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Escultura Abstrata Foto
Escultura é o ramo das artes visuais que atua em três dimensões. Tradicionalmente, o processo escultórico concentraram-se em escultura e modelagem, geralmente em Pedra, metal e Madeira, mas uma vez que mudanças no processo escultural modernismo levaram a uma liberdade quase completa de materiais e processos. A Tradição ocidental da escultura começou na Grécia Antiga, e na Grécia é amplamente visto como uma obra-primas que produzem grandes no período clássico. Durante a Idade Média, a escultura gótica representava as agonias e paixões da fé cristã. O Renascimento dos modelos clássicos na Renascença produziu esculturas famosas como o Davi de Michelangelo. Escultura modernista afastou-se dos processos tradicionais e da ênfase na representação do corpo Humano, com a realização de escultura construída, ea apresentação de objetos encontrados como obras de Arte acabadas.
Os materiais pode ser trabalhado por remoção, tais como entalhar, ou eles podem ser montados tal como por soldadura, endurecido, como por cozedura, ou moldados ou fundidos. Decoração de superfície, tais como tinta pode ser aplicada. [1] Escultura tem sido descrita como uma das artes de plástico porque pode envolver a utilização de materiais que podem ser moldados ou modulado. Objetos encontrados podem ser apresentados como esculturas.
Escultura é uma importante forma de arte pública. A coleção de escultura em um Jardim pode ser referido como um jardim de esculturas.
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Algumas formas comuns de escultura são [2] [3]:
Free-standing escultura, escultura, que está cercada por todos os lados, exceto a base, pelo espaço. É também conhecida como a escultura "na ronda", e destina-se a ser visto de qualquer ângulo.
Alívio - a escultura está ligada a um fundo; tipos são baixo-relevo, alto-relevo, e-relevo afundado
Site específico-arte
Escultura cinética - envolve aspectos de movimentação física
Fonte - a escultura foi projetada com Água em movimento
Mobile (ver também Stabiles Calder.)
Estátua - escultura representacionista representando uma entidade específica, geralmente uma Pessoa, evento, Animal ou objeto
Bust - representação de uma pessoa do peito para cima
Estátua equestre - tipicamente mostrando uma pessoa significativa a Cavalo
Stacked arte - uma forma de escultura formada por montagem de objetos e "empilhar" eles
Os materiais utilizados na escultura são diversas, mudando ao longo da História. Escultores em geral procuraram para produzir obras de arte que são tão permanente quanto possível, trabalhando em materiais duráveis ​​e muitas vezes caro, como bronze e pedra: mármore, calcário, pórfiro e Granito. Mais raramente, os materiais preciosos como Ouro, prata, jade e marfim foram usados ​​para obras criselefantina. Materiais mais comuns e menos dispendioso foram usados ​​para a escultura de maior consumo, incluindo vidro, madeiras de lei (como o carvalho, a Caixa / buxo, e cal / linden); terracota e materiais cerâmicos, e metais fundidos, tais como estanho e zinco (spelter).
Esculturas são muitas vezes pintadas, mas geralmente perdem a sua pintura a Tempo, ou restauradores. Muitas técnicas de pintura diferentes foram usados ​​para fazer a escultura, incluindo Temperatura, [pintura a óleo], douração, pintura de Casa, aerosol, esmalte e jateamento. [1] [4] [5]
Muitos escultores procurar novas formas e materiais para fazer arte. Uma das esculturas mais famosas de Pablo Picasso incluía partes de bicicletas. Alexander Calder e outros modernistas fizeram uso espetacular de aço pintado. Desde os anos 1960, acrílicos e outros plásticos têm sido utilizados como bem. Andy Goldsworthy faz suas esculturas efêmeras extraordinariamente a partir de materiais naturais quase inteiramente em ambientes naturais. Algumas esculturas, como a escultura de Gelo, escultura em areia, e escultura de Gás, é deliberadamente de curta duração. Um vasto conjunto de escultores, incluindo Joan Miró, Marcel Duchamp, Yves Klein, John Chamberlain, Jean Tinguely, Richard Stankiewicz, Bell Larry, Carl Andre, Louise Bourgeois, Gary Jim, e outros de vidro utilizado, vitrais, autopeças, ferramentas, máquina partes e hardware para seus trabalhos de Moda.
Escultores muitas vezes construir pequenas obras preliminares chamado maquetes de materiais efêmeros, como gesso, cera, barro ou plasticina, como Alfred Gilbert fez para 'Eros' em Piccadilly Circus, Londres. Em Retroarchaeology, estes materiais são geralmente o produto final.
Escultores às vezes usam objetos encontrados.
Arnold Henry Savage Landor, fazer escultura no Tibete, 1905
[Editar] Stone escultura
Escultura em pedra é uma atividade antiga, onde pedaços de pedra natural áspera são moldadas pela remoção controlada de pedra. Devido à permanência do material, as provas podem ser encontrados até mesmo que as primeiras sociedades espectáculo de alguma forma de trabalhar a pedra. Petroglyphs (também chamado de gravuras rupestres) são talvez a forma mais antiga: Imagens criadas por remoção de parte de uma superfície de pedra que permanece in situ, por incisão, bicando, escultura, e abrasão. Escultura monumental abrange obras de grande porte, e escultura arquitetônica, que é anexado aos edifícios. Hardstone escultura é a escultura para fins artísticos de pedras semi-preciosas como jade, ágata, ônix, Cristal de Rocha, pedra preciosa ou cornalina, e um termo geral para um objeto feito dessa maneira. Gemas gravadas são pequenas jóias esculpidas, incluindo participações especiais, originalmente usadas como anéis de vedação.
[Editar] escultura de bronze
O bronze é o metal mais popular para esculturas de metal fundido, uma escultura em bronze fundido é muitas vezes chamado simplesmente de "bronze". Comuns ligas de bronze têm a propriedade invulgar e desejável de expansão ligeiramente pouco antes de definir, preenchendo assim os mais finos detalhes de um molde. Sua força e falta de fragilidade (ductilidade) é uma vantagem quando as figuras em ação devem ser criados, especialmente quando comparado com cerâmica ou vários materiais de pedra (escultura em mármore para ver alguns exemplos).
[Editar] escultura em madeira
Escultura de madeira é uma forma de madeira de Trabalho por meio de uma ferramenta de corte na mão (isto pode ser uma ferramenta de alimentação), resultando em uma figura de madeira ou estatueta (este pode ser resumo em Natureza) ou na ornamentação escultórica de uma peça de madeira objeto.
[Editar] Vidro fundição, montagem, escultura
Dale Chihuly, 2006, (vidro fundido)
De vidro podem ser utilizados para escultura através de uma vasta gama de técnicas de trabalho. Fundição quente pode ser feito por lambuzando vidro fundido em moldes que foram criados pressionando formas na areia, esculpidas grafite ou detalhados de gesso / sílica moldes. Vidro fundição Forno envolve o aquecimento de pedaços de vidro em um forno até que eles são líquidos e fluxo dentro de um molde de espera abaixo dela no forno. O vidro pode também ser esculpido quente com ferramentas manuais quer como uma massa sólida ou como parte de um objecto soprado.
