Brilhar uma luz na arte japonesa
Como sugerido por duas exposições relacionadas que se inauguraram no início de novembro na Fundação das Artes de Pulitzer, a arte convida e muitas vezes nos obriga a ver o mundo em uma nova perspectiva, seja em Ladue - ou na Terra do Sol Nascente.
"Prova viva: Desenho no Japão do século XIX" e "Rough Cut: Independent Japanese Animation", as exposições em questão com a organização organizada pela curadora associada de Pulitzer, Tamara H. Schenkenberg, e o curador independente Kit Brooks e o último pela curadora assistente de Pulitzer, Stephanie Weissberg.
A exposição de Schenkenberg se centra em mais de 70 obras preliminares de esboços em canetas / pinceladas criadas para uso ou uso potencial em gravuras em madeira nos períodos Edo e Meiji do Japão (respectivamente, 1603 a 1868 e 1868 a 1912). Weissberg se concentra em um trio de breves peças de animação - dois filmes de 35 milímetros transferidos para o vídeo, bem como uma terceira oferta digital - criada em 1929, 1961 e 2008.
Ambas as exposições iluminam as maneiras pelas quais os criadores em seus respectivos meios de comunicação produziram ou produziram arte no Japão, com Schenkenberg e Weissberg ajudando a distinguir entre eles e obras de arte similares na tradição ocidental.
"Essas obras não são" estudos "no sentido convencional, em que o artista grava as observações da vida", diz Schenkenberg de "Living Proof" (cujo título trocadinha a técnica de definição de prova de arte, o que significa, vagamente, uma gravura em madeira preliminar ou outra imprima para garantir qualidade antes de uma corrida completa). "Em vez disso, muitas das obras nos pontos intersticiais da marca de exibição na trajetória do processo de impressão em madeira mais longa. Enquanto alguns artistas do Japão se baseavam na natureza, para refinar e avançar suas habilidades, a maioria dos artistas treinados copiando as obras de um artista mestre no estúdio ou de um caderno, muitas vezes por muitos anos.
"Também é importante notar que não há um termo simples para desenhar em japonês; Em vez disso, uma série de palavras descrevem os produtos variantes do desenho, com base na função pretendida do trabalho e nas circunstâncias de sua produção ".
Da mesma forma, Weissberg diferencia entre os três trabalhos em "Rough Cut" - por título, The Golden Flower por Noburō Ōfuji, Stamp Fantasy por Yoji Kuri e Daumenreise # 6 Kyoto por Maya Yonosho - e os produtos do anime mainstream, animação japonesa que vão desde o Americanized 1960's Speed ​​Racer para 1997's Princess Mononoke.
"Esses filmes são divergentes do que muitos podem associar com o anime", diz Weissberg de sua exposição. "A definição exata de anime é contestada entre os estudiosos do cinema, mas alguns argumentariam que os filmes incluídos no" Rough Cut "representam uma linhagem separada devido a uma série de fatores, incluindo a data de lançamento, o formato eo método de distribuição.
"Apesar de suas diferenças, os filmes compartilham muitas das mesmas raízes iniciais que uma animação mais orientada comercialmente no Japão, incluindo a influência do mangá, ou quadrinhos japoneses e novelas gráficas. Os filmes em exibição no 'Rough Cut' oferecem uma perspectiva ampliada sobre a animação japonesa, fornecendo informações sobre como a animação e a atenção japonesa independente precoce às histórias materiais do papel abriram o caminho para filmes experimentais posteriores "
Os dois curadores de Pulitzer também fornecem comentários esclarecidos sobre os antecedentes processuais de suas exposições, cedo e tarde, com Schenkenberg explicando a escassez de preliminares como os exibidos em "Living Proof". O resumo de Pulitzer afirma que tais preliminares freqüentemente atingiram o arquivo circular e que "os exemplos sobreviventes raramente foram coletados, estudados ou exibidos"; Esse breve também coloca "Living Proof" como "a primeira exibição dos EUA em três décadas para explorar trabalhos desse tipo".
Schenkenberg acrescenta: "Muitas das obras foram destruídas como uma parte necessária do processo de impressão - um escarificador colou o desenho em um bloco de madeira, umedeceu o papel para enrolar a camada superior de fibras e revelou as linhas e depois esculpidas no woodblock através do papel. Outras obras podem ter sido descartadas como sem importância porque foram vistas em grande parte como material arquivístico e não artístico.
"Os desenhos que sobreviveram até o presente dia foram em grande parte retidos ou recuperados por indivíduos que reconheceram seu valor como documentos educacionais ou artísticos, incluindo estudantes, distribuidores e membros da família. Parece provável que alguns trabalhos tenham sido salvos porque os estudantes os ligaram a álbuns. Muitos dos desenhos de Tsukioka Yoshitoshi, por exemplo, parecem ter vindo do mesmo álbum. ... Além disso, alguns desenhos sobreviveram porque as séries impressas para as quais foram criadas nunca foram realizadas ".
Refletindo a juventude comparativa do meio exposto em "Rough Cut", Weissberg também esboça o meio em que Stamp Fantasy e Daumenreise # 6 Kyoto, pelo menos, surgiu.
"Pós-Segunda Guerra Mundial, muitas das práticas de produção no Japão refletiram os Estados Unidos", diz ela. "Os animadores japoneses começaram a usar celulóides no pós-guerra, ao mesmo tempo em que a indústria viu um aumento nos principais estúdios de animação que produziam filmes de longa duração com um orçamento relativamente alto. Esses filmes empregaram dezenas de designers e artistas que ajudaram a alcançar o projeto geral, e essa prática continua hoje com filmes digitais ".
Ironicamente, o assunto comum entre os trabalhos em "Living Proof" soa estranhamente semelhante ao que pode aparecer em muitos anime comercial hoje - ou, nesse caso, no cinemaplex americano médio. Além do ambiente natural e dos acontecimentos cotidianos, Schenkenberg menciona "cenas dos bordéis e do teatro Kabuki, além de seres sobrenaturais, [e] figuras históricas e literárias".
Ela também amplia os antecedentes processuais da gravura japonesa dos dois períodos históricos envolvidos, sugerindo ainda a raridade dos trabalhos "Living Proof".
"O esforço eo tempo necessário para criá-los variados pelo artista ou estúdio", diz Schenkenberg. "Alguns artistas do período Edo produziram até 40.000 projetos, enquanto outros produziram 10.000 ou menos. Também dependia se várias pessoas estivessem envolvidas na criação de um único desenho - às vezes o artista mestre produzia um design e passá-lo para um aluno sênior, que preencheria todos os detalhes deixados em branco ".
Finalmente, ela também explica em parte a maneira curiosa, se fortuita, em que uma parte da arte da exposição sobreviveu, o que sugere uma divergência cultural intrigante entre os EUA e seu aliado no Pacífico.
"Algumas dessas obras foram montadas em álbuns, o que dá aos historiadores da arte uma visão de como eles foram vistos", diz Schenkenberg. "Em vez de espaços públicos, como museus, a arte no Japão era tipicamente vista em espaços privados. A preservação de obras em um formato de álbum suporta esse tipo de visualização local e específica para ocasiões, pois os álbuns permitem uma interação mais íntima com os desenhos ".
Agora, graças ao Pulitzer, essas obras, de maneira irônica, viajaram o mundo - desde a exibição de álbuns no Japão até você em breve.