughes, e Leslie possui algo que remete a Glenn Tipton e K.K. Downing.
As três primeiras faixas de British Lion soam como um manifesto: o heavy metal pesadíssimo de “This is My God”, toques de ficção científica em “Lost Worlds” e um clima hard rock em “Karma Killer”. O processo se repete por todo o disco. “Judas” transpira Judas Priest. “The Chosen Ones” poderia ser um outtake do UFO da era Misdemeanor (1985). “The Lesson” segue a linha das baladas clássicas escritas por Ronnie James Dio e Ritchie Blackmore.
Liricamente, Harris não é tão bem sucedido. Clichês permeiam as letras e 30% das faixas tem a palavra “world” no título. Mas isso é Steve Harris e não Bob Dylan, então as expectativas devem ser moderadas.
De modo geral, British Lion é um álbum que vai além do que todo mundo estava imaginando, entregando mais do que o esperado. Belo acerto, Steve!
A nova edição da principal revista de heavy metal do mundo, a Metal Hammer, traz o vocalista Randy Blythe, do Lamb of God, em sua capa. O músico escreveu uma longa matéria sobre o que passou na República Checa recentemente, quando foi preso acusado da morte de um fã em um show do grupo.
A revista inglesa traz também matérias com Steve Harris, Down, Cancer Bats, While She Sleeps e outros grupos, e dois brindes especiais. O primeiro é uma revista bônus totalmente dedicada à primeira edição do Knotfest, o festival promovido pelo Slipknot. E o segundo é o tradicional CD, aqui intitulado Ghoul Britannia, e que conta com 15 faixas de novas bandas inglesas como Demoraliser, Monument, Hang the Bastard e Whitemare.
A Metal Hammer é encontrada com facilidade nas bancas das principais cidades brasileiras e em grandes redes de livrarias como a Saraiva e a Cultura. É possível também comprar a edição diretamente através do site da revista.
A nova edição da Metal Hammer alemã traz o Kiss na capa. A matéria fala sobre o novo disco do grupo, Monster, com data de lançamento marcada para o dia 5 de outubro. Com a provocativa chamada Gene Não É o Chefe!, retirada de uma declaração de Paul Stanley, a revista conta tudo sobre o vigésimo álbum de estúdio da banda.
Embate brabo essa semana! Perfect Strangers, do Deep Purple, e 1984, do Van Halen, lutaram até o último segundo pela primeira posição, mas o disco do Purple levou a primeira posição por pouquíssimos votos. Na sequência, destaque para os trabalhos do Whitesnake, Scorpions, Twisted Sister e Rush lançados naquele ano.
Não comento muito o resultado aqui, mas nesse caso gostaria de dizer que, na minha opinião, Perfect Strangers levou o primeiro posto muito mais pelo impacto que teve, por marcar o retorno da formação clássica do Purple, do que pela qualidade de suas músicas. Que fique bem claro: não estou dizendo que trata-se de um disco ruim, muito pelo contrário, mas 1984 é infinitamente superior, ao meu ver. O que vocês acham? Concordam com o meu ponto de vista?
Você pode não gostar dos discos mais recentes do Metallica. Você pode não simpatizar com os integrantes da banda. Você pode pensar um monte de coisas a respeito das atitudes e decisões que o grupo tomou ao longo de sua carreira. Mas numa coisa você precisa concordar: o Metallica sabe fazer um show como poucos.
Quinta-feira, 19 de setembro de 2013, o Brasil viu isso de perto mais uma vez. Uma apresentação repleta de energia, que colocou o Rock in Rio abaixo. Uma banda f*** pra caramba, liderada pelo carismático James Hetfield e com um setlist matador.
Bruce Springsteen se apresentou em São Paulo na última quarta-feira, 18 de setembro. Abrindo o show, ele e sua banda surpreenderam e deixaram o público com o queixo caído com uma versão arrebatadora de “Sociedade Alternativa”, um dos maiores clássicos de Raul Seixas.
Bruce esbanjou simpatia. E, junto com a banda, deu um banho de competência. Qualidade de quem não apenas sabe o que faz, mas, com quarenta anos de carreira nas costas, continua amando profundamente o seu ofício.
Bruce Springsteen e a The E Street Band se apresentarão amanhã, sábado, 21/09, no Rock in Rio. Podem anotar: Bruce fará não apenas o melhor show desta edição do festival, como uma das apresentações mais antológicas que o nosso país já assistiu.
O Ghost fez ontem o seu primeiro show no Brasil, durante o Rock in Rio. Com apenas cinco anos de carreira e dois ótimos discos nas costas - Opus Eponymous (2010) e Infestissumam (2013) -, a banda sueca formada pelos mascarados e encabeçada pelo vocalista Papa Emeritus dividiu opiniões no palco do festival.
Enquanto alguns esperavam um show para pular o tempo todo, o Ghost fez aquilo que quem acompanha o trabalho do grupo já sabia: um show extremamente teatral, levando o clima soturno e sombrio de seus discos para o palco. Uma espécie de missa satânica.
O público, em alguns momentos, gritou pelo Metallica, que fecharia à noite, e chegou a vaiar os suecos.
Pessoalmente, achei uma grande apresentação. Excepcional. De dar arrepios e causar medo. Na tradição de grandes mascarados e artistas com grande apelo teatral como Alice Cooper, Kiss, King Diamond e Slipknot. Mas, como com o Ghost é tudo 8 ou 80, teve gente que odiou.
Assista abaixo, na íntegra, o show do Ghost no Rock in Rio 2013 e tire as suas próprias conclusões. Eu adorei!
A Nuclear Blast revelou hoje ao mundo a primeira música do novo disco do Sepultura. “The Age of the Atheist” é a primeira prévia de The Mediator Between Head and Hands Must Be the Heart, décimo-terceiro álbum da banda brasileira e a estreia pela gravadora.
O trabalho marca a estreia do baterista Eloy Casagrande em estúdio e é o primeiro gravado nos Estados Unidos desde Against, de 1998. O disco marca o retorno da parceria com o produtor Ross Robinson, responsável pelo clássico Roots.
A Century Media, através do seu canal oficial no YouTube, lançou hoje o novo clipe do In Flames. “Sounds of a Playground Fading”, faixa-título do último álbum dos suecos, ganhou um vídeo que mostra a banda em sua atual turnê. A direção é de Patric Ullaeus.
O The Killers, uma das grandes bandas dos anos 2000, lançará a primeira compilação de sua carreira em novembro. Com quatro álbuns de estúdio e um ao vivo - Hot Fuss (2004), Sam’s Town (2006), Day & Age (2008), Live From the Royal Albert Hall (2009) e Battle Born (2012), o The Killers faz um retrospecto de sua história em Direct Hits, que chegará às lojas dia 11 de novembro.