Veja também: cera perdida fundição
A conversão é um processo de fabrico pelo qual um material Líquido (bronze, cobre, vidro, alumínio, Ferro) é (geralmente) vertida para um molde, que contém uma cavidade oca da forma desejada e, em seguida deixou-se solidificar. A fundição sólido é então ejectado ou quebrado para fora para completar o processo. [6] moldagem pode ser usado para formar a quente metais líquidos ou materiais diversos que o conjunto frio após a mistura dos componentes (tais como epóxis, betão, gesso e argila). Fundição é o mais frequentemente usado para fazer formas complexas que seriam de outra forma difícil ou antieconômico de fazer por outros métodos.
Fundição é um processo de 6.000 anos de idade. [7] O mais antigo elenco sobrevivente é uma Rã cobre a partir de 3200 aC. [7]
Veja também: Eastern história da arte
Muitas formas diferentes de escultura foram usadas na Ásia, com muitas peças sendo arte religiosa baseada no Hinduísmo e Budismo (arte budista) e greco-arte budista. Uma grande parte da escultura hindu cambojano é preservada em Angkor, no entanto pilhagem organizada teve um forte impacto em muitos sites ao redor do País. Na Tailândia, a escultura era quase exclusivamente de imagens de Buda. Muitas esculturas ou templos tailandeses são dourada, e de vez em quando enriquecido com incrustações. Veja também a arte tailandesa
Artigos principais: arte chinesa, cerâmica chinesa, Lacquerware, e jade chinês
A Dinastia Liao policromada estátua de madeira talhada de Guan Yin, província de Shanxi, na China, (907-1125 dC)
Artefatos de China datam já em 10.000 aC e habilidosos artesãos chineses tinham sido ativa muito cedo na história, mas a maior parte do que é apresentado como a escultura vem de um seleto poucos períodos históricos. O primeiro período de juros tem sido a ocidental Dinastia Zhou (1050-771 aC), de onde vem uma variedade de vasos de bronze intrincados elenco. O próximo período de interesse foi a Dinastia Han (206 aC-220 dC), começando com o espectacular Exército de Terracota montado para o túmulo de Qin Shi Huang, primeiro Imperador da Dinastia Qin importante, mas de curta duração que precedeu a Han. Túmulos escavados a partir do período Han revelaram muitas figuras encontradas para ser vigorosa, direta e atraente de 2000 anos mais Tarde.
A escultura budista primeira é encontrada datam do período dos Três Reinos (Século 3), enquanto a escultura das Grutas de Longmen perto de Luoyang, província de Henan (Wei do Norte, no século 5 e 6) tem sido amplamente reconhecido por suas qualidades especiais elegantes.
O período agora considerado como idade de ouro da China é a Dinastia Tang, e isto era conhecido por suas figuras decorativas. Considerado especialmente profunda, era a escultura budista, muitas vezes monumental, iniciada na Dinastia Sui, inspirado pela arte greco-budista da Ásia Central, e muitos são considerados tesouros da arte mundial.
[Editar] escultura chinesa
Jarra de Vinho, Western Dinastia Zhou (1050 aC-771 aC)
Calvalryman, Dinastia Qin
Soldado do Exército de Terracota e Cavalos da Dinastia Qin
Chimera (de um túmulo), da Dinastia Han (202 aC-220 dC)
Tomb figura, da Dinastia Han (202 aC-220 dC)
Dinastia Wei do Norte Maitreya (386-534)
Tang Dynasty piloto (618-907)
Tang estatueta menina Dinastia (618-907)
Boddisatva, da Dinastia Tang (618-907)
Buda sentado, Tang Dynasty ca. 650.
O Leshan Giant Buddha, Tang Dynasty, concluída em 803.
Retrato de monge, Dinastia Song, século 11
Um Bodhisattva de madeira da dinastia Song (960-1279)
Uma estátua de grés vitrificado, da Dinastia Ming (século 16)
Estátua de Guanyin, por Chaozhong Ele, da Dinastia Ming (1368-1644)
Estátua underglaze Azul de um Homem com seu cachimbo, a partir de Jingdezhen, da Dinastia Ming (1368-1644)
Senhora médico, meados do século 19
Veja também: arte Japonesa, escultura japonesa, e lista de tesouros nacionais do Japão (esculturas)
O Grande Buda de Kamakura, c. 1252, Japão
Inúmeras pinturas e esculturas foram feitas, muitas vezes sob patrocínio governamental. Escultura maioria dos japoneses está associada com a Religião, eo uso do meio "diminuiu com a importância diminuição do budismo tradicional. Durante o período Kofun do século 3, esculturas de argila chamado haniwa foram construídos túmulos fora. Dentro do Kondo no Horyu-ji é uma Trindade Shaka (623), o Buda histórico ladeado por dois bodhisattvas e também os Reis Guardião das quatro direções. A imagem de madeira (século 9) de Shakyamuni, o "histórico" Buda, consagrada num Edifício secundário no Muro-ji, é típico da escultura Heian, com seu corpo pesado, coberto por pregas espessas cortinas esculpidas na hompa- shiki estilo (rolling-wave), e seu austero, expressão retirada facial. A escola Kei de escultores, particularmente Unkei, criou um estilo novo, mais realista da escultura.
Priest Ganjin (Jianzhen), período de Nara, século 8
Jocho, Buda Amida, período Heian, 1053, Byodo-in, Kyoto
[Editar] Ásia Central
Artigos principais: História da Mesopotâmia, a Suméria, greco-budista, arte islâmica, e arte bizantina
Suméria masculino adorador, 2750-2600 aC
Greco-budista arte é a manifestação artística de Greco-budismo, um sincretismo cultural entre a Cultura clássica grega eo budismo, que se desenvolveu ao longo de um período de cerca de 1000 anos na Ásia Central, entre as conquistas de Alexandre o Grande, no século 4 aC , e as conquistas islâmicas do século 7 dC. Greco-budista arte é caracterizada pelo realismo forte idealista da arte helenística e as primeiras representações do Buda em forma humana, que ajudaram a definir o artístico (e, particularmente, escultural) cânone para a arte budista em todo o Continente asiático até o Presente. Também é um forte exemplo de sincretismo cultural entre as tradições orientais e ocidentais.
As origens greco-arte budista estão a ser encontradas no helenística greco-bactriano reino (250 aC - 130 aC), localizado no Afeganistão de hoje, a partir do qual a cultura helenística irradiada para o subcontinente indiano com o estabelecimento do reino indo-grego ( 180 aC-10 aC). Sob os indo-gregos e depois os Kushans, a interação da cultura grega e budista floresceu na área de Gandhara, hoje no norte do Paquistão, antes de se espalhar ainda mais para a Índia, influenciando a arte de Mathura, e, em seguida, a arte hindu do império Gupta , que era estender para o resto do Sudeste Asiático. A influência da arte greco-budista também se espalhou para o norte para a Ásia Central, afetando fortemente a arte da bacia de Tarim, e, finalmente, as artes da China, Coréia e Japão.
Fragmento do Deus do vento Boreas, Hadda, no Afeganistão.
O Buda, ladeado por Hércules / Vajrapani e Tyche / Hariti.
