Data de lançamento: 12.08.2011 (Brasil) / 26.11.2010 (Festival de Brasília)
O título já o exclui de qualquer formato ou pensamento clichê. A escolha pelo desconhecido Fernando Bezerra* como ator principal (e quase solo) materializa a ausência de qualquer tentativa chamariz de público (o que não interpreto como mérito nem demérito) e intensifica o caráter documental (essencial a esse trabalho). A acertada opção por um preto e branco extremamente incisivo solidifica as escolhas, agrega subjetividade à narrativa e prioriza a urgência e a solidão da dedicada e excelente atuação do protagonista.
Conduzindo a trajetória do recém aposentado Expedito (Bezerra), Eryk Rocha cria, em sua estreia à frente de um longa de ficção, uma obra marcante e, mesmo que eu me arrisque a dizer que o cineasta tem material (intelectual) e competência para superar o aclamado (pela maioria) pai (Glauber), é evidente (em especial na utilização das sombras) a influência que carrega.
O filme funciona, também, como um apelo, inicialmente, à vida do velho solitário e, gradativamente, transmuta-se em um convite para viver. Irrequieta e verdadeiramente intimista, essa produção, em meio a tantas tão panfletadas, surge como uma abóbada cinematográfica. Aqui há uma fotografia cuidadosa e esculpida nas solitárias imagens monocolores. Aqui há, igualmente, uma trilha sonora fundamental a cada sequência. E aqui há, sobretudo, cinema.
Mesmo causando algum desconforto inicial, devido à falta de diálogos, tudo é elucidado aos poucos e, para concretizar o desenvolvimento subjetivo do personagem, nada seria melhor que colacionar à construção de um edifício que, além de ser concreto por acepção, jamais seria erguido sem apoio.
Nunca é minha intenção, prever o futuro, mas ouso profetizar (usando-me do profeta que desarticula o roteiro) que, em um futuro distante (ou nem tão), um aprendiz superará o seu mestre (pós-vida) e o cinema brasileiro estará em ótimas mãos. No final de semana do Dia dos Pais, Glauber ficaria feliz.
*Se buscarmos por Fernando Bezerra no Google (peço desculpas pelo merchandising gratuito), iremos encontrar (ao menos por enquanto), na primeira página de resultados, dois políticos e um dermatologista.
Data de lançamento: 24.12.2010 (Brasil) / 09.11.2010 (EUA)
Quando surgem bons frutos longe de Hollywood, o cinema americano, sem pudor, colhe e clona essas obras estrangeiras. O que poderia ser chamado de remake tem se tornado uma forma banal e ignorante de refilmar longas recentes.
Felizmente, 72 Horas consegue superar o original francês (Tudo por Ela, de Fred Cavayé) graças a um dos melhores roteiristas da atualidade e diretor promissor, Paul Haggis (Crash - No Limite), e, em diversos momentos, ultrapassa, com méritos, a sensível linha que separa o remake confesso da originalidade na imitação.
A tarefa de Haggis não era fácil. Além de ter em mãos um bom filme, ainda fresco, o argumento inicial do longa fica longe de ser original. Uma família comum e feliz que, de repente, vê a vida se transformar em um caos, certamente qualquer espectador(a) que assiste a mais de um filme por mês já conheceu antes. Mas o cineasta vai além do banal. Exibindo o seu talento excepcional para o drama humano, Haggis, junto à ótima fotografia, imprime profundidade aos personagens de uma forma delicada e verdadeira e, ao mesmo tempo, desenvolve uma empatia essencial ao suspense do último ato.
O elenco, sem dúvida, auxilia para o bom resultado final. Russell Crowe, submerso no professor John Brennan, retorna às grandes atuações (após o insosso Robin Hood) e Elizabeth Banks (que nunca foi uma atriz acima da média) convence categoricamente. Há, ainda, a participação sempre positiva de Liam Neeson e, para quem viveu a infância nos anos 80 e início dos 90, o saudoso Daniel Stern (Esqueceram de Mim), em uma ponta como o advogado do professor Brennan, além da irresistível presença de Brian Dennehy (o xerife Will Teasle, de Rambo - Programado para Matar).
Mesmo estruturando seu maior erro no desejo latente de fazer um filme comercial (quando o roteiro começa a ceder ao didatismo), com uma crítica à internet nem um pouco sutil, Haggis demonstra a sua habilidade para maquilar qualquer didatismo com uma pincelada de sentença óbvia que, desta vez, encontra todo um alicerce na trilha sonora do sempre interessante Danny Elfman.
72 Horas, em resumo, é um fruto semelhante àquele francês, porém ainda mais suculento. E, fazendo um paralelo literário interno - bem apropriado -, fico em dúvida se eu quero viver feliz lutando contra moinhos ou se me entrego ao mundo que se julga real. Dom Quixote fez a escolha dele guiado por Cervantes.