A coletânea trará 15 faixas, sendo duas delas inéditas - “Shot At the Night” e “Just Another Girl”. A versão deluxe de Direct Hits terá ainda mais três músicas: “Be Still”, do último disco do quarteto, a versão demo de “Mr. Brightside” e um remix de 2006 para “When You Were Young”. E, para os completistas, será disponibilizada uma edição super deluxe com um documentário sobre a banda em DVD e todas as faixas reunidas em cinco LPs de 10 polegadas.
O excelente quarteto norte-americano Red Fang revelou mais uma faixa do seu novo disco, Whales and Leeches, com data da lançamento marcada para 15 de outubro pela Relapse Records.
“No Hope” é uma composição cheia de melodia e direta ao ponto. Resumindo: uma grande faixa, como você perceberá no player abaixo:
O Pearl Jam acaba de divulgar o clipe da inédita “Sirens”, faixa que faz parte de seu novo disco, Lightning Bolt. O vídeo foi dirigido por Danny Clinch, que já havia trabalhado com a banda no DVD Immagine in Cornice (2007).
“Sirens” é uma balada com letra de Eddie Vedder e música de Mike McCready. Pela tradição do quinteto, tem cara de mais uma daquelas músicas que crescem horrores quando executadas ao vivo.
Lightning Bolt é o décimo álbum do Pearl Jam e será lançado dia 14 de outubro. Ele é o sucessor de Backspacer (2009) e foi produzido por Brendan O’Brien, parceiro de longa data do grupo.
O engenheiro de gravação do Iron Maiden, Tony Newton, revelou que os shows que a banda britânica irá realizar no Brasil nos dias 20/09 (São Paulo) e 22/09 (durante o Rock in Rio) serão registrados por uma equipe profissional de filmagem.
Não há confirmação se o Maiden irá lançar esses shows comercialmente no futuro, mas arrisco dizer que isso é bem provável, afinal o grupo não iria mobilizar toda uma equipe com equipamento, mais os custos de tudo isso, para guardar como arquivo. Outra: a turnê atual traz de volta a clássica época do disco Seventh Son of a Seventh Son, que não possui um registro em vídeo definitivo ao meu ver, a não ser o Maiden England original, lançado na época.
Aliás, participe e brinque com a gente nos comentários: se o Iron Maiden realmente lançar um novo ao vivo gravado no nosso país, como deveria ser o título desse lançamento?
Para celebrar a aclamada turnê de Clockwork Angels (2012), seu mais recente e elogiado álbum de estúdio, o Rush anunciou que lançará novo trabalho ao vivo contemplando um dos shows realizados durante os 11 meses em que a banda girou o mundo divulgando o disco.
Rush: Clockwork Angels Tour foi o nome escolhido para o ao vivo, gravado em novembro de 2012 na American Airlines Arena, em Dallas, nos Estados Unidos. A data prevista para o lançamento via Anthem/Roadrunner Records é 19 de novembro e, a princípio, o arrojado registro saírá nos formatos cd, dvd e blu-ray
Como prova do sucesso de Clockwork Angels, o novo trabalho terá nada menos do que nove de suas faixas incluídas no ao vivo. Também estarão no track list músicas mais obscuras e que raramente figuraram no setlist dos canadenses. São os casos de "Middletown Dreams" e "The Body Electric". Chama a atenção ainda o fato de o baterista Neil Peart contar com simplesmente três (!) solos ao longo da apresentação.
Aqui na Collector's, Clockwork Angels foi eleito um dos melhores álbuns de hard rock/progressivo lançados nesta década. Confira também a resenha do disco.
Em uma época em que o metal progressivo havia atingido o ápice da megalomania técnica e saturação, quando bandas surgiam às torrentes, simplesmente imitando as mesmas fórmulas teatrais e praticamente enterrando o real significado do estilo, o sexteto inglês Haken surgiu como um dos poucos sopros de vida realmente notáveis dos últimos anos.
Desde a sua formação em 2007 até o lançamento de Visions, seu ambicioso último trabalho de estúdio, o jovem grupo vem sendo considerado a grande promessa do estilo na década passada, o que acabou por levá-los a excursionar ao lado de nomes como Dream Theater, Karmakanic e Shadow Gallery. The Mountain é o seu terceiro álbum de estúdio, produzido em conjunto com Jens Bogren e marcando a estreia da banda pelo selo InsideOut Music.
Com uma tranquila aura contemplativa, “The Path” definitivamente cria, com o perdão do trocadilho, o início do caminho a ser trilhado ao longo do disco, como um último momento de concentração, um fôlego ou fechar de olhos antes do início da nova jornada em “Atlas Stone”. Com menos peso do que demonstrada anteriormente, nota-se uma banda mergulhando forte no lado mais atmosférico do rock progressivo clássico, aonde as linhas de teclado de Diego Tejeida não apenas criam as bases das músicas, mas atuam em diferentes níveis sem extrapolar para o virtuosismo, em combinação perfeita com o dinâmico trabalho de voz de Ross Jennings, que já apresenta uma evolução considerável (e muitíssimo bem vinda) em relação aos álbuns anteriores.
O ritmo extremamente quebrado e as interessantes inserções de jazz saem um pouco de cena em “Cockroach King” para dar lugar a um clima mais fantasioso, quase circense, nas mudanças de andamento que soam como o meio termo entre os períodos mais megalomaníacos do Yes e do Genesis da década de setenta (com direito a um interlúdio instrumental que poderia facilmente ter saído de alguma mente insanamente wakemaniana), acompanhados de um jogo de vozes digno da fase mais operística do Queen.
Quase inesperadamente trocando de curso, “In Memoriam” dá um salto no tempo e quase se afoga ao beber da inspiração mais do que evidente no som do Porcupine Tree (em especial os trabalhos após o Lightbulb Sun), enquanto as infinitas camadas de vozes de “Because It’s There” se constroem com uma belíssima singularidade, seja na longa introdução a capella ou acompanhada do desnorteado instrumental acústico.
“Falling Back To Earth”, com seus doze minutos de duração, é claramente dividida em duas partes: a primeira, intitulada “Rise” traz um conceito extremamente esperançoso, sobre um prog metal que intencionalmente não foge muito do padrão estabelecido há anos pelo Dream Theater (dentro do estilo do Haken, claro), o que cria um contraste com o segundo trecho, “Fall”. Carregada e em um andamento ditatorialmente mecânico, acompanha o desenvolvimento da própria letra, e se estende inclusive ao longo do interlúdio “As Death Embraces”.