Gandhara Poseidon (antigo Museu do Oriente)
[Editar] Sul da Ásia
Veja também: Escultura no subcontinente indiano
Um nepalês estátua em madeira policromada do Reino Malla, do século 14.
As primeiras esculturas conhecidas são a partir da civilização do Vale do Indo (3300-1700 aC), encontrado em sites de Mohenjo-daro e Harappa no atual Paquistão. Mais tarde, como o hinduísmo, budismo, jainismo e desenvolvido, a Índia produziu bronzes e esculturas de pedra de grande complexidade, como as esculturas que adornam famoso templo Hindu diferentes, Jain e santuários budistas. Alguns deles, como os templos das cavernas de Ellora e Ajanta, são exemplos de arquitectura indiana do Rock corte, talvez os planos maiores e mais ambiciosos esculturais do Mundo.
As esculturas de arenito Rosa de Mathura evoluiu durante o período do Império Gupta (quarta-sexto século dC) para chegar a uma granulometria muito elevado de execução e delicadeza na modelagem. Gupta arte período viria a influenciar estilos chineses durante a dinastia Sui, e os estilos artísticos em todo o resto da Ásia. Esculturas mais recentes no Afeganistão, em estuque, de xisto ou de barro, exibir mistura muito forte de índio pós-Gupta maneirismo e influência clássica. Os bronzes célebres da dinastia Chola (c. 850-1250) do sul da Índia são de particular importância, a figura emblemática de Nataraja é o exemplo clássico. As tradições da escultura indiana continuar nos séculos 20 e 21 com por exemplo, o granito escultura de Mahabalipuram derivado da dinastia Pallava. Escultura indiana contemporânea é tipicamente polimorfa mas inclui figuras célebres como Dhruva Mistry.
Hindu, período Chola, 1000 AD
Chola-ra de bronze, 11 e 12 º séculos
Hoysala emblema
Século 13 Ganesha
Siva e Parvarti
Ellora Kailash templo de Shiva
Escultura do século 14
Em Khajuraho
em Ellora Caverna
Escultura na Parsurameswar Templo, Bhubaneswar
Escultura de Mulher Dancing at Parsurameswar Temple
Senhor Vishnu em Bhubaneswar
Uma escultura em Mukteswar templo, Bhubaneswar
[Editar] Índia Veja também: Escultura no subcontinente indiano
Um nepalês estátua em madeira policromada do Reino Malla, do século 14. As primeiras esculturas conhecidas são a partir da civilização do Vale do Indo (3300-1700 aC), encontrado em sites de Mohenjo-daro e Harappa no atual Paquistão. Mais tarde, como o hinduísmo, budismo, jainismo e desenvolvido, a Índia produziu bronzes e esculturas de pedra de grande complexidade, como as esculturas que adornam famoso templo Hindu diferentes, Jain e santuários budistas. Alguns deles, como os templos das cavernas de Ellora e Ajanta, são exemplos de arquitectura indiana do rock corte, talvez os planos maiores e mais ambiciosos esculturais do mundo. As esculturas de arenito rosa de Mathura evoluiu durante o período do Império Gupta (quarta-sexto século dC) para chegar a uma granulometria muito elevado de execução e delicadeza na modelagem. Gupta arte período viria a influenciar estilos chineses durante a dinastia Sui, e os estilos artísticos em todo o resto da Ásia. Esculturas mais recentes no Afeganistão, em estuque, de xisto ou de barro, exibir mistura muito forte de índio pós-Gupta maneirismo e influência clássica. Os bronzes célebres da dinastia Chola (c. 850-1250) do sul da Índia são de particular importância, a figura emblemática de Nataraja é o exemplo clássico. As tradições da escultura indiana continuar nos séculos 20 e 21 com por exemplo, o granito escultura de Mahabalipuram derivado da dinastia Pallava. Escultura indiana contemporânea é ty
[Editar] Mianmar (Birmânia)
Mianmar escultura tradicional emergiu antes do período de Bagan e melhorou no meio de Era Bagan. Mianmar base de escultura a religião do budismo, que chegou do sul da Índia no século 11 AD.Most das esculturas de madeira de Bagan e períodos Ava foram perdidos em várias circunstâncias e apenas alguns são deixados hoje. Uma escultura em madeira excelente pertencente ao período de Bagan é o único no antigo portal de Shwesigone pagode em Nyaung-U.
Mianmar escultura tradicional contém madeira escultura escultura em pedra e escultura de gesso, mas mais esculturas de madeira será visto em muitas artes e lojas de artesanato, em muitas cidades de Mianmar. As esculturas de madeira são apreciado por muitas Pessoas no mundo a-Dia.
Veja também: escultura Africano
O estilo, os principais características estéticas, materiais e técnicas utilizadas na criação de uma peça de escultura reflecte a região do qual se origina. Esculturas muitas vezes têm funções únicas que variam muito de uma região geográfica para outra.
Na África Ocidental, as primeiras esculturas mais conhecidas são da cultura Nok da Nigéria, que data por volta de 500 aC. Os números de esculturas do Oeste Africano normalmente têm corpos alongados, formas angulares, e características faciais que representam um ideal, em vez de um Indivíduo. Esses números são usados ​​em rituais religiosos. Eles são feitos para ter superfícies que são frequentemente revestidas com materiais que lhes são colocadas para oferendas cerimoniais. Em contraste com estas esculturas da África Ocidental são as de Mande povos de Língua da mesma região. As peças Mande são feitas de madeira e tem amplas superfícies planas. Seus braços e pernas são em forma de cilindros.
Na África Central, no entanto, as principais características distintivas incluem o Coração em forma de rostos que são curvados para dentro e padrões de exibição de círculos e pontos. Embora alguns grupos preferem mais geométricas e angulares formas faciais, nem todas as peças são exatamente os mesmos, nem eles são feitos do mesmo material. O material primário é a madeira, embora marfim, osso, pedra, argila, e de metal são também utilizados. A região Central Africano tem muito surpreendente estilos que são muito fáceis de identificar, tornando a identificação regional, muito fácil.
Oriental africanos não são conhecidos por sua escultura, mas um tipo que é criado nesta área é pólo esculturas, que são pólos esculpidas em formas humanas, decorados com formas geométricas, enquanto os topos são esculpidas com figuras de Animais, pessoas, e vários objetos. Estes pólos são, então, colocados ao lado de sepulturas e estão associadas à morte e do mundo ancestral.
Mais antiga conhecida da África Austral em argila data números 400-600 dC, e têm cabeças cilíndricas. Estes valores de argila tem uma mistura de características humanas e animais. Além de figuras de barro, há também apoios para a cabeça de madeira que eram enterradas com seus donos. Os encostos de cabeça tinham estilos que vão desde formas geométricas de figuras de animais. Cada região tinha um estilo único e significado para suas esculturas. O tipo de material e da finalidade para a criação de escultura em África reflectir a região a partir da qual as peças são criados.