Data de lançamento: 12.11.2010 (Brasil)
Roteiro: João Avelino, Rosana Ferrão, Bruno Mazzeo
Esqueçamos a originalidade do co-roteirista. Bruno Mazzeo não quis (e é visível) recriar a sua forma de contar histórias e muito menos buscou piadas e situações novas. O fato é que ele seguiu as fórmulas já utilizadas em seus diversos trabalhos para televisão (e que funcionam bem) para criar um roteiro simplório, sem grandes reviravoltas, repleto de clichês e piadas imperiais ("Dizem que o fumo mata lentamente, viu?" "E quem disse que tô com pressa?"). Mas o filme flui com boa leveza... e isso, devido às fraquezas mencionadas, é um mérito considerável.
A trama segue Tita (Andréia Horta), que, após desistir de um casamento fadado ao fracasso, viaja com as amigas Mari e Aninha (Gianne Albertoni e Fernanda Souza respectivamente) à paradisíaca Búzios, naquela que seria a viagem da sua lua-de-mel. No caminho, o trio se torna um quarteto, ao encontrar e, aos poucos (ou nem tanto), absorver a hiponga Estrella (Débora Lamm), que está à procura de seu pai.
É nesse quarteto principal que reside o maior erro da projeção. Tita, devido à desilusão amorosa, é a que só pensa em fazer festa com o maior número de homens. Mari, por ter levado uma cantada do chefe (Lúcio Mauro), decide tirar férias do sexo oposto (no que é um motivo solto). Aninha é a indecisa. E Estrella é a pseudo-hippie. Pecando ao não tratar as personagens como pessoas e, sim, como tipos citados, o roteiro se prende a uma sucessão de situações repetidas e, ao não se aprofundar, nem por um instante, nos dilemas de cada uma delas, expõe a sua face de programa televisivo do naipe de Zorra Total ou A Praça é Nossa, com um quê, claro, de Cilada e Junto & Misturado.
Mesmo assim, as quatro atrizes não se saem mal, porém é Fernanda Souza que se destaca. Seja pelo seu esforço para que o espectador acredite em todas as situações expostas ou pela forçada repetição (e que não é culpa dela) dos seus pensamentos indecisos (que parece martelar na cabeça do espectador essa sua condição), a atriz consegue imprimir um bom ritmo às sequências que participa, o que acaba beneficiando as colegas de cena.
Recheado de participações especiais, nenhuma delas tem o efeito catalisador de risadas do talentosíssimo Marcelo Adnet. Encarnando o típico playboy paulistano, Adnet vale, sozinho, por, no mínimo, um quarto do ingresso. A cena em que vê seus aparelhos de última geração encharcados em "vomíto" é, definitivamente, o ápice cômico do filme. É triste perceber que, após essa sequência muito bem realizada, o roteiro (sempre ele) vai destruindo a piada com suas repetições traiçoeiras, parecendo querer espremer até a última gota de uma laranja que, contrariando a intenção, acaba ficando sem gosto – e isso é ainda mais perceptível numa sala de cinema cheia. O mesmo ocorre com as personagens de Maria Clara Gueiros (a empregada escandalizada), Lúcio Mauro Filho (Chiii-cleee-te!) e Hermes & Renato ("Show! Show! Show! Show!"), que surgem colhendo boas risadas, mas são sabotados pelo mesmo cansativo e excessivo replay piadístico.
A grande Laura Cardoso, que tem a sua participação logo no princípio dos noventa minutos, como a avó de Estrella, é prejudicada por um texto débil e uma fotografia levemente esverdeada (cor de "vomíto"?). Já Bruno Mazzeo, em sua única aparição, também no início, faz, junto à Ellen Roche, uma ceninha de pornochanchada capaz de arrancar uma risada (duas, talvez).
Nelson Freitas e Dudu Azevedo, donos de espaços maiores, saem-se regulares. Freitas é traído por um personagem pseudo-argentino que fala demais e, por incrível que possa parecer, sai-se melhor nas cenas em que não precisa incutir o riso nos espectadores. Já o galã não faz mais do que fizera, outrora, em novelas... não comprometendo, mas sem qualquer destaque.
Sérgio Mallandro, em uma curtíssima sequência como tatuador, merece elogios (e ainda deixo claro que nunca gostei do seu trabalho). Ele surge firme, contido e valorizado, em um dos raros acertos da direção de Joffily.
André Mattos, com sua personagem alucinada pela emancipação de Búzios, também merece aplausos, mesmo sendo castigado pela repetição (se estou martelando repetidamente nessa falha, não é mera coincidência).
Além, Luís Miranda consegue um bom resultado com a Drag Queen Buba.
O trabalho de Felipe Joffily, que prometia crescer (após ter realizado o bom ÓdiQuê? e ter trabalhado, com ótimos resultados, no Cilada), com Muita Calma Nessa Hora desce alguns degraus. É possível que, às vezes, o filme pareça uma grande montagem de pequenos videoclipes intercalados por esquetes cômicas. Seria pela experiência e intimidade que o diretor possui com o gênero? Pode ser que sim.
Claro que o baixo orçamento prejudicou (basta observar a quantidade de patrocinadores que surgem à tela grande antes do início do longa e as menções, quase que constantes, de uma determinada operadora no decorrer), mas a lição de casa precisa ser feita de forma mais contundente.