Apesar de criar uma estranheza inicial, “Pareidolia” traz vários elementos que fazem referência à música do Oriente Médio, soando por diversas vezes parecida com o Orphaned Land (especialmente o último – e excelente – trabalho, All Is One), além de um trecho em particular que parece ter sido extraído de um dos álbuns do Moonspell. Novamente trazendo um cuidadoso toque nos detalhes e em como as infinitas alterações de ritmo funcionam ao longo da faixa, “Pareidolia” se enquadra facilmente como um dos momentos mais ricos na discografia dos ingleses.
Não fosse o suficiente, o disco encerra com a longa balada “Someone”, que alterna entre trechos extremamente melancólicos com outros que remetem diretamente ao progressivo setentista em suas personificações mais acústicas e tranquilas, com algumas das melodias vocais mais inspiradas do álbum (e isso é realmente algo significável). Além de um grande tom épico, é como se a obra voltasse ao seu ponto de partida, fechando um ciclo ao unir-se, tanto instrumental quanto liricamente ao seu início.
A maneira como o conceito se desenvolve ao longo da escalada de The Mountain mostra um Haken engajado em definitivamente criar uma experiência imersiva em nível muito maior do que nos seus álbuns anteriores (que apresentavam boas canções, porém pecava um pouco como um todo). Mais dinâmicos e menos obcecados em soarem técnicos ou exibicionistas, as composições no novo trabalho atingem nível de maturidade diferente, focando na elaboração e no fluxo natural de uma história e na utilização de suas influências para agregar ainda mais detalhes à música, que funciona sistematicamente no decorrer do disco.
E a forma como eles trabalham estas inúmeras influências é o que torna a audição tão interessante e intrigante em cada uma das faixas, sendo possível fazer paralelo inclusive com o álbum Blood Mountain, do Mastodon, que apresenta proposta de conceito semelhante (ainda que a dos americanos seja mais violenta e linear). The Mountain não apenas representa a jornada da banda em busca de inspiração e elevação, mas também é facilmente uma das grandes obras do progressivo neste século, e coloca o Haken definitivamente como um dos maiores nomes atuais, que ao mesmo tempo venera o legado do estilo, enquanto gradativamente visa um novo caminho.
E eles não apenas vem usando esse caminho, mas deixam também a trilha limpa para novas possibilidades, quando o ciclo se reiniciar em um futuro próximo.
No dia 12 de novembro, o Obliteration lançará Black Death Horizon, seu terceiro e novo álbum de estúdio. Apesar de norueguesa - de Kolbotn, mesma cidade do Darkthrone -, a banda pratica um death metal calcado mais linha sueca do gênero.
O Daft Punk divulgou o clipe de seu novo single, a deliciosa “Lose Yourself to Dance”. O vídeo traz a banda ao lado do rapper Pharrell Williams, que faz os vocais na faixa, e também do guitarrista Nile Rodgers (Chic), que participa do excelente último disco do grupo, Random Access Memories.
A versão de “Lose Yourself to Dance” presente no clipe é ligeiramente mais curta da que está no álbum.
O primeiro disco do quarteto irlandês The Strypes está longe de ser uma obra-prima ou algo que irá mudar a história do rock. Porém, isso não o torna menos impressionante. Formado por quatro garotos com idades entre 16 e 17 anos, o grupo entrega em Snapshot um rock turbinado com doses generosas de blues, na linha do que era feito pelas bandas inglesas na primeira metade da década de 1960.
O The Strypes causou burburinho quando surgiu, em 2011, trazendo de volta uma sonoridade que parecia perdida. Mas não só isso: além de viajar no tempo, o quarteto apresentava inequívocos sinais de talento. E, após uma série de singles onde regravaram canções de outros artistas, a banda lançou no início de setembro o seu primeiro álbum autoral - nove das doze faixas são de autoria da banda, enquanto as outras três são versões para composições de Willie Dixon, Nick Lowe e Hambone Willie Newbern.
Ouvir Snapshot, guardadas as devidas proporções, é como ouvir o primeiro álbum dos Stones. Ou do The Who. Ou dos Kinks. Ou de qualquer outra banda britânica que tenha iniciado a sua carreira no início da década de 1960 e investia em um som mais sujo e malvado que os conterrâneos Beatles, jogando fartas doses de blues e rhythm & blues na jogada.
Produzido por Chris Thomas (não por acaso um cara com uma longa folha corrida, incluindo trabalhos para ícones como Beatles, Paul McCartney, Pete Townshend, Pink Floyd, Sex Pistols, Badfinger, Elton John e dezenas de outros), Snapshot conseguiu manter a característica esfumaçada dos primeiros singles dos Strypes. A sensação, ao ouvir o disco, é que estamos em um apertado clube londrino assistindo a banda.
Ross Farrely (vocais), Josh McClorey (guitarra), Pete O’Hanlon (baixo) e Evan Walsh (bateria) entregam uma performance convincente em sua estreia. Farrely não é Mick Jagger, mas nada impede que possa voar alto no futuro. McClorey tem muito bom gosto, tanto nos riffs quanto nos solos e texturas. O’Hanlon faz tudo pulsar de maneira constante e ininterrupta, enquanto Walsh soa como o filho perdido de Keith Moon. E, costurando tudo, há a gaita de boca marota de Ross dando o toque final.
Repetindo aqui uma frase dos já citados Rolling Stones: “it’s only rock and roll, but I like it”. Snapshot e o The Strypes são isso mesmo: apenas uma banda de rock and roll sem compromisso, formada por moleques que ainda ostentam espinhas na cara e estão começando a viver as suas vidas. Há ainda um longo caminho pela frente, mas, a julgar pelo primeiro passo, essa banda vai muito longe.
O Rock in Rio 2013 teve início na última sexta-feira. E, com ele, iniciaram também as reclamações de que o evento é tudo, menos um festival de rock. Mas será que é isso mesmo ou as reclamações são motivadas mais por saudosismo do que por fatos concretos?
Para responder essa pergunta, pesquisamos todas as atrações das cinco edições do festival já realizadas no Brasil - 1985, 1991, 2001, 2011 e 2013 - e colocamos os números na roda. Você vai se surpreender com o resultado ...
A primeira edição, realizada em 1985 e citada como exemplo pelos reclamões como a que mais teve rock, é, na verdade, a que menos contou, em termos percentuais, com atrações do estilo: apenas 20%. O tão amado heavy metal, então, teve performance ainda menor: apenas duas atrações, Iron Maiden e Ozzy Osbourne, se enquadravam no gênero. O que predominou naquele ano foi o pop (36), a MPB (30%), o rock (20%), o heavy metal e o jazz (ambos com 7%).