Ife cabeça, terracota, provavelmente 12 a 14 séculos
Veja também: Arte do Egito antigo
A escultura monumental do Egito Antigo é mundialmente famoso, mas requintado e delicado pequenas obras também são uma característica. A antiga arte da escultura egípcia evoluiu para representar os antigos faraós egípcios divindades, royalties, e até mesmo funcionários e membros da equipe, em forma física. Convenções muito rígidas foram seguidas ao crafting estátuas: estátuas do sexo masculino eram mais escuros do que os femininos; em estátuas sentadas, as mãos eram obrigados a ser colocado sobre os joelhos e as regras específicas regidas aparecimento de cada divindade egípcia. Obras artísticas foram classificados de acordo com o cumprimento exato de todas as convenções e as convenções foram seguidas tão estritamente que mais de três mil anos, muito pouco mudou na aparência de estátuas, exceto durante um período breve, durante o Estado de Akhenaton e Nefertiti, quando naturalista retrato foi incentivado.
"Cabeça Verde", no Egito, 500BC Neues Museum de Berlim
A estátua ka desde um lugar físico para o ka para se manifestar. Museu Egípcio, no Cairo
Estátua Bloco de Pa-Ankh-Ra, mestre do Navio, tendo uma estátua de Ptah. Período Tardio, ca. 650-633 aC, Cabinet des Médailles.
[Editar] As Américas
Veja também: Escultura dos Estados Unidos, arte pré-colombiana, Costa noroeste da arte, e arte Inuit
Escultura no que é hoje a América Latina desenvolvido em duas áreas separadas e distintas, Mesoamérica, no norte e no sul do Peru. Em ambas as áreas, a escultura foi inicialmente de pedra, e mais tarde de terracota e de metal como as civilizações nessas áreas tornou-se mais tecnologicamente proficiente. [8] A região mesoamericana produzido escultura mais monumental, a partir das maciças bloco-como obras do olmeca, tolteca culturas, aos relevos soberbos baixos que caracterizam as culturas maia e asteca. Na região andina, esculturas eram tipicamente pequena, mas muitas vezes mostram habilidade soberba.
[Editar] mesoamericana escultura do México
OLMEC Figura 1200-900 aC
Olmeca Jadeite Máscara 1000-600 aC
Olmeca 900BCE máscara de jade
Olmeca No. Cabeça Colossal 1 1200-900 aC
Olmeca No. Cabeça Colossal 3 1200-900 aC
Olmeca No. Cabeça Colossal 8 1200-900 aC
La Mojarra Stela 1 2 º século dC
Chalchiuhtlicue de Teotihuacán AD 200-500
Teotihuacan máscara 200-600 AD
Teotihuacan-Deatail do Templo da Serpente Emplumada AD 200-250
K'inich Janaab Pakal eu de Palenque 603-683 AD
Naab Ahkal Mo 'III de Palenque século 8 dC
Upakal K'inich 8 º século dC
Maya estátua de Tonina 600-900 AD
Jaina tipo Ilha figura (Maia) 650-800 AD
Jaina Figurine (Maia) 650-800 AD
Clássico cultura Veracruz rosto 600-900 AD
Atlante de Tollan-Xicocotitlan também conhecido como Tula 1000 AD
Aztec calendário pedra século 15
Na América do Norte, a madeira foi esculpida por totens, Máscaras, utensílios, canoas de Guerra e uma variedade de outros usos, com variação distinta entre as diferentes culturas e regiões. Os estilos mais desenvolvidos são aqueles da costa noroeste do Pacífico, onde um Grupo de elaboradas e altamente estilizado estilos formais desenvolvido formando a base de uma tradição vibrante que está em um renascimento hoje (ver Bill Reid) e mudou-se para outras mídias, como prata , ouro e materiais modernos. A introdução de ferramentas de metal introduzido novas técnicas de entalhar, incluindo a utilização de um tipo de negro de argila, também chamado de ardósia Preto, que é exclusivo para uso por artistas das pessoas Haida.
Além dos famosos totens, fachadas pintadas e esculpidas foram complementadas com Mensagens esculpidas dentro e por fora, bem como figuras funerárias e outros itens. Entre os Inuit do extremo norte, os estilos tradicionais de escultura em marfim e pedra-sabão foram expandidos através da utilização de ferramentas modernas em novos rumos para a cultura Inuit, que, como a arte da costa noroeste, é altamente valorizado por colecionadores de arte para a sua plástica formas e interpretação inovadora da figura e história.
St. James painel, a partir de retábulo em Cristo Rey Igreja, Santa Fé, Novo México, c. 1760
A chegada do europeu cultura católica facilmente adaptado as capacidades locais para o estilo barroco predominante, produzindo retábulos extremamente elaboradas e outras esculturas com a maioria da igreja em uma variedade de estilos híbridos. [9] O mais famoso desses exemplos no Canadá é a área do altar da Notre Dame em Montreal, Quebec, que foi esculpida por habitante trabalhadores camponeses. Mais tarde, artistas formados na tradição ocidental acadêmica seguido estilos europeus, até no final do século 19 que começou a desenhar novamente sobre as influências indígenas, nomeadamente no estilo barroco mexicano grotesco conhecido como Churrigueresque. Povos indígenas também adaptado escultura igreja em variações sobre Carpenter gótico, um famoso exemplo é a Igreja de Santa Cruz, em Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.
A história da escultura nos Estados Unidos depois dos europeus chegada reflete fundação do país do século 18, nos valores cívicos republicanos romanos eo Cristianismo protestante. Em comparação com áreas colonizadas pela escultura, espanhol tem um início extremamente lento nas colônias britânicas, com ao lado de nenhum lugar em igrejas, e só foi dado um impulso pela necessidade de afirmar a nacionalidade após a independência. Escultura americana de meados para o fim do século 19 foi muitas vezes clássica, romântica, muitas vezes, mas mostrou uma tendência para uma narrativa, dramática, o realismo quase jornalístico. Edifícios públicos durante o último trimestre do século 19 ea primeira metade do século 20, muitas vezes, desde um cenário arquitetônico para a escultura, especialmente em relevo. Na década de 1950, a Educação escultura tradicional seria quase completamente substituída por uma preocupação Bauhaus de influência para o design abstrato. Escultura minimalista substituiu a figura em locais públicos e arquitetos quase completamente parado de usar escultura ou em seus projetos. Escultores modernos (século 21) usar os dois clássicos e abstratos projetos inspirados. Começando na década de 1980, houve uma oscilação para trás em direção a escultura pública figurativa, em 2000, muitas das novas peças públicas nos Estados Unidos eram figurativas em design.
O K'alyaan Totem Pole do Kiks.ádi Tlingit Clan, erguido em Sitka National Historical Park para comemorar as vidas perdidas na batalha de 1804 Sitka
Frederic Remington, o Bronco Buster, edição limitada # 17 de 20 de 1909.
O altar habitante esculpida de Notre-Dame Basilica (Montreal)
A mais antiga escultura europeia até à data retrata uma forma feminina, e foi estimado em datando de 35.000 anos atrás. A descoberta em 2008 fez com que especialistas para revisar a história do desenvolvimento da arte.
Esculturas sobreviventes que perderam todos os traços das cores em que eles eram muitas vezes pintadas, mostrando o material descoberto de que elas são feitas, muitas vezes mármore [10].
[Editar] Antiguidade Clássica
Cocheiro de Delphi, estátua de bronze do grego antigo, 5 século aC, close-up detalhe cabeça
Artigos principais: escultura clássica, escultura grega antiga e escultura romana
Escultura foi amplamente praticada na Grécia Antiga e Roma Antiga. Muitas estátuas sobreviver, embora sem as cores em que foram pintadas.