Em 1991, na segunda edição, também citada com referência por quem fala que “o Rock in Rio já foi um festival de rock, coisa que não é hoje em dia” muito por causa da histórica apresentação do Guns N’ Roses - que tocou no evento semanas antes de lançar os dois volumes de Use Your Illusion -, também não é tudo isso quando olhamos os números. O gênero que predominou em 1991 foi o pop, com 56% das atrações - aliás, o maior percentual da história do festival. Na sequência vem o rock (21%), a MPB (13%) e o heavy metal (10%).
Em 2001, ano do antológico show de retorno da formação clássica do Iron Maiden, o rock finalmente predominou no festival, com 37% das atrações, seguido do pop (35%), da MPB (16%) e do metal (12%).
Na edição de 2011 o gênero musical predominante foi novamente o pop, com 49% das atrações. Em seguida tivemos a MPB (19%), o rock (18%), o metal (12%), a world music (3%) e o jazz (2%).
E, fechando, chegamos a tão contestada edição de 2013, que novamente tem o pop como gênero dominante (37%), seguido pelo rock (23%), heavy metal (19%, maior percentual da história do festival), MPB (19%) e jazz e world music (ambos com 1%).
Abaixo, os percentuais de cada gênero em todas as edições do Rock in Rio e a lista com todas as atrações, separadas por gênero, de cada edição do evento:
Ou seja, a edição com mais rock foi a de 2001, seguida pela de 2013, enquanto que, falando de heavy metal, as contestadas duas últimas edições foram as que apresentaram o maior número de atrações. E mais: se somarmos o rock e o heavy metal, gêneros irmãos, as coisas ficam melhor ainda: 42% em 2013, 30% em 2011, 49% em 2001, 31% em 1991 e 27% em 1985 - essa última, a edição mais "rockeira", segundo os experts que povoam redes sociais e alguns sites por aí.
Celebrando os 45 anos da partida de Jimi Hendrix, uma playlist com 45 faixas de seu catálogo. Clássicos, pérolas escondidas e releituras de outros artistas para as canções do maior guitarrista que já visitou este mundo.
Novidades pra atualizar os ouvidos. Billy Gibbons liberou o clipe de “Treat Her Right”, música simpática e curtinha que estará em seu primeiro álbum solo, Perfectamundo, que tem data de lançamento marcada para 23 de outubro.
Já os suecos do Graveyard colocaram na roda “Too Much is Not Enough”, excelente balada que faz parte do tracklist de Innocence & Decadence, novo disco da banda. O play estará disponível no próximo dia 25 de setembro.
Fechando, o Temperance Movemente soltou “Three Bullets”, single de White Bear. O segundo álbum dos ingleses chegará às lojas somente em janeiro.
Love, Fear and the Time Machine mostra o Riverside dando um claro passo para frente, e é o trabalho onde o grupo mais apresentou o seu brilho até agora. A banda torna-se secundária devido à sensação causada pelas músicas. Ninguém se destaca individualmente, porém tudo está no lugar certo. O álbum é lindo, bem escrito e incrivelmente prazeroso de se ouvir.
O Riverside apresenta um elemento digno de ser explorado em seu novo disco. Sai o peso, substituído por uma identidade mais refinada e madura. No que parece ser o trabalho mais honesto da banda até agora, as faixas possuem um toque moderno e uma musicalidade delicada. Love, Fear and the Time Machine é um sólido trampolim na carreira do Riverside.
O mais intrigante sobre o Riverside é que eles nunca parecem lançar algo ruim. Toda música produzida pela banda tem qualidade. E Love, Fear and the Time Machine oferece isso. O disco é atmosférico e etéreo. Poderia defini-lo como uma espécie de Pink Floyd nas mãos de Steven Wilson. Ouça e compre já este disco - se não fizer isso, irei em pessoa prender você!
Pode não ser o disco mais emocionante da banda, mas com certeza é o mais íntimo que produziram. E há mérito nisso, pois não é nada fácil criar canções rebuscadas tecnicamente e que possam falar diretamente à alma e ao coração do ouvinte. Como se vê, o Riverside continua amadurecendo e dando aos fãs não o que é mais óbvio, e sim o que é necessário para ampliar o repertório da banda, aproveitando absurdamente bem o talento de cada integrante.
Para alguns, o afastamento do heavy metal e o retorno às raízes prog poderá ser um choque. Mas a verdadeira surpresa é que este disco não soa nada próximo do que o Riverside já gravou.
Não há nenhuma demonstração de virtuosismo instrumental pretensioso, apenas uma banda combinando toda a sua energia para entregar o melhor. O resultado é um sucesso absoluto, em um disco que deve reforçar a posição do Riverside como uma referência dentro do estilo que a banda caminha.
O Riverside se superou em seu novo disco. A banda estendeu as suas asas e produziu o seu melhor trabalho até agora. Há tanta beleza e emoção em cada faixa que é uma alegria contínua ouvir o álbum.
Se você não está muito familiarizado com o metal progressivo como gênero, este é um ótimo disco para começar a sua caminhada pelo estilo.
Em poucas palavras, o Riverside fez um trabalho incrível neste disco. Você vai levar algum tempo pra explorar todos os detalhes, e algumas canções ficarão na sua mente por semanas. Desfrute da bela forma musical criada por esta banda, especialmente se você estiver procurando um pouco de música arrepiante para se recuperar de um dia estressante.
Oitavo álbum do Nightwish, Endless Forms Most Beautiful marca o início de um novo capítulo na carreira da banda finlandesa. E esse capítulo tem nome: Floor Jansen. No grupo desde 2012, a holandesa substituiu Anette Olzon, que, por sua vez, entrou no lugar de Tarja Turunen. Aclamada e elogiada em seus trabalhos anteriores no After Forever (mais) e no ReVamp (nem tanto), Floor encara o maior desafio de sua carreira ao assumir papel de destaque no Nightwish.
Os motivos para isso são muitos. De cara, trata-se de uma banda com uma proporção muito maior que suas experiências anteriores. Quando lançou Once, em 2004, o Nightwish estourou a boca do balão e se transformou na bola da vez, extrapolando o público do metal e ganhando novos fãs em uma popularidade ascendente. Puxado pelo single “Nemo”, o disco vendeu pra caramba em todo o mundo e teve seus vídeos executados à exaustão. Quando parecia que os finlandeses iriam mudar de patamar, veio a bomba: desentendimentos levaram à saída de Tarja, e a coisa ficou em stand-by por um longo tempo.
Três anos, pra ser mais exato. Esse foi o tempo que a banda liderada pelo tecladista Tuomas Holopainen levou para montar novamente seu quebra-cabeça com a chegada de Anette e o lançamento de Dark Passion Play (2007), disco que trouxe uma sonoridade bem mais pop e não foi muito bem recebido. Mais quatro anos se passaram e o Nightwish entrou no eixo novamente com o excepcional Imaginareum (2011), um trabalho pra lá de complexo envolvendo todo um projeto audiovisual e com composições repletas de detalhes. Um disco muito acima da média, e que ocupou de imediato um lugar de destaque no catálogo da banda.
Pra então tudo mudar novamente com a saída (ou demissão, sei lá) de Anette Olzon em meio a uma turnê e a surpreendente e saudada chegada de Floor Jansen. Estreando a nova formação, o Nightwish retomou o melhor de seus dois períodos anteriores graças à imensa versatilidade de Jansen, enchendo os fãs de expectativa quanto a um possível novo disco com a holandesa nos vocais.
E ele veio, finalmente. Endless Forms Most Beautiful é tão pretencioso e megalomaníaco quanto Imaginareum, porém um pouco mas agressivo e pesado que o álbum anterior. Temático, o disco traz onze canções com letras inspiradas nos livros do biólogo britânico Richard Dawkins, conhecido pelo seu discurso evolucionista e ateu. Tuomas faz de Endless Forms Most Beautiful - título tirado de uma frase do clássico A Origem das Espécies, do naturalista Charles Darwin - um tratado sonoro em defesa da Teoria da Evolução, alcançando um resultado consistente, belo e, mais uma vez, excelente.
As canções caminham pelas diversas características do DNA sonoro do Nightwish, variando entre faixas mais pop, outras mais pesadas e também aquelas mais complexas e cheias de movimentos e dinâmicas, com estruturas e arranjos que variam do progressivo ao clássico e evoluem em canções impressionantes - o caso mais notório está na última faixa do disco, “The Greatest Show On Earth”, uma obra-prima com mais de 20 minutos de duração.
Dosando com equilíbrio os principais elementos dos dois capítulos anteriores de sua trajetória - os vocais operísticos de Tarja e o contagiante apelo pop do período com Anette -, o Nightwish deu a Floor Jansen a oportunidade de gravar o trabalho mais completo de sua carreira, onde fica claro o quão acertada foi a sua escolha para o posto. Transitando com grande naturalidade entre estes dois extremos, Floor tanto pode soar chiclete e acessível em uma canção como “Élan" quanto pode deixar todo mundo com o queixo no chão ao incorporar uma espécie de soprano para as grandes massas cabeludas, como acontece na já mencionada “The Greatest Show On Earth”. E, no meio disso tudo, ainda mostra toda a delicadeza e sutileza de sua voz em canções como a balada “Our Decades in the Sun”, por exemplo.
Mantendo os elementos étnicos e de world music que sempre estiveram presentes em seus discos, o Nightwish tem outra estreia em Endless Forms Most Beautiful: o multi-instrumentista Troy Donockley, que traz para o jogo sopros, gaitas e outros instrumentos não muito comuns ao rock, enriquecendo a musicalidade e contribuindo decisivamente para o resultado final.
Esbanjando bom gosto e criatividade, soando inventivo e sem medo de experimentar e explorando um tema que é um tabu para uma parcela de seus próprios ouvintes - a visão de Dawkins e a Teoria da Evolução -, o Nightwish prova mais uma vez que o que sempre está em primeiríssimo lugar para a banda é a sua liberdade e visão artística. E é justamente esse ar destemido, esse desejo constante de sair do comum e entregar um trabalho diferenciado, que faz do sexteto liderado por Tuomas Holopainen um ponto totalmente fora da curva quando falamos de rock e heavy metal.
Excelente em todos os níveis, Endless Forms Most Beautiful é um disco único e belíssimo, que não fica devendo nada ao que o Nightwish já gravou e, sobretudo, aponta para um futuro onde as possibilidades são excitantes e infinitas. Com ele, a banda mostra que aprendeu um dos grandes ensinamentos de Darwin: a sobrevivência dos mais fortes. E os finlandeses estão, definitivamente, nesse grupo, prontos para liderar os seus seguidores.
Como é assistir ao Queen com Adam Lambert, a relação entre a imigração o e futebol e Emicida falando sobre racismo e outros assuntos
O The Sword acertou a mão violentamente em Apocryphon, disco lançado em 2012 e que marcou a estreia do baterista Santiago Vela III. Recheado de riffs e de uma precisa amálgama entre o peso do Black Sabbath e a saudável melodia proveniente das guitarras gêmeas características do Thin Lizzy, o álbum alcançou um resultado excelente.
Pois bem. High Country, liberado no último dia 21 de agosto, é o sucessor do até agora melhor trabalho da banda. Tarefa árdua, como bem sabemos. Produzido por Adrian Quesada, traz o quarteto norte-americano com o claro objetivo de não se repetir. Ainda que mantenha a sua identidade, o The Sword vai por um caminho distinto em seu novo disco, não pegando, em nenhum momento, os atalhos construídos por Apocryphon.
Em sua maioria, as novas canções são mais curtas que as faixas do disco de 2012, mantendo o peso característico e o protagonismo das guitarras, outro elemento marcante da banda. O uso de diversos interlúdios, que às vezes se manifestam em forma de faixas experimentais e em outras em composições instrumentais, faz o disco descer em pequenos blocos pelo ouvido. Musicalmente, trata-se de um hard rock com clara influência da década de 1970, adornado por um tempero psicodélico constante. A banda sabe compor, sabe encaixar elementos, sabe construir grandes canções, e mais uma vez faz isso. Algumas faixas trazem um clima mais suave em relação aos discos anteriores, principalmente pelo uso dos já mencionados elementos provenientes da psicodelia.
O excesso de canções - 15 - faz com que o álbum acabe cansando um pouco, com composições que poderiam ter ficado de fora e poderiam aparecer como bônus em singles e afins. Mesmo assim, o resultado final é muito positivo, com destaque para pedradas como “Empty Temples”, a ótima faixa-título, “Tears Like Diamonds”, “Early Now” e “The Dreamthieves” (com um riff que mostra que os caras andaram ouvindo bastante Judas Priest durante o processo de composição), além da contemplativa sequência final, iniciada com a instrumental “Silver Petals” e fechando com a ótima “The Bees of Spring”.
Mesmo não alcançando o nível de brilhantismo de Apocryphon, o The Sword agrega mais um disco respeitável ao seu catálogo. High Country é um álbum com personalidade marcante, que talvez exija algumas audições para ser digerido, mas que possui inegável qualidade.