O tema da nudez
Uma figura sem adornos na escultura clássica grega era uma referência para o estado ou função da pessoa retratada divindade, ou outro ser. Atletas, sacerdotisas, e divindades poderiam ser identificadas por seus adornos ou a falta dela.
A preocupação com o imaginário renascentista clássica grega, como o século 5 aC. Doryphoros de Polykleitos, levou a nuas estátuas figurativas sendo visto como a "forma perfeita" da representação para o corpo humano. Posteriormente, a nudez na escultura e na pintura, muitas vezes tem representado uma forma de ideal, seja a inocência, a abertura, ou pureza. Esculturas nuas ainda são comuns. Como na pintura, que muitas vezes são feitas como exercícios de esforços para compreender a estrutura anatômica do corpo humano e desenvolver habilidades que vão oferecer uma base para fazer vestido trabalho figurativo.
Geralmente, as estátuas nuas são amplamente aceitos por muitas sociedades, em grande parte devido ao comprimento da tradição que suporta este formulário. Ocasionalmente, a forma nua chama objeções, muitas vezes por grupos morais ou religiosos. Exemplos clássicos disso são a remoção das peças da escultura grega que representam órgãos genitais masculinos (na coleção do Vaticano), ea adição de uma folha de figueira para um molde de gesso da escultura de Michelangelo de David para a visita da rainha Vitória para o Museu Britânico.
Escultura grega antiga. Uma parte dos mármores de Elgin, exibida no Museu Britânico.
[Editar] Europa Medieval
[Editar] românica
Veja também: Arquitetura românica e arte românica
O estilo românico foi chamado pelos historiadores que acreditam que ele seja um "reflorescimento nos países romance de qualidades inerentes à cultura romana e clássico." No entanto, é mais uma progênie de "bárbara e bizantina" art. [11]
Após o período de "bárbaro" invasões da Europa as tradições de grande, independente, escultura monumental e arquitectónico na Europa tinha sido perdido. Durante os pedreiros século XI e escultores de pedra começou a criar esculturas em um cenário arquitetônico novo, baseando seus esforços em fragmentos de sarcófagos, pinturas e mosaicos bizantinos, bem como bizantina e carolíngia marfins esculpidos e manuscritos iluminados. O estilo desenvolvido para decorar o emergente estilo românico arquitectónico e os artesãos mesmos eram os pedreiros e os entalhadores de pedra. [12]
"A religião cristã tem um dos seus mais gloriosos avivamentos no século XI. Ocorreu então uma torrente sem paralelo de obras de criação Estética, que deixou seu registro em portais de inúmeros e nos tímpanos de Vézelay, Moissac e Chartres, e nas fachadas e naves de tantas catedrais e igrejas menores da França. " [13]
[Editar] Gothic
Ver artigo principal: a arte gótica
Escultura gótica evoluiu a partir do início de estilo duro e alongado, ainda parcialmente românica, em uma sensação espacial e naturalista no século 12 e início do 13. As estátuas de arquitectura no (Real) Western Portal na Catedral de Chartres (c. 1145) são as primeiras esculturas góticas e foram uma revolução no estilo e do modelo para uma geração de escultores. Antes disso não havia tradição de escultura em Ile-de-France-so escultores foram trazidos de Borgonha. [Carece de fontes?] Bamberg Cathedral teve o maior conjunto de esculturas do século 13. Na escultura Inglaterra estava mais confinado a túmulos e não estatueta decorações. Na Itália, houve ainda uma influência clássica, mas góticas incursões feitas nas esculturas dos púlpitos, como o púlpito Baptistério de Pisa (1260) eo púlpito Siena (1268). ) [Duvidosa - discutir] Holandês-borgonhesa escultor Claus Sluter eo gosto pelo naturalismo marcou o começo do fim da escultura gótica, mestres góticos, como Lorenzo Ghiberti, Tullio Lombardo, Jacopo Della Quercia e Andrea Pisano obras, eventualmente, evoluir para o clássico estilo renascentista até o final do século 15.
Claus Sluter, David e um profeta do Poço de Moisés
Escultura gótica, do século 15 atrasado, Catedral de Amiens, França.
Jacopo della Quercia, Madonna de humildade, de mármore, datada de c. 1400, na National Gallery of Art
Veja também: Renascimento
Após o período gótico do período da Renascença, o que significa renascimento e leva o seu nome a partir do renovado interesse na arte, secular e literatura clássica se desenvolveu entre o Governo e as elites mercantis do norte da Itália no século 15. Michelangelo, Donatello e Verrocchio são três dos mais conhecidos escultores italianos deste período, enquanto o nome de Tilman Riemenschneider destaca-se entre aqueles ao norte dos Alpes. Donatello é geralmente apontado como o primeiro mestre da Renascença complexidade com deslumbrante em seus relevos perspectiva profunda e virtuosismo em todos os lugares em seu corpo grande de trabalho. O período da Renascença termina com o início do século 17, como a escultura é essencialmente chamado para servir uma reavivada e militante do catolicismo romano. Muitos grandes monumentos esculturais continuou a fazer das cidades e igrejas do norte da Itália importantes centros turísticos através dos 18, 19 e 20 séculos até os dias atuais.
Embora o Renascimento começou em momentos diferentes em várias partes da Europa (algumas áreas de arte criada por mais tempo no estilo gótico do que outras áreas) a transição do gótico ao renascentista na Itália foi assinalada por uma tendência para o naturalismo com um aceno à escultura clássica. Um dos escultores mais importantes do renascimento clássico foi Donatello. A maior conquista do que historiadores de arte se referem como o seu período clássico é a estátua de bronze intitulada David (não confundir com o Davi de Michelangelo), que atualmente está localizada no Bargello, em Florença. Na época de sua criação, era a estátua free-standing primeiro nu desde os tempos antigos. Concebido totalmente na rodada e independente de qualquer ambiente de arquitectura, é geralmente considerado o primeiro grande trabalho de escultura renascentista. O novo estilo escultural empresta igualmente, se não mais, com os mestres góticas tardias como Lorenzo Ghiberti, Tullio Lombardo, Jacopo Della Quercia, Pisano Andrea, da Baccio Montelupo, Francesco Giovanni Rustici, Jacopo Sansovino e di Giovanni Bertoldo. O movimento renascentista afetou todos os aspectos da arte, em todas as partes da Itália, como representado pelo renascimento consciente a partir de fontes arqueológicas da Mesa de jantar antigo, pelo grande escultor Tullio Lombardo, para o di Castello Roncade no Veneto (a casa com o frontão free-standing primeira vez desde a antiguidade.)