Um pequeno levantamento estatístico sobre a discografia do Black Sabbath. Peguei as notas dos sites Rate Your Music e All Music, e também as avaliações do The Rolling Stone Album Guide, e fiz uma média entre as três para chegar ao resultado final.
Assim, temos um raking com os 19 discos de estúdio da banda que criou o heavy metal, iniciando no melhor álbum e descendo de nível até os piores registros. Como os dados utilizados provém de três fontes distintas, isso dá uma certa isenção ao resultado. Mas, se você não concordar com ele - e nem precisa -, basta postar o seu top do Sabbath nos comentários.
Meus comentários: tenho dois discos preferidos do Black Sabbath. Com Ozzy, adoro o Sabbath Bloddy Sabbath, e a principal razão para isso é o uso ostensivo da melodia. Com Dio, acho Heaven and Hell brilhante. Abaixo destes dois, tenho os meus títulos preferidos, que são o primeiro, Paranoid, Master of Reality, Vol 4 e Mob Rules.
Além disso, adoro o Seventh Star e gostei muito do 13. A fase com Tony Martin acho totalmente dispensável, assim como Born Again, que na minha opinião é um álbum tão horrível quanto a sua capa. Sei que tem muita gente que adora o disco, mas não estou entre elas.
Ainda com Ozzy, não curto muito o Sabotage e acho que tanto o Technical Ecstasy quanto o Never Say Die! possuem bons momentos, apesar de serem trabalhos inegavelmente irregulares. E voltando para o período com Dio, devo ser uma das poucas pessoas no mundo que não vê - e ouve - nada demais no Dehumanizer.
É uma contradição, e confesso que tenho uma dificuldade enorme em entender este comportamento. Explico: em tempos como esse, onde o acesso ao trabalho de todo e qualquer artista é praticamente instantâneo através de uma simples pesquisa nas mais variadas plataforma (YouTube, Spotify, Google, redes sociais), parece que mais e mais gente se contenta em manter o ouvido focado confortavelmente nos mesmos sons de sempre.
Não é o meu caso. E sigo confessando: é muito bom ter esta atitude. 2015 está sendo um grande ano para a música, com ótimos discos nos mais variados gêneros. Basta ser um pouco curioso e inquieto para descobrir e entrar em contato com trabalhos excelentes, como os que estão listados abaixo.
São apenas 10 discos, mas poderiam ser 20, 30, 50. E serão, porque escreverei posts semelhantes a esse de tempos em tempos. Peguei uma dezena de títulos, e escrevi pequenos textos explicando o que você irá encontrar em cada um deles.
Terceiro álbum deste combo, Showdown é uma jóia funk cheia de embalo, groove e balanço. O The Mighty Mocambos tem uma sonoridade rica e contagiante, dando um passo à frente em relação aos seus dois discos anteriores - This is Gizelle Smith & The Mighty Mocambos (2009) e The Future is Here (2011). Encaixando muito bem as peças do seu quebra-cabeça sonoro, o grupo dá ao ouvinte uma usina sonora repleta de referências essenciais, do jazz ao funk setentista, da disco music ao pop. A cereja do bolo são as participações especiais de nomes como Afrika Bamabaataa, presente em três das onze faixas.
Um trupe multinacional com canções com ritmos fortes e letras idem, explorando temas políticos. O London Afrobeat Collective se posiciona claramente em aspectos como a imigração e a economia europeia, a comunidade comum e o impacto disso no dia a dia dos ingleses e de quem mais vive na capital do Reino Unido. Com dois EPs no currículo e dois álbuns, o LAC é uma hidrelétrica musical funcionando a pleno vapor. Food Chain, segundo álbum da banda, é um dos grandes e essenciais discos de 2015 até agora.
Uma das mais agradáveis novidades do ano, Leon Bridges vem de Atlanta e traz consigo toda a rica tradição de uma das capitais da música norte-americana. Coming Home, seu disco de estreia, foi lançado no final de junho e vem carregado como toda a herança do soul, em dez faixas que seguem a linha evolutiva de ícones como Otis Redding. Apesar da pouca idade, Bridges mostra grande maturidade, entregando interpretações vocais repletas de classe e feeling. Não tem como não gostar.
Tendo os irmãos Arleigh (vocal) e Jackson Kincheloe (gaita) à frente, o Sister Sparrow and the Dirty Birds (é deles a foto principal deste post) é uma banda nova-iorquina dona de evidente e explícito talento. O grupo já tem três discos no currículo, sendo que o mais recente, The Weather Below, é uma delícia deliciosa - com pleonasmo e redundância, mesmo. A praia aqui é um soul pop, o chamado blue-eyed-soul: ou seja, o tradicional gênero negro interpretado por artistas brancos e acrescido de bem-vindas pitadas de rhythm & blues. Chiclete ao extremo: é ouvir e não desgrudar mais!
Não seria um equívoco, em uma análise simplificada, definir o novo trabalho do saxofonista californiano Kamasi Washington como uma espécie de Bitches Brew de nossa época. Fazendo juz ao título, o álbum (triplo, é claro) é uma odisseia sonora que passeia pelos mais variados caminhos possibilitados pelo jazz, e encheria Miles Davis de orgulho. Um verdadeiro tratado musical, que caminha a passos largos para o posto de grande álbum de jazz do ano.
Agora reduzido a um duo, o London Souls (que é nova-iorquino e não londrino) retorna após quatro anos com o seu segundo disco. Here Come the Girls é um pouco mais suave que a estreia lançada em 2011 e brinda o ouvinte com melodias e influências que vêm direto da década de 1960. The Who e Cream, as duas principais inspirações da banda, seguem dando as cartas, resultando em um rock and roll enérgico, direto e agradável, que agrada de imediato.
O foco do hard rock mudou a sua direção e estabeleceu a sua força na Suécia. Isso é de conhecimento comum e consolidado entre todo mundo que acompanha o gênero de maneira mais próxima. Ghost, Graveyard e mais uma centena de bandas transformaram o país europeu em um paraíso pra quem curte guitarras distorcidas, riffs inspirados e canções que chegam não para serem passageiras, mas sim para acompanhar nossos dias a partir do momento que as conhecemos. O trio Kamchatka é um dos grandes nomes dessa cena sueca, e, como sempre, vem com outro disco matador. Sexto trabalho do grupo, Long Road Made of Gold equilibra doses equivalentes de hard e blues rock, e é o mais bem acabado e resolvido álbum da banda.
A veterana banda inglesa, responsável pelo belo e clássico Fisherman’s Blues (1988), lançou em em janeiro um disco que cresce a cada nova audição. Deixando as influências celtas e de música folclórica em um plano secundário, mas sem abandoná-las por completo, o The Waterboys veio com um álbum estradeiro, onde cada canção é uma pequena história, um conto apaixonante, apresentando personagens comuns e, por isso mesmo, de identificação fácil em que está do lado de cá. Boa surpresa!
Com um timbre sujo, embebido em doses generosas de fumaça e álcool, Ryan Bingham transita entre o country e o alt-country, com um pouquinho de blues aqui e acolá. Canções econômicas, levadas ao violão e com linhas vocais simples e bem construídas, que mantém viva a magia e a força do estilo que é um dos mais tradicionais dos Estados Unidos. Pra ouvir em um domingo pela manhã, despertando a cada novo acorde.
Transitando entre o blues rock e o revival do garage rock, o californiano Hanni El Khatib chega ao seu terceiro disco com Moonlight. E esta terceira dose de sua carreira é densa, sem gelo e desce redonda! As onze canções de Moonlight são todas construídas a partir da guitarra, com ritmos fortes e refrãos idem. Uma indicação perfeita pra quem anda com saudades dos primeiros álbuns do Black Keys, mais diretos e menos rebuscados que os últimos lançamentos do duo.
As origens do rock, os 15 anos de Quase Famosos e 10 filmes sobre futebol que todo homem deveria assistir
Tudo que já publicamos sobre: Beatles, BNegão e Os Seletores de Frequência, Boogarins, Cinema, Fotografia, Futebol, História do Rock, Ilustrações, Led Zeppelin, Pra Começar o Dia
Sempre escutei rock. Desde que comecei a consumir música de maneira contínua e diária, o rock sempre foi o protagonista. A trilha da minha adolescência foi formada por doses cavalares de Black Sabbath, Iron Maiden, Metallica, Led Zeppelin, Beatles e outros ícones. E seguiu nessa toada ano após ano. Apesar de sempre ter mantido o ouvido curioso - adoro pop, por exemplo -, ele ficou limitado ao universo do rock e do metal.
Mas o jazz sempre andava por ali. De tempos em tempos, tentava dar uma experimentada, uma degustada no gênero, mas a sensação era sempre indigesta. A impressão constante era a de que cada um dos músicos estava tocando uma canção diferente do outro. Que os instrumentos não combinavam. Que a coisa não batia e não funcionava.
Anos e anos tive essa sensação em relação ao jazz. Até que 2008 chegou. Estava com 34 anos e meu filho acabara de nascer. O Matias trouxe uma alegria indescritível. E, junto com ela, uma maturidade necessária e muito bem-vinda. E que, até que enfim, foi capaz de me fazer entender o jazz, traduzi-lo para os meus ouvidos.
Dois discos foram os responsáveis por essa transformação, ambos, curiosamente, lançados no mesmo ano: 1959. Falo de Time Out, do Dave Brubeck Quartet, e de Kind of Blue, de Miles Davis. Através destes dois títulos, o jazz se tornou entendível para mim. E isso se deu pela acessibilidade da dupla, já que estamos falando de dois álbuns que, mesmo possuindo as refinadas estruturas harmônicas características do jazz, fazem a tradução destes elementos de forma fácil ao ouvinte leigo.
Time Out é um álbum matemático. Suas composições evoluem em arranjos marcados que caminham de compasso em compasso, em melodias crescentes. O grande clássico do disco é a imortal “Take Five”, uma das canções mais conhecidas do estilo, e uma porta de entrada perfeita para quem nunca experimentou o gênero.
Um parágrafo destinado apenas para um adendo focado no fã de rock: ao contrário do que ouvimos nos discos do estilo que tanto amamos, onde, na grande maioria dos casos, cada instrumento é gravado de forma separada, com a mixagem unindo tudo, no jazz a coisa é feita de outra forma. Com todos os músicos reunidos no estúdio, a canção é executada uma, duas, quantas vezes se achar necessário até alcançar a perfeição, com todos tocando juntos. Tudo fica mais espontâneo e verdadeiro, ao meu ver.
Partindo de Time Out e Kind of Blue, mergulhei em diversos outros artistas e discos. Thelonious Monk virou meu parceiro, Stanley Clarke me mostrou que o baixo poderia alcançar outro nível, Herbie Hancock remexeu profundamente o meu esqueleto. Tudo isso em um processo que colocou o jazz entre os meus gêneros favoritos de música.
O que isso tem a ver com o rock? O que isso tem a ver com você que está lendo este texto e é um fã do bom e velho rock and roll, das guitarras pesadas do heavy metal e da força da música pop? Pegando como base a experiência que vivi - e continuo experimentando - com o jazz, o que posso afirmar é que o gênero quebrou barreiras e alargou as minhas percepções pessoais sobre a música. Ao caminhar por estruturas livres e sempre buscar a experimentação e a inovação, seja através de andamentos inusitados ou arranjos que almejam novas formas de decodificar a música, o jazz me levou para muito além do 4x4 tradicional do rock. Esse passo além me ajudou não apenas na atração por artistas que procuram fugir do convencional, como também foi essencial para um entendimento mais profundo e completo da obra de bandas que já eram importantes..
Meu entendimento sobre o Clash, por exemplo, mudou completamente após a inserção do jazz na minha vida. Se antes eu já adorava a banda, após fiquei ainda mais impressionado pela intensa musicalidade dos britânicos. O mesmo vale para os Beatles, que caminharam de composições simples para faixas onde o experimentalismo era onipresente, e sempre mantendo a capacidade saudável de fazer tudo soar acessível.
Sou da opinião de que, quanto mais você faz uma coisa, melhor você fica naquilo. É o caso da música. Quanto mais você ouve, mais você aprende. Quanto mais você é exposto e se deixa experimentar gêneros que fogem do seu cardápio habitual, mais elementos agrega ao seu vocabulário. E, nesse sentido, o jazz possui um valor incrível como catalisador de novas possibilidades.
Ouça jazz. Ouça rock. Ouça o que você quiser. Mas sempre com o ouvido curioso e destemido. Deixe a música revelar toda o seu esplendor. É demais sentir essa sensação, eu garanto.
A vida de Pablo Escobar possui uma infinidade de elementos que transformam a trajetória do maior traficante de drogas do século XX - e um dos maiores criminosos dos tempos modernos - em algo que beira a ficção. Não por acaso, diversos filmes e séries tem Escobar como personagem principal. Narcos, produção original da Netflix lançada no final de agosto, é o mais recente destes projetos.