Durante o tempo de cerca de 1500 a 1520, Michelangelo foi um escultor ativo com obras como David ea Pietà, bem como a Madonna Bruges, a Baco, e seu Moisés, Rachel e Leah do túmulo de Júlio II. Ele também screated as figuras de Dia, Noite, Amanhecer, Crepúsculo, e Lorenzo e Giuliano da Capela Medici da Igreja de San Lorenzo, em Florença. Seu David, uma das esculturas mais famosas do mundo, foi inaugurada em 08 de Setembro de 1504. É um exemplo do estilo contrapposto de colocar a figura humana, que mais uma vez emprestado da escultura clássica. Estátua de Michelangelo de David difere das representações anteriores do sujeito em que David é retratado antes de sua batalha com Golias e não após a derrota do gigante. Em vez de ser mostrado vitoriosa, como Donatello e Verocchio tinha feito, David parece tensa e pronta da batalha. Grande rival de Michelangelo Leonardo da Vinci projetou uma escultura eqüino em 1482 o cavalo para o Milan, mas só conseguiu um 24-pé modelo de argila (7,3 m) que foi destruída por arqueiros franceses em 1499.
Donatello, David c. 1440 no Museu Bargello, em Florença.
Tilman Riemenschneider, Santa Bárbara, c. 1510, Nationalmuseum Bayerisches
[Editar] maneirista
Giambologna, violação de Mulheres de Sabine, 1583, Florença, Itália, 13 '6 "Marble, de alta
Benvenuto Cellini, Perseu com a cabeça de Medusa, 1545-1554
Durante o período maneirista, representações mais abstratas foram elogiados, (como a "Figura serpentinata" ou "figura trançado"), dando mais atenção à cor e composição, em vez de retrato realista dos temas em peça. Isto é exemplificado no Rapto de Giambologna / Rape of the Sabine Women, onde os números não estão posicionados de uma forma que é de todo confortável, ou mesmo humanamente possível, mas a posição ea emoção ainda nos deparamos. Outro exemplar do formulário é adega Benvenuto Cellini de Sal 1540 de ouro e ébano, com Netuno e Anfitrite (Terra e água) de forma alongada e posições desconfortáveis ​​(implausível poses).
Ver artigo principal: escultura barroca
Gian Lorenzo Bernini, Apollo e Daphne na Galleria Borghese, 1622-1625
Aleijadinho, São Francisco de Assis recebendo os estigmas fachada da igreja São Francisco de Ouro Preto, c. 1800
Rei Zygmunt coluna Vasa em Varsóvia, Polónia
Na escultura barroca, grupos de figuras assumiu uma nova importância, e houve um movimento dinâmico e energia de formas humanas, que em Espiral em torno de um vórtice vazio central, ou chegou fora para o espaço circundante. Pela primeira vez, escultura barroca, muitas vezes teve vários ângulos de visão ideal. A escultura barroca característica adicionada extra-esculturais elementos, por exemplo, oculta a iluminação, ou fontes de água. Muitas vezes, os artistas barrocos fundido escultura e arquitetura buscando criar uma experiência transformadora para o espectador. Gian Lorenzo Bernini foi sem dúvida o escultor mais importante do período barroco. Seus trabalhos foram inspirados por esculturas helenistas as da Grécia Antiga e Roma Imperial. Uma de suas obras mais famosas é O Êxtase de Santa Teresa (1647-1652).
[Editar] Neo-Clássica
Ver artigo principal: escultura neoclássica
Bertel Thorvaldsen: Jason eo Velo de Ouro (1803)
Antonio Canova: Psiquê revivida pelo beijo do Amor (1787)
Estátua de Falconet do czar Pedro I (1782) tornou-se um dos símbolos de São Petersburgo
O período neoclássico (c. 1750-1850) foi um dos grandes eras da escultura pública, apesar de seus "clássicos" protótipos eram mais propensos a ser cópias romanas de esculturas helenistas. Na escultura, os representantes mais conhecidos são o italiano Antonio Canova, o inglês John Flaxman eo dinamarquês Bertel Thorvaldsen. O modo neoclássico europeu também pegou nos Estados Unidos, onde seu auge ocorreu um pouco mais tarde e é exemplificado nas esculturas de Hiram Powers.
[Editar] Modern classicismo
Fragmento do túmulo de São Cipriano Kamil Norwid na cripta dos Bardos na Catedral de Wawel, Cracóvia pelo escultor Czesław Dźwigaj
Escultura na Idade dos Descobrimentos e navegadores portugueses em Lisboa, Portugal
Modern classicismo contraste, em muitos aspectos com a escultura clássica do século 19 que foi caracterizada por compromissos com o naturalismo (Antoine-Louis Barye)-o sentimentalismo melodramático (François Rude) (Jean Baptiste Carpeaux) - ou uma espécie de grandiosidade imponente (Lord Leighton). Várias diferentes direcções na tradição clássica foram tomadas como o século virou-se, mas o estudo do modelo Vivo ea tradição pós-renascentista ainda era fundamental para eles.
Rodin A Burgueses de Calais 1889, em Calais, França.
Auguste Rodin foi o escultor mais famoso europeu do início do século 20. Ele é freqüentemente considerado um impressionista escultural, como são seus alunos Camille Claudel, Medardo Rosso, Paolo Troubetzkoy, Wouters Rik, e Hugo Rheinhold, tentando modelo de um momento fugaz da Vida cotidiana. Modern classicismo mostrou o menor interesse em naturalismo e um maior interesse na estilização formal. Maior atenção foi dada aos ritmos de volumes e espaços-, bem como uma maior atenção para as qualidades contrastantes de superfície (aberto, fechado, planar, quebrados, etc), enquanto menos atenção foi dada para contar histórias e convencendo detalhes da anatomia ou traje . Maior atenção foi dada ao efeito psicológico do que ao realismo físico. Maior atenção foi dada para mostrar o que era eterno e público, ao invés do que era momentânea e privado. Foi dada maior atenção para os exemplos dos antigos e medievais artes sagradas: egípcio, Oriente Médio, Asiático, Africano e Meso-americano. Grandiosidade ainda era uma preocupação, mas em um contexto mais amplo, mais em todo o mundo.
Primeiros mestres do classicismo moderno incluído: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brancusi.
À medida que o século avançava, moderno classicismo foi adotado como estilo nacional dos dois grandes impérios totalitários europeus: a Alemanha nazista ea Rússia soviética, que cooptado o trabalho de artistas anteriores, como Kolbe e Wilhelm Lehmbruck na Alemanha [14] e em Matveyev Rússia. A Alemanha nazista teve uma temporada de 12 anos, mas ao longo dos 70 anos da URSS, as novas gerações de escultores foram treinados e escolhidos dentro do seu sistema, e um distinto estilo do realismo socialista, desenvolvida, que voltou a ênfase do século 19 sobre melodrama e naturalismo.
Formação clássica foi erradicado da educação artística na Europa Ocidental (e das Américas) em 1970 e as variantes clássica do século 20 foram marginalizados na história do modernismo. Mas classicismo continuou como fundamento da educação artística nas academias soviéticos até 1990, fornecendo uma base para a arte figurativa expressiva ao longo da Europa Oriental e partes do Oriente Médio. Até o ano 2000, a tradição clássica europeia mantém um grande apelo para os telespectadores, especialmente turistas e especialmente para a antiga, renascentista, barroco, do século 19 e períodos, mas aguarda uma tradição educativa para reviver o seu desenvolvimento contemporâneo.