Com produção de José Padilha (o diretor de Tropa de Elite e da nova versão de Robocop, e que também assina a direção dos dois primeiros episódios), Narcos traz Wagner Moura na pele de Pablo Escobar e conta com um elenco multinacional - Pedro Pascal, o Oberyn Martell de Game of Thrones, entre eles. A trama conta a formatação e ascensão da indústria da cocaína, e utiliza como fio condutor a trajetória de Escobar. Lançando mão de um artifício presente em Tropa de Elite - a locução em off -, a série ganha um clima documental através do relato do agente norte-americano Steve Murphy, integrante do DEA e parceiro do personagem vivido por Pascal na busca incessante por Escobar.
Tecnicamente, Narcos beira a perfeição. Com excelente fotografia - a cargo de Lula Carvalho - e rigorosa reconstituição de época, os dez episódio prendem o espectador de maneira precisa. Com diálogos bem escritos, a série revela, um a um, os inúmeros integrantes da teia de Escobar, personagens que apresentam uma dicotomia onipresente, colocando sempre seus interesses pessoais em primeiro plano. Falada em inglês e espanhol, Narcos mantém os idiomas de origem dos personagens, e esse é um dos seus maiores acertos.
A analogia feita ao realismo fantástico logo no primeiro capítulo revela-se como uma espécie de introdução para tudo que virá a seguir, com Pablo Escobar assumindo o protagonismo de uma trama que não fica devendo nada, em reviravoltas e fatos insólitos, à história da família Buendía contata por Gabriel García Marquez no clássico Cem Anos de Solidão. Porém, como uma diferença fundamental: a história de Pablo realmente aconteceu.
Sem tomar partido de nenhum dos lados, os episódio mostram o assombroso poderia econômico e social conquistado por Escobar, com extensão para todos os braços da sociedade colombiana. A interpretação de Wagner Moura, que entrega um Pablo sereno e calmo na grande maioria das cenas, deixa ainda mais perturbadora a imagem do patrão da cocaína.
Com personagens ricos e interpretações de alto nível da maioria do casting, Narcos alcança um resultado final muito bom, atestando a alta e já conhecida qualidade das produções da Netflix. Só fica uma dúvida: com a história chegando praticamente ao fim na primeira temporada, a já anunciada segunda temporada dá todas as dicas de que irá muito além de Pablo Escobar, englobando também outros criminosos, principalmente os integrantes do Cartel de Cali. Se isso realmente acontecer, será mais um acerto.
Cinco anos após The Final Frontier, o Iron Maiden está de volta com o seu décimo-sexto disco. The Book of Souls é o primeiro álbum duplo de estúdio da banda, e também o registro mais longo da carreira dos ingleses. O trabalho traz onze faixas e foi produzido por Kevin Shirley, o responsável pelos últimos lançamentos do grupo.
The Book of Souls é um álbum ousado e totalmente fora da curva do que se esperaria do Iron Maiden, principalmente a essa altura da carreira do sexteto, que está na estrada há quarenta anos - a banda foi formada pelo baixista Steve Harris em 1975. Fora da curva porque traz uma sonoridade renovada e surpreendente, acentuando uma característica que estava cada vez mais evidente nos últimos discos: o mergulho no rock progressivo. Em The Book of Souls o Maiden se joga sem medo no prog, e é justamente esse fator que torna o trabalho tão impressionante.
Por mais estranha que essa afirmação possa parecer, a sensação é que estamos diante do primeiro trabalho “adulto" da banda. As melodias fáceis, as soluções simples, as canções mais diretas, praticamente não existem. Mas não se assuste, pois isso não significa que estamos diante de uma complexidade impenetrável, muito pelo contrário. A banda bebe com classe no progressivo e traz para a ordem do dia canções que se desenvolvem em arranjos repletos de camadas, mudanças de andamento constantes e um onipresente requinte instrumental. E aí entra aquela que provavelmente é a jogada de mestre de The Book of Souls: tudo isso foi gravado ao vivo no estúdio, praticamente sem overdubs. O resultado é uma espontaneidade absolutamente refrescante.
Os mais apressados poderão tomar um susto ao verificar a duração das faixas - as mais curtas ficam nos cinco minutos, enquanto três ultrapassam a barreira dos dez. Mas, quando algo é bom e bem feito, não soa maçante e desnecessário, e isso se verifica de maneira clara em The Book of Souls.
Os recentes projetos pessoais de Steve Harris e Adrian Smith - British Lion e Primal Rock Rebellion, respectivamente - fizeram bem à banda, oxigenando a sonoridade e renovando a musicalidade do grupo. Há uma divisão muito mais democrática na composição das faixas, com todos colaborando - a exceção de sempre é Nicko McBrain. E aqui um detalhe merece menção: The Book of Souls é o primeiro álbum da carreira do Maiden em que Steve não domina esse quesito - no novo disco, Bruce Dickinson é o maestro e está praticamente em pé de igualdade com Harris.
Salta aos ouvidos a inegável qualidade das novas canções. Das onze faixas, praticamente todas se destacam - a única exceção é justamente o primeiro single, a mediana “Speed of Light”. Da abertura classuda com “If Eternity Should Fail” ao brilhantismo de “The Red and the Black”, do ar épico da faixa-título ao clima meio hard de “Tears of the Clown” (música que homenageia o falecido ator Robin Williams e poderia muito bem estar em The Chemical Wedding, melhor álbum solo de Bruce), o que se vê é um desfile de ótimas composições como há muito tempo o Iron Maiden não entregava aos seus fãs.
O clímax está na canção que encerra o trabalho, “Empire of the Clouds”. Com mais de 18 minutos e composta somente por Dickinson, assemelha-se a uma sinfonia que se desenvolve em movimentos intercalados, culminando em uma longa passagem instrumental que tem o trio de guitarras como protagonista. De cair o queixo, literalmente!
Todos os músicos mantém o alto grau de performance característico, mas três se destacam. Bruce canta com enorme feeling, e a notícia de que o vocalista foi diagnosticado com câncer na língua após a gravação só torna ainda mais impressionante o seu trabalho. Steve Harris é o coração do Iron Maiden, e segue fazendo-o pulsar com o talento de sempre. E, por fim, Adrian Smith brilha de maneira absoluta comandando o trio de guitarras, reafirmando o seu papel como um dos maiores instrumentistas da história do heavy metal.
The Book of Souls é um disco impressionante. Um álbum totalmente fora das expectativas daquilo que o Iron Maiden lançaria a esta altura da sua carreira. O disco supera toda e qualquer prognóstico a seu respeito, e deixa a certeza do quão único é o sexteto liderado por Bruce e Steve. Sem dúvida, o melhor álbum do grupo desde o retorno de Dickinson e Smith.