No resto da Europa e Estados Unidos, o clássico ou moderno tornou-se mais decorativo / art deco (Paul Manship, José de Creeft, Carl Milles) ou mais abstratamente estilizado ou mais expressiva (e gótica) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) ou mais voltada para o Renascimento (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) ou permaneceu o mesmo (Charles Despiau, Marcel Gimond).
[Editar] A arte moderna e contemporânea
Ver artigo principal: o Modernismo
Movimentos escultura modernista incluem abstração cubismo, geométrico, De Stijl, suprematismo, construtivismo, Dadaísmo, surrealismo, futurismo, expressionismo abstrato Formalismo, Pop-Art, Minimalismo, Land Art, e arte de instalação, entre outros.
Gaston Lachaise, Floating Figure 1927, bronze, não. 5 de uma edição de 7, National Gallery of Australia
Henry Moore, Figura Encostado, 1951, Fitzwilliam Museum, Cambridge
David Smith, Cubi VI, (1963), Museu de Israel, Jerusalém.
Nos primeiros dias do século 20, Pablo Picasso revolucionou a arte da escultura, quando ele começou a criar suas construções formadas pela combinação de diferentes objetos e materiais em uma peça construída de escultura. Picasso reinventou a arte de escultura com seu uso inovador de Construção de uma obra em três dimensões com material díspar. Assim como colagem foi uma evolução radical em duas dimensões da arte, assim foi a construção de um desenvolvimento radical em três escultura tridimensional. O advento do Surrealismo levou às coisas, ocasionalmente, sendo descritos como "escultura" que não teria sido tão anteriormente, como "escultura involuntária" em vários sentidos, incluindo coulage. Nos últimos anos, Pablo Picasso se tornou um prolífico e ceramista oleiro, revolucionando a forma de arte em cerâmica é percebida. George E. Ohr e mais escultores contemporâneos, como Peter Voulkos, Kenneth Price, Robert Arneson, e George Segal e outros efetivamente utilizada cerâmica como um meio importante integrante de seu trabalho.
Do mesmo modo, o trabalho de Brancusi no início do século abriu o caminho para escultura mais tarde resumo. Na revolta contra o naturalismo de Rodin e seus late-19th século, temas contemporâneos Brancusi destilada para suas essências como ilustrado por seu pássaro no Espaço (1924) série. Estas formas elegantemente refinados se tornou sinônimo de escultura do século 20. [15] Em 1927, Brancusi ganhou um processo contra as autoridades alfandegárias americanas que tentavam valorizar sua escultura como metal bruto. O processo levou a mudanças legais que permitam a importação de arte abstrata, livre de direitos. [16]
Impacto de Brancusi, com seu vocabulário de redução e abstração, é visto ao longo dos anos 1930 e 1940, e exemplificada por artistas como Gaston Lachaise, Jacob Sir Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, González Julio, Serrano Pablo, Lipchitz Jacques [ 17] e mais tarde no século por Carl Andre e Safer John que acrescentou movimento e monumentalidade ao tema da pureza da linha. [18]
Uma vez que as tendências modernistas em 1950 escultura tanto abstrato e figurativo têm dominado a imaginação do público e da popularidade da escultura modernista tinha deixado de lado a abordagem tradicional. Picasso foi contratado para fazer uma maquete de uma escultura de 50 pés (15 m) de altura enorme público a ser construída em Chicago, conhecida geralmente como o Picasso Chicago. Ele aproximou-se do projeto com uma grande dose de entusiasmo, projetando uma escultura que era ambígua e um tanto controversa. O que a figura representa não é conhecido, que poderia ser um pássaro, um cavalo, uma mulher ou uma forma totalmente abstrata. A escultura, um dos mais famosos marcos históricos no centro de Chicago, foi inaugurada em 1967. Picasso se recusou a pagar 100.000 dólares para ele, doá-lo ao povo da Cidade.
Durante os anos 1950 e 1960 escultores abstratos começou a experimentar com uma ampla gama de novos materiais e diferentes abordagens para a criação de seu trabalho. Imaginário surrealista, abstração antropomórfica, novos materiais e combinações de fontes de energia novas e variadas superfícies e objetos tornou-se característica da nova escultura muito modernista. Projectos em colaboração com designers, arquitetos, paisagistas e arquitectos paisagistas expandiu a zona exterior e integração contextual.
Artistas como Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Lippold Richard, George Rickey, Louise Bourgeois, e Nevelson Louise veio a caracterizar o olhar da escultura moderna, e as obras minimalistas de Tony Smith, Robert Morris, Donald Judd, Larry Bell, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, e outros levaram escultura abstrata contemporânea em novas direções.
Na década de 1960 o expressionismo abstrato, a abstração geométrica e Minimalismo predominou. Algumas obras do período são: o Cubi obras de David Smith, e as obras de aço soldados de Sir Anthony Caro, o trabalho em grande escala de John Chamberlain, ea escala ambiental de instalação funciona por Mark di Suvero.
Durante os anos 1960 e 1970 escultura figurativa de artistas modernistas em formas estilizadas de artistas como: Leonard Baskin, Trova Ernest, Escobar Marisol, Thek Paulo, e Neri Manuel tornou-se popular. Na década de 1980 vários artistas, entre outros, explorando escultura figurativa foram Robert Graham em um estilo clássico articulada e Fernando Botero trazendo sua pintura das "figuras de grandes dimensões" em esculturas monumentais.
[Editar] Galeria da escultura modernista
Jacob Epstein, Dia e Noite, esculpida para a sede do metro de Londres, 1928.
Jacques Lipchitz, "O nascimento das Musas", (1944-1950).
Henry Moore, três peças de reclinação figura n º 1, de 1961, Yorkshire
Tony Smith, Free Ride, de 1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (a altura da abertura de uma porta padrão EUA), Museu de Arte Moderna de Nova York
Larry Bell, Untitled 1964, bismuto, cromo, ouro e ródio em dourado bronze, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
Pablo Picasso, Escultura Pública, 1967, Chicago, Illinois
Isamu Noguchi, Heimar de 1968, no Billy Rose Garden Escultura, Museu de Israel, Jerusalém, Israel
George Rickey, Quatro Praças em Geviert, 1969, terraço da Nova Galeria Nacional, Berlim, Alemanha
Alexander Calder, crinkly avec rouge disco de 1973, Schlossplatz, Stuttgart
Sir Anthony Caro, Black cobertura plana, de 1974, aço, Tel Aviv Museum of Art
Donald Judd, Untitled 1977, Münster, Alemanha
Joan Miró, Mulher e Pássaro, 1982, Barcelona, ​​Espanha
Richard Serra, Fulcrum 1987, 55 pés escultura alto nível livre de Cor-10 de aço perto de estação de Liverpool Street, London
Mark di Suvero, Aurora, 1992-1993, National Gallery of Art, Washington, DC.
[Editar] Minimalismo
Ver artigo principal: Minimalismo
O estilo minimalista reduz escultura de suas características mais essenciais e fundamentais. Minimalistas incluem Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, e Dan Flavin;
[Editar] movimento site-specific
Obras específicas do local e ambiental de arte são representados por artistas: Donald Judd, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey, e Christo e Jeanne-Claude levou escultura abstrata contemporânea em novas direções. Artistas criado escultura ambiental em sites expansivas na "arte da terra no oeste americano" grupo de projetos. Estes land art ou escultura "arte da terra 'escala ambiental funciona exemplificada por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, Turrell James (Roden Crater) e outros
A arte da terra (terra de arte) obras escala ambientais esculturas de Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell e outros
Spiral Jetty de Robert Smithson do alto ponto Rozel, em meados de Abril de 2005
Dê If You Can - Tome Se Você tem que por Jacek Tylicki, Ilha Palolem, Índia, 2008
[Editar] Postminimalism
Ver artigo principal: Postminimalism
Artistas Bill Bollinger, Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman, e Lucas Samaras, entre outros foram os pioneiros de sculpture.The Postminimalist mais tarde as obras de Robert Graham continuou evoluindo, muitas vezes em ambientes de arte pública, no século 21 .
Também durante os anos 1960 e 1970 artistas tão diversos como Stephen Antonakis, Chryssa, Walter De Maria, Dan Flavin, Robert Smithson, Robert Irwin, Oldenburg Claes, George Segal, Kienholz Edward, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson e John DeAndrea explorou imagens de abstração e figuração através de vídeo-arte, meio ambiente, escultura de luz, land art, arte e instalação de novas maneiras.
[Editar] Readymade
Ver artigo principal: arte encontrada
O termo arte encontrada - objeto mais comumente encontrado (em francês: objet trouvé) ou readymade - descreve a arte criada a partir da indisfarçável, mas muitas vezes modificado, o uso de objetos que normalmente não são considerados arte, muitas vezes, porque eles já têm uma função, mundano utilitária. Marcel Duchamp foi o criador deste no início do século 20 com peças como Fountain.
[Editar] Arte Conceitual
Ver artigo principal: Arte Conceitual
Arte conceitual é a arte em que o conceito (s) ou idéia (s) envolvida no trabalho têm precedência sobre estética tradicional e preocupações materiais. Os trabalhos incluem One and Three Chairs, 1965, é de Joseph Kosuth, e uma árvore de carvalho por Michael Craig-Martin.
[Editar] O pós-modernismo
A Spire of Dublin modernista e pós escultura mais alto do mundo
Guardas Tempo / Madonna, escultura de luz por Manfred Kielnhofer no Art Luz Bienal Austria 2010
Artigos principais: arte pós-moderna, a arte da terra, Joseph Beuys, e James Turrell
Pós-moderna escultura ocupa um amplo Campo de atividades do que a escultura modernista, como Rosalind Krauss observou. Sua idéia de escultura no campo expandido identificou uma série de oposições que descrevem as várias escultura-como atividades que são pós-moderna escultura:
Canteiro de obras é a intersecção da paisagem e arquitetura
Estruturas axiomáticos é a combinação de arquitetura e não-arquitetura
Locais marcantes é a combinação de paisagem e não-paisagem
Escultura é a interseção de não-paisagem e não-arquitetura
Preocupação Krauss foi a criação de uma explicação teórica que poderia se ajustam adequadamente os desenvolvimentos da Land Art, a escultura minimalista, e site-specific arte na categoria de escultura. Para fazer isso, a sua explicação criou uma série de oposições em torno relação da obra ao seu ambiente.
[Editar] gêneros contemporâneos
Algumas formas de escultura modernas estão agora praticada ao ar livre, como arte ambiental e escultura ambiental, muitas vezes, à vista dos espectadores. Escultura de luz e site-specific arte também muitas vezes fazem uso do meio ambiente. Escultura de gelo é uma forma de escultura efêmera que usa gelo como Matéria-prima. É popular na China, Japão, Canadá, Suécia e Rússia. Esculturas de gelo característica decorativa em algumas cozinhas, especialmente na Ásia. Esculturas cinéticas são esculturas que são projetados para se mover, o que inclui celulares. Esculturas de neve são geralmente esculpida em um único bloco de neve de cerca de 6 a 15 pés (4,6 m) em cada lado e pesando cerca de 20-30 toneladas. A neve é ​​densamente povoada em uma forma depois de ter sido produzido por meios artificiais ou coletados no chão após uma queda de neve. Esculturas sonoras assumir a forma de instalações sonoras interiores, instalações exteriores, tais como harpas eólicas, autómatos, ou seja mais ou menos próximo convencionais instrumentos musicais. Escultura sonora muitas vezes é site-specific. Um Castelo de areia pode ser considerada como uma escultura areia. Escultura peso (no espaço) como um conceito é criado em 1985 pelo Artista holandês Martin Sjardijn. Lego escultura de tijolos envolve a utilização de tijolos comuns de Lego para construir esculturas realistas ou artísticas, por vezes, usando centenas de milhares de tijolos. Brinquedos de arte tornaram-se um outro formato para artistas contemporâneos desde os anos 1990, tais como as produzidas por Takashi Murakami e Kid Robot, projetado por Michael Lau, ou feitos à mão por Michael Leavitt (artista). [19]
[Editar] estatuto social dos escultores
Nuremberg escultor Adam Kraft, auto-retrato de St Lorenz Church, 1490.
Em todo o mundo, os escultores têm sido geralmente comerciantes, cujo trabalho é assinado. Mas, no mundo clássico, muitos antigos escultores gregos como Fídias começou a receber reconhecimento individual em Atenas de Péricles. Na Idade Média, artistas como os Gislebertus do século 12, por vezes, assinou o seu trabalho, e foram procurados por diferentes cidades, especialmente a partir dos anos Trecento em Itália, com figuras como Arnolfo di Cambio, e Pisano Nicola e seu Filho Giovanni. Muitos escultores também praticado em outras artes; Andrea del Verrocchio pintou também, e Giovanni Pisano, Michelangelo, Jacopo Sansovino e eram arquitetos. Alguns escultores mantida grandes oficinas.
Dos artistas do Alto Renascimento, como Michelangelo, Leone Leoni e Giambologna poderia se tornar Rico, e enobrecido, e entrar no círculo dos príncipes. Escultura decorativa muito em edifícios continuou a ser um comércio, mas escultores que produzem peças individuais foram reconhecidos em um nível com pintores. A partir do século 18 ou início escultura também atraiu estudantes de classe média, embora tenha sido mais lento para fazer isso do que a pintura. Escultores mulheres demorou mais para aparecer do que pintores mulheres, e eram menos proeminente até o século 20.
Danos visíveis devido à chuva ácida em uma escultura
Efeito da chuva ácida sobre esculturas
Esculturas são sensíveis às condições ambientais, tais como temperatura, humidade e exposição à luz ultravioleta e luz. A chuva ácida também podem causar danos aos materiais de construção certas e monumentos históricos. Isto resulta quando o ácido sulfúrico na chuva reage quimicamente com os compostos de cálcio nas pedras (calcário, mármore, arenito e granito) para criar o gesso, que, em seguida, flocos de folga.
A qualquer momento muitas esculturas contemporâneas têm sido geralmente em exibição em locais públicos; roubo não foi um problema como peças foram imediatamente reconhecível. No início do século XXI o valor de metal subiu para um ponto tal que o roubo de escultura de bronze maciço para o valor do metal se tornou um problema; milhões de dólares escultura ser roubado e derretidos para o valor relativamente baixo do metal, uma pequena fracção do valor da obra de arte [